Este trabajo se centra en la obra para piano del compositor Miguel Asins Arbó, y en la propuesta performativa, previo su correspondiente análisis armónico e incluso didáctico, de su producción pianística. La inexistencia de trabajos sobre este repertorio, en un compositor tan importante en la música española del siglo XX, su valoración y difusión, centraron la idea original del mismo. La investigación se inicia con una recogida de la información musical acudiendo a fuentes primarias, elaborando posteriormente una catalogación actualizada de sus piezas para piano, explicando el hecho performativo de las mismas desde el estudio inicial y la selección previa del repertorio, hasta su estudio técnico-musical y su posible aplicación a otras obras del autor y de otros autores para piano, culminándola, con diferentes grabaciones de sus obras, edición de una de ellas y referencias a la difusión del repertorio, mediante recitales y conciertos. Las conclusiones elaboradas, presentan propuestas relativas a las obras para piano del compositor, al estudio racional de los textos en general, y a los factores que intervienen en la aplicación performativa de los mismos. Se añaden análisis muy detallados sobre las piezas, que pueden servir de base para futuros trabajos relacionados con este autor o autores similares, unidades didácticas de aplicación en el aula y de difusión social y musical entre la comunidad académica pianística y los textos manuscritos del compositor.

A presente tese de doutorado busca uma pedagogia em performance - um ensino do teatro que se afirma como prática contemporânea a partir do teatro performativo. Aqui, a performatividade da criança é tomada como material poético para a construção teatral, e efetiva a experiência como prática de elaboração do conhecimento em arte. Evidencia-se no primeiro capítulo a correspondência entre teatro e pedagogia do teatro hoje, a partir do alargamento dos limites do conceito de teatro. No segundo capítulo a tensão entre as abordagens do ensino do teatro que privilegiam a livre expressão e aquelas que privilegiam um ensino diretivo, é revisitada em diálogo com autores como Winifred Ward, Peter Slade, Viola Spolin e Ingrid Koudela. A simulação é proposta como metodologia que coloca em performance a história do teatro, a partir de premissas de Thierry de Duve. Os últimos três capítulos expõem sobre a prática e a apreciação realizadas com trinta e oito turmas de alunos-atores do ensino básico, com foco em técnicas de aprendizagem e processos de encenação com crianças. Estas exposições teórico-práticas perseguem a pergunta: \"O que é ensinar/aprender teatro hoje?\" / The present PhD thesis seeks a performing pedagogy - the teaching of theater that affirms itself as a contemporary practice, obtaining its characteristics from the performative theater. Here, the performativity of the child is taken as poetic material for theatrical construction, and effective experience as a practice of elaboration of knowledge in art. The first chapter shows the correspondence between theater and pedagogy of theater today, from the extension of the limits of the concept of theater. In the second chapter, the tension between approaches to theater teaching that favor free expression and those that favor directive teaching is revisited in dialogue with writers such as Winifred Ward, Peter Slade, Viola Spolin and Ingrid Koudela. Simulation is proposed as a methodology that puts the history of the theater in performance, based on the premises of Thierry de Duve. The last three chapters discuss the practice and appreciation of thirty-eight classes of pupils in elementary education, focusing on learning techniques and process of staging with children. These theoretical-practical expositions pursue the question: \"What is teaching /learning theater today?\"

A presente tese de doutorado busca uma pedagogia em performance - um ensino do teatro que se afirma como prática contemporânea a partir do teatro performativo. Aqui, a performatividade da criança é tomada como material poético para a construção teatral, e efetiva a experiência como prática de elaboração do conhecimento em arte. Evidencia-se no primeiro capítulo a correspondência entre teatro e pedagogia do teatro hoje, a partir do alargamento dos limites do conceito de teatro. No segundo capítulo a tensão entre as abordagens do ensino do teatro que privilegiam a livre expressão e aquelas que privilegiam um ensino diretivo, é revisitada em diálogo com autores como Winifred Ward, Peter Slade, Viola Spolin e Ingrid Koudela. A simulação é proposta como metodologia que coloca em performance a história do teatro, a partir de premissas de Thierry de Duve. Os últimos três capítulos expõem sobre a prática e a apreciação realizadas com trinta e oito turmas de alunos-atores do ensino básico, com foco em técnicas de aprendizagem e processos de encenação com crianças. Estas exposições teórico-práticas perseguem a pergunta: \"O que é ensinar/aprender teatro hoje?\" / The present PhD thesis seeks a performing pedagogy - the teaching of theater that affirms itself as a contemporary practice, obtaining its characteristics from the performative theater. Here, the performativity of the child is taken as poetic material for theatrical construction, and effective experience as a practice of elaboration of knowledge in art. The first chapter shows the correspondence between theater and pedagogy of theater today, from the extension of the limits of the concept of theater. In the second chapter, the tension between approaches to theater teaching that favor free expression and those that favor directive teaching is revisited in dialogue with writers such as Winifred Ward, Peter Slade, Viola Spolin and Ingrid Koudela. Simulation is proposed as a methodology that puts the history of the theater in performance, based on the premises of Thierry de Duve. The last three chapters discuss the practice and appreciation of thirty-eight classes of pupils in elementary education, focusing on learning techniques and process of staging with children. These theoretical-practical expositions pursue the question: \"What is teaching /learning theater today?\"

A partir do espetáculo O ano em que sonhamos perigosamente (2015), do grupo pernambucano Magiluth, esta dissertação investiga possibilidades de aproximação entre o teatro contemporâneo e as problemáticas do tempo presente. Conceitos como \"teatros do real\" e \"arte contextual\" são utilizados para analisar as influências da situação política do país e, especialmente do movimento Ocupe Estelita, na criação do espetáculo. Além disso, discutimos de que forma procedimentos do teatro performativo podem ser visualizados no processo criativo e na escritura cênica do grupo e se configuram como práticas de ampliação do potencial político do teatro contemporâneo. Fazemos ainda aproximações e diálogos entre O ano em que sonhamos perigosamente e Nós, do grupo Galpão, através de análises críticas dos espetáculos, para entender características do teatro político nos dias de hoje. / This dissertation investigates possibilities of approximation between contemporary theater and problems related to the present time from the analysis of the play The year of dreaming dangerously (2015), from Magiluth, a theatrical group created in Pernambuco. Concepts such as \"theatre of the real\" and \"contextual art\" are used to analyze the influences of the country\'s political situation, and especially the Occupy Estelita movement, in the creation of the play. In addition, we discuss how performative theatre procedures can be visualized in the creative process and in the group\'s scenic writing and are configured as practices for expanding the political potential of contemporary theatre. We also make approximations and dialogues between The year os dreaming dangerously and We (Nós), from Galpão group, through critical analyzes of the plays, to understand characteristics of political theatre these days.

Submitted by Maria Dantas (mccdantas@bol.com.br) on 2014-05-27T13:57:41Z No. of bitstreams: 1 Maria da Conceicao carvalho Dantas Versao 29.04.pdf: 1342520 bytes, checksum: 9b041fd4439f0d6200af6feb7b7fd77b (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Auxiliadora da Silva Lopes (silopes@ufba.br) on 2014-07-25T16:40:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Maria da Conceicao carvalho Dantas Versao 29.04.pdf: 1342520 bytes, checksum: 9b041fd4439f0d6200af6feb7b7fd77b (MD5) / Made available in DSpace on 2014-07-25T16:40:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria da Conceicao carvalho Dantas Versao 29.04.pdf: 1342520 bytes, checksum: 9b041fd4439f0d6200af6feb7b7fd77b (MD5) / RESUMO O objetivo deste trabalho é a análise da ausência do beijo, que revela o namoro entre duas alunas lésbicas em “Torpedo”, um dos materiais didáticos que compõem o “Kit Escola sem Homofobia” baseando-se na premissa teórica dos Estudos Culturais e também com foco no “perfomativo curricular” que relaciona os conceitos de currículo e performatividade de gênero propostas por Butler, que entende gênero como performativo, por não ser, nem uma afirmação e nem uma negação, mas práticas discursivas que produzem aquilo que nomeiam, por criar verdades, através de repetições de atos, ações que apresentem alguma equivalência com as estruturas sociais e culturais em que o sujeito está inserido. Embora em “Torpedo” seja abordada a relação afetiva entre as alunas, a não representação cultural de pessoas não heterossexuais na escola, nos currículos, nos materiais didáticos, na lógica heteronormativa, tornam estes sujeitos abjetos, pois negam outras formas de sentir afeto, desejo, prazer, valorizando a heterossexualidade como a única forma possível e aceitável de viver a sexualidade, contemplada nos discursos de prestígios dos mesmos currículos, livros didáticos, mídia. O vídeo acaba construindo uma narrativa que o modelo heterossexual é o único desejável e valioso. O material também foi apresentado para um grupo de professoras de uma escola pública estadual de Salvador, que analisou a história, mediante aplicação de instrumento de avaliação com a seguinte questão: o que mudaria na história ? Embora as professoras tenham registrado contribuições, nenhuma delas sugeriu um final diferente com um beijo apaixonado entre as personagens principais, reiterando, assim, o caráter hegemônico dos padrões tradicionais, heteronormativos, na ausência de representações não heterossexuais na escola e na mídia. Também foi analisado o Caderno por expor a proposta conceitual e metodológica do Kit, considerada a peça mais importante e fundamental do documento porque visa oferecer instrumentos pedagógicos para abordar as questões relativas à orientação sexual e identidade de gênero, trazendo a homofobia como uma questão central para ser problematizada nas escolas. A análise foi realizada a partir de critérios básicos, para avaliação do livro didático, propostos pelo MEC (Ministério da Educação e Cultura) para o PNLD (Programa Nacional do Livro Didático) com isenção de preconceito, tanto de origem, etnia, gênero, religião, idade ou outras formas de discriminação. Dados e políticas relacionadas com a homofobia no país e as escolas também são apresentadas para revelar o contexto social em que o material educativo foi criado. Nas considerações finais, verificamos que as exigências do MEC estão contempladas no Caderno. Dessa forma, torna-se necessária uma reforma curricular, que abranja além da educação básica, as universidades e, sobretudo os cursos de licenciatura, capacitando o professor para trabalhar, para repensar as estruturas vigentes, as identidades hegemônicas heterossexuais ou não, desnaturalizando estas verdades conhecidas como absolutas para construção de uma escola mais justa, menos homofóbica, capaz de representar, atender, servir a todos e todas. Palavras-chave: Kit Escola sem Homofobia. Currículo. Performativo Curricular. Performatividade de Gênero. Homossexualidade-Heterossexualidade. Teoria Queer. / ABSTRACT The aim of this work is the analysis of the absence of a kiss, in the relationship between two schoolgirls lesbians who play major characters at the educational video "Torpedo", one of the didactic materials that make up the “Escola sem Homofobia” (School Kit without Homophobia) based on the theoretical premise of cultural studies and also with a focus on "perfomativo" curriculum that relates the concepts of curriculum and gender performativity proposals by Butler, who understands that gender is nor an affirmation and neither a denial but discursive approaches that produce sense and impact by creating truths through repetition of acts, actions that provide some equivalence with the social and cultural structures in which the subject is inserted. Although the relationship between the students is focused at "Torpedo" the affective, cultural representation of non-heterosexuals in school curricula, didactic materials, heteronormative logic, make these abject subjects, because they deny other forms of affection, desire, pleasure, valuing heterosexuality as the only possible and acceptable way to live sexuality, contemplated in the speeches of prestige of the same curricula, textbooks, media. The video ends up building a narrative that the heterosexual model is the only desirable and valuable. The material was also presented to a group of teachers from a State public school of Salvador, which examined the history, by applying assessment tool with the following question: what would be changed in the story? Although teachers have registered contributions, none of them suggested a different ending with a passionate kiss between the main characters, thus reiterating the hegemonic character of traditional patterns, heteronormative, in the absence of representations not heterosexuals in school and in the media. The “Caderno” (Notebook) was also analyzed for exposing the conceptual and methodological proposal Kit, considered the most important and fundamental part of the document because it aims to offer pedagogical instruments to address the issues relating to sexual orientation and gender identity, bringing homophobia as a central issue to be discussed in schools. The analysis was carried out from basic criteria for evaluation of the textbook, proposed by MEC (Ministry of education and culture) to the PNLD (National Textbook Program) with exemption of prejudice, both of origin, ethnicity, gender, religion, age or other forms of discrimination. Data and policies related to homophobia in the country and schools are also presented to reveal the social context in which the educational material was created. In the final considerations, we verified that the requirements of the MEC are contemplated in the contract. Thus, it is necessary to rethink and redesign school curricula, from basic education to universities, and especially the degree courses, enabling the teacher to work, to rethink existing structures, hegemonic heterosexual identities or not, denaturalized these truths known as absolute for building a fairer, less homophobic school, able to represent, to cater and to serve all both male and female. Key-Words: Kit Escola sem Homofobia. Currícula. Performativo Curricular. performance-based curricula. Homosexuality. Heterossexuality. Queer Theory.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-28T13:35:36Z No. of bitstreams: 1 dissertação final completa.pdf: 7977725 bytes, checksum: 617c1460ccbd92e85d8f6e382c027598 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-08-30T13:48:54Z (GMT) No. of bitstreams: 1 dissertação final completa.pdf: 7977725 bytes, checksum: 617c1460ccbd92e85d8f6e382c027598 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-30T13:48:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertação final completa.pdf: 7977725 bytes, checksum: 617c1460ccbd92e85d8f6e382c027598 (MD5) / This dissertation is a path proposal for mapping the artistic and intellectual materials that comprising the creation (design, presence, and formation) of the workshop/intervention Teia. This creation happened differently in each experiment, inhabited by collective and subjective characteristics in each group who composed it. The approach that guide the research had three lines, wherein the write structure emerged from conceptive image of the workshop/intervention Teia, in connection to the proposal of the procedure of literalization from conceptual relationship between the web and the spider This invention was accomplished theoretical and practical through the connection between two methodological approaches: the Research Somatic-Performative and the cartography, wherein the image of the skin was the contact surface between both approaches. This way of proceeding observation has supported the production of the presence on states of destabilization and distancing with opposition values and reverberated at contemporary authors in the area of theater and dance at the interstice with the performance, compounding the field in which the workshop/intervention Teia is inserted. Specifically, was possible to observe two different creative processes in my career that reflected in different ways of creating this intervention: the first one was influenced by a presence that is created through emphasis on mediating materials, and the second one, by a presence that is create in suspension of the self, rippling between the production of presence and absence (PHELAN, 2004). In this way, the creative experience was focused on the connection between each group, an effect potentialized by the white elastic: the material mediator between the bodies of the agents who participated, thereby forming a collective body. I consider a tessitura which managed identify the soil, the field that underlies the “artistic modus” with which I operate this creation, reflected in the dissertative accompanying of a route, composed by intercessors who have destabilized the division between formation, breeding and research within and outside the Academy. / Essa dissertação é uma proposta de percurso e mapeamento das matérias artísticas e intelectuais que compuseram a criação (concepção, presença, e formação) da oficina/intervenção Teia. Essa criação aconteceu diferentemente em cada experiência, através das características subjetivas e coletivas em cada grupo que a compôs. A abordagem que guiou essa pesquisa possuiu três linhas, em que a estrutura escrita emergiu da imagem conceptiva da oficina/intervenção Teia, em conexão à proposta do procedimento de literalização da relação conceitual entre a teia e a aranha. Essa invenção teórico-prática foi engendrada através da conexão entre duas abordagens epistemológicas: a Pesquisa Somático-Performativa e a cartografia, em que a imagem da pele foi a superfície de contato entre ambas as abordagens. Esse modo de proceder apoiou a observação sobre a presença em estados de desestabilização e distanciamento com valores de oposição e reverberou em autores contemporâneos na área de teatro e de dança em interstício com a performance, compondo o campo no qual a oficina/intervenção Teia está inserida. Especificamente, foi possível a observação de dois processos criativos distintos em minha trajetória que refletiram em diferentes modos de criação da presença contidos nesta criação: o primeiro foi influenciado por uma presença que é criada através da ênfase na mediação material e o segundo por uma presença em suspensão do self, ondulando entre produção de presença e ausência. Dessa maneira, a experiência criativa foi enfocada na conexão entre cada grupo, um efeito potencializado pelo elástico branco: o material mediador entre os corpos dos agentes que participaram, formando-se assim, um corpo coletivo. Considero entremeios, uma tessitura que conseguiu identificar o “módus artítico” com o qual operei essa criação, refletidos no acompanhamento de um percurso dissertativo, composto por intercessores que desestabilizaram a divisão entre formação, criação e pesquisa dentro e fora da Academia.

[pt] Este trabalho realiza a tradução para o português de Esta breve tragedia de la carne, obra da dramaturga, atriz e diretora de teatro espanhola Angélica Liddell (n. 1966). Ao mesmo tempo, tomando como objeto da tradução um texto de performance teatral, procura contribuir com discussões recentes no campo dos Estudos da Tradução a respeito das relações entre tradução e performance, como as que se veem, com interesses variados, em trabalhos de Guilherme Gontijo Flores, Rodrigo Tadeu Gonçalves, Álvaro Faleiros e Helena Martins, entre outros. Posicionando-se diante dessas discussões, o trabalho assume para Esta breve tragedia de la carne três paradigmas básicos de leitura. O primeiro é o de que a identidade do texto é dada pela relação que se estabelece entre o texto e o tradutor; o segundo é o de que esse texto corresponde a um certo conjunto de performances dele mesmo, e não somente ao original tomado como fato estático, e que é esse conjunto, e não o original, o objeto da tradução, enquanto por outro lado a tradução também se apresenta como mais uma performance que participa do conjunto; o terceiro é o de que a leitura de Esta breve tragedia de la carne provoca ações, ou tarefas, e de que essas ações tornam possível observar no texto um modo específico de conflito entre corpo e palavra que estrutura a sua performatividade. A dissertação, então, acontece em três movimentos. O primeiro consiste em enunciar um conjunto de performances que compõem o texto de Esta breve tragedia de la carne. Nesse conjunto incluem-se apresentações da obra e da ética de Angélica Liddell, bem como um mapeamento de sua recepção no Brasil e uma descrição da encenação da própria Liddell para Esta breve tragedia de la carne, em 2015. O segundo movimento consiste na realização de três traduções de Esta breve tragedia de la carne para o português, cada qual orientada por um distinto programa performativo, procedimento composicional concebido por Eleonora Fabião. O terceiro e último movimento é um ensaio teórico que, traçando um diálogo entre dimensões performativas da tradução e a tradição tradutória legada por Haroldo e Augusto de Campos, oferece uma análise do experimento de tradução realizado no trabalho e procura articulá-lo a práticas mais amplas de tradução no Brasil. / [en] This study offers a translation into portuguese of Esta breve tragedia de la carne, a work by Spanish writer, actress, and theatre director Angélica Liddell (b. 1966). By taking a text which was given for theatrical performance as an object of translation, it seeks at the same time to contribute to recent debates on Translation Studies regarding relations between translation and performance, such as those put forward, with diverse interests, in works by Guilherme Gontijo Flores, Rodrigo Tadeu Gonçalves, Álvaro Faleiros, and Helena Martins, amongst others. In joining these debates, this study reads Esta breve tragedia de la carne in accordance with three basic paradigms. The first one is that the text s identity is given by the relation established between text and translator; the second is that this text is taken not as a static original but as a certain number of performances of itself, the object of translation being these performances, which include its translations; the third paradigm is that the reading of Esta breve tragedia de la carne basically prompts actions, or tasks, and that these actions show a specific conflict between word and body that structures the text s performance. This study, then, is set forth in three movements. The first consists in enunciating a set of performances that make up Esta breve tragedia de la carne s text. This set includes materializations of Angélica Liddell s work and ethics, as well as a mapping of her reception in Brazil and a description of her own staging of Esta breve tragedia de la carne, in 2015. The second movement consists in the execution of three distinct translations into portuguese of Esta breve tragedia de la carne, each oriented by a different performative program, a composing procedure devised by Brazilian performer Eleonora Fabião. The third and last movement is an essay which, while reflecting on performative dimensions of translation within the Brazilian tradition of translation studies established by Haroldo and Augusto de Campos, offers an analysis of this study s particular experiment and seeks to articulate it with broader translation practices in Brazil.

[ES] En esta tesis, tomando como medio la obra para piano solo Gaspard de la nuit de Maurice Ravel, se elabora una investigación de metodología autoetnográfica a modo de ejercicio de concienciación del aprendizaje de la obra. El objetivo es tener un conocimiento más profundo de los estímulos musicales durante el estudio de Gaspard de la nuit. Para cumplir con dicho objetivo, en primer lugar, se presentan informaciones sobre Ravel, su vida y su producción musical hasta el año de composición de la obra en cuestión, documentación concreta sobre Gaspard de la nuit, su interpretación y el análisis de las tres obras. En segundo lugar, se efectúa un cuaderno de campo compuesto por las clases magistrales sobre la obra recibidas por grandes profesores a nivel nacional e internacional y por apuntes propios de las sesiones de estudio. Las enseñanzas expuestas en ambos documentos se analizan, se relacionan, se comparan, se establece una evolución o analogía de la terminología empleada, y, en caso necesario, se explica su significado y si ha tenido especial influencia o no en la práctica pianística. Posteriormente se acude a la estadística para obtener datos cuantitativos de la recurrencia de unas temáticas musicales sobre otras para concluir entre otras deducciones que se hace escasa referencia a la memorización, la diferencia entre el peso que se le da a ciertas temáticas dependiendo del estadio de aprendizaje de Gaspard de la nuit y la dinámica concreta de estudio empleada mientras se trabaja la obra objeto de estudio. / [CA] En aquesta tesi, prenent com a mitjà l'obra per a piano sol Gaspard de la nuit de Maurice Ravel, s'elabora una recerca de metodologia autoetnogràfica a manera d'exercici de conscienciació de l'aprenentatge de l'obra. L'objectiu és tenir un coneixement més profund dels estímuls musicals durant l'estudi de Gaspard de la nuit. Per a complir amb aquest objectiu, en primer lloc es presenten informacions sobre Ravel, la seva vida i la seva producció musical fins a l'any de composició de l'obra en qüestió, documentació concreta sobre Gaspard de la nuit, la seva interpretació i l'anàlisi de les tres obres. En segon lloc, s'efectua un quadern de camp compost per les classes magistrals sobre l'obra rebudes per grans professors a nivell nacional i internacional i per anotacions pròpies de les sessions d'estudi. Els ensenyaments exposats en tots dos documents s'analitzen, es relacionen, es comparen, s'estableix una evolució o analogia de la terminologia emprada, i, en cas necessari, s'explica el seu significat i si ha tingut especial influència o no en la pràctica pianística. Posteriorment s'acudeix a l'estadística per a obtenir dades quantitatives de la recurrència d'unes temàtiques musicals sobre altres per a concloure entre altres deduccions que es fa escassa referència a la memorització, la diferència entre el pes que se li dona a unes certes temàtiques depenent de l'estadi d'aprenentatge de Gaspard de la nuit i la dinàmica concreta d'estudi emprada mentre es treballa l'obra objecte d'estudi. / [EN] In this thesis, taking Maurice Ravel's solo piano work Gaspard de la nuit as a medium, an autoethnographic methodology research is elaborated as an exercise of awareness of the learning of the work. The aim is to gain a deeper understanding of the musical stimuli during the study of Gaspard de la nuit. To achieve this goal, first of all, information about Ravel, his life and his musical production up to the year of composition of the work in question, specific documentation on Gaspard de la nuit, its interpretation and the analysis of the three works are presented. Secondly, a field notebook is made up of the master classes on the work given by great national and international professors, as well as notes taken during the study sessions. The teachings presented in both documents are analysed, related, compared, an evolution or analogy of the terminology used is established, and, if necessary, their meaning and whether they have had a special influence on piano practice is explained. Subsequently, statistics are used to obtain quantitative data on the recurrence of certain musical themes over others in order to conclude, among other deductions, that little reference is made to memorization, the difference between the weight given to certain themes depending on Gaspard de la nuit's stage of learning and the specific dynamics of study employed while working on the work under study. / García Verdú, FJ. (2023). Investigación autoetnográfica de la práctica pianística a través de la obra para piano solo Gaspard de la nuit de Maurice Ravel [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/193297

[pt] Esta pesquisa procura discutir o modo pelo qual algumas companhias teatrais cariocas se inserem no contexto do contemporâneo. Na cena contemporânea nacional e internacional, um grande número de grupos e companhias teatrais voltam-se para a experimentação estética em que o texto dramático serve como estímulo à livre interpretação e jogos de improvisação que resultam em espetáculos mais expandidos. Nesse contexto a escrita cênico-dramatúrgica se sobrepõe ao texto previamente escrito. Assim, os conceitos de teatro pós-moderno e de pós-dramático, cunhado pelo teórico Hans-Thies Lehmann, são contrapostos ao de performativo, como proposto por Erika Fischer-Lichte e Josette Féral. Embora tais conceitos possam ser operativos para alguns espetáculos estudados nesta pesquisa, não dão conta do repertório das companhias cariocas. Dessa forma, primeiramente, após o exame do pós-dramático, e performativo, busca-se refletir acerca do contemporâneo e da contemporaneidade nas análises de críticos e teóricos das artes, do teatro e da literatura. Em um segundo momento, será feita uma apreciação acerca da formação de grupos e companhias no Brasil, com especial atenção àquelas aqui investigadas e suas novas formas de composição: criação coletiva e trabalho colaborativo. Finalmente, a partir da investigação de práticas teatrais recentes das companhias Os Dezequilibrados e Cia. dos Atores, procura-se refletir acerca do que pode ser entendido como teatro contemporâneo e como ele se revela na cena carioca atual. / [en] The aim of this research is to discuss the way in which some theatre companies from Rio de Janeiro fit into the context of the contemporary. In the national and international scene a large number of theatre groups and companies are dedicated to aesthetic experimentation and the dramatic text is stimulus for a free interpretation and for improvisation games which result in more expanded plays. In this context where the dramaturgical writing on stage overlaps the text previously written, the concept of post-modern theatre, as well as post-dramatic theatre, coined by Hans-Thies Lehmann, are contrasted with the concept of performative, as proposed by Erika Fischer-Lichte and Josette Féral. Although these concepts may apply to some performance pieces brought about by this research, they do not account for the whole repertory of these theatrical companies from Rio de Janeiro. Thus, at first, after an examination into the post-dramatic and performative, an investigation concerning the contemporary and contemporaneity is carried out through analysis of Art, Theatre and Literature scholars writings on these issues. Secondly, there will be an appreciation of how theatre groups and companies were formed in Brazil, with special attention paid to those investigated here and their corresponding ways of theatre making: devising and collaborative work. Finally, based on an examination into recent theatrical practices of the companies Os Dezequilibrados and Cia. dos Atores, this investigation aims at reflecting upon what can be understood as contemporary theatre and how it can be perceived in Rio de Janeiro s current stages. / [es] Esta investigación analiza la forma en que algunas companías teatrales de Rio de Janeiro se sitúan en el contexto de lo contemporáneo. En la escena contemporánea nacional e internacional, grupos y companías de teatro vuélvanse a la experimentación estética, mientras el texto dramático sirve como estímulo para la libre interpretación y juegos de improvisación que producen espectáculos más expandidos. En este contexto, la escritura escénica y dramatúrgica se superponen al texto escrito previamente, Así, el concepto de teatro posmoderno y de posdramático, acunado por el teórico Hans- Thies Lehmann, se oponen al concepto de performativo según propuesto por Erika Fischer-Lichte y Josette Féral. Aunque estos conceptos se pueden aplicar a algunos espectáculos examinados en ese estudio, ellos no se aplican a todo el repertorio de las companías de Rio de Janeiro. Además, en primero lugar, después del examen del posdramátic y performativo, se busca reflexionar sobre el contemporáneo y la contemporaneidad en los análisis de críticos y teóricos de las artes, del teatro y de la literatura. En un segundo momento, será hecha una evaluación sobre la formación de grupos y companías en Brasil, con particular atención a aquellas aquí investigadas y sus nuevas formas de composición: creación colectiva y proceso colaborativo. Por fin, a partir de la investigación de las prácticas teatrales recientes de las companías Os Dezequilibrados y Cia. dos Atores, se busca reflexionar acerca de lo que puede entenderse como teatro contemporáneo y como él se revela en la escena actual en Rio de Janeiro.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:15:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 JUSSARA SOBREIRA SETENTA.pdf: 649922 bytes, checksum: d7bd5508dd00387cf9c1ced55b86b620 (MD5) Previous issue date: 2006-07-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / In public communication, the body currently encounters a kind of overexposure by the media that can be seen as a frame to be confronted if the principle intent is to not participate in the media process as such. Although it may seem to a averagely attentive person that we live in a time where the body has become one of the most explored of subjects, those who reflect upon contemporary culture call attention to the fact that this highly exposed, mediated body is always behind the same type of filters. In certain cultural areas, the body chooses other forms of communication and, in challenging the hegemonic images of mass culture, is by them confined to peripheral niches. Contemporary dance is one such peripheral niche. The hypothesis that resulted in the research herein presented as a doctoral dissertation was developed out of the speech acts theory of J. L. Austin, regarding verbal language, which was extended to body language by placing its formulations in dialogue with the corpomídia [body-media] theory developed by Katz & Greiner (1999, 2000, 2001, 2004, 2005), as well as with works of critics of culture such as Negri (2004, 2005) and Foucault. Proposing that the body is corpomídia of contemporaneity in installing other forms of behavior, the hypothesis is that this happens when its saying initiates its doing. This doing-saying distinguishes human and institutional bodies. Based on the theoretical frame here presented, this dissertation investigates the relationship between the Dance School of the Federal University of Bahia and the dance companies it produced. Could they be considered as corposmídia of the institution that created and supported them? The research also deals with the question of the visibility/ invisibility of contemporary dance itself, understood here as a sub-product of the cultural journalism practiced in Brazil / Para se comunicar publicamente, o corpo hoje enfrenta um tipo de superexposição midiática que se torna uma moldura a enfrentar quando não deseja fazer parte do processo em curso. Embora pareça aos menos atentos que vivemos em uma época na qual o corpo tornou-se um dos assuntos mais explorados, aqueles que refletem sobre a cultura contemporânea chamam a nossa atenção para o fato de que esse corpo hiper-exposto nas mí¬dias está sempre atrás de um mesmo tipo de filtro. Em certos segmentos da cultura, o corpo optou por outra forma de comunicação e, por ferir as suas imagens hegemônicas da cultura de massa, é por elas detido em nichos periféricos. A dança contemporânea é um deles. A hipótese que resultou na pesquisa aqui apresentada sob a forma de uma tese de doutorado partiu da teoria dos atos de fala de J. L. Austin a respeito da linguagem verbal e a estendeu para a linguagem corporal, pondo as suas formulações em diálogo com a teoria corpomí¬dia, desenvolvida por Katz & Greiner (1999, 2000, 2001, 2004, 2005) e com a bilbiografia de crí¬ticos da cultura como Negri (2004, 2005) e Foucault. Propondo que o corpo é corpomídia da contemporaneidade quando instaura um outro modo de atuar, a hipótese é a de que isso se dá quando o seu dizer inaugura o seu fazer. Esse fazer-dizer distingue corpos humanos ou institucionais. A partir do arcabouço teórico aqui apresentado, a tese propõe-se a investigar a relação da Escola de Dança da Universidade Federal da Bahia com os grupos que produziu. Seriam eles corposmí¬dia da instituição que os gerou e abrigou? A pesquisa deparou-se ainda com a questão da visibilidade/ invisibilidade da própria dança contemporânea, que entendeu como um sub-produto do jornalismo cultural praticado no Brasil