Ce mémoire explore la place de l’interartialité, des relations entre les arts, dans le cinéma de Peter Greenaway, et les fonctions qu’elle y remplit. À l’occasion de l’analyse de deux films qui centralisent la figure du peintre et la forme du contrat - The Draughtsman’s Contract et Nightwatching – et prenant comme point de départ théorique les travaux de Walter Moser, nous identifions et analysons quelques-unes des relations interartielles à l’oeuvre dans ces films, pour montrer que la mise en relation des arts de la peinture, du théâtre et du cinéma, dans leurs rapports biartials et pluriartials, constituent la trame fondamentale des films de Greenaway, dans une « interartialité non hiérarchique ». Nous concluons que le recours au dialogue interartiel permet au cinéaste d’esquisser, en filigrane, une posture critique sur l’art et l’artiste, une « théorie de l’art », par laquelle il exprime un point de vue sur le rôle et le statut de l’artiste au sein de la société. / Taking its theoretical starting point from the work of Walter Moser in interartiality, this thesis explores the place and function of interatiality (relationships between the arts) in the cinema of Peter Greenaway. The Draughtsman’s Contract and Nightwatching, two films that focus on the figure of the painter and the form of the contract, are examined for the purpose of identifying and analysing some of the interartial relationships at work in them and thereby demonstrating that the interconnecting of painting, theatre and cinema in bi- and pluri-artial relationships constitutes a basic framework of “non-hierarchical interartiality” in Greenaway’s films. The conclusion is reached that reliance on interart dialogue allows the filmmaker to assume an implicit critical stance in regard to art and the artist – a “theory of art” that expresses a point of view on the artist’s role and status in society.

Suite à des travaux plastiques réalisés entre 2005 et 2012 entre Paris et Shanghai, cette thèse se propose d’étudier le portrait de groupe sous différents angles, il s’agit de portraits fictifs dont le principal enjeu est la place que peut occuper le spectateur face à des groupes sociaux divers qui le regardent dans une attitude où le silence domine, ces travaux nous invitent ainsi à une réflexion sur perméabilité entre les frontières de l’art, de l’ethnologie et des sciences sociales, sur la question d’identité du genre, l’interaction interculturelle et des modes de communication au-delà du langage des mots. Cependant, j’essaie d’élaborer une peinture qui mène vers un rapport impliqué et qui met en cause la possibilité d’échange entre le spectateur et le groupe de gens représentés, c’est le modèle qui devient spectateur, et vice versa. L’ouvrage de Michael Fried intitulé La place du spectateur me servira de point d’appui dans l’analyse de la théâtralité dans la peinture. Pendant mon séjour à Shanghai je me suis surtout inspirée des physionomies asiatiques et observé longuement le fonctionnement de cette société chinoise dotée de ses propres codes sociaux qui ne se limitent pas uniquement aux barrières de la langue mais vont au-delà des mots. Une société qui s’organise selon des groupes suivant diverses fonctions et métiers où le port de l’uniforme est très courant et l’on se heurte à diverses façades sociales. On tend vers un idéal, un succès probable, une utopie où hommes et femmes se bousculent dans toutes les professions et la place de la femme devient de plus en plus visible dans une société patriarcale depuis des décennies. L’image de l’androgyne se défile à travers une foule qui se meut et se déplace en masse en un mouvement de danse aux pas lourds. Je me suis beaucoup inspirée des chorégraphies de Jing Xing, danseuse Chinoise qui était homme à l’origine, et qui s’est fait transformer le corps en femme, c’est le passage du masculin au féminin et vice versa dans une société en pleine mutation. Deux confusions se créent : L’ambiguïté des sexes où les femmes sont de plus en plus présentes sur un terrain professionnel très compétitif d’une part et l’ambiguïté du langage et de la communication avec cette société vue par un étranger, c’est la barrière des codes sociaux et l’omniprésence du « Réseau » (Guanxi) comme outil indispensable pour pénétrer cette société. […] / Due to the series of artworks that I realized between 2005 and 2012 between Paris and Shanghai, this thesis proposes to study the group portrait from various angles, it is all about fictitious portraits whose main aim is the place that may hold the viewer facing a variety of social groups, in which represented people remain staring at the spectator in a silent way. These works invite us to reflect on and permeability between the boundaries of art, ethnology and social sciences, on the question of identity gender, intercultural interaction and methods of communication beyond the language of words. However I tried to develop a painting that conveys the possibility of an exchange between the viewer and the represented group of people. A painting in which the model becomes the beholder, and vice versa. Michael Fried's book entitled Absorption and Theatricality: Painting and Beholder served as a support for me in my initial observation of theatricality in painting. Living in Shanghai for the past three years, I have been most inspired by Asian faces. I’ve observed for a long time the functioning of the Chinese society with it’s own social codes which are not limited only to language barriers but can be expressions beyond words. A society that is organized in groups according to various functions and activities where the wearing of the uniform is very common and it runs into various social fronts. We, as humans, strive towards an ideal, a possible success, a utopia where men and women compete for professions, and the role of women have become more visible in society which has been patriarchal for decades. The image of the androgynous appears through a crowd that moves with heavy dancing steps, especially examining the choreography of Jing Xing, this Chinese dancer who was a man originally, and then decided to transform himself into a woman. It is the transition from male to female and vice versa in a society in mutation. This expression generates two kinds of confusion: the ambiguity of gender, where women are increasingly present in a highly competitive professional field on the one hand, and the ambiguity of language and communication for a foreigner in this society. It is the barrier of social codes and the omnipresence of "network" (Guanxi) as an essential tool to penetrate this society. [...]

Cette thèse se propose de rendre compte du changement dans les manières de faire et de penser le théâtre indépendant en Argentine entre 1983 et 2003. Le contexte socio-politique étant fortement marqué dans les années post-dictature, l’activité théâtrale se reconfigure, et ce changement suppose une modification de l’ordre des pratiques. Il implique, pour la communauté théâtrale, à la fois des bouleversements d’ordre symbolique des catégories de perception et d’appréciation.À travers une approche située au croisement de l’analyse sociologique du phénomène et de l’analyse de ses spécificités esthétiques, nous suivrons trois objectifs. Premièrement, il s’agira de procéder à une analyse sociohistorique du concept polysémique d’indépendance théâtrale, afin de déterminer ses différents usages et significations. Deuxièmement, nous analyserons la reconfiguration de l’espace théâtral indépendant à travers ses différents acteurs (artistes, médiateurs, critiques), les oeuvres qui ont fait date et les espaces de création, de circulation et de légitimation. In fine, nous identifierons les formes de production d’une nouvelle théâtralité (c’est-à-dire les modalités spécifiques du jeu des comédiens dans la fabrique de la fiction théâtrale et dans leur rapport au réel) ainsi que la possible émergence d’une politicité au cœur de la production de la nouvelle scène indépendante et contemporaine en Argentine. / The aim of this thesis is to account for the changes occurred in the ways independent theatre is performed and thought about in Argentina, between 1983 and 2003. The social-political context is strongly marked by the post dictatorship years therefore the activity linked to theatre is reconfigured and this change implies a revision of this very practice. For the performing community, it implies a reworking of the symbolic order in relation to both perception and appreciation of theatre.In this approach at the crossroad of sociological analysis of the artistic phenomena and the comprehension of its esthetical specificity, we will pursue three goals. First, we will embark in a socio-historical analysis of the polysomic concept of theatrical independence, in order to define its meanings and practices. Secondly, we will analyse the reconfiguration of independent theatre through its various players (artists, facilitators critics), as well as the major theatre works that have been a landmark and the analysis of spaces for creativity, movement and legitimation of such works. Finally, we will identify the forms of production for a new theatrical approach (the way comedians act, create a new type of fiction and how they connect to reality) as well as the possible emergence of a political pledge at the very heart of the new independent and contemporary scene of Argentina’s theatre.

Cette thèse s’intéresse au Théâtre National de Strasbourg durant la direction de Jean-Pierre Vincent (1975-1983). Dans une approche théorique, ce travail revient sur la remise en question de la décentralisation théâtrale et met en avant le contexte artistique, historique, social et politique qui a poussé Jean-Pierre Vincent et son collectif d’artistes à chercher une nouvelle façon d’aborder le théâtre. Tandis que certains mouvements investissent la rue, tels que le Happening ou le Bread and Puppet Theatre…, certains artistes comme Ariane Mnouchkine et Peter Brook se distinguent par une nouvelle approche expérimentale du théâtre qui met le spectateur au cœur de la recherche. Cette approche théorique nous permet de mieux cerner le contexte dans lequel évolue le TNS. En deuxième partie et en revenant sur cette période récente de l’histoire du TNS, ce travail s’interroge sur les notions de « théâtralité » et de « spectateur » à travers les créations « dans les murs » de Jean-Pierre Vincent et « hors les murs » d’André Engel. En nous concentrant sur les questions scénographiques et esthétiques, nous avons essayé de mettre en avant deux manières différentes et pourtant complémentaires d’interroger les codes théâtraux et, ce faisant, de pratiquer un théâtre profondément subversif et critique conduisant à reconsidérer le statut du spectateur, ainsi que ceux du scénographe et du metteur en scène. / The present thesis work is about the Strasbourg National Theater (TNS) under the direction of Jean-Pierre Vincent (1975-1983). In particular, the first part of the present research focuses, from a theoretical perspective, on issues related to the theatrical decentralization program and highlights the artistic, historic, socio-political context that guided Jean-Pierre Vincent and his collective of artists to consider and pioneer a new theatric approach. While several artistic movements were working on the street like Happening or Bread and Puppet Theatre…, others like Ariane Mnouchkine and Peter Brook were distinguished by a theatrical experimental approach involving the spectator in an innovative way. These theoretical perspectives illustrate the broader context in which TNS evolved. In this second part of this thesis, we investigate and discuss the “theatricality” and “spectator” notions throughout Jean-Pierre Vincent and André Engel creations (“dans les murs” and “hors les murs”). Moreover, by focusing on scenographic and aesthetic choices, we highlight two different, yet complementary, ways of questioning theatrical codes. Specifically, the practice of a subversive and critical theater led to a deep reconsideration of the status of the spectator, as well as those of the scenographer and the director.

La tension politique qui se développait en Colombie depuis les années 40 contre les idéologies conservatrices et les libéraux officieux et dissidents après les élections de 1946, a déclenché un sentiment de mécontentement qui a éclaté le 9 avril 1948 avec l’assassinat de Jorge Eliecer Gaitan, dirigeant libéral à Bogota. Cet événement, connu sous le nom El Bogotazo, provoqua des manifestations violentes, des meurtres, des agressions, de l’harcèlement, de la terreur et des troubles dans tout le pays. Comme conséquence, au cours des années suivantes, les guérillas libérales se sont organisées et pendant une décennie ont laissé plus de 200.000 morts dans le pays et ont provoqué des milliers de migrations rurales vers les grandes villes. Plus tard, certains dirigeants ont formé les guérillas communistes, après l'assassinat de plusieurs ex commandants démobilisés, qui perpétuaient le conflit armé dans le pays, dont certains survivent aujourd'hui. Les FARC, Forces Armées Révolutionnaires de Colombie-Armée Populaire, les plus anciennes du monde, puissantes et nombreuses en Colombie, sont actuellement en pourparlers de paix avec le gouvernement national à La Havane, Cuba. Ces pourparlers de paix sont dans leurs phases finales. L'ELN, l’Armée de Libération Nationale, le deuxième groupe de guérilla en importance et du nombre de combattants en Colombie, est en approchements préliminaires, tendant à entamer des pourparlers de paix avec le gouvernement. Ce conflit a produit un nombre immense de victimes (¡Basta ya!: 2013) et dans ce contexte, les dramaturges et activistes Patricia Ariza et Nohora Ayala proposent un projet artistique qui interroge les actions violentes du pays à partir de la perspective de la femme dans les conflits armés. Leurs productions s’inscrivent dans la création collective du Teatro La Candelaria, où la recherche s’infitre dans l’art de la scène, en déconstruisant la réalité socio-politique et en faisant parler les témoignages. Ainsi, ce travail se prendre sur six œuvres qui explorent les liminalités politico-corporelles qui se déconstruisent dans la mise en scène en tenant compte des réseaux complexes qui sont tissés à partir des femmes et les multiples Antigones créés dans le contexte historique du pays. En outre, l’analyse examine la notion de la corporalité à partir des corps non-absents (victimes de disparition forcée) qui montrent la déterritorialisation des corps dépossédés. Le premier chapitre de la thèse traitée propose une approche théorique centrée sur les concepts de la représentation, du théâtre, de la performance et de la théâtralité politique. Le chapitre mobilise également les notions de corps sans organes et corps dépossédés pour éclairer la coupure épistémologique entre le corps matériel et le corps des disparus dépossédés. Le deuxième chapitre analyse trois œuvres de Patricia Ariza: Antigone (2006), Mujeres en la Plaza (2009) et Somma Mnémosyne (2013), lesquelles montrent un exercice d’artivisme et d'engagement politique par rapport à l'histoire moderne de la Colombie. Le troisième chapitre présente trois œuvres de Nohora Ayala: Fémina ludens (1995), Piel (2010) et Rosas secas (2012) , où l’exploration du corps met en évidence les traces de la mémoire historique du pays. Finalement, le dernier chapitre propose un questionnement face à la réception du spectateur et la théâtralité du pays. / The political tension that developed in Colombia since the 40s, between conservative ideologies and, the divergency in the official liberal party and dissident liberal party, brought out a feeling of disagreement that collapsed when Jorge Eliecer Gaitan, leader of dissident party, was killed in Bogota on 9 April 1948. This event, well known as The Bogotazo, unchained violent protests, murders, assaults, harassment, terror and unrest throughout the country. As a result, in the subsequent years the liberal guerrillas were formed and over a decade the conflict ensued in more than 200,000 murders in the country and thousands of rural migrants in the cities. Later, some leaders formed the communist guerrillas who perpetuated the armed conflict in the country, some of them are known today as FARC, the oldest group of guerillas in the world and the most powerful in Colombia, and ELN. Actually, the FARC are in the final negotiation for peace in Havana, Cuba. This violent historical context has produced a staggering statistics of victims (Basta ya!, 2013), in which the artists and activist dramatists, Patricia Ariza and Nohora Ayala propose a new aesthetic that questions the violent actions of the country from women’s perspective. Their theatrical productions are part of the Collective Creation in the Teatro La Candelaria, where the research is faced with the aesthetics of the scene and confronted with the deconstruction of reality counted, telling or testimonials. This dissertation examines six plays by Ariza and Ayala whose political and bodily liminalities deconstruct dominant ideas of history, while illuminating the complex networks surrounding the women and the Antigones produced by the country. I explore the materiality of non-absent bodies (victims of forced disappearance) which exposes the deterritorialization of dispossessed bodies. The first chapter of the thesis discerns recent theoretical approaches to the concepts of representation, theater, performance and political theatricality which I have found pertinent for my examination of the work by Ariza and Ayala. At the same time, I elaborate on the notions of the body without organs and of dispossessed bodies in order to shed light on the epistemological break between the material present body and dispossessed bodies of the disappeared. In the second chapter, I analyze three plays by Patricia Ariza: Antigone (2006), Mujeres en la Plaza (2009) and Somma Mnemosyne (2013), which evince an exercise in artivism and engagement with the political history of Colombia. The third chapter presents three plays of Nohora Ayala: Fémina Ludens (1995), Piel (2010) and Rosas Secas (2012), where the body is part of a radical practice of questioning colombian historical memory. Finally, the concluding chapter examines the role of political and corporeal theatricality in engaging spectators’ critical participation in the work of Ariza and Ayala.

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Ce mémoire veut, de prime abord, porter un regard sur la rue Saint-Laurent qui, depuis ses débuts, joue un rôle fondamental dans le tissu montréalais. Grâce à son visage bigarré et à son hétérogénéité, elle a su marquer l’histoire de la métropole et alimenter l’imaginaire d’un bon nombre d’écrivains. Michel Tremblay demeure un de ceux qui, dans l’ensemble de son oeuvre, explore le plus abondamment les clairs-obscurs et l’étrangeté de ce corridor urbain. Son écriture à la fois crue, marginale et théâtrale, s’inscrit pertinemment dans l’univers de la Main et, plus particulièrement, dans la partie du Redlight où aboutissent et se meuvent ses personnages les plus colorés. Ayant délaissé leur milieu d’origine, ces derniers s’imposent des changements radicaux afin de mieux cadrer avec la nature et les activités de leur terre d’accueil. Ce mémoire visera donc à penser l’« identité trafiquée » des personnages de Tremblay comme condition de leur inscription sur la rue Saint-Laurent. En outre, il sera question de l’esprit théâtral de cette artère qui pousse les travestis et les artistes en tout genre à se donner « en représentation » et à incarner un rôle de composition. Par l’entremise des masques – notamment celui du déguisement, du maquillage et du travestissement, mais aussi celui de la langue qu’ils modulent afin de mieux coller à leur personnage –, ils projettent une identité individuelle instable qui dévoile l’ambiguïté qui les habite. Plus largement, la présente étude s’intéressera à l’ensemble des marginaux qui arpentent la Main et qui cherchent à (re)définir leur identité culturelle, au milieu des cultures américaine et française. Bien qu’elle essaie de se forger une identité propre, cette collectivité peine à se définir sans calquer les modèles dont elle tente de se dissocier. Une telle contradiction évoque à bien des égards le paradoxe auquel se sont heurtées les communautés immigrantes de la rue Saint-Laurent, dont la lente adaptation à la culture nord-américaine s’est faite non sans un difficile constat de pertes et de gains face à la culture d’origine. Il s’agira donc de voir comment ces groupes, en apparence irréconciliables, trouvent dans le même univers un contexte favorable pour mener leur quête identitaire. / The primary objective of this thesis is to examine St. Laurent Street, which has played, since its early stages, a fundamental role in the city of Montreal. Due to its motley face and its heterogeneousness, this street marked the history of the metropolis and fed the imagination of many writers. Michel Tremblay is one who, within his work, explores most abundantly the twilight and the oddness of this urban corridor. His writing, which is considered controversial, raw and theatrical, pertinently frameworks the universe of The Main and, more specifically, the world of the Redlight District where his most colourful characters find themselves. Having left their place of origin, the characters bring about radical changes in order to fit in with the nature and the activities of their new neighborhood. This thesis will therefore aim to think out the « trafficked identity » (identité trafiquée) of Tremblay’s characters as the condition of their belonging on St. Laurent Street. Moreover, it will take a keen interest in the theatrical spirit of this main road, which influences transvestites and artists of all kinds to play a role and embody a made-up persona. Through the use of masks – notably disguises, make-up and cross-dressing, as well as language which they modulate in order to fit with their character –, they project an unstable identity that unveils the ambiguity that lies in them. The present study will also focus on the marginalized individuals who pace The Main as a group of people who look forward to (re)defining their cultural identity, due to the feeling of being stuck between the American and French culture. Although this community tries to build up its own identity, it struggles to define itself without imitating the models from which it attempts to dissociate itself. Such a contradiction evokes the paradox that faced immigrant communities on St. Laurent Street, whose slow adaptation to North-American culture took place with many gains and losses of their culture of origin. It will therefore be interesting to examine how these apparently irreconcilable groups find in the same universe a favorable context to lead their quest for identity.

Qu’advient-il lorsqu’un dramaturge à succès se glisse dans la peau d’un chroniqueur? Comment se manifeste alors l’influence du modèle théâtral sur sa prose narrative? À une époque où la question des genres canoniques semble dépassée et où les notions d’intergénéricité et d’hybridation paraissent plus aptes à expliquer les pratiques esthétiques contemporaines, nous avons choisi de nous intéresser aux différentes modalités d’inscription de la théâtralité dans les « Chroniques du Plateau Mont-Royal » de Michel Tremblay. Notre premier chapitre se penche sur les manifestations ostensives de la théâtralité dans les six récits. Grâce au recours à des figures comme l’hypotypose et à certains procédés de distanciation comme la mise en abyme, l’adresse au lecteur et l’aparté, le lecteur assiste à une mise en œuvre récurrente du dispositif spectaculaire. Notre deuxième chapitre porte sur les procédés de dramatisation du romanesque. À travers un mouvement impétueux qui fait alterner et même cohabiter le comique et le tragique, le réel et le fantastique, le sublime et le grotesque, l’excès et le manque, l’auteur pratique non seulement le mélange des genres et des tonalités au sein de son œuvre, mais fait appel à divers procédés qui visent à produire la catharsis chez le lecteur. Notre troisième chapitre dégage les modalités de théâtralisation de la parole romanesque. Par la mise en place d’un double régime discursif, qui oscille entre l’effacement de l’énonciation auctoriale et la pulsion rhapsodique, l’auteur donne à voir une parole romanesque qui reflète les grands enjeux de l’écriture dramatique contemporaine. / What happens when a successful playwright attempts to play the part of a chronicler? How does the influence of the theatre manifest itself in his narrative prose? At a time when the question of the canonic genres seems to have become obsolete and where the notions of intergenericity and hybridism seem more apt at explaining modern esthetical practices, we chose to target the various ways in which theatricality inscribes itself in Michel Tremblay’s Chroniques du Plateau Mont-Royal. Our first chapter looks at the ostensive manifestations of theatricality in the six stories. Through recourse to figures such as hypotyposis and other distancing processe, like mise en abyme, the address to the reader and the aside, the reader witnesses a recurrent manifestation of the spectacular device. Our second chapter targets the dramatization process of the novelistic. Through an impetuous movement that makes comic and tragic, reality and fantasy, sublime and grotesque, excess and lack alternate and even cohabit, the author claims not only a mix of genres and tonality within his works but he also provokes an outbidding of processes which aim at triggering a catharsis within the reader. Our third chapter outlines the theatricality modes of the novelistic voice. Through the implementation of a double discursive regime which oscillates between the author’s self-effacement and enunciation and rhapsodisation, the writer’s novelistic word reflects the great stakes of contemporary playwriting.

Ce mémoire explore la place de l’interartialité, des relations entre les arts, dans le cinéma de Peter Greenaway, et les fonctions qu’elle y remplit. À l’occasion de l’analyse de deux films qui centralisent la figure du peintre et la forme du contrat - The Draughtsman’s Contract et Nightwatching – et prenant comme point de départ théorique les travaux de Walter Moser, nous identifions et analysons quelques-unes des relations interartielles à l’oeuvre dans ces films, pour montrer que la mise en relation des arts de la peinture, du théâtre et du cinéma, dans leurs rapports biartials et pluriartials, constituent la trame fondamentale des films de Greenaway, dans une « interartialité non hiérarchique ». Nous concluons que le recours au dialogue interartiel permet au cinéaste d’esquisser, en filigrane, une posture critique sur l’art et l’artiste, une « théorie de l’art », par laquelle il exprime un point de vue sur le rôle et le statut de l’artiste au sein de la société. / Taking its theoretical starting point from the work of Walter Moser in interartiality, this thesis explores the place and function of interatiality (relationships between the arts) in the cinema of Peter Greenaway. The Draughtsman’s Contract and Nightwatching, two films that focus on the figure of the painter and the form of the contract, are examined for the purpose of identifying and analysing some of the interartial relationships at work in them and thereby demonstrating that the interconnecting of painting, theatre and cinema in bi- and pluri-artial relationships constitutes a basic framework of “non-hierarchical interartiality” in Greenaway’s films. The conclusion is reached that reliance on interart dialogue allows the filmmaker to assume an implicit critical stance in regard to art and the artist – a “theory of art” that expresses a point of view on the artist’s role and status in society.

Cette recherche porte sur le langage cinématographique (ou mode de représentation) adopté par Mizoguchi en contraste avec le style classique hollywoodien. Notre hypothèse est que le refus de Mizoguchi de recourir au découpage classique et au gros-plan procurerait au spectateur une expérience de perception qui tendrait à se rapprocher de celle vécue par un spectateur de théâtre ou le témoin d’une action se déroulant dans notre monde physique. Mizoguchi a débuté son métier au début des années 1920. Le cinéma japonais venait tout juste de prendre la voie d’un art nouveau en quittant son statut de simple captation de spectacles théâtraux. L’industrie cinématographique japonaise était alors en incubation marquée par diverses influences occidentales. Nous nous pencherons plus particulièrement sur les questions stylistiques à partir du moment où le cinéma japonais s’engageait dans le parlant en imitant le style classique hollywoodien. Ce cinéma dominant devenait une norme que Mizoguchi décida de ne pas suivre pour préférer un style caractérisé par des plans-séquences. Ce style plus « neutre » et «objectif » allait être encensé par Bazin après la guerre au moment où ce dernier découvrit notamment Welles et Wyler. À partir de plusieurs extraits filmiques, nous analysons le plan-séquence mizoguchien comme substitution à une série de plans rapprochés qui se serait imposé normalement avec le style classique hollywoodien. Et ce, afin de discuter des enjeux de réalisme et de théâtralité soulevés par Bazin. / This research focuses on the film language (or mode of representation) chosen by Mizoguchi in contrast to the Hollywood classical style. Our hypothesis is that Mizoguchi’s refusal to resort to traditional cutting and close-up would give the viewer an experience of perception that would tend to be get closer to the one experienced by a stage audience or viewers witnessing an action taking place in our physical world. Mizoguchi made his entry into the profession in the early 20s. At that time, Japanese cinema just recently became a new art by leaving its status of a mere capture of theatrical performances. The Japanese film industry was being incubated with various Western influences. We will focus specifically on stylistic issues from the moment the Japanese cinema engages in talkies by imitating the Hollywood classical style. This dominant style became a standard practice which Mizoguchi decided not to follow to prefer sequence-shots. The long takes style was to be later praised by Bazin for its neutrality and objectivity when he discovered Welles and Wyler after the Second World War. Through analysis of film excerpts, we compare Mizoguchi’s sequence-shots with cutting that would usually take place with the Hollywood classical style. This is to discuss the issues of realism and theatrics raised by Bazin.