Ce document est basé sur un processus de création en danse intégrée élaboré in situ dans les locaux du Département de danse de l'UQAM. Deux problématiques sont à l'origine de ce travail universitaire : l'une correspond à ma recherche pratique faite dans une visée de création, tandis que l'autre est à l'origine de mon analyse réflexive menée sur la singularité de ce processus de création. Tout au long de cet écrit, je mettrai en évidence l'origine de ces deux problématiques et leur évolution. Afin d'introduire cette recherche, je présenterai les éléments m'ayant amenée à m'intéresser à la notion d'inquiétante étrangeté de Freud ainsi que la problématique de recherche qui en a découlé sous la forme de la question suivante : comment s'incarne le sentiment d'inquiétante étrangeté dans des corporéités différentes (interprètes avec et sans handicap) situées dans des lieux communs et ordinaires? Après cela, j'exposerai brièvement le cheminement qui m'a conduite à la problématique d'analyse suivante : comment se nouent et se défont les liens entre théorie et pratique dans mon travail de mémoire-création? Puis, je partagerai quelques faits personnels pouvant expliquer mon intérêt pour la danse intégrée avant de définir les termes de mon mémoire et de proposer un résumé par chapitre de ce dernier. Le second chapitre exposera les éléments des textes de Sigmund Freud, Edward T. Hall et Pascale Weber qui ont nourri le processus de création de « Par 4 chemins », puis, l'orientation ethnographique de ma recherche en s'appuyant sur son caractère qualitatif et l'importance du travail de terrain qui la caractérise. Il sera ensuite question d'ouvrages de référence connexes et de mes influences artistiques. Le chapitre trois sera consacré à la présentation de ma méthodologie de recherche que je définis comme une monographie heuristique s'appuyant sur des méthodes ethnographiques de cueillettes de données qualitatives et leur analyse par triangulation. Le chapitre quatre présentera le cœur de ma recherche: la chronologie de mon processus de création en trois phases avec leurs ruptures et ajustements. Tout au long de ce chapitre, je tenterai de mettre en évidence les interrelations entre théories et pratique qui les jalonnent. Le dernier chapitre commencera par présenter les deux représentations publiques de « Par 4 chemins » puis l'impact des discussions menées avec le public sur la compréhension de mon travail. Pour finir, je ferai part de mon analyse a posteriori des interrelations entre théories et pratiques dans mon processus de création à partir des différentes données recueillies tout au long de ma recherche. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse intégrée, Interrelations théorie-pratique, In situ, Inquiétante étrangeté.

Ma pratique picturale rend compte du réel, mais en questionnant les ambiguïtés, les dualités, qui l’animent. La culture et la philosophie chinoises m’ont invité à m’engager sur cette voie de l’« Entre chien et loup », même si cette expression n’existe pas dans la langue chinoise. Le but de cette thèse est de franchir un nouveau seuil : montrer comment des concepts occidentaux, loin de mes origines, comme le sublime, ou le romantisme, ou encore celui de l’« inquiétante étrangeté » pouvaient aussi éclairer ma pratique picturale. Cette thèse veut témoigner de l’articulation que peuvent opérer pratique et théorie dans le cadre d’une recherche en art : comment un artiste peut entrer dans une pensée par la pratique, comment, en écho, la théorie peut lui servir d’outil. L’exposition de ma thèse rassemblera une quarantaine de tableaux de divers formats, une sélection de ceux réalisés de 2012 à 2016 pour la préparation de cette soutenance. Ces tableaux ne sont pas l’illustration de ma recherche : ils sont l’aboutissement de ce doctorat, où pratique et théorie n’ont pas été menées parallèlement, mais en résonance. Pour présenter l’état de mes recherches historiques et théoriques, le portfolio comporte deux volumes. Un corpus de textes – une sélection de douze « entrées » jalonnant ma recherche, plutôt qu’un texte linéaire – associé à la reproduction d’un choix de mes tableaux réalisés pendant ces années, pour le premier volume. Le second veut montrer l’influence que peut exercer dans ma mémoire des œuvres liées à l’« Entre chien et loup ». J’ai créé un objet original, pour matérialiser un « Fil des images », un « album-atlas » se déroulant comme un rouleau de peinture chinoise. Dans l’exposition de thèse, la dernière zone de l’espace aura un statut particulier : dans une semi-obscurité, le jury sera invité à parcourir une installation présentant ce « Fil des images ». / My pictorial practice reflects the real, but byquestioning the ambiguities and dualities thatdrive. Chinese culture and philosophy promptedme to engage in this project of "Entre chien etloup" - even though this expression does not existin Chinese. The aim of this thesis is to reach anew threshold: show how Western concepts,far from my roots, like the Sublime, orRomanticism, or that of the "uncanny" couldalso enlighten my pictorial practice. Thisdissertation is a testament to how practice andtheory can be joined within the framework of aparticular artistic research: how an artist entersinto a thinking process through practice and how,as a sort of echo, he may use theory as a tool. The exhibition for my dissertation defenceincludes about forty paintings of different sizes,a selection of some that were created for thisparticular purpose between 2012 and 2016.These paintings do not illustrate my research –they are the outcome of a doctoral workduring which practice and theory were notfollowing a parallel path but were interlaced. To present my historical and theoreticalresearch, the portfolio consists of two volumes.A collection of texts - a selection of twelve "keywords" staking my research, instead of a lineartext - associated with the reproduction of aselection of my paintings made during theseyears, for the first volume. The second wants toshow the influence that works related to the"Entre chien et loup" may be exercised in mymemory. I created an original object tomaterialize a "Fil des images" (The Flow ofImages), an "album-atlas" unfolding like aChinese scroll painting. In this exhibition, thelast area has a special status, in a half-light,the jury is invited to discover an installationthat introduces the Fil des images.

Dès notre prise de fonction dans un service hospitalier qui a accueilli des patients infectés par le V.l.H., nous nous sommes demandées si l'intervention psychologique était possible dans ce lieu hautement spécialisé ? Avec l'éloignement du caractère mortel de la maladie,le V.l.H. prend davantage le sens d'une maladie chronique. Les limites reculent mais à quel prix ? La dernière partie de cette recherche propose une réflexion psychopathologique et psychanalytique sur les problèmes posés par la "poussée" à la mort et que nous avons vu se déchaîner dans cette maladie à travers certaines contaminations volontaires. / When we first started practicing in a hospital unitth at treated V.l.H. positive patients, we asked ourselve:in the fîrst part of this research, if psychological intervention was possible in such a highly specialized unit. With the receding of te deadly nature of Aids, it appears more a chronic illness. The limîts are pushed back, but at what price ? Finally, the part of this research proposes a psychopathological reflection on the problems posed by the"death drive" présent at the very heart of the drive, and that we've seen un leashed by this pathologyby the act of intentional contaminations.

Depuis le début des années 1990, Marcos Novak développe une architecture numérique expérimentale qu’il appelle « transarchitecture ». Le fil directeur de cette dernière est l’idée d’un « devenir alien », c’est-à-dire un devenir autre radical de l’homme comme de l’architecture, de l’habitant comme de l’habitation, impulsé par les nouvelles technologies. L’objet de cette recherche est d’interroger la notion de « devenir alien » à partir et à travers deux figures de l’étrangeté humaine : l’Unheimliche, théorisé par Sigmund Freud, et l’Unheimlichkeit, développé par Martin Heidegger. Notre thèse est que le « devenir alien » est une nouvelle figure de l’étrangeté, propre à notre époque. Quand l’Unheimliche serait la figure d’une étrangeté psychologique et l’Unheimlichkeit celle d’une étrangeté ontologique, le « devenir alien » serait la figure d’une « étrangeté numérique ». Par cette expression, nous visons à qualifier l’effacement des dichotomies classiques (proche/lointain, naturel/artificiel, organique/synthétique, etc.) entraîné par nos technologies et l’effet d’étrangeté diffus qui semble en résulter, affectant l’ensemble de nos expériences, de nos représentations et de notre habitation du monde.Nous proposons, enfin, de considérer en quoi, par la « transarchitecture » et la notion de « devenir alien », s’ébauchent à la fois la possibilité d’un « faire-monde » nouveau, ouvrant la voie à un réenchantement, et le risque d’une « immondation ». C’est alors la question de l’éthique qui émerge, une éthique technologique, mais aussi écologique, économique et politique : en somme, une éthique de l’habitation du monde que l’architecture doit plus que jamais porter.Mots-clés : inquiétante étrangeté, « transarchitecture », condition humaine, corps, identité, devenir, habitation, désenchantement/réenchantement, éthique. / Since the early 1990s, Marcos Novak has promoted a digital and experimental architecture called “transarchitecture.” The guiding principle of it is the idea of “becoming alien,” that is to say a radical becoming other of man and architecture, inhabitant and inhabitation, driven by new technologies.The purpose of this research is to examine the notion of "becoming alien" from and through two figures of human uncanniness: the Unheimliche theorized by Sigmund Freud, and the Unheimlichkeit developed by Martin Heidegger.Our thesis is that “becoming alien” is a new figure of uncanniness, proper to our time. When the Unheimliche would figure a psychological uncanniness, and the Unheimlichkeit an ontological one, “becoming alien” would be a figure of a “digital uncanniness.”By this expression, we aim to qualify the erasure of conventional dichotomies (near / far, natural / artificial, organic / synthetic, etc.) carried by our technologies, as well as the effect of diffuse strangeness that seems to result of it, affecting all of our experiences, our representations our inhabitation of the world.Finally, we suggest considering the ways in which “transarchitectures” and the notion of “becoming alien” sketch out both the possibility of a new “worldmaking” paving the way for a reenchantment, and the risk of a “deworldlizing.”Therefore, the question of ethics emerges; a technological ethics, but also an ecological, an economic and a political one: in short, an ethics of inhabitation of the world that architecture must address more than ever before.Keywords: uncanny, “transarchitecture,” human condition, body, identity, becoming, inhabitation, desenchantement/reenchantement, ethics.

Lire une fiction gracquienne s’apparente à l’expérience du ravissement amoureux. Etre lecteur de Gracq, c’est accepter d’être ravi, capturé et enchanté tout à la fois. La dépossession herméneutique à laquelle le texte gracquien nous convie relève de l’expérience érotique. Présent comme thème, mais secondaire, mince, intermittent, l’érotisme semble exister dans le profil perdu du texte. Son cadre posé et aussitôt évidé de sa substance fait disparaître la scène sexuelle sous les yeux du lecteur-voyeur, dont l’attente est déjouée. La fiction organise l’escamotage du sexe, relançant sans cesse le désir à l’échelle du récit et de la lecture. L’imaginaire érotique, stéréotypé et obsessionnel, consacre sa présence-absence à la croisée de trois impossibles : le sexe, la femme, la mort. L’érotisme gracquien est donc bien un vide autour duquel tourne le lecteur et que cerne l’écriture. Aporétique, la voie de l’érotisme ? Ce n’est pas qu’elle ne mène à rien chez Gracq, c’est que le lecteur est invité à progresser dans cette aporie, à y digresser. L’érotisme est toujours déplacé, enfoui dans le palimpseste du paysage. Du dé-cor(ps) au corps à corps avec les mots, c’est l’usage de la langue qui est érotisé chez Gracq : il ne représente pas le sexe ; il le figure dans le texte, jusqu’à la jouissance et sous les yeux du lecteur, cet Autre. Dans l’œuvre de Julien Gracq, l’enjeu libidinal de la littérarité est de taille : l’érotique gracquienne transfigure la chair en chaire : du sexe au texte, l’auteur adopte une posture de séduction ; le texte fait écran entre lui et l’Autre qu’est le lecteur. Le sexe est devenu texte, limen, frontière, entre-deux irréductible, il est devenu l’hymen, espace de touche entre soi et l’autre ; la rencontre, pourtant représentée comme impossible, peut alors s’opérer. / Reading a fiction by Gracq feels similar to lovers’ delight. To become a Gracq reader, you must accept to be delighted, captured and enchanted all at once. The hermeneutic dispossession experienced through Gracq’s fiction is clearly erotic. No matter how secondary, thin and sporadic, the theme of eroticism may be, it seems to be running throughout the lost profile of the text. All set up and cleared of its substance, the sexual scene disappears from the eyes of the reader-voyeur whose expectation is frustrated. Fiction manages to cover up sex by setting desire within the plot and the reading. The presence-absence of erotic fantasy, as stereotyped and obsessive as it may be, is best consecrated at the crossroads of three impossible matters: sex, women and death. Eroticism by Gracq turns out to be a void around which the reader is waltzing and that the writing manages to grasp. Is the path of eroticism aporetic? It is not that this path is a dead end but rather that the reader is invited to advance and digress in this aporia. Eroticism is always moved, buried within the palimpsest of the landscape. With his successive unmoulding and moulding of words, it becomes clear that language is eroticised with Gracq. He doesn’t picture sex, he features it in his text until it pleases him –all this in the other, that is to say the reader’s eyes. In Julien Gracq’s work, the libidinal issue of literarity is at stake: Gracq’s eroticism transfigures flesh into a pulpit. From sex to text, the author takes on a posture of seduction. The text forms a screen between him and the Other, that is to say the reader. Sex has become text, limen, a border, an essential in-between. It has become the hymen, a touching space between one and the other. The meeting, though often portrayed as impossible, can then happen.

Cette étude porte sur un type de cinéma italien appelé giallo. Ayant connu une forte popularité au tournant des années 1970 auprès d’un public dit vernaculaire, ces thrillers horrifiques sont encore aujourd’hui réputés pour leurs scènes de meurtre sanglantes et spectaculaires mettant à l’honneur un assassin ganté. Ce mémoire se propose de faire le point sur ces séquences de meurtre et surtout d’expliquer la façon particulière avec laquelle elles sont mises en scène. Pour bien y parvenir, nous en fournissons tout au long des exemples et les soumettons à une analyse détaillée. Notre approche analytique se veut essentiellement formaliste. Il s’agit de déconstruire ces scènes violentes afin d’en révéler certains des rouages. Dans un premier temps, nous rappelons quelques notions fondamentales du cinéma gore et nous penchons sur la problématique que pose invariablement la représentation de la mort au grand écran. Ceci nous permet ensuite d’observer plus amplement comment les réalisateurs du giallo traitent ces scènes d’homicide sur un mode excessif et poétique. Enfin, le rapport érotique à la violence entretenu dans ces scènes est considéré. Cela nous donne notamment l’occasion de nous intéresser à la figure du mannequin (vivant et non vivant) et de voir de quelles manières les cinéastes peuvent par son entremise transmettre un sentiment d’inquiétante étrangeté. / This study aims to explore giallo, a specific type of Italian cinema. Very popular with a vernacular audience at the turn of the 1970s, these horrific thrillers remain notorious for their bloody and spectacular murder scenes showcasing a gloved killer. With this thesis, we seek to review these murder sequences with a focus on explaining the particular way in which they are staged, shot and edited. To fully achieve this, we provide examples from these scenes and submit them to a detailed analysis. Our analytical approach is essentially formalist. We wish to deconstruct these violent scenes and reveal some of their inner workings. At first, we recall some basic notions of gore cinema and look at the problems that the depiction of death on the silver screen invariably raises. This allows us to see how giallo filmmakers treat these murder scenes in an excessive and poetic mode. Lastly, the erotic aspect of violence presented in these scenes is considered. This gives us the opportunity to focus on the figure of the model/mannequin (living and non-living) and see how filmmakers can use it to transmit an uncanny feeling.

Un objet ancien dont on ne se sert plus aujourd’hui continue cependant de vivre dans notre vie contemporaine. Il se présente à nous avec un autre fonctionnement et souvent avec une autre définition : ce n’est plus l’objet utile ni l’outil pratique qu’il a été. Dans cette thèse, la valeur de l’objet ancien est étudiée dans sa dimension immatérielle et spirituelle. Ainsi nous renouvellerons sa définition en réfléchissant sur son essence et sa forme d’un point du vue contemporain. La première partie de cette thèse présente les concepts de la valeur de l’objet ancien de nos jours sous un angle sociologique. Ensuite, nous proposons une approche du concept de l’objet ancien comme une chose mi-humaine mi-objet. Puisqu’un objet ancien d’une autre époque possède toujours en lui cette vie de l’époque révolue, est-ce que cet objet peut vivre comme s’il était une chose animée ? Dans la seconde partie, nous avons recherché quelles caractéristiques pouvaient donner à l’objet ancien cette sensation de vie humaine ? Peut-être tout d’abord les traces des gens qui se sont accumulées sur lui visiblement et invisiblement ? La notion coréenne de « sonté » nous a permis de traduire et d’exprimer ces traces visibles et invisibles sur l’objet ancien. Dans la dernière partie, l’objet ancien est étudié dans le domaine de l’art contemporain. Les artistes contemporains voient l’objet ancien comme un nouvel objet et lui donne une autre forme et une autre essence qui, bien souvent, est une allégorie de la destinée humaine. / An ancient object that is no longer in use today continues however to survive in our contemporary life. It is presented to us with another function and often with another definition: it is no longer the useful object nor the practical tool that it used to be. In this dissertation, the value of the ancient object is studied in its immaterial and spiritual dimensions. We will thus renew its definition by reflecting on its essence and form from a contemporary viewpoint. The first part of the dissertation presents the concepts around the value of the ancient object in our time from a sociological angle. Next, we propose an approach to the concept of the ancient object as half-human and half-object. Since an ancient object from another era always keeps within itself its life in the period gone by, could this object exist as if it were an animated entity? In the second part, we have sought what characteristics could offer the ancient object this sensation of human life. Perhaps, first of all, the traces of people that it has accumulated visibly and invisibly? The Korean notion of “sonté” allows us to translate and express these visible and invisible traces on the ancient object. In the last part, the ancient object is studied in the field of contemporary art. Contemporary artists see the ancient object as a new object and give it another form and another essence which often is an allegory of human destiny.

Cette thèse est une recherche interdisciplinaire entre care et littérature, basée sur l'hypothèse d'un lien d'interdépendance entre les deux perspectives. Mon travail s’appuie sur l'idée que la littérature peut être un instrument particulièrement adéquat de recherche sur le travail et la relation de care justement parce que les romans racontent des histoires ordinaires. En effet, le care n’est pas un principe ontologique général, il est lié à des situations particulières, concrètes. De même, les récits littéraires de Slow Man de John M. Coetzee et Maria de Lalla Romano, sur lesquels va porter mon analyse, inversent la condition d'invisibilité sociale qui dans notre société touche les travailleuses de care. Dans les romans et les ouvrages sociologiques analysés les femmes care-givers occupent la scène principale : elles sont des héroïnes, non pas dans le sens de l'héroïsme universel masculin, mais de celui qui émerge des récits de care au prisme du genre. Enfin l'analyse des romans Maria et Slow Man a aussi nourri la réflexion sur le Unheimliche. En effet, le personnage de la care-giver est source d'inquiétante étrangeté, parce qu'elle est une femme, et que son travail consiste à s'occuper de ce qui est familier, mais aurait dû rester caché : la vulnérabilité humaine. De plus, très souvent la care-giver est une femme étrangère qui trouble l’espace de la domesticité et de l’intime. À travers la double perspective de la critique littéraire féministe et de l’éthique du care nous proposons une nouvelle lecture genrée de l’inquiétante étrangère familière au niveau des représentations sociales, littéraires et symboliques. / This thesis is an interdisciplinary research between care and literature, based on the assumption of an interdependence between the two perspectives. My work relies on the idea that literature can be a research instrument particularly suitable on work and care relation, precisely because novels can recount ordinary stories. Indeed, care is not a general ontological principle, it is related to specific situations, concrete. Then, literary narratives Slow Man by John M. Coetzee and Maria by Lalla Romano, basis of my analysis, reverse the condition of invisibility that affects care workers in our society. In novels and sociological works analyzed, care-givers occupy the main stage : they are heroines, not in the sense of universal male heroism, but in one that emerges from the care stories read from a gender perspective. Finally, the analysis of novels Maria and Slow Man has also inspired reflection on the Unheimliche. The character of the care-giver is a source of uncanny, because she is a woman, and that her job is to take care of what is familiar, but should have remained hidden: the human vulnerability. Moreover, very often the care-giver is a foreign woman who disturbs the space of domesticity and intimacy. Through the double perspective of feminist literary criticism and ethics of care we propose a new gendered reading of the uncanny in social representations, literary and symbolic.

À partir d’un corpus ouvert de photographes et de cinéastes coloristes qui ont une fascination pour le nocturne, cette thèse explore les différentes gradations et significations de celui-ci, des plus évidentes aux plus abstraites. La thèse s’attache alors à démontrer que le régime nocturne transforme l’obscurité en valeurs chromatiques et qu’il éclaire, avec une subtilité qu’occulte la vision diurne, les aspects les plus complexes de la société et de l’esprit humain. La confrontation des analyses de séquences filmiques et de photographies dans une perspective articulant esthétique, philosophie et histoire de l’art, a permis de construire la thèse autour de trois grandes notions, Distorsion, Sublimation, Transfiguration, qui fondent le nocturne comme catégorie esthétique de l’image.Le corpus principal organisé sur des critères externes (nocturne, couleur post-années 1960-70) et internes (processus esthétiques conjoints) est composé de séquences de films en couleurs de Stanley Kubrick (1928-1999), de David Lynch (1946), de Brian de Palma (1940), de Francis Ford Coppola (1939) et de séries photographiques de Gregory Crewdson (1962), Bill Henson (1955), Rut Blees Luxemburg (1967) et Daniel Boudinet (1945-1990).Le corpus secondaire est constitué de séries photographiques de Darren Almond (1971), Jean-Christian Bourcart (1960), Nicolas Dhervillers (1981), Laurent Hopp (1974), Chrystel Lebas (1966), d’extraits d’un court métrage d’Antoine Barraud (1973) et d’une série TV de Nic Pizzolatto (1975) et Justin Lin (1973), nécessaire pour finaliser la démonstration. / Based on a large corpus of colorist film directors and photographers who share a fascination for the nocturne, this thesis explores the different gradations and meanings of this one, from the more obvious to the more abstracts. The thesis endeavours to demonstrate how the nocturne reasserts the darkness values to turn them into colors, and how it illuminates, with a subtlety absent in diurnal vision, the more complex aspects of society as well as the human mind.The confrontation between picture and film sequences analysis, with a perspective articulating aesthetic, philosophy and art history, leads to three main concepts: Distortion, Sublimation and Transfiguration. Thereby it establishes the nocturne as an image’s aesthetic category in cinema and photography.The main corpus in cinema and photography, organised by externals criteria (nocturne, post-1960-1970 years color) and internals criteria (similar operating processes aesthetic), is established with the movie extracts of Stanley Kubrick (1928-1999), David Lynch (1946), Brian de Palma (1940), Francis Ford Coppola (1939) as well as the photographic series of Gregory Crewdson (1962), Bill Henson (1955), Rut Blees Luxemburg (1967) and Daniel Boudinet (1945-1990).The second is based on the photographic series of Darren Almond (1971), Jean-Christian Bourcart (1960), Nicolas Dhervillers (1981), Laurent Hopp (1974) and Chrystel Lebas (1966), as well as Antoine Barraud’s (1973) movie extracts. Finally, for the requirement of the demonstration, a Nic Pizzolatto (1975) and Justin Lin (1973) TV show.

Mémoire en recherche-création / Ce mémoire a pour objectif d’explorer les différents moyens cinématographiques mis en place par le cinéaste américain David Lynch afin de comprendre comment ce dernier parvient à transporter son audience dans un monde fantastique et bien sûr, étrange. En nous appuyant sur les premières définitions freudiennes de ce que représente l’inquiétante étrangeté (Das Unheimliche), nous explorerons les codes et images récurrentes dans la cinématographie lynchéenne qui font des films du réalisateur des œuvres aux caractères étranges, après avoir étudié en détail les éléments qui nous permettent de classer les œuvres de l’auteur dans la catégorie des œuvres fantastiques. / This thesis aims to explore the different cinematographic means implemented by David Lynch in order to understand how he manages to transport his audience in a fantastic and of course, strange world. By informing ourselves about the first Freudian definitions of what represents the uncanny (Das Unheimliche), we will explore the recurrent codes and images in Lynchian cinematography which make the director’s films works uncanny, right after having studied in detail the elements that allow us to classify the author’s works in the fantastic genre section.