A tese investiga as texturas teatrais produzidas no âmbito dos processos de criação colaborativa vivenciados por coletivos teatrais de Belo Horizonte, a partir de sua experiência de participação dentro do projeto Cena 3x4. O projeto, realizado de 2003 a 2005, pela Maldita Cia. em parceria com o Galpão Cine Horto, propunha a criação concomitante de quatro espetáculos teatrais por meio da pesquisa dos princípios colaborativos e do diálogo não somente criativo, mas também metodológico ocorrido entre os núcleos de criação compostos por grupos teatrais da cidade e por diretores e dramaturgos orientados por Antônio Araújo e Luiz Alberto de Abreu. A principal questão da tese concerne às possibilidades de texturas teatrais polifônicas que podem ser tecidas, tanto no plano enunciativo como no plano ficcional, em um processo de criação colaborativa. Ou seja, na medida em que o processo colaborativo garante aos criadores da cena um espaço de proposição eqüipolente, a partir de suas funções artísticas específicas, e privilegia o embate entre as matérias cênicas heterogêneas, ele como um sistema de criação polifônico resultaria, necessariamente, em uma dramaturgia também polifônica, cuja articulação textual tornaria visível tanto as marcas processuais quanto os rastros das vozes presentes na criação? Visando responder essas questões, examino o conceito de dramaturgia e texto, bem como as relações entre texto e cena no âmbito do pensamento teatral do século XX e da contemporaneidade e, por meio dos princípios colaborativos e das noções de polifonia, escritura e performatividade, analiso as relações entre os processos de criação investigados e as suas resultantes textuais. / The thesis investigates the theatrical textures produced within the scope of the collaborative creation processes lived by theatrical collectives from Belo Horizonte, taking into account their active experience in the Cena 3x4 project. The project carried out by Maldita Cia from 2003 to 2005, together with Galpão Cine Horto, proposed the simultaneous creation of four stage shows through the research of collaborative principles and a, not only creative, but also methodological, dialogue which took place between the creation teams, composed by theatrical groups of the town, and by directors and playwrights managed by Antônio Araújo and Luiz Alberto de Abreu. The main question of the thesis concerns the possibilities of polyphonic theatrical textures that can be woven, either on the enunciative level or the functional level, within a process of collaborative creation. In other words, as far as the collaborative process assures the scene creators some space from a equipollent proposition, considering their specific artistic functions, and favors the clash between the heterogeneous scenic subjects, would it as a system of polyphonic creation necessarily result in a polyphonic dramaturgy, too, whose textual connection would make both the processual marks and the traces of the voices present in the creation visible? Aiming at answering these questions, I examine the concept of dramaturgy and text, as well as the relations between text and scene in the scope of the 20th century and contemporaneity theatrical thought; and, by means of the collaborative principles and the notions of polyphony, scripture and performativity, I analyze the relations between the creation processes investigated and their textual outcomes.

Historicamente, professores de Língua Portuguesa têm utilizado práticas teatrais em suas aulas. Há, no entanto, um grupo de professores, em especial, que vem articulando práticas de leitura e práticas teatrais. São aqueles que atuam na Hora da Leitura, um projeto implantado em 2005 pela Secretaria de Estado da Educação de São Paulo, que introduz uma aula semanal dedicada à leitura de textos literários na matriz curricular das escolas estaduais de Ciclo II do Ensino Fundamental. Este trabalho investigou as motivações e o desenvolvimento destas práticas. Além disso, desenvolveu um experimento que reuniu leitura de textos e jogos de improvisação teatral com um grupo de professores da Hora da Leitura. Este experimento resultou em experiência relevante para o grupo no que se refere ao processo de apreensão do fenômeno teatral e à postura do espectador em face da cena. Para a elaboração, o desenvolvimento e a análise do experimento, recorremos aos pressupostos teóricos que sustentam os jogos improvisacionais, bem como às teorias lingüísticas que estão na base do ensino de Língua Portuguesa, em especial, no que se refere à formação do leitor. / Historically, Portuguese teachers have made use of theatrical practices in their classes. There is a group of teachers, in particular, who is gathering reading practices and theatrical classes. These teachers carry out the Reading Time, a project introduced in 2005, by Secretariat of Education of São Paulo State, who established a weekly class seeking on the reading of literary texts. This class was included on the basic curriculum of the second stage of primary state schools. This work examined the purposes and the development of these practices. Furthermore, it also brought about an experiment which encompassed the reading of texts and theatrical improvisation games led by a group of teachers from the Reading Time project. This experiment resulted in a relevant experience to the group regarding the understanding process of the theatrical phenomenon and the audiences attitude concerning the scene. Throughout the elaboration, development and analysis of the experiment, the theoretical bases which support the theatrical improvisation games were resorted, as well as the linguistic theories which support the Portuguese Language, especially regarding the readers training.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:33:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana de Souza Aguiar Zanardi.pdf: 1430063 bytes, checksum: 66464c5e58584d589085ce2d91c633dd (MD5) Previous issue date: 2012-04-19 / This work studies the orality marks and the manifestation of metamessages at the carioca tragedy, A falecida by Nelson Rodrigues, in order to understand if this literary text can give us linguistic marks able to work as interactional strategies. We aim to understand how a built text, called a second hand corpus, can apply linguistic clues that are typical of orality, and become a reality mimesis, without, however, reproduce it. Based on these concerns, we aim to answer: are there expressive oral marks at the play A falecida by Nelson Rodrigues? For that, we take, as parameters, the Sociolinguistic theoretical fundaments, the Conversation Analysis and the Speech Analysis. We assume that exist, in literature, some authors that are concerned about elaborate texts that aims to reproduce the naturalness of real dialogues. To achieve this spontaneity, however, these authors believe in a language with real syntactic-speech and morpholexicals features typical of orality. When we refer to the first features, we are concerned, at the tragedy A falecida, about the composition and the length of the sentences; the linguistic exchange among the participants of the interaction; the construction mode of the speech; the lack of time for planning and replanning the speeches, and other features. When we analyze the morpholexicals features, we are concerned about finding, at the written play, some marks recurrent in oral texts, like slangs, diminutive, hyperbolic constructions, phonetic transcriptions, and so on. Guided by theoretical concepts developed throughout the work, and submitting our conjectures to the analysis of the excerpts from the play A falecida, selected among so many others texts of the author, due his constant concern to portrait daily life, with its prose and its oral manifestations, we find, at the play, a lot of typical oral traces and observed that this kind of mark in a built text, when used conscious or unconsciously may help in the construction of a lot of implicit messages (or metamessages) / Este trabalho estuda as marcas de oralidade e a manifestação das metamensagens na tragédia carioca, A falecida, de Nelson Rodrigues, a fim de compreender se esse texto literário pode fornecer-nos marcas linguísticas capazes de funcionar como estratégias interacionais. Buscamos entender como um texto construído, um chamado corpus de segunda mão, consegue empregar indícios linguísticos típicos da oralidade a ponto de se tornar uma mimese da realidade, sem, contudo, ser uma reprodução exata desta. Com base nessas inquietações, propusemo-nos a responder: existem marcas orais expressivas na peça A falecida de Nelson Rodrigues? Para isso, tomamos, sobremaneira, como parâmetros, os fundamentos teóricos da Sociolinguística, da Análise da Conversação e da Análise do Discurso. Partimos do pressuposto de que existem, na literatura, alguns autores que se preocupam em elaborar textos que visem a reproduzir a naturalidade dos diálogos reais. Para conseguir essa espontaneidade, entretanto, esses autores apostam em uma linguagem com características sintático-discursivas e morfolexicais típicas da oralidade. Quando nos referimos às primeiras características, levamos em consideração, na obra A falecida, a composição e o tamanho das sentenças; a troca linguística entre os participantes da interação; o modo de construção do discurso, tanto pelo falante como pelo(s) ouvinte(s); a falta de tempo para o planejamento e o replanejamento das falas, entre outros fatores. Quando analisamos as características morfolexicais, preocupamo-nos em encontrar, na peça escrita, algumas marcas recorrentes em textos orais, tais como as gírias, os diminutivos, as construções hiperbólicas, as transcrições fonéticas, entre outros. Pautando-nos nos conceitos teóricos desenvolvidos ao longo do trabalho e submetendo nossas conjeturas à análise de trechos retirados da peça A falecida, selecionada em meio a tantas outras escritas pelo autor, devido à sua constante preocupação em retratar o cotidiano, com seu prosaísmo e suas manifestações orais, localizamos, na peça, muitos índices tipicamente orais e observamos que esse tipo de marca em um texto construído, quando usado de forma consciente ou quando empregado inconscientemente pode auxiliar na construção de muitas mensagens implícitas (ou metamensagens)

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:33:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gabriela Costa dos Santos Fortanell.pdf: 11353059 bytes, checksum: d3e4445c694f24ec48de61786c6ee23e (MD5) Previous issue date: 2014-08-12 / Nowadays, the spoken and written language are analyzed jointly and not dichotomously as once they were. Through recent studies, it is possible to infer that many features of these manifestations of language are shared. The occurrence of this phenomenon depends on the level of formality required, on the genre in which the speech is inserted, among other factors. Based on this perspective, this dissertation investigates how the marks of orality are presented in a theatrical text, in this case, in the play O Abajur Lilás, from the playwright Plinio Marcos, and what are the reasons that justify this use. For this research, we rely on the theory of Conversational Analysis and Sociolinguistics / Atualmente, a língua falada e a escrita são analisadas de forma conjunta e não mais dicotomicamente como outrora se fazia. Por meio de estudos atuais, é possível inferir que muitas características dessas manifestações da língua são partilhadas. A ocorrência de tal fenômeno dependerá do nível de formalidade exigido, do gênero em que o discurso está inserido, entre outros fatores. Tendo como base esta perspectiva, a presente dissertação busca investigar de que maneira as marcas de oralidade apresentam-se em um texto teatral, mais precisamente, na peça O Abajur Lilás, do dramaturgo santista Plínio Marcos, e quais são os motivos que justificam este uso. Para a realização desta pesquisa, apoiamo-nos na teoria da Análise da Conversação e da Sociolinguística

Do espaço vazio ao círculo aberto: rumo à cenografia e indumentária sagradas de Peter Brook identifica e expõe o processo de criação do espaço teatral, dos cenários e dos trajes de cena, nos espetáculos Marat-Sade, Sonho de uma Noite de Verão, Mahabharata, Qui est lá e A Tragédia de Hamlet, realizados pelo grande encenador do século XX. Reflete, documenta e identifica os princípios que orientam os projetos de concepção dos elementos visuais das peças, durante a concepção do espetáculo e, a partir da análise destes documentos, aponta para a evolução de seu teatro rumo ao que Brook define como teatro sagrado. / From the empty space to the open circle: towards Peter Brook\'s holy set and costumes design identifies and explains the process of creating theatrical space, the sets and the costumes of Marat-Sade, Midsummer Night Dream, Mahabharata, Who is there and The Tragedy of Hamlet, performed by the great director of the twentieth century. Reflects, documents and identifies the principles that guided the design projects of the visual elements of those plays during their conception, and from the analysis of these documents, points to the evolution of his theatre towards what Brook defines as holy theatre.

Made available in DSpace on 2016-04-25T20:20:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tania Maria Vidigal Limeira.pdf: 1032330 bytes, checksum: 7e96d9e18eedfbb48af743c50342bd6c (MD5) Previous issue date: 2011-11-25 / The objective of this thesis is to show how a theatrical play is created, considering the actors and director as the main creative agents. The object of study is the play Hipóteses para o amor e a verdade produced by the theatre group Os Satyros . In this perspective, theatre is considered a collective work, as a result of a broad range of knowledge and know-how of diverse people. The analysis reveals the several moments that constitute the theatre creation process, and especially the interrelationship between actors and director, focusing on the relations of interdependence, authority and autonomy / Esta tese aborda o processo de construção ou montagem de um espetáculo de teatro, em que atores, atrizes e diretor constituem o seu núcleo central. A referência empírica é a montagem de Hipóteses para o amor e a verdade , realizado na cidade de São Paulo, entre março e dezembro de 2010, pelo grupo de teatro Os Satyros . São recuperadas as diversas etapas desse processo para, em seguida, mostrar as interrelações dos atores entre si e destes com o diretor na criação dos personagens e das cenas durante os ensaios, nas estreias e na temporada, com foco nas relações de interdependência, autoridade e autonomia. O fazer teatral é concebido como obra coletiva, fruto da confluência de vários saberes e múltiplos saberes-fazeres. Portanto, o fazer artístico decorre de uma labuta incessante, pondo em questão a separação entre os chamados mundos do trabalho e do não trabalho

Made available in DSpace on 2016-04-26T14:53:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tania Maria Vidigal Limeira.pdf: 1032330 bytes, checksum: 7e96d9e18eedfbb48af743c50342bd6c (MD5) Previous issue date: 2011-11-25 / The objective of this thesis is to show how a theatrical play is created, considering the actors and director as the main creative agents. The object of study is the play Hipóteses para o amor e a verdade produced by the theatre group Os Satyros . In this perspective, theatre is considered a collective work, as a result of a broad range of knowledge and know-how of diverse people. The analysis reveals the several moments that constitute the theatre creation process, and especially the interrelationship between actors and director, focusing on the relations of interdependence, authority and autonomy / Esta tese aborda o processo de construção ou montagem de um espetáculo de teatro, em que atores, atrizes e diretor constituem o seu núcleo central. A referência empírica é a montagem de Hipóteses para o amor e a verdade , realizado na cidade de São Paulo, entre março e dezembro de 2010, pelo grupo de teatro Os Satyros . São recuperadas as diversas etapas desse processo para, em seguida, mostrar as interrelações dos atores entre si e destes com o diretor na criação dos personagens e das cenas durante os ensaios, nas estreias e na temporada, com foco nas relações de interdependência, autoridade e autonomia. O fazer teatral é concebido como obra coletiva, fruto da confluência de vários saberes e múltiplos saberes-fazeres. Portanto, o fazer artístico decorre de uma labuta incessante, pondo em questão a separação entre os chamados mundos do trabalho e do não trabalho

Em Busca de uma Poética do Vazio é uma pesquisa teórico-prática fomentada no Núcleo de Pesquisa Beckett-we – espaço de criação, desconstrução e de transbordamentos criativos a partir do universo de Samuel Beckett. Criado no ano de 2012 em Canoas/RS, o Núcleo dá voz aos aqui chamados esgotados, sujeitos contemporâneos que encontram em Beckett uma possibilidade de diálogo e caos. Os participantes não são atores, nem bailarinos, nem pesquisadores, são PIM: massa de corpos que não aguentam mais, unidos por uma pequena vida – extrato de existência em comum, que transcende as referências culturais, geográficas, étnicas ou históricas – PIM é plural. Este escrito é composto pelas vozes de esgotados, de Beckett, por minha voz, por fluxos de pensamento que me atravessaram durante a pesquisa e pela voz de referências significativas neste estudo: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, dentre outros tantos. São analisadas performances criadas durante três anos do Núcleo, a partir dos textos: Todos os que Caem (Beckett - 1957) que se transformou em Eu, Ser Pulsante e Semivivo (2013) e Eleutheria (Beckett - 1947) metamorfoseado em sobre.vida (2015), Ensaio sobre a Liberdade (2014) e inspiração (2014). Buscando fazer um paralelo estrutural com a obra Como É (Beckett, 1961), que se passa em um buraco enlameado, no qual um personagem procura seu parceiro – PIM -, esta pesquisa se propõe a investigar os caminhos que foram inventados durante as práticas, visando se aproximar de uma possível metodologia que se encontra no vazio, buscando constantemente a instabilidade – seja através da tentativa de esvaziamento de referências, no diálogo com os esgotados que são desconhecedores de Beckett ou na renovação constante de PIM. No ato de esvaziar-se e se deixar atravessar pelas vozes e impulsos dos envolvidos, alimentados pelo universo beckettiano, esta dissertação sugere a figura do cartógrafo, desenvolvida por Rolnik, como um possível caminho para a prática criativa no vazio. / In Search of a Poetic of Emptiness is a theoretical-practical research fomented in the Núcleo de Pesquisa Beckett-we (Research Group Beckett-we) - space of creation, deconstruction and creative overflows based on the universe of Samuel Beckett. Created in the year of 2012 in Canoas/RS, the group gives voice to the ones here called the exhausted , contemporary subjects that find in Beckett a possibility of dialogue and chaos. The participants are not actors, nor dancers, nor researchers, they are PIM: a mass of bodies that cannot bear anymore, united by a little life - extract of a common existence, that transcends the cultural, geographical, ethnic or historical references - PIM is plural. This writing is composed by the voices of the exhausted, Beckett’s voice, my own voice, by flows of thoughts that crossed me while researching and by the voice of significative references in this study: Gilles Deleuze, Suely Rolnik, Peter Pál Pelbart, among so many others. Here we analyse performances created during the three years of the group, based on the texts: All that fall (Beckett - 1957) that became Eu, ser pulsante e semivivo [Me, pulsing being and halfalive (2013) and Eleutheria (Beckett - 1947) metamorphosed in sobre.vida [about.life] (2015), Ensaio sobre a Liberdade [Essay about Freedom] (2014) and inspiração [inspiration] (2014). Aiming to create a structural parallel with the work How it is (Beckett - 1961), that passes in a muddy hole, in which one character looks for his partner - PIM -, this research proposes itself to investigate the paths that were invented during the practices, aiming to approach a possible methodology found in the emptiness, searching constantly the instability - be it through the attempt of emptying references, in the dialogue with the exhausted who are unfamiliar with Beckett or in the constant renovation of PIM. In the act of emptying itself and letting it be crossed by the voices and impulses of the involved, fed by the beckettian universe, this dissertation suggests the figure of the cartographer, developed by Rolnik, as a possible path for the creative practice in the emptiness.

Le XVIIe siècle a connu l’épanouissement de la création des tragédies. Notre thèse propose une étude sur un composant moins étudié de ce théâtre, l’espace. Le premier chapitre de notre étude essaie d’abord de dessiner la géographie de la tragédie de l’âge classique et établir des liens éventuels entre les lieux et les thèmes, ensuite nous étudions les différents espaces représentés par la scène et leurs caractéristiques. Le deuxième chapitre quitte la scène pour s’intéresser à la topographie des espaces hors scène. Nous verrons les fonctions de ces espaces hors scène et leurs échanges avec la scène et les dynamismes qui s’en dégagent. Conformément à une esthétique épurée, la tragédie classique relègue de nombreux événements hors scène. Nous cherchons, dans la deuxième partie de ce chapitre, à classer ces événements et nous nous interrogeons sur les diverses raisons pour lesquelles ils ont lieu hors scène. Le troisième chapitre se penche sur l’espace en parole, l’espace tel qu’il est vécu par les personnages. Nous analysons comment les personnages associent des espaces (en scène ou hors scène) à différentes expériences humaines et aux différents destins. Dans certaines pièces, l’espace peut même être au centre d’un enjeu. Nous analysons les enjeux qui se jouent autour de l’espace. Le quatrième chapitre est consacré à l’étude des mouvements des personnages et des objets en scène. Les mouvements des personnages et les objets théâtraux contribuent aussi à la construction de l’espace théâtral. La scène tragique est globalement un espace dépouillé où les héros sont primordialement des « êtres-parlant ». Les gestes et les objets, quand ils existent, sont autrement signifiants sur la scène tragique. Nous concluons que l’espace est loin d’être un décor inerte dans la tragédie française du XVIIe siècle. C’est un élément actif qui entretient diverses dynamiques avec les personnages. / The 17th century has witnessed the full bloom of the creation of the tragedies in France. My thesis proposes a research on a less studied component in this theatre—space. The first chapter of my study tries to draw the geography of the classical age tragedy and establish the possible links between places and themes, then I address myself to the different spaces represented by the stage and their characteristics. The second chapter quits the stage to discover the offstage topography. We shall see the function of these offstage spaces, their exchanges with the stage and the dynamisms that come from these exchanges. Conforming to a purified aesthetics, the classical tragedy relegates numerous events behind the scene. In the second part of this chapter, I try to classify these events and question why they happen offstage. The third chapter approaches the space in speech, the space as it is experienced by the characters. I analyze how the characters associate the spaces (on stage or offstage) with different human experiences and destinies. In certain plays, space itself can be at stake. The stakes implicated in space will be analyzed. The fourth chapter focuses on the characters’ body and objects on stage. Characters’ movements and theatrical objects contribute to the creation of theatrical space. The tragic scene is overall a stripped space where the heroes are primordially ‘speaking beings’. Gestures and objects, when they exist, are highly significant on the tragic scene. Lastly I conclude that space is far from being an inert set in the 17th century French tragedy. It is an element that maintains different dynamics with characters.

No prefácio da peça Three Tall Women, o dramaturgo norte-americano Edward Albee declara ter-se baseado em sua mãe adotiva para a composição de sua personagem. Por esse motivo, a crítica teatral norte-americana passou a considerar a peça simplesmente como uma autobiografia de seu autor. É fato que Edward Albee se utilizou de elementos de sua própria vida na obra, mas a peça não se restringe a isso: a autobiografia serviu de ferramenta para a realização de uma crítica contundente aos valores cultivados pela classe média alta norte-americana. Grande parte da crítica norte-americana, ao se referir à peça Three Tall Women, ressalta seu aspecto autobiográfico, mas não toca, de forma alguma, no aspecto de crítica à ideologia norte-americana presente na obra. Dessa forma, a presente dissertação propõe-se a identificar e analisar os elementos de crítica à sociedade norte-americana encontrados na peça Three Tall Women, por meio da análise dos diálogos de seus personagens. Finalmente, este trabalho também analisará a convergência entre a forma e o conteúdo nessa obra, ou seja, a forma mais adequada, escolhida pelo autor, para a exposição de determinado conteúdo. / In the play Three Tall Women, the American playwright Edward Albee states that one of his characters is based on his adoptive mother. For this reason, American critics consider the play essentially an autobiography of its author. It is true that Edward Albee has used some elements of his life in his play, but Three Tall Women is not limited to that: Edward Albee\'s autobiography is like a tool for the crushing criticism concerning some values supported by the American high-middle class. A great part of the American critics emphasizes the autobiography element concerning the play Three Tall Women, but definitely they do not mention the aspect of criticism about the American ideology in the play. In this way, this paper aims to identify and to analyze the elements of criticism concerning the American society found in the play Three Tall Women through the characters dialogues. Finally, this paper also aims to analyze the convergence between form and theme; the most adequate form, chosen by the author, for the presentation of such theme.