A travers l’exemple du froid en Hollande au XVIIe siècle, nous souhaitons montrer que la géographie culturelle a sa place dans les études géoclimatologiques. Cette thèse tisse alors des ponts entre plusieurs champs de la géographie (climatologie, géographie historique, géographie culturelle…) et de l’histoire (histoire du climat, histoire de l’art…). Le XVIIe siècle s’inscrit dans une période climatique marquée par un rafraîchissement global des températures : le petit âge glaciaire (1300 à 1850 environ). En analysant des peintures hollandaises hivernales et des sources écrites avec le regard du géoclimatologue, plusieurs questions se posent. Pourquoi à une certaine période (le Siècle d’or allant de 1600 à 1672 environ) et dans un territoire bien précis (les Pays-Bas), des peintres ont-ils donné ses lettres de noblesse au froid ? Quels éléments météorologiques sont représentés ou non-représentés ? Que disent les sources écrites sur le climat de l’époque où les tableaux ont été peints ? Quelle imagerie du froid est-elle créée et que sous-tend cette imagerie ? Les résultats de recherche montrent que les artistes ont été parfois directement inspirés par certains hivers rudes. Le premier paysage d’hiver hollandais d’Avercamp est daté de 1608, hiver particulièrement rigoureux. Ensuite, la mode des paysages d’hiver perdure et les peintres ne représentent qu’un seul type de temps d’hiver alors même que les sources écrites témoignent de la variabilité du climat à plusieurs échelles de temps. Une imagerie de l’hiver a été créée. Elle participe de la construction identitaire de cette jeune nation que sont les Pays-Bas au XVIIe siècle. / This Ph.D dissertation aims at showing that cultural geography is relevant for geoclimatological studies. At the crossroad of many subfields in geography (climatology, historical geography, cultural geography…) and in history (history of climate, history of art…), it focuses on cold weather and its representations in the Netherlands during the XVIIth century. This period takes place during the Little Ice Age (c. 1300-1850), a limited climatic period, characterized by a cooling of the temperatures in Europe. The analysis of Dutch paintings and written sources with a geoclimatologist’s view point raises many questions. Why did the painters give their letters of nobility to the cold in this period (the Golden Age, c. 1600-1672) and in this bounded territory (the Netherlands) ? What meteorological elements are being represented? Which ones are missing? What pieces of information do the written sources give on the climate at the time the paintings were made? What imagery of the cold was thus created and what do the images stressed? The results of that research show that the artists were at times directly inspired by some rigorous winters. The first winter landscape by Avercamp is painted in 1608, a severe winter. Then, the vogue for winter landscapes continues. However, the painters represent just one type of meteorological condition in winter, whereas the narrative sources reveal the variability of the climate in different time scales. Nevertheless, an imagery of winter was created. It is said to be part of the identity construction process of the Netherlands, an upcoming nation in the XVIIth century.

La relation entre la peinture et la littérature persane était étroitement liée pendant toute l'histoire del'Iran après la conquête de l'Islam. Ce sont souvent les sujets mystiques qui dominent la littérature persane et ils se manifestent également dans la peinture par l'illustration des divans et des ouvrages soufis. C'est ainsi que la peinture persane est le grand témoin de l'approche gnostique et elle possède une dimension mystique transcendante. Les éléments et les symboles, inspirés des métaphores sublimes de la littérature soufie persane, nous orientent vers des interprétations mystiques dont on trouve la manifestation explicite dans la plupart des suppléments de la peinture persane. Les conceptions soufies se sont manifestées également dans la peinture des écoles dérivées de la peinture persane comme l'école de la peinture inde-persane et l'école de la peinture moghole. Il faut souligner que la circulation de la langue persane avait un rôle remarquable dans ce parcours. Notamment, d'une part le persan était la langue officielle de l'Inde sous le règne d'Akbar, l'empereur moghole passionnée de la culture persane, et de l'autre part les vagues d'émigrations des poètes et des peintres iraniens vers l'Inde, sous la pression des docteurs religieux safavides développaient l'influence de la culture persane dans le sous-continent indien.Les deux raisons essentielles qui préparaient la base d'un grand mouvement artistique. L'affection des rois moghols envers les confréries soufies, hérité de leur grand ancêtre Tamerlan, se manifestait par le respect qu'ils avaient pour les soufies et, en particulier, pour les Sheikh (s) naqšbandî. / Persian painting and Persian literature were closely linked during the history of Iran after the conquest of Islam. lt is often the mystical topics of Persian literature, which have an effect on the Persian painting. During the Timurid dynasty, Sufism has occupied a central place in the society of Iran. The Sufism ideology, in particular the naqsbandî beliefs, has brought a transcendent mystical dimension to the illustrations of this period of history of Persian art. We can find the explicit mystical influence of the big naqshbandî master and the last great medieval mystic, Jami, on the painting of Kamâl al-Dîn Bihzâd. Obviously, the success of Bihzâd disciples, who were under his influence, gave birth to the lndo-Persian painting in Mughal court.Moreover, Akbar (1542-1605) and his great passion for the Persian language and culture had adecisive role in the development of the Persian mystical thoughts in lndia. The Persian language became the official language of the lndian Mughal Empire du ring his reign.The devotion of Akbar for the Sufism was particularly manifested in his special respect toward naqsbandî Sheikhs. At the same time, under the religious pressure of the Safavid dynasty some of the lranians were obliged to leave their country. The big passion of Akbar in one hand and the immigration waves of lranians, especially Sufis, poets and artists to the lndia, on the other hand,prepared the society for intellectual and artistic movements.ln fact, the naqsbandî traditions and ideas have travelled from Iran to the northern lndia. Bokhara played a great role in the circulation of beliefs and ethics of the naqsbandî order between Persia and India.

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Cette étude a pour objet un motif de la peinture murale romaine, le pinax à volets. Il s’agit de montrer qu’au-delà de son caractère de motif secondaire, il a sa place dans l’introduction du volume et de la figuration dans le décor mural. Représentation d’un accessoire en trompe-l’œil dans les architectures illusionnistes du deuxième style pompéien, le pinax à volets reste un objet mobile et indépendant ; support d’une représentation figurée, il s’intègre à un ensemble décoratif du point de vue formel comme thématique. La première partie rassemble des sources littéraires, archéologiques et iconographiques au sujet de l’apparition du pinax réel depuis la Grèce archaïque jusqu’aux collections romaines. La deuxième partie définit le motif du pinax à volets en trompe-l’œil dans le décor mural de deuxième style pompéien. La troisième partie est une étude de cas qui replace les collections de pinakes à volets dans le contexte de l’habitat domestique et du décor de la pièce, en Campanie et à Rome, jusqu’à leur abandon au profit du tableau central. / This essay focuses on a motif of the roman wall painting, the shuttered pinax. It aims at showing that, beyond its nature as a motif of secondary importance, it has a part in the introduction of volume and figurative art in wall painting decoration. As the depiction of an accessory in trompe-l’oeil in the illusionistic architectures of the second Pompeian style, the shuttered pinax remains a mobile and independent item; as the medium of figurative representation, it fits into the decorative scheme, formally as well as thematically. The first part collects literary, archeological and iconographical sources on the emergence of real pinax from archaic Greece to Roman collections. The second part defines the shuttered pinax motif in trompe-l’oeil in the second Pompeian style wall-painting. The third part is a case study within context of domestic habitat and room decoration, in Campania and in Rome, until their disuse in favour of the central panel.

Francis Ponge a entrepris un dialogue avec la peinture en vue d’interroger les fondements d’une telle interférence telle qu’elle se manifeste dans le cadre parisien du 20ème siècle. Ce rapport conçu par le poète comme une alliance participe de l’instauration d’une philosophie humaniste qui clame son attachement au réel comme principe majeur de la création artistique et poétique. L'unité thématique et technique qui régit les textes repose sur des rapprochements systématiques qui concernent plusieurs aspects : parallélisme des pratiques, convergence des visions de l'art, unicité de la définition d'artiste... Ponge prépare le terrain à un nouveau tournant dans son œuvre qui est le dialogue entre l’écriture et la peinture, une pensée qui s'est installée définitivement dans les pages de L'Atelier bien qu'elle se déploie tout au long de ses textes et notamment les premiers. D'une réflexion qui se profile en filigrane sous la forme d'une métaphore filée, la pensée sur l'art revêt un statut majeur dans la poétique de Ponge. / Francis Ponge undertook a dialogue with the painting to question the foundations of such interference such as it shows itself in the Parisian frame of the 20th century. This relationship conceived by the poet as an alliance participates of the institution of a humanist philosophy which cries out its attachment in the reality as the major principle of the artistic and poetic creation. The thematic and technical unity which governs texts relaying on systematic links which concern several aspects: parallelism of the practices, the convergence of the visions of the art, the uniqueness of the definition of artist... Ponge prepares the ground for a new turning point in its work which is the dialogue between the writing and the paint a thought which settled down definitively in the pages of The Workshop although it displayed throughout its texts in particular the first ones. Of a reflection which is outlined between the lines under the shape of a spun metaphor, the thought on the art dresses a major status in the poetics of Ponge.

Ces travaux portent sur plusieurs facettes de l’emploi du bleu dans les miniatures persanes. Ils se fondent sur un corpus constitué de 56 manuscrits à peintures, appartenant à la période qui va de l’accession au trône des Safavides jusqu’au règne de Shah Abbâs (soit de 1501 à 1588), et conservés à la Bibliothèque Nationale de France et à la British Library. Ce travail s’articule autour de deux grands axes. Le premier aborde les questions préliminaires relatives aux matériaux et techniques utilisés pour fabriquer la couleur bleue qui se rencontrent dans la peinture persane du XVIe siècle. Cette étude exigeait aussi une définition exacte des noms des nuances de la couleur bleue. Deux catégories de sources textuelles fournissent des informations sur la nature des pigments et le chromatisme employés dans la miniature persane, à savoir les traités techniques et les œuvres scientifiques. L’autre partie de cette thèse présente dans un premier temps une étude picturale détaillée en vue de définir les divers emplacements de la couleur bleue sur les peintures du corpus ; dans un second temps, il est procédé à une analyse textuelle des ouvrages dudit corpus, permettant de confirmer la corrélation des textes avec leurs illustrations quant aux indications liées au choix de la couleur bleue. Ces deux analyses nous mènent vers une synthèse qui aide à comprendre l’aspect symbolique et métaphorique de cette couleur dans l’ensemble de ses représentations picturales. Certaines sources telles que les récits de voyages et les recueils de biographies ou les textes littéraires et mystiques comportent des renseignements précieux sur l’emploi de la couleur bleue dans la société et son contexte culturel. / This research deals with several aspects of the use of blue in Persian miniatures. It is based on a corpus of 56 illustrated manuscripts, dating from the beginning of rule of the Safavids until the reign of Shah Abbas (i.e. from 1501 to 1588 A.D.), preserved in the Bibliothèque nationale de France and the British Library. This work contains two major developments. At first, come the preliminary questions about the materials and techniques used to make the colour blue met in the paintings of the XVIth century. This study also required an exact definition of the names of shades of blue. Two categories of textual sources provide information about the nature of the pigments and the chromatics used in the Persian miniature; they are technical treaties and scientific works. The other part of this thesis is made up of pictorial studies which allow us to determine the location of the colour blue in painting. This approach is coupled with an analysis of the illustrated texts in order to confirm the correlation between pictures and texts when dealing with the colour blue. Both analyses lead to a synthesis that helps us understand the symbolic and metaphorical aspects of this colour in all its pictorial uses. Some sources such as travelogues and biographies or literary and mystical texts contain information on the use of blue in society and its cultural context.

La recherche est représentée en deux volumes et un enregistrement sur un DVD. Dans le volume est présentée la particularité du texte qui se consiste en introduction, six chapitres, abréviation, sigle et bibliographie. Le deuxième volume représente des 267 planches et des 17 tableaux. Dans introduction ont été déterminées les limites chronologiques – fin du III ème jusqu’au chute de la civilisation de l’antiquité tardive sur les Balkans à la fin du VIe et au début du VIIe siècle ap. J.-C. On a fait un bref aperçu sur les recherches de ces monuments. Dans le Chapitre I ont été envisagées les différentes méthodes analytiques. Au début, on a décrit la recherche des peintures murales des tombeaux réalisée in situ. Pour obtenir des informations concernant les types des colorants et des liants de la couche picturale, ainsi que l’établissement de la composition quantitative et qualitative de différents mortiers ont été appliquées les méthodes analytiques suivantes : pétrographique et minéralogique, granulométrie, microsonde électronique et microscopie électronique à balayage (MEB), diffraction des rayons X, spectrométrie IR et spectrométrie IR Raman. Dans le Chapitre II a été faite une recherche sur les divers matériaux de la structure des peintures : matériaux de construction, mortier de liaison, couches d’enduit, pigments et liants. On a constaté que les peintres ont utilisé, au début de la période, des pigments chers et que l’on les a appliqués en état pur. Tels pigment ont été le cinabre et le bleu égyptien. D’autre part la palette s’est progressivement appauvrie. La riche gamme de pigments, existant pendant la période de la fin du IIIe au début du Ve, a devenu de plus en plus restreinte en aboutissant également à l’usage de l’ocre rouge qui a été rarement accompagné de couleur verte (terre verte) vers la fin du Ve et au VIe siècle ap. J.-C. Le Chapitre III présente les techniques de réalisation et le système de travail. On a déterminé que la technique principale d’exécution est a fresco, mais on a constaté aussi d’autres techniques (fresque à la chaux, peinture à la chaux, détrampe). Les constatations notées dans les chapitres précédents nous ont permis de faites la synthèse dans le Chapitre IV. Les matériaux et les techniques de réalisation de la peinture funéraire sont représentés en ordre chronologique. Dans le Chapitre V on a montré en détail 48 tombeaux de deux diocèses. Les décors des tombeaux ne sont pas figurés seulement au point de vue de matériaux et de techniques, on a aussi étudié leurs thèmes iconographiques et leurs motifs ornaméntaux. Le chapitre VI présente la conclusion principale de la thèse. Il évoque sous en résumé l’influence directe de l’art de l’Asie Mineure ainsi que l’influence indirecte de l’art des terres italiques. Le riche répertoire de thèmes est accompagné d’une large palette d’interprétations créatrices et de solutions techniques. Á la fin de la période, la peinture funéraire disparait. Ce fait nous incite à établir un lien avec le changement du rite funéraire. D’autre part, le matériau archéologique permet de constater un développement important de l’art figuratif pendant cette période. Ainsi la peinture murale rend-elle prioritaires d’autres structures architecturales, notamment les basiliques, les églises et les baptistaires chrétiens. Les abréviations présentent les publications périodiques et de diverses institutions. On a ajouté une liste des nomes antique des sites et leurs nomes modernes. La bibliographie représentent des sources et des textes antiques, des livre de base, ainsi que des publications sur la peinture antique grecque et romaine, recherche sur des monuments donnés, ainsi que telles présentant des problèmes déterminés sur les matériaux et la technologie de la peinture pariétale. Une liste des sites électroniques est également montrée. / The research is presented in two volumes and a DVD record. Volume one represents the text part of the thesis consisting of introduction and 6 chapters with abbreviations, bibliography and indexes. The second volume includes 267 plates and 17 tables.In the introduction has been defined the chronological period of the review spanning through the years of the end of the ІІІd century until the fall of the late antique civilization on the Balkans in the end of the VІth and beginning of the VІІth century AC. A review of the study of the objects in Thracia and Dacia is presented in briefs.In chapter I examined the different analytical methods. The beginning part presents the research of the objects in situ. For the gathering of the information concerning the type of the pigments and adhesives used for realization of the murals, as well as for the differentiation of the qualitative and quantitative characteristics of the ingredient components of the different ground layers there have been used the following analytical methods: pictographic and mineralogical analyses, granulometry, electronic microprobes, CEM, structural Х-ray analysis, AEA-ICP, IR spectrometry and IR Raman spectrometry. The second chapter contains the examination of the different types of materials as: plasters, pigments and adhesives used for the realization of the tomb murals. The results are classified according to belonging to three basic groups – of natural origin, synthetic and mixed pigments. There has been proved that in the beginning of the period there had been used some most expensive pigments in an almost clear form as cinnabar and egyptian blue. However in time the palette gradually got poorer and by the end of the period it became limited to only dark red pigments (red ochre, rarely accompanied by green pigment (green earth). The results of the type of the adhesives used for the realization of the murals are presented in particulars. The use of non-organic adhesive - calcium hydroxide has been found. In Chapter ІІІ there are reviewed the picturesque technique and system of implementation. There has been defined the main technique a fresco, however the presence of other techniques has been also found. The constatations made in all previous chapters are summarized in Chapter ІV. In a chronological plan there were reviewed the materials and techniques which were in use. The Chapter V in details are presented all available tombs with painting murals, that were a subject of the present research. The murals have been outlined not only in the perspective of the implemented materials and techniques of realization, but also from the position of the analysis of the ornamental motives and iconographic system. The Chapter VI presents the main conclusion of the thesis. The direct influence of the art of Asia Minor is given in summarized form, as well as the indirect one – through the art of the land of Italy, for example. The rich repertoire of subjects is accompanied by a wealth of creative interpretations and technical solutions. The wall painting became a priority of the Church architecture at the end of Late Antiquity, which has also been proven by archaeological surveys. The palette of colours and technique of application used in tomb art found new implementation in depicting images of the already regulated Christian art in church architecture. The abbreviations contain periodical press publications and public institutions. There has been attached a list with the names of the archeological objects as known in ancient and contemporary time. The bibliography contains: the ancient authors, basic sources of information, specialized researches and publications on roman and late antique painting, publications on particular cultural monuments, as well as expert publications focused on specific problems of the materials and technology research.

''À la rencontre de l’œuvre de Frédéric Bruly Bouabré, mise en espace d’une écriture contemporaine’’ est le sujet de cette thèse qui nous a guidé dans nos différentes recherches. Artiste plasticien et ancien étudiant des écoles des beaux-arts d’Abidjan (Côte d’ivoire), et de Marseille (France), notre rencontre avec Frédéric Bruly Bouabré, l’autodidacte, l'artiste et l'inventeur d’une écriture dite purement africaine, a été l’occasion de questionner notre pratique artistique par l’analyse de sa démarche de création. A travers ces recherches, c’est un double hommage rendu à sa personne et à son œuvre. En effet c’est dans l’objectif de conserver les savoirs de son peuple les Bété, et de tout peuple qui ne dispose pas d’une écriture qu’il crée un syllabaire fait de pictogrammes. Partir des sons humains, de différents bruits, des contes et légendes en pays Bété, pour produire des signes graphiques, a été un procédé qui a motivé nos recherches. Il s’agit pour nous dans le questionnement de notre pratique d’une mise en abîme de nos peintures, par le passage de l’espace illusionniste du tableau à un espace tridimensionnel. Des bruits, des sons, et des syllabes qui sont immatériels, Frédéric Bruly Bouabré est arrivé à produire des signes graphiques d'un langage nouveau. Nous inspirant de cette démarche, nous déconstruisons l’œuvre picturale pour en extraire ses constituants qui sont mis en espace pour traduire cette volonté de faire cohabiter différentes techniques, la peinture, l’écriture, la sculpture, et l’installation. / ''At the meeting of the work of Frédéric Bruly Bouabré, putting in space of a contemporary writing '' is the subject of this thesis which guided us in our various researches. Visual artist and former student of the Schools of Beaux Arts of Abidjan (Côte d'Ivoire), and Marseille (France), our meeting with Frédéric Bruly Bouabré, the self-taught artist and inventor of a so-called purely African writing was the opportunity to question our artistic practice by analyzing its approach to creation. Through this research, it is a double homage to his person and his work. Indeed, it is in the objective of preserving the knowledge of his people the Bété, and of all people who do not have a writing he creates a syllabary made of pictograms. Starting from human sounds, different sounds, stories and legends in Bété countries, to produce graphic signs, was a process that motivated our research. It is for us in the questioning of our practice  making in an abyss our paintings, by the passage from the illusionist space of the painting to a three-dimensional space. Noises, sounds, and syllables that are immaterial, Frédéric Bruly Bouabré has come to produce graphic signs of a new language. Inspired by this approach, we deconstruct the pictorial work to extract its constituents which are put in space to translate this desire to make different techniques coexist.painting, writing, sculpture, and installation.

La hiérarchie des genres a longtemps été présentée par les historiens de l’art comme le symbole d’une « doctrine officielle » qui aurait dominé de manière univoque l’Académie Royale de Peinture et de Sculpture. Faute d’avoir fait l’objet d’un travail de définition articulé à l’étude d’archives telles que les statuts, les Procès-verbaux et les comptes rendus des conférences, elle a fini par devenir un lieu commun, si bien que la complexité de ses termes s’est parfois trouvé réduite à l’énoncé de la préface aux Conférences rédigée par Félibien. Elle est ainsi devenue le symbole d’un conflit théorique entre les détracteurs d’une Académie supposée étouffer la créativité des artistes et les tenants d’une réhabilitation face aux exagérations de l’historiographie traditionnelle. La perspective de cette recherche s’inscrit dans les interstices de ces approches différentes : interroger le sens et la fonction institutionnels de la hiérarchie des genres, ainsi que les résistances internes à ce dispositif, permet en effet d’appréhender l’Académie comme le lieu d’une conflictualité née du rapport qu’y entretiennent les notions d’art et de pouvoirs. J’étudie précisément l’incorporation de cette règle dans un programme (au sens où l’entend Foucault) – lequel s’est matérialisé dans la rédaction des statuts de décembre 1663 qui instituent une supériorité de la peinture d’histoire sur les autres genres, ainsi que dans la production d’un discours officiel. Les œuvres picturales de Desportes, Santerre, Chardin viennent par exemple déstabiliser les identités génériques solidifiées dans un règlement et ouvrent une piste de réflexion féconde quant à l’usage de la notion dynamique de généricité. / The hierarchy of genres has long been presented by art historians with an interest in the French Royal Academy of Painting and Sculpture, as the symbol of an « official doctrin » supposedly dominating the institution. Because it was never meticulously defined in conjonction with the study of archives such as statutes and conference reports, it slowly became common knowledge, to the point where the complexity of its terminology was sometimes reduced to nothing more than the foreword to Conférences by Félibien. So it became the subject of a theoretical conflict between on the one hand detractors of the Academy, which they accused of suffocating the creativity of artists, and on the other, people who believed in its rehabilitation against the exaggerations of traditional historiography since the 19th century. The perspective of this research takes root in the cracks of these approaches : because questioning the institutional meaning and function of the hierarchy of genres, as well as the internal resistance to it, allows us to assess the Academy as the host of a conflict born from the connection between the notions of art and power one can find within. My focus is precisely the incorporation of this rule within a program (in Foucault’s sense of the term) – which materialised through the writing of the statutes of 1663, which afford superior status to history painting over other genres, as well as through the production of an official discourse. The work of Desportes, Santerre, Chardin for instance are all responsible for destablising hardened genre identities through regulations, and they suggest a prolific line of thought relating to the use of the dynamic notion of genres.

Notre travail de recherche traite de la problématique d’expression de la signification et de la philosophie d’une œuvre artistique, dans une compréhension individuelle, par l’interactivité numérique de façon inconsciente. Ainsi, nous mettons en place des expérimentations d’installation artistique interactive fondées sur des analyses approfondies de l’art traditionnel, de la technologie innovante, de la philosophie, de l’esthétique et de la psychologie (notamment sur la cognition et l’inconscient). A cet effet, nous posons deux questions centrales : quelle est la relation entre philosophie et psychologie ? Comment utiliser les interactions numériques pour influencer la compréhension du participant de façon inconsciente ? D’abord, nous nous focalisons sur des recherches de l’esthétique artistique, de l’art traditionnel chinois, de sa philosophie et de la technologie numérique. Nous proposons de créer un « scénario d’interaction » pendant la conception et réalisons une installation artistique interactive concernant l’hybridation entre la philosophie « Qi » et les ondes cérébrales. L’objectif n’est pas tant d’effectuer une démonstration numérique, mais plutôt de mieux mettre en évidence les relations entre la technologie innovante, la philosophie de l’œuvre et la compréhension individuelle. Ensuite, la recherche se concentre sur la psychologie (la cognition et l’inconscient) pour réaliser une nouvelle méthode interactive : « interactivité inconsciente ». Celle-ci est mise en œuvre par une autre installation artistique interactive concernant le contrôle cérébral, la suggestion olfactive et la perception corporelle. / Our research deals with the problem of expression of meaning and artistic philosophy toward individual understanding by using, in an unconscious way, digital interactivity. Thus, we will realize some interactive art installation experiments that are based on a profound analysis of traditional art and innovative technology, as well as philosophy, aesthetics and psychology (especially on cognition and unconscious), also an analysis of unconscious and psychotherapy. We asked two central questions: what is the relationship between philosophy and psychology? How to use digital interactions to influence understanding unconsciously? For answering these questions, we focus on the expression of the artistic philosophy and individual understanding related to digital art visualization and innovative interactive technologies.First, we focus on research of the aesthetic of traditional Chinese art, traditional Chinese philosophy and digital technology. We propose to create an “interaction scenario” during conception. Otherwise, we created an interactive art installation based on the hybridization between the Qi philosophy and brain waves. The objective is not to make a digital artistic demonstration, but to better introduce the relationship between innovative technologies and philosophical understanding. Next, the research focuses on psychology (cognition and unconscious) to achieve a new interactive method named “unconscious interactivity”. This method is implemented by another interactive art installation including brain control, olfactory suggestion and body perception.