Le lien entre Zola et les arts visuels a, certes, fréquemment retenu l’attention des chercheurs. Son amitié avec les artistes, son rapport à l’impressionnisme, son activité de critique d’art, la promotion des peintres de son temps, le roman L’OEuvre et son personnage principal, Claude Lantier, ont fait l’objet de nombreuses analyses sans que le rôle de l’art soit envisagé dans la totalité de ses aspects et inscrit dans l’économie générale de l’oeuvre. Malgré la permanence du thème artistique dans ses textes et la passion de l’écrivain pour les images, force est de constater qu’aucune étude d’ensemble n’a été consacrée aux arts visuels dans leur rapport à la création zolienne. Brosser le portrait d’un Zola artiste – non seulement peintre mais aussi sculpteur et architecte –, en considérant l’intégralitéde son oeuvre – romans, nouvelles, pièces de théâtre, dossiers préparatoires, écrits critiques, correspondance –, en croisant différentes approches méthodologiques – thématique, sociologique, comparatiste, esthétique, génétique –, et en constituant une vaste iconothèque représentative de la place fondamentale des arts visuels, tel est l’objectif du présent travail qui ambitionne d’appréhender le processus de création zolien, lequel emprunte à la production de l’oeuvre plastique son déroulement : ébauche, composition, exposition. / The relationship between Zola and the visual arts has, of course, frequently held the attention of researchers. His friendship with artists, his relation to impressionism, his career as an art critic, the defence of painters of his time, the novel L’OEuvre and its character Claude Lantier have been the subject of numerous analyses. Yet, the role of art in all its aspects and in the global perspective of his complete work has not, so far, been considered. Despite the permanence of the artistic theme in his texts and the passion of the writer for images, no comprehensive study has been devoted to the visual arts in their relationship to the Zolian creation. To portray Zola as an artist – not only a painter but also a sculptor and an architect ‒, while also considering the entirety of his work – novels, short stories, plays, preparatory dossiers, critical writings, letters –, and using different methodological approaches – thematic, sociological, comparatist, aesthetic, genetic – in order to form picture library representative of the essential place of the visual arts in Zola’s oeuvre ‒ is the purpose of this work.We aim to understand the process of Zolian creation, which imitates the process of producing a work of art: to sketch, compose, and exhibit.

Ce travail de recherche porte sur l’œuvre de la Vénitienne Rosalba Carriera (1675-1757), qui connut un succès international grâce à ses portraits et à sa maîtrise exceptionnelle du pastel. Cependant, il serait réducteur de parler de Rosalba Carriera uniquement en tant qu’artiste.En effet, cette dernière rédigea une vaste correspondance, plusieurs textes en relation avec la société de son époque, écrivit un petit traité sur le pastel et fut dans le même temps poète et diariste.Le but de cette recherche consistera donc – sans oublier son travail de peintre –à mettre en lumière l’autre facette de l’artiste, à savoir, la femme de Lettres en prise avec son temps dont elle fut un témoin attentif.Dans cette double perspective, l’accent est mis, en premier lieu, sur la peinture et les femmes peintres en Europe et à Venise au XVIIIe siècle, avec une mention particulière pour la formation artistique de Rosalba Carriera. Dans un second temps, sont analysés ses écrits, parmi lesquels sa vaste correspondance ainsi que ses journaux qui révèlent ses qualités d’épistolière et de diariste ainsi que le vaste réseau qu’elle avait su se constituer en Europe, tout particulièrement en France et, dans une moindre mesure, en Angleterre. Enfin, Rosalba Carriera sera présentée comme poète, mais également comme témoin social et historique de son temps au travers de plusieurs écrits de natures diverses, au nombre desquels on compte le traité sur le pastel, Maniere diverse per formare i colori, dans lequel elle apparaît comme une remarquable pédagogue et spécialiste en la matière.Ces différentes facettes de Rosalba Carriera composant le portrait d’une artiste et femme de Lettres dans l’Europe des Lumières. / This thesis is about the work of the Venetian Rosalba Carriera (1673-1757), who knew an international success thanks to her portraits and her exceptionnal mastery of pastel painting. However, Rosalba Carriera was not only an artist. In effect, she wrote many letters, texts in relation with the society of her century and she wrote a little essay about the pastel and she was also a letter writer, a poet and wrote diaries. Without forgetting her identity of artist,we will stress on her profile of woman of Letters, witness of her century. First of all, we will speak about the painting and the women painters in Europ and in Venice in the 18th century and we will insist on the artistic formation of Rosalba Carriera.In a second time, we will analyse the writings of Rosalba: her letters and diaries that reveal her qualities of letter writer and diarist and also the large network she especially developed in France and a little bit in England. Finally, we will introduce Rosalba as a poet, as a social and historical witness of her time thanks to many texts and thank to her essay on the pastel painting, Maniere diverse per formare i colori, where she appears as an educationalist and specialist. These differents facets of Rosalba Carriera will make up the portrait of an artist and a woman of Letters in the Enlightenment Europ.

Issu d’une famille d’artisans parisiens, loin des dynasties d’artistes qui émaillent l’époque moderne, Charles Michel-Ange Challe (1716-1778), peintre d’histoire, professeur de géométrie et de perspective à l’Académie royale, puis dessinateur de la Chambre et du Cabinet du roi, témoigne d’une émancipation professionnelle caractérisée. Parallèlement, la trajectoire personnelle de l’artiste, né de parents fort modestes, atteste une mobilité sociale certaine, marquée par nombre de reconnaissances tels que ses appartenances académiques, ses liens privilégiés avec la famille Nattier et la progression remarquable de sa situation économique, culturelle et sociale. Ponctué d’autant de chaos que de victoires, le parcours de Michel-Ange Challe, tantôt agissant, subordonné, contraint ou émancipé, éclaire à de nombreux égards, la situation des artistes parisiens au milieu du XVIIIe siècle. / Charles Michel-Ange Challe (1716-1778) began as an History painter, a professor of geometry and perspective at the Royal Academy in Paris, before being appointed as Dessinateur de la Chambre et du Cabinet du roi. He was born among a family of Parisian craftsmen, with no link with the numerous dynasties of artists flourishing during this era. The way he pursued his life attest to his outstanding professional emancipation. At the same time, the personal life of the artist, whose background was very modest, attest to a certain social mobility, marked by many recognitions such as his academic affiliations, his links with the Nattier family and the exceptional progress of his economic, cultural and social situation. Punctuated by as many chaos as victories, the career of Michel-Ange Challe, alternately acting, subordinate, forced or emancipated, illustrate in many ways the situation of the parisian artists in the mid of the 18th century.

Cette thèse est consacrée à l’étude en regard l’une de l’autre des œuvres picturales et littéraires de deux artistes nées en Europe, qui fréquentèrent les cercles surréalistes parisiens dans les années 30 avant de s’exiler au Mexique durant la seconde guerre mondiale : Remedios Varo (1908-1963) et Leonora Carrington (1917-2011). Il s’agit de rechercher les points de convergence et les divergences entre les processus créatifs des deux artistes, de faire dialoguer leurs œuvres et d’interroger leurs points de collaboration créative, en se centrant sur la question des images. L’approche proposée dans ce travail est tout à la fois comparative et pluridisciplinaire, puisqu’elle s’élabore au croisement de l’histoire de l’art, de l’analyse littéraire, de l’analyse picturale et de la civilisation.Le concept d’image, dont la délimitation fait l’objet du préambule, est entendu dans quasiment toutes ses acceptions – depuis l’image picturale et l’image verbale jusqu’à l’image mentale, dont l’image onirique – et est conçu comme lieu d’intersection par excellence.La première partie de ce travail explore la question de la fabrique des images ou, pour utiliser une métaphore empruntée au langage alchimique, du laboratoire des images. Le chapitre 1 présente et théorise l’image surréaliste afin de démontrer la manière dont les deux créatrices ont su s’approprier l’« esprit » du surréalisme, invitation à une remise en cause du monde visible, pour mieux le dépasser à travers l’élaboration de « modèles de monde », en analogie avec certains processus alchimiques et occultistes. Le chapitre 2 envisage pour sa part l’exil non pas seulement comme un contexte historique et culturel ayant donné lieu à de profondes dynamiques d’influences mutuelles, mais comme une notion pivot permettant d’appréhender les phénomènes de réappropriations, d’hybridations, de transfusions créatives ou de transgressions à l’œuvre dans leurs productions.La seconde partie approfondit la mise en regard des images des deux artistes suivant un mouvement dialectique unissant images-reflets et images-distorsions. Le chapitre 3 entreprend l’analyse des autoreprésentations féminines et s’attache à mettre en évidence la façon dont celles-ci défient les images du féminin élaborées par les créateurs surréalistes masculins ; les notions de déguisement, de travestissement et de mascarade sont examinées et présentées comme inséparables de la quête de soi. Le chapitre 4, enfin, s’intéresse aux « miroirs de la relation » et à la « relation aux miroirs » des deux artistes. Dans un premier temps sont abordées les représentations de l’amitié créative unissant les deux artistes dans leur œuvre, notamment écrite, et les mécanismes de fictionnalisation qui les soutiennent. Les jeux de miroirs qu’ont disposés entre leurs images les deux femmes en écrivant à quatre mains sont ensuite analysés, ainsi que le motif pictural du miroir, lequel peut être considéré comme un emblème de la démarche créative de Remedios Varo et de Leonora Carrington, objet symbolique et magique plus que dispositif spéculaire. / This PhD dissertation focuses on a literary and pictorial comparative analysis of European-born artists Remedios Varo (1908-1963) and Leonora Carrington (1917-2011) who, in the 1930s, participated in the Surrealist group in Paris and then went into exile in Mexico during World War II. The purpose of this study is to identify points of convergence and divergence in the creative process of these two artists. Equally important, this thesis will endeavor to enable a dialogue between their artworks and to examine their creative collaboration while focusing on the concept of images. The standpoint of this dissertation is at the same time comparative and multidisciplinary, for it is formulated at the junction of art history, literary analysis, pictorial analysis, and history.The notion of image, the conceptual contours of which are explained in the preamble 2 is to be understood in almost all of its significations – from pictorial and verbal image to mind-made image, in which oneiric image is to be included – and is seen as a conceptual intersection point par excellence.The first part of this study questions the construction of images or, using a metaphor borrowed from the alchemical language, the image laboratory. Chapter 1 introduces and theorizes the notion of surrealist image in order to reveal the ways in which both artists integrated into their works the surrealist state of mind, being an invitation to question the visible world, and went beyond it through the elaboration of “world models”, by analogy with specific alchemical and occultist processes. Chapter 2 not only considers exile as a historical and cultural context that gave way to profound mutual and dynamic influences, but also as a pivotal notion that enables to comprehend, in their productions, phenomena of reappropriation, hybridization, creative transfusion and transgression.The second part delves deeper into the comparison of images realized by both artists – an analysis that follows a dialectical pattern that combines the concepts of image-reflections and image-distortions. Chapter 3 analyzes female self-representations and is dedicated to reveal the way in which these representations challenge the images of the feminine as elaborated by male surrealist creators. Notions of transvestism and masquerade are examined and presented as inseparable from the quest to self-discovery.Finally, Chapter 4 pays attention to both artists’ “mirrors of relation” and “relation to mirrors”. On the one hand, this analysis addresses the creative friendship that unites both artists in their work, more specifically in their written expression, and the mechanisms of fictionalization pertaining to it. The mirror effects that are at play in the images of both artists who created fourhanded works and the pictorial motif of the mirror are also focused on in this research. Indeed, the mirror may be considered as an emblem of Remedios Varo’s and Leonora Carrington’s creative approach, not only as a specular tool but also and more importantly, as an object of symbolism and magic.

Le contexte historique d'implantation du peuple des Bituriges Vivisques sur les pourtours de l'estuaire de la Garonne est relativement tardif, au lendemain de la conquête romaine, et pose de nombreuses questions quant à la réception de la culture romaine au sein d'une cité reconnue pour son identité culturelle forte. L'agglomération antique de Bordeaux, chef-lieu de la cité des Bituriges Vivisques, offre une grande diversité de décors peints fragmentaires entre le Ier siècle et le Ve siècle P.C. L'introduction de cet art et de modes ornementales typiquement italiennes dans la cité interroge alors sur le degré d'adhésion aux modèles romains. L'évolution des connaissances de la peinture murale antique et de la toichographologie permet désormais de répondre à des problématiques stylistiques, techniques et architecturales par le biais d'une approche pluridisciplinaire et de protocoles d'études raisonnés. Entre conservatisme et innovations, les décors de Burdigala traduisent une assimilation précoce du vocabulaire ornemental inspiré des schémas décoratifs italiens avec cependant quelques interprétations aboutissant parfois à des productions originales. Ce travail de synthèse régionale permet ainsi une meilleure connaissance et la classification des décors de la cité, en fonction du style, du cadre chronologique, du contexte architectural et socio-culturel. / The historical context of establishment of Bituriges Vivisques people on the circumferences of the estuary of the Garonne is relatively late, the shortly after the Roman conquest, and raises many questions as for the reception of the Roman culture within a city recognized for its strong cultural identity. The ancient agglomeration of Bordeaux, chief town of Bituriges Vivisques' city, offers a great diversity of fragmentary decorations painted between Ist century and Vth century PC. The introduction of this art and typically Italian decorative modes into city questions then on the degree of adhesion to the Roman models. The evolution of knowledge of the ancient mural and the toichographology makes it possible from now to answer architectural, stylistics and techniques problems by the means of a multi-field approach and protocol studies reasoned. Between conservatism and innovations, the decorations of Burdigala represent an early assimilation of the decorative vocabulary inspired of the Italian decorative diagrams with however some interpretations leading sometimes to original productions. This work of regional synthesis allows a better knowledge thus and the classification of the decorations within Bituriges Vivisques' city, according to the style, of chronological framework, the architectural and sociocultural context.

Le parcours de l’écrivain français, François Cheng, d’origine chinoise, se situe en un lieu de rencontre privilégié, celui de la culture chinoise de sa jeunesse et de la culture occidentale issue du monde gréco-latin, qu’il fit sienne après son arrivée en France en 1947. La lecture de son œuvre poétique selon le double paradigme de la Voix orphique et de la Voie du Chan, mariage du bouddhisme indien et du taoïsme chinois, ouvre à l’analyse un vaste champ polysémique. L’objet de cette thèse est de montrer comment, dans l’anthologie poétique À l’orient de tout, cette dimension tensionnelle sous-tend l’écriture et conduit, entre convergence et divergence, change-échange, dialogue et silence, au déploiement du chant orphique dans l’espace de la métaphysique chinoise. Dans cet ordre cosmique à trois dimensions, dont le Vide est le fond indifférencié et le Dao le moteur de toutes choses, Voix et Voie entretiennent un dialogue naturel, intuition dont la notion rilkéenne de l’Ouvert a tenté de rendre compte. L’itinéraire spirituel de la Voix éveillée, trajectoire d’élévation à un pur re-voir et plongée dans la profondeur, ouvre le poème à un discret lyrisme de la vacuité, qui laisse transparaitre l’invisible à travers le visible et s’adonne au plaisir de re-nommer le monde. Répondre à ces exigences est pour le poète un défi linguistique et esthétique : par des stratégies appropriées, il doit conserver à travers la langue française le continuum du monde mais sans le soutien de l’idéographie, et se conformer au procès créateur de l’évolution et de la mutation d’une œuvre, dont la source est au cœur même du Principe immanent du Dao. / The course of the Chinese born French writer François Cheng, takes place between two cultures : the one of his youth Chinese culture and the one of the Western Greek-Latin world, which he adopted when he arrived in France in 1947. The reading of his poetic works according to both paradigms of orphic Chant and Way of Buddism Chan, junction of the Buddhism and Chinese Taoism, generate a vast polysemic field for analysis. The objective of this thesis is to demonstrate how in the poetic anthology À l’orient de tout, this two dimensions sustain his writing and lead, between convergence and divergence, change-exchange, dialogue and silence, to the expansion of the orphic Chant in the Chinese metaphysic space. In this three dimensions cosmic order, where the emptiness is the bottomless Undifferentiated of Universe and the Dao, the active Principle of everything, Voice and Way converse through a natural dialogue, an intuition which Rilke’s notion of the Open tried to highlight. The spiritual path of the Awakened Voice rises into a pure vision and plunges into depth, which opens the poem to a discreet lyricism of vacuity, and suggests the invisible through the visible and devotes itself to rename the world. For the poet, the answer to these requirements is a linguistic and aesthetic challenge. With proper strategies, he must preserve the continuum of the world through the French language but without the support of ideography and must also abide by the creative process of endless evolution of the work, the source of which is the very heart of the immanent Principle of Dao.

Si la peinture abstraite n’a pas bien sûr fait mourir la peinture figurative qui existe après elle, si elle n’a pas supprimé le paysage pictural, quel peut bien être le sens, la nature et la portée, au sein de la peinture contemporaine elle-même, du paysage abstrait ? Quelles en sont les conditions de possibilité ? A quelles conditions un paysage abstrait est-il possible, c’est à dire réalisable pour le peintre et pensable pour l’historien et le théoricien de l’art ? Telles sont les questions rectrices de cette thèse qui entend déployer et explorer le paradoxe d’un paysage séparé — ce qui est bien le sens strict d’abstrait — de l’exigence de représentation mimétique d’un espace naturel ou urbain extérieur « d’un lieu assez élevé, où tous les objets auparavant dispersés se rassemblent sous un seul coup d’oeil » selon l’expression de Fénelon. Ce déploiement et cette exploration s’effectue sur les deux exemples des oeuvres de Cy Twombly et Gerhard Richter interprétées comme deux modalités différentes d’une relève du paysage, dépassant et conservant à la fois ce dernier sur le mode de l’évocation : par un langage purement pictural, par le langage des titres et des mots dans la peinture pour Twombly, par la photographie et la photo-peinture pour Richter. A cet égard, Twombly et Richter tentent tous les deux de mettre en oeuvre aux deux sens duterme, une rupture et une continuité : entre la forme du genre paysage et l’expérience paysagère au sein de l’espace de la galerie d’exposition, entre la tradition du paysage occidental (Poussin, Turner, Friedrich) et la peinture des peintres américains contemporains (Pollock, Rothko et Rauschenberg), entre la peinture et les autres média ou les autres arts auxquels elle se confronte (la poésie pour Twombly, la photographie et la littérature pour Richter). La thèse est donc construite comme un ensemble de croisements qui rend possible le paysage abstrait renouvelant le genre du paysage, lelibérant de ses règles traditionnelles et, ainsi, l’ouvrant à des formes inédites et étonnantes. / If abstraction did not kill landscape painting, how would the pictorial genre survive within the context of contemporary painting? What would be the meaning of the term abstract landscape? Under which circumstances and conditions would an abstract landscape be possible? This research tries to address these questions by investigating the paradox of a landscape which does not represent mimetically space seen from a higher point at a glance, as Fénelon would put it.The works of Cy Twombly and Gerhard Richter are used as means for this exploration since they present two different modalities of a landscape which overcomes and preserves itself at the same time. In this respect, both Twombly and Richter attempt to implement rupture and continuity: between landscape form and landscape experience within the gallery space, between western landscape tradition (Poussin, Turner, Friedrich) and contemporary American painting (Pollock,Rothko and Rauschenberg), between painting and other media or arts (poetry for Twombly, photography and literature for Richter). This way, this study is constructed by a set of contradictions which make abstract landscape possible. This abstract landscape renews landscape genre, frees it from its traditional rules and opens it to new and surprising forms

Cette thèse, qui s'appuie sur ma pratique artistique personnelle, analyse l'identité, l'origine, la valeur et la place de la main dans l'art en sillonnant l'ancienne Route de la soie. J'étudie mon parcours de création artistique, ma culture, mes identités multiples et mes influences au regard de l'héritage légué par La Roule de la soie et la route de La création. La traversée de la Route de la soie s'articule autour de quatre thèmes: la rencontre, le contact, le croisement et la frontière. Les recherches m'ont mené sur un voyage messianique dans le but de répondre aux questions qui me hantaient: l'influence étendue de la Route de la soie sur la création artistique est-elle source de créativité? Comment peut-elle se révéler dans les œuvres d'artistes contemporains? La route de ma création artistique se croise-t-elle avec la Route de la soie? Pour répondre à ces questions, j'ai présenté ma main comme une figure qui me lie à mes origines invisibles. Dans le premier chapitre, j'explore la notion d’identité à travers les portraits de la main, puis j'étudie la notion de frontière visible et invisible. Dans le troisième chapitre, j'analyse le toucher, le goûter et le croisement avec la Route de la soie. Enfin, j'examine le contexte des paysages intérieurs et je tente de mettre en lumière l'héritage caché ainsi que les secrets de l'art local imprégné par la culture de notre région et ce à travers les croisements et les métissages culturels. / Relying on my personal artistic practice, this thesis analyzes the identity, origin, the value and the place of the "band" in the art in weaving through the old Silk Road. The analysis of my artistic creation, my culture, my multiple identities and my influences in the light of the legacy of the Silk Road and the road of the creation. The crossing of the Silk Road is structured around four themes : the meeting, contact. The crossing and the border. The research led me on a messianic trip, in the aim of finding answers to the questions that concern me : how the Silk Road influences artistic creation, is it a source of creativity? How can it be in the works of contemporary artists? How it emerges on my artistic creation? To answer these questions, I presented my band as a figure, which binds me to my multiple origins. In the first chapter I will analyze the concept of identity through the portraits of the band, then I will look into the notion of border visible and invisible. In the third chapter, I will analyze the touch, the taste and the crossing with the Silk Road. Finally, I will examine the context of interior landscapes and I will try to demonstrate the hidden legacy as well as the secrets of the local art impregnated in the culture of our region through crosses and cultural mixes.

Le chanci est une altération récurrente des peintures de chevalet à l’huile, induite par l’humidité. Elle affecte les vernis et les couches picturales. Selon le degré d’altération, la couche picturale peut être partiellement ou totalement masquée par un voile blanchâtre. L’analyse d’environ 50 micro-prélèvements altérés et non altérés par microscopie électronique à effet de champ a révélé une structure poreuse dans les vernis et les couches picturales altérées, avec une taille de pores comprises entre 50 nm et 4 µm. Pour les chancis de couches picturales, des investigations complémentaires par nanotomographie X à contraste de phase ont démontré que les pores étaient localisés dans le liant. L’apparence visuelle des couches altérées est due à la diffusion de la lumière par les pores, ce qui a été corroboré par des simulations numériques. Un modèle physico-chimique a été proposé pour expliquer la formation des pores. Il repose sur le fait que les vernis et les liants lipidiques peuvent être assimilés à des ionomères dans lesquels les acides carboxyliques et les carboxylates métalliques ségrègent pour former des clusters ioniques. En présence d’humidité, les clusters s’hydratent entraînant la formation de régions aqueuses. Lors de la phase de déshydratation, les pores initialement remplis d’eau se vident mais subsistent. L’apparition des chancis de vernis et de couches picturales est donc directement liée à la quantité d’acides et à leur capacité à former des clusters.Les traitements de restauration seront efficaces et durables, si et seulement s’ils résorbent ou comblent durablement les pores, dans le but de réduire la diffusion de la lumière. Pour les chancis de couches picturales, les traitements actuels sont peu satisfaisants. Un nouveau traitement innovant a été développé et testé sur des échantillons modèles et des peintures anciennes chancies. Les résultats sont très prometteurs en termes de stabilité, d’efficacité, de durabilité et de réversibilité. Cette recherche aura incontestablement un impact majeur, puisqu’elle pourrait répondre à un véritable besoin pour la restauration et la conservation des peintures de chevalet chancies. / Blanching of easel oil paintings is a recurrent alteration, induced by humidity. It affects varnish and paint layers. Depending on the degree of alteration, the paint composition can be partially or totally hidden by a whitish haze. The analysis of circa 50 altered and unaltered paint micro-samples by field-emission gun scanning electron microscopy revealed a highly porous structure in both varnish and paint altered layers, with pores ranging in size from 50 nm to 4 µm. Regarding the blanching of paint layer, in-depth investigation performed by X-ray phase contrast nanotomography highlighted that pores are located in the binder. The visual appearance of altered layers is due to the light scattering by the pores, which was corroborated by computational modeling.A physico-chemical model was proposed to explain the pores formation. It is based on the fact that the varnish and the lipidic binder can be assimilated to ionomers, where carboxylic acids and metal carboxylates segregate to form ionic clusters. In a humid environment, the clusters get hydrated inducing the formation of aqueous regions. During the dehydration, the water is drained out from them, but the pores remains. The blanching emergence is thus directly linked to the quantity of acids and their ability to form clusters. Conservation treatments will be efficient and sustainable only if they resorb or durably fill the pores, in order to reduce the light scattering. For the blanching of paint layers, current treatments are not very effective over time. A new innovative treatment has been developed and tested on mock-ups and ancient altered paintings. The results are very promising in terms of stability, efficiency, durability and reversibility. This research will undoubtedly have a major impact, fullfilling a real requirement for the conservation of blanched easel oil paintings.

À travers l’étude des peintres français partis au Maroc pendant le Protectorat, cette thèse examine la structuration et le développement de l’art colonial, courant qui succède à l’orientalisme au tournant des XIXe et XXe siècles. Loin d’être un phénomène isolé, le séjour dans ce pays pendant la période coloniale concerne des centaines d’artistes. Ces voyages sont encouragés et parfois même financés par des sociétés artistiques métropolitaines et par les gouvernements coloniaux. À Paris, des Salons et des expositions, comme les Expositions coloniales ou universelles, réservent des espaces spécifiques aux œuvres sur les colonies. Plusieurs artistes, critiques et conservateurs tentent par ailleurs de montrer de quelle manière l’art colonial est utile pour la propagande colonialiste. Après avoir retracé l’expérience marocaine des peintres français, il s’agira de présenter les principales institutions artistiques et culturelles occidentales dans le Protectorat. L’art colonial reprend certains thèmes orientalistes, mais leur apporte davantage de sobriété, de pondération et de vraisemblance. L’iconographie coloniale marocaine se distingue de celles des autres colonies par le nombre important d’œuvres consacrées aux cavaliers, aux Berbères et aux monuments historiques. Cette spécificité est due en partie à la politique culturelle menée par Lyautey, au développement de l’ethnographie marocaine et aux objectifs assignés à l’art colonial. Cette analyse est complétée par un dictionnaire des artistes du corpus. / Through the study of French painters gone to Morocco during the Protectorate, this thesis reviews the structures and the emergence of Colonial art, which followed Orientalism at the turn of the century. Far from being an isolated phenomenon, hundreds of artists stayed in this country during the colonial period. The journey is motivated and even sometimes founded by artistic metropolitan societies and by colonial governments. In Paris, Salons and exhibitions such as World's Fairs and Colonial exhibitions dedicate specific areas to works on the colonies. Many artists, critics or curators also attempt to demonstrate how Colonial art can be useful to colonial propaganda. After outlining the French painters’ Moroccan experience, the main artistic and cultural occidental institutions during the Protectorate will be presented. Colonial art continues to represent some Orientalist themes but integrate them with more restraint, moderation and realism. Moroccan colonial iconography can be distinguished from the other colonies by the amount of work dedicated to horse riders, to Berbers and to historical monuments. This particularity is partly due to the cultural policy pursued by Lyautey, to the development of Moroccan ethnography and to the specific goals targeted for Colonial art. This analysis is followed by a dictionary of the artists corpus.