Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-10T18:34:58Z No. of bitstreams: 1 A VISITA DO DIVINO.doc: 286200832 bytes, checksum: 1505bc8da18b882d8a9b6c298e27f465 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:13:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 A VISITA DO DIVINO.doc: 286200832 bytes, checksum: 1505bc8da18b882d8a9b6c298e27f465 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:13:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 A VISITA DO DIVINO.doc: 286200832 bytes, checksum: 1505bc8da18b882d8a9b6c298e27f465 (MD5) / Esta tese teve como principal objetivo a explicação das significações éticas, estéticas e histórico-religiosas das Folias do Divino no Entorno Goiano do Distrito Federal, e seu sentido matricial da cultura cênica contemporânea. A pesquisa foi desenvolvida a partir de três visões distintas sobre o universo das folias: a visada de seus estrangeiros, alguns daqueles que já refletiram sobre o assunto em outros estudos, compreendida por uma investigação bibliográfica que privilegiou desde manuscritos e pequenas monografias até publicações acadêmicas de várias áreas dos saberes humanos; a opinião de seus próprios atores, refletindo aquilo que eles acreditam estar fazendo, e para quê, levantada através de conversas e entrevistas não dirigidas; e a do pesquisador que, em pousos e visitas a fazendas e sítios nos municípios de Novo Gama, Santo Antônio do Descoberto e Luziânia, num período de onze dias, por registros aproximados das metodologias etnográficas, descreve a manifestação nas minúcias de seu trajeto, um círculo simbólico denominado giro. Em perspectiva multirreferencial, tendo como base a etnocenologia e seus diálogos multi, inter e transdiciplinares sobre as práticas e comportamentos humanos espetaculares organizados, consubstanciou-se em dados oferecidos pela Folia de Roça do Novo Gama (GO), nas saídas de suas bandeiras nos anos de 2003 e 2004. Buscando a superação das dicotomias impostas pela utopia da criação de Brasília, num espaço em que seus idealizadores se propunham como fundadores da cultura, esta tese apresenta as folias como relacionadas a um catolicismo não oficial advindo de uma circularidade social que as colocam, nos dias de hoje, no universo das pessoas comuns. Extrapolando a referência de matriz cênica, são práticas que ultrapassam o sentido estrito da religiosidade de adoração ao sagrado para se inscrever, como uma autêntica manifestação da cena contemporânea, no lato sensu da religação ao outro, comunhão do estar juntos societal característico da pós-modernidade. / Ce travail a comme objet les significations éthiques, esthétiques et historique-religieuses des Folias du Divin au Entorno Goiano du District Fédéral et le sens matriciel des manifestations avec les caractéristiques des folias dans la culture scénique contemporaine. La recherche a été développée à partir de trois visions distinctes sur cet univers. Premièrement, la visée des étrangers, certains dont ils déjà ont reflété sur le sujet dans autres études. Pour ceci on a eté réalisée une révision bibliographique qui a privilégié depuis manuscrits et de petites monographies jusqu'à des publications académiques de plusieurs secteurs de la connaissance. Ensuite, l'avis des acteurs eux-mêmes de la manifestation, en reflétant cela que ils croient être en faire et pour quoi. Ces avis ont été soulevés à travers des conversations et interviews non dirigées avec les appelés foliões et ceux qui les reçoivent dans leurs maisons. Et, finalement, la vision construite par le chercheur à partir de la recherche bibliographique et du champ réalisé dans les pousos et visites dans des grandes fermes et sites dans les municipes de Novo Gama, Santo Antônio do Descoberto et Luziânia, tous dans la frontière du District Fédéral avec l'état de Goiás. Sur base de méthodologies ethnografiques, ce travail décrit la manifestation dans les minuties de son passage, un cercle symbolique appelé giro da folia. Son principal référentiel théorique est l'ethnocenologie et leurs dialogues avec plusieurs secteurs des savoirs sur les pratiques et comportements humains spectaculaires organisés. Cette thèse présente les folias dans le contexte d'un Catholicisme non officiel arrivé de la circularité social qui les place, actuellement, dans l'univers de l’homme ordinaire. Les folias extrapolent la référence de matrice scénique et le sens strict de la religiosité d'adoration au sacré pour s'inscrire comme des authentiques manifestations de la scène contemporaine.

En mettant en scène Warten auf Godot en 1975 au Schiller Theater, Beckett déclare : « Je ne connaissais rien au théâtre quand j’ai écrit cette pièce. » Constat précieux : l’auteur parle au passé. Entre l’écriture et la mise en scène, un savoir a été acquis. Le défaut de savoir constaté concerne la dimension pratique du théâtre. C’est le théâtre tel qu’il se fait auquel Beckett s’est peu à peu confronté, jusqu’à assumer la mise en scène de ses propres pièces. Devenu praticien, l’auteur s’empare de se première œuvres, les reprend : dans cette reprise lui apparaissent les failles et les manques initiaux. Loin de relever d’une continuité ou d’une évidence, la mise en scène par l’auteur de son premier théâtre et les réécritures auxquelles elle donne lieu offrent un aperçu sur la façon dont l’intériorisation par Beckett de deux fonctions qui ont joué un rôle fondamental dans l’histoire du théâtre au XXe siècle soumet ses pièces à une dynamique de création seconde qui fait évoluer sa poétique initiale. Beckett ne considère pas l’œuvre écrite comme une partition dont il faudrait assumer l’exécution. Au contraire, au fil de sa pratique scénique, il les dramatise et les théâtralise, témoignant de l’évolution même de sa conception du théâtre. Il passe d’un « théâtre rêvé » à un « théâtre pratiqué ». Dans ce passage se dévoilent les méandres et les détours d’une écriture dramatique façonnée initialement dans un creuset romanesque, qui va progressivement acquérir une théâtralité plus marquée. La pratique soumet alors la poétique à une dynamique de reprise et d’ajustements dévoilant en définitive un « Beckett en mouvement », qui allie pratique scénique et poétique du drame pour fonder une poétique théâtrale complexe. / While staging Warten auf Godot in 1975 at the Schiller Theater, Beckett says : « I knew nothing about theater when I wrote this. » The use of the past tense points out the fact that between the writing process and the staging process, something has been learnt. What he did ignore is theater as an artistic practice, as a performance. He will discover it progressively during the 1950’s and the 1960’s and eventually will become the director of his own plays. Our work aims at showing how this shift from desk to stage will lead him to rewrite them, carrying on the creative process directly from the theatre, and, in return, how his very conception of directing is shaped by the singularity of these plays. Far from considering stage directing as a mere execution of the stage directions, Beckett dramatizes and theatricalises his works. Thus, his very conception of theater evolves from an abstract vision, drama as it appears in a literary form, to very a practical one, transforming the very theatricality at stake in his plays. Stage directing and theatre writing are then offering a constant interface, which leads to the emergence of what may be called a theatrical creation in which practical standpoint and literary creation are linked together.

La présente étude revient sur le concept de théâtralité souvent employé à propos du Satyricon pour tenter d’enpréciser les manifestations et les modalités. Car derrière l’apparente simplicité du terme et la banalisation de sonemploi à propos de cette oeuvre, se cache une pluralité de procédés. La théâtralité du Satyricon revêt trois formes.Elle se définit spontanément comme la réutilisation de codes propres aux genres dramatiques comiques auxquelsPétrone emprunte situations, thématiques et procédés linguistiques. Cette théâtralité première est complexifiéepar son ancrage dans un univers narratif orienté, dont les préoccupations recoupent celles du genre satirique. Lerecours à des éléments théâtraux dessine les contours d’une société excessive et inauthentique, et se voit doncfiltrée par le topos du monde décadent : cette théâtralité seconde devient le moyen d’exprimer l’outrance desindividus et de leurs comportements. Et c’est précisément parce que dans le monde du Satyricon les valeurstraditionnelles sont caduques que la littérature classique est obsolète. S’ouvre alors la voie à une théâtralitétroisième, intrinsèquement liée à la parodie. Elle est principalement portée par la voix du narrateur, chez qui lapratique excessive de la déclamation a entraîné une projection systématique dans un au-Delà fictionnel. Lafracture existant désormais entre la réalité et sa perception a une double conséquence : d’une part toutes lessituations du quotidien s’assimilent à des représentations de scènes littéraires de référence ; d’autre part elledéconstruit la littérature traditionnelle en en exhibant les clichés. Cette théâtralité permet à Pétrone de renouvelerla littérature et de jeter les bases du genre romanesque. / The present study reexamines on the concept of theatricality often used about the Satyrica to try to specifyappearances and methods. For behind the visible simplicity of the term and the everyday acceptance of its use inrelation to this work, there hides a plurality of processes. The theatricality of the Satyrica takes on three forms. Itdefines itself spontaneously as the re-Use of codes particular to the funny dramatic genres from which Petroniusborrows situations, themes and linguistic processes. This first theatricality is complicated by its anchoring in adirected narrative universe, whose concerns it shares with those of the satiric genre. The falling back on theatricalelements outlines an excessive and inauthentic society, and thus sees itself filtered by the decadent world topos.And it is exactly because in the world of the Satyrica the traditional values are null and void that classicalliterature is obsolete. The way is then opens to the third theatricality, intrinsically connected to parody. It ismainly carried by the voice of the narrator, to whom the excessive practice of declamation entailed a systematicprojection to a fictional otherworld. The fracture existing from now on between reality and its perception has adouble consequence: on the one hand all the situations of everyday life can be reduced to representations ofliterary reference scenes ; on the other hand it deconstructs the traditional literature through clichés. Thistheatricality allows Petronius to renew literature and to lay the foundations for the novelistic genre.

À partir d’un corpus ouvert de photographes et de cinéastes coloristes qui ont une fascination pour le nocturne, cette thèse explore les différentes gradations et significations de celui-ci, des plus évidentes aux plus abstraites. La thèse s’attache alors à démontrer que le régime nocturne transforme l’obscurité en valeurs chromatiques et qu’il éclaire, avec une subtilité qu’occulte la vision diurne, les aspects les plus complexes de la société et de l’esprit humain. La confrontation des analyses de séquences filmiques et de photographies dans une perspective articulant esthétique, philosophie et histoire de l’art, a permis de construire la thèse autour de trois grandes notions, Distorsion, Sublimation, Transfiguration, qui fondent le nocturne comme catégorie esthétique de l’image.Le corpus principal organisé sur des critères externes (nocturne, couleur post-années 1960-70) et internes (processus esthétiques conjoints) est composé de séquences de films en couleurs de Stanley Kubrick (1928-1999), de David Lynch (1946), de Brian de Palma (1940), de Francis Ford Coppola (1939) et de séries photographiques de Gregory Crewdson (1962), Bill Henson (1955), Rut Blees Luxemburg (1967) et Daniel Boudinet (1945-1990).Le corpus secondaire est constitué de séries photographiques de Darren Almond (1971), Jean-Christian Bourcart (1960), Nicolas Dhervillers (1981), Laurent Hopp (1974), Chrystel Lebas (1966), d’extraits d’un court métrage d’Antoine Barraud (1973) et d’une série TV de Nic Pizzolatto (1975) et Justin Lin (1973), nécessaire pour finaliser la démonstration. / Based on a large corpus of colorist film directors and photographers who share a fascination for the nocturne, this thesis explores the different gradations and meanings of this one, from the more obvious to the more abstracts. The thesis endeavours to demonstrate how the nocturne reasserts the darkness values to turn them into colors, and how it illuminates, with a subtlety absent in diurnal vision, the more complex aspects of society as well as the human mind.The confrontation between picture and film sequences analysis, with a perspective articulating aesthetic, philosophy and art history, leads to three main concepts: Distortion, Sublimation and Transfiguration. Thereby it establishes the nocturne as an image’s aesthetic category in cinema and photography.The main corpus in cinema and photography, organised by externals criteria (nocturne, post-1960-1970 years color) and internals criteria (similar operating processes aesthetic), is established with the movie extracts of Stanley Kubrick (1928-1999), David Lynch (1946), Brian de Palma (1940), Francis Ford Coppola (1939) as well as the photographic series of Gregory Crewdson (1962), Bill Henson (1955), Rut Blees Luxemburg (1967) and Daniel Boudinet (1945-1990).The second is based on the photographic series of Darren Almond (1971), Jean-Christian Bourcart (1960), Nicolas Dhervillers (1981), Laurent Hopp (1974) and Chrystel Lebas (1966), as well as Antoine Barraud’s (1973) movie extracts. Finally, for the requirement of the demonstration, a Nic Pizzolatto (1975) and Justin Lin (1973) TV show.