Esta tese toma três momentos da obra de Karl Marx em que temas estéticos são aventados: a formação da sensibilidade nos Manuscritos econômico-filosóficos de 1844, a passagem sobre a épica na Contribuição à crítica da economia política Introdução, de 1857 e o debate epistolar entre Marx, Engels e Lassalle sobre a peça do último, Franz von Sickingen, de 1859. No contexto desses temas, buscamos descobrir as contribuições de Marx ao problema da mimese artística, da objetividade e especificidade da arte. São abordados a objetivação, mimese, historicidade dos gêneros, especificidade do reflexo artístico, o indivíduo e universalidade na obra artística, gênero artístico e revolução. Ao tratar desses temas, procura-se colocar Marx em diálogo com momentos da tradição estética, em particular pontos presentes em Aristóteles, Shakespeare e Schiller, Lessing, Hegel e Feuerbach. Lateralmente, algumas consequências para o marxismo contemporâneo são trazidas à tona, como a crítica de Marx à arte diretamente política. O trabalho conta com as contribuições de G. Lukács e M. Lifschitz, para quem a obra de Marx dispõe as linhas fundamentais de um pensamento estético coerente, a despeito da forma esparsa. / This thesis takes three passages of Karl Marxs work which bring out aesthetic subjects: the formation of senses in the Economic and Philosophical Manuscripts of 1844, the famous passage on the epic in the Contribution to the Critique of Political Economy - Introduction, 1857, and the epistolary debate between Marx, Engels and Lassalle on the tragedy written by the latter, Franz von Sickingen, held in 1859. In those contexts, we search for Marxs contributions to the problem of artistic mimesis, objectivity and specificity of art. Objectification, mimesis, historicity of genres, artistic reflection specificity, individual and universality in artistic work, artistic genre and revolution are points approached. In order to address these issues, we put Marx in dialogue with relevant moments in aesthetic tradition, particularly points present in Aristotle, Shakespeare and Schiller, Lessing, Hegel and Feuerbach. Laterally, some consequences for contemporary Marxism are brought to light, such as Marx\'s critique of political art. The work counts on the contributions of G. Lukács and M. Lifschitz, for whom Marx\'s work provides the main lines of a coherent aesthetic thought, despite its sparse form.

Orientador: Maria Lucia Levy Candeias / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T03:53:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CastroFilho_ClaudiodeSouza_M.pdf: 1034362 bytes, checksum: 5886c55eb9ee40421a5e3c0bd474e70e (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: A presente dissertação resulta da pesquisa sobre as manifestações da tragicidade no teatro de Federico García Lorca, em especial nas peças Bodas de sangre e Yerma, bem como na inacabada La destrucción de Sodoma, que se coadunam na Trilogía dramática de la tierra española, assim denominada pelo próprio poeta. O texto apresenta um panorama geral da produção dramatúrgica lorquiana, analisando aspectos comuns e particularidades de todas as suas peças publicadas na íntegra, possibilitando uma introdução ao universo teatral do autor, suas temáticas passionais-libertárias, seu estilo intensamente metafórico e musical. A seguir, abordando desde a Poética de Aristóteles até as mais recentes teorias teatrais, a dissertação procura diferenciar as noções de 'tragédia', que dá conta de uma manifestação cênica própria da cidade grega de Atenas no século V a.C., e 'tragicidade', que se refere a uma moderna construção conceitual amparada pelo passado trágico mediterrâneo mas igualmente pela filosofia moderna. Nesse percurso, surge a necessidade de um aprofundamento na filosofia de Friedrich Nietzsche, que apresenta, no centro de um amplo leque conceitual, as oposições entre os elãs-vitais apolíneo (aparência, fantasia) e dionisíaco (embriaguez, êxtase) para caracterizar as tensões inerentes ao trágico. Finalmente, podemos compreender algumas influências que a tragédia grega exerceu sobre o teatro de García Lorca a partir de uma análise das peças Bodas de sangre e Yerma, às quais se junta o breve fragmento existente de La destrucción de Sodoma. Verifica-se, também, a construção de uma moderna concepção de tragicidade nas referidas peças, que podem ser lidas à luz de alguns conceitos nietzschianos, sobretudo da noção de 'Além-do-homem' / Abstract: This document is a result of an investigation about the tragicity's occurrences in Federico García Lorca's theater, especially in the following plays: Bodas de sangre, Yerma and La destrucción de Sodoma, the Trilogía dramática de la tierra española, according to the name created by the writer. The text presents a general vision about Lorca's dramas, analyzing global aspects and special qualities around all his complete publishing plays. It is a possibility to know Lorca's dramatic universe, his subjects, like love and freedom, and his great poetic and musical style. Then, referring to Aristotle's Poetic to actual drama's theories, the document intend to see the differences between tragedy (a specific cultural happening from Atenas, the Greek city, in the 5th century BC) and tragicity, a modern conceptual construction inspirated in the Mediterranean's tragic past, but equally in the modern philosophy. So, there is the need of a deep study about Friedrich Nietzsche's philosophy, showing the opposition between two instincts that teach the war inside the tragedy: Apolo's instinct (illusion, fantasy) and Dioniso's instinct (drunkenness, ecstasy). Finally, it's possible to understand some inspirations that the Greek tragedy gave to García Lorca's dramas. To have this done, Bodas de sangre, Yerma and La destrucción de Sodoma's fragment were analyzed. Finally, it is shown the dissertation points, the construction of a modern concept of tragicity inside the studied plays which demonstrate ideas very similar to Nietzsche's philosophic concepts, like the 'Superman' notion / Mestrado / Mestre em Artes

Por meio da análise das ações de dois heróis de peças do teatro Ático antigo, o presente trabalho elabora uma comparação entre a construção de dois tipos de comportamento marginal, e entre as diferentes consequências advindas dessas condutas que se colocam à margem da sociedade dramática. Nesse sentido, a partir da caracterização da marginalidade do herói personagem-título, da tragédia de Eurípides, Hipólito, demonstrarei de que modo a escolha do rapaz pela virgindade está intrinsecamente ligada às consequências desgraçadas que se abatem sobre a casa de seu pai, Teseu. De fato, considero que porque Hipólito escolhe deliberadamente, ou seja, sem coerção física ou mental, viver à margem dos costumes de sua comunidade dramática, ele é completamente responsável por desencadear a vingança de Afrodite que arruinará a vida de sua família. Do mesmo modo, através da delimitação da atitude marginal do herói Diceópolis, da comédia de Aristófanes, Acarnenses, elaborarei de que modo da escolha que o personagem faz pela paz privada, transgressora em relação à decisão da maioria dos cidadãos pela continuidade da guerra, decorrem as consequências etílicas, sexuais e gastronômicas com as quais ele arca. Assim, o objetivo desse trabalho diz respeito a entrelaçar de que modo Hipólito é desgraçado por causa de suas ações marginais e o porquê Diceópolis é feliz graças à marginalidade de suas ações. E, em última instância, pretendo explicitar por quais vias tanto o personagem da tragédia quanto o personagem da comédia são responsáveis pelos frutos que colhem de seus modos de vida à margem. / Through an analysis of the actions of two heroes present in plays from the Ancient Attic drama, this work draws a comparison between the construction of two types of marginal behavior, as well as between the different consequences resulting from these behaviors. In this sense, following the characterization of the marginality of Hippolytus, the homonymous hero of Euripides tragedy, I shall demonstrate how the young mans choice for virginity is intrinsically related to the disgraceful consequences that befall Theseuss house. In fact, I consider that because Hippolytus deliberately chooses (i.e. without physical or mental coercion) to live outside his dramatic community refusing its customs, he is completely responsible for Aphrodites revenge, which ruins his family. In the same way, by delimiting the marginal attitude of Dikaiopolis, from Aristophanes comedy, Acharnians, I shall elucidate the manner in which the characters choice for private peace, transgressive of the majoritys decisions for the continuity of the war, is followed by ethylic, sexual and gastronomic consequences he is faced with. Hence, the aim of this thesis is the intertwining of the way Hippolytus is disgraceful because of his marginal actions and the reason why Dikaiopolis is happy thanks to this very marginality. And, lastly, I intend to cast light upon the ways by which both the tragedy and comedys characters are responsible for whatever they reap from their marginal ways of life.

Cette thèse analyse le théâtre français du XVIIème siècle, entre 1615 et 1640 environ, du point de vue de la représentation du désir et de ses conséquences internes et externes dans les pièces. La période comprise entre la fin des Guerres de Religion et la fin du règne de Louis XIII a été marquée par la fréquentation d'une société blessée par les guerres civiles avec le pouvoir de plus en plus fort de l'Église, qui essayait de combattre les effets néfastes de cette guerre sur la foi chrétienne par la censure et par l'austérité. En même temps, le pouvoir royal se durcissait lui aussi, et commeçait à bâtir les piliers de la monarchie absolue. Une société troublée et contrôlée, une cour dont les pratiques contredisaient les discours et un pouvoir central de plus en plus autoritaire : voilà le contexte dans lequel se développe une littérature contestataire et subversive. La licence, l'arme utilisée par les artistes pour se battre contre l‟autorité, s'est montrée d'abord dans la poésie, par les facilités des éditions anonymes, mais – voilà ma thèse – elle a bientôt atteint le théâtre, où, par l'impossibilité de cacher l'auteur, les mécanismes de protection sont devenus plus subtils et plus ambigus. Par la représentation du désir, surtout dans les personnages féminins, les dramaturges de l'époque ont osé ne pas être d'accord avec les règles imposées par l'Église et par la Monarchie. Et ils l'ont fait en privilégiant l'individuel sur le collectif, en établissant, dans une taxinomie occulte, les aspirations humaines comme prioritaires, comme le contrepoint nécessaire aux conduites sociales imposées par n‟importe quelle autorité, bien que dans cette confrontation l'individu soit assez souvent anéanti par l'État. Quand l'humain est détruit cependant, les forces coercitives perdent leur objet et dès lors leur raison d'être. L'État était lui aussi anéanti dans cette confrontation. Dans ce travail on analyse des pièces de quatre auteurs , Alexandre Hardy, Théophile de Viau, Jean Mairet et Pierre Corneille, dans lesquelles il est possible d‟associer le discours du désir à une intention d‟insoumission, de rébellion ou de contestation du pouvoir établi. La thèse révèle la stratégie utilisée par les dramaturges et dévoile aussi une face occulte du théâtre du XVIIème siècle en France. Une face plus humaine, plus polémique et moins solenelle que l‟histoire littéraire a couramment fait croire. / A presente tese analisa o teatro francês do início do século XVII, aproximadamente entre 1615 e 1640, do ponto de vista da representação do desejo e de suas consequências internas e externas nas peças. O período compreendido entre o fim das guerras de religião e o término do reinado de Luís XIII foi marcado pela convivência de uma sociedade atingida pela guerra civil com o poder cada vez mais forte da Igreja, que tentava combater os efeitos nefastos dessa guerra sobre a fé cristã através da censura e da austeridade. Ao mesmo tempo, o Poder Real também se endurecia, dando início à construção da monarquia absoluta. Uma sociedade conturbada e controlada, uma corte cujas práticas afrontavam os discursos e um poder central cada vez mais autoritário: este é o contexto em que se desenvolve uma literatura contestatária e subversiva. A licenciosidade, arma utilizada pelos artistas para contraporem-se à autoridade, mostrou-se inicialmente na poesia, pela facilidade das edições anônimas, mas - esta é a tese que defendo - logo alcançou o teatro, onde, pela impossibilidade de esconder-se o autor, os mecanismos de proteção tornaram-se mais sutis e ambíguos. Pela representação do desejo, especialmente nas personagens femininas, os dramaturgos da época ousaram discordar das regras impostas pela Igreja e pela Monarquia. E fizeram isso privilegiando o individual sobre o coletivo, estabelecendo, numa taxinomia oculta, as aspirações humanas como prioritárias, como o contraponto necessário às condutas sociais impostas por qualquer autoridade, ainda que desse confronto, não raras vezes o indivíduo fosse aniquilado pelo Estado. Ao ser destruído o humano, porém, as forças coercitivas perdiam seu objeto e, logo, sua razão de ser. O Estado também se aniquilava no confronto. Neste trabalho são analisadas obras de quatro autores, Alexandre Hardy, Théophile de Viau, Jean Mairet e Pierre Corneille, nas quais se pode associar o discurso do desejo a uma intenção de insubmissão, de rebeldia ou de contestação do poder estabelecido. Além de desvelar a estratégia utilizada pelos dramaturgos, a tese também dá a conhecer uma face oculta do teatro do século XVII na França. Uma face mais humana, mais polêmica e menos solene do que a história literária tem feito crer.

Orientadores: Antônio Fernando da Conceição Passos, Maria Betânia Amoroso / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T14:25:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oliveira_MariaRitaAguilarNepomucenode_M.pdf: 1216775 bytes, checksum: e4b9ca98dcfd373863139287ef62780b (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo levantar e analisar os aspectos trágicos do drama cinematográfico de Pier Paolo Pasolini, através da análise da sua produção artística (documentários, ficções, teatro) e também da sua vida. O primeiro capítulo apresenta a biografia do poeta, da sua formação até o início da sua atividade cinematográfica. O segundo capítulo apresenta os aspectos trágicos dos seus primeiros filmes (Accattone, Mamma Roma, Il Vangelo secondo Matteo, os filmes cômicos com os atores Ninetto e Totó). O terceiro capítulo expõe a sua ideia de um "teatro da palavra" e a presença dos mitos trágicos nas peças Orgia, Affabulazione e Pilade. O quarto capítulo expõe a sua ideia de documentário como "filme sobre um filme por fazer" e os aspectos trágicos dos filmes documentários La Rabbia e Appunti per un'Orestiade africana. O quinto capítulo desenvolve a concepção semiológica de cinema de Pasolini (o cinema como língua escrita da realidade); e também estilística ( roteiro, uso do plano/contraplano, sua visão de "cinema de poesia"). O sexto capítulo articula os possíveis desdobramentos cinematográficos da tragédia como forma artística e como "estrutura de sentimento", alinhando a concepção de cinema moderno àquela de tragédia moderna. O sétimo capítulo analisa as tragédias gregas filmadas por Pasolini como ficção (Edipo Re e Medea) e a tragédia moderna filmada Teorema, através do levantamento de informações críticas e das evidências do trágico no cinema deste autor. Este trabalho verificou que a possibilidade de um trágico como instrumento de expressão e estrutura de sentimento se resolve em Pasolini pela poesia (a poesia media a representação do mito trágico, no teatro e no cinema). Pasolini encontra o trágico na diversidade de poeta, no escândalo da sinceridade e da autenticidade impossíveis ao homem e ao mundo "irreais" da "normalidade" "burguesa". Assim é que o trabalho apresenta e analisa a apropriação do autor dos mitos trágicos articulando-os às necessidades da estrutura de sentimento (trágica) do autor de cinema moderno de que Pasolini faz parte / Abstract: This research rises and analyses aspects of the tragedy in Pier Paolo Pasolini's work, through analysis of his artistic production (documentaries, fiction, drama) and also of his life. The first chapter presents biographic aspects of his personal trajectory until the beginning of his film activity. The second chapter presents tragic aspects of his first films (Accattone, Mamma Roma, Il Vangelo secondo Matteo, the comic films with the actors Ninetto and Totó). The third chapter exposes Pasolini's idea of a "theater of the word" and how the tragic myth appears on it. The fourth chapter lays out his idea of documentary as "a film about a film to be make" and analyse the tragic aspects of his documentaries La Rabbia and Appunti per un'Orestiade Africa. The fifth chapter develops Pasolini's idea of cinema; his semiological approach (the cinema as the written language of reality), as well as his personal film style ( script, use of the "shot reverse shot" and his vision of the "cinema of poetry"). The sixth chapter articulates the possible consequences of the tragedy as an artistic form and a "feeling's structure" adapted to the cinematic instruments, aligning the concept of "modern cinema" with that of "modern tragedy". The seventh chapter analyses the tragedies filmed by Pasolini as fiction (Edipo Re and Medea) and the filmed "modern tragedy" Teorema, gathering critical information and evidences of the tragic vision in Pier Paolo Pasolini's films. We noticed that the possibility of the tragedy as an instrument of expression and a structure of feeling for the cinema is solved in Pasolini's work by the poetry (is the poetry that mediates the author's representation of the tragic myth in his dramas and films). Pasolini finds the tragedy in his poet's condition of diversity, in the scandal of sincerity and in the authenticity inside the "unrealistic" situation of the bourgeois world and its "normality". Thus the present Research analyses the author's ownership of the tragic myths articulating it to the feeling's structure (the tragic vision) of the authorisme in the "modern cinema" which Pasolini's work belongs / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios

Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2017-05-22T10:38:35Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Rodrigo Peixoto Barbara - 2017.pdf: 2301704 bytes, checksum: f4ba0c98b2ea5cea2c9f830b6a1c4b21 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-05-22T10:43:16Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Rodrigo Peixoto Barbara - 2017.pdf: 2301704 bytes, checksum: f4ba0c98b2ea5cea2c9f830b6a1c4b21 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-22T10:43:16Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Rodrigo Peixoto Barbara - 2017.pdf: 2301704 bytes, checksum: f4ba0c98b2ea5cea2c9f830b6a1c4b21 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-03-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The Theater of Cruelty is an Artaudian artistic manifestation that shook the representative Western aesthetic bases by returning the ritual, magic and life suppressed by Western theater to the performing arts, also highlighting controversial subjects / themes silenced by a ruling class, similarly as Friedrich Nietzsche and Gilles Deleuze did with their philosophical thoughts. In view of this, it is proposed with this Master's Dissertation, to (un)fold this Theater of Cruelty having as a theoretical subsidy, besides the studies of Antonin Artaud, the investigations of Nietzsche, Deleuze and some other rebellious thinkers. Through this unfolding, one studies the possible cruel plot given by the Philosophy-Art-Life conjunction and of that, the link between Tragedy, Dionysus and the Artaudian Theater. In view of this panorama, one wonders: what unites these cruel-artist thinkers? What do Nietzsche's Tragedy and the god Dionysus lend to the Theater of Cruelty of Artaud? To this end, the theoretical clause presented here rests on the attempt to account for a study that shows the rhizomatic agreement between these three thinkers and subversive thoughts having as central axis the Theater of Cruelty. Therefore, this theater is staged to propose a connection between Artaudian Cruelty and the revolutionary powers of the Nietzschean and Dionysian tragic. / O Teatro da Crueldade é uma manifestação artística artaudiana que estremeceu as bases estéticas representativas ocidentais devolvendo às artes cênicas o ritual, a magia e a vida suprimida pelo teatro ocidental, evidenciando, também, assuntos/temas polêmicos silenciados por uma classe dominante, similarmente como fizeram Friedrich Nietzsche e Gilles Deleuze com seus pensamentos filosóficos. Diante disso, propõe-se com essa Dissertação de Mestrado, (des)dobrar esse Teatro da Crueldade tendo como subsídio teórico, além dos estudos de Antonin Artaud, as investigações de Nietzsche, Deleuze e alguns outros pensadores rebeldes. Por intermédio desse desdobramento, estuda-se a possível trama cruel dada pela conjunção Filosofia-Arte-Vida e, a partir dessa, o enlace entre Tragédia, Dioniso e o Teatro artaudiano. A partir desse panorama apresentado, pergunta-se: o que une esses pensadores artistas-cruéis? O que a Tragédia de Nietzsche e o deus Dioniso emprestam ao Teatro da Crueldade de Artaud? Para tanto, o recorte teórico que aqui se apresenta repousa na tentativa de dar conta de um estudo que mostre o acordo rizomático entre esses três pensadores e pensamentos subversivos tendo como eixo central o Teatro da Crueldade. Logo, esse teatro se faz palco para propor uma ligação entre a Crueldade artaudiana e as potências revolucionárias do trágico nietzschiano e do dionisíaco.

O texto da tragédia grega Édipo Rei de Sófocles, do século V a.C., permite até os dias de hoje inúmeros estudos sobre seu mito, face a tamanha riqueza existente em seu mitologema. Pressuposto a tantas pesquisas existentes, elaboramos uma visão inerente aos estudos realizados, compondo uma dissertação comparativa, revisitando o texto de Sófocles e incluindo uma nova ótica sobre a tragédia do rei de Tebas. Porém, antes de mergulharmos na essência do mito, procuramos entender a tragédia grega e seu período de existência. Da mesma forma, investigamos o homem Sófocles, artista e poeta na sociedade em que viveu, e suas relações sociais e políticas com seu amigo e estrategista Péricles. Ponto imprescindível da dissertação é a constatação de que Sófocles fundiu em um só personagem feminino a figura das duas esposas de Laio, condensadas em Jocasta. Tornada mãe e esposa de Édipo, o personagem de Jocasta aumentou profundamente o efeito dramático desejado pelo autor grego, criando um dos maiores textos trágicos da antiguidade que chegaram até hoje. Sem perder a essência do texto sofocliano, decodificamos o mito em suas diversas vertentes, situamos as condições sociais nas relações da mulher no século V a.C., e, assim, estabelecemos as relações que envolveram Édipo e Jocasta no conjunto poético da tragédia reelaborada por Sófocles. / The text of the Greek tragedy Oedipus Rex, by Sophocles, 5th century BC, allows us, until the present days, to make innumerous studies about its myth, due to the immense richness of its mythologem. Considering so many existing researches, we have elaborated a vision inherent to the studies already done, writing a comparative dissertation, revisiting Sophoclestext and throwing some new light upon the tragedy of the King of Thebes. However, before plunging into the essence of the myth, we have tried to understand the Greek tragedy and its existing context. In the same way, we have investigated the man Sophocles, artist and poet in the society he lived in, and his social and political relationship with his friend and strategist Pericles. The essential point of the dissertation is the thesis that Sophocles has melted, in a single feminine character, the profiles of the two wives of Laius, condensed in Jocasta. Transformed into mother and wife of Edipo, the character Jocasta deeply increased the dramatic effect desired by the Greek author, creating one of the greatest tragic text of antiquity that have arrived to present days. Without losing the essence of the sophoclean text, we have decoded the myth in its various aspects, contextualized the social conditions of the womens relations in the 5th century BC, and, finally, we have established the relations that involved Edipo and Jocasta in the poetic set of the tragedy re-elaborated by Sophocles.

Esta dissertação apresenta um estudo seguido de tradução da tragédia Reso, tradicionalmente atribuída a Eurípides. No estudo, busca-se comparar o tratamento dado na peça ao mito de Reso e ao tema da astúcia (mêtis) com aquele presente em Ilíada X, tomando-se Odisseu como figura central: a partir dele, são abordados, por semelhança e dessemelhança, as demais personagens da peça e a visão de mêtis que cada uma tem ao longo da trama, além da estrutura da tragédia e as relações existentes entre os planos humano e divino. O objetivo principal é mostrar que os dois textos estão bem inseridos nos seus respectivos períodos e ilustram certa transformação no status do conceito estudado. / This research presents a study followed by a translation of Rhesus, a tragedy traditionally attributed to Euripides. In the study, we aim at comparing the treatment the play gives to Rhesuss myth and the theme of cunning intelligence (mêtis) with that presented by Iliad X. Taking Odysseus as the central figure, we make an approach (through similitude and dissimilitude) of the other characters of the play, as well as of the view concerning mêtis that each of them expresses in the action, the structure of the play and the relationship between men and gods. Our main purpose is to show that both texts are well inserted in their respective periods and illustrate some change in the status of the concept of mêtis.

Poderia o episódio da ocupação de Pilos, narrado no Livro IV da História da Guerra do Peloponeso, de Tucídides, constituir-se em uma peripécia ateniense? Asserção provocativa, que supõe sobre as categorias míticas, presentes na referida passagem, o entendimento da obra tucidideana por ditames artísticos, assim denominados, por Francis M. Cornford, mithistóricos. Interpretado, pelo autor, como fruto de uma teoria trágica da natureza humana supostamente apropriada de Ésquilo - o encadeamento de Týche, Áte, Apáte, Elpís e Hýbris, figuraria o início da ruína política de Atenas, onde Tucídides, propondo-se a descrever objetivamente os eventos da guerra, acaba por se aproximar do drama. Mas, como admiti-lo se, em seu prólogo, Tucídides declara a exclusão do fabuloso ( ) de sua escrita? Em que sentido mythôdes pode ser apreendido como o mthos, propriamente dito? Na memorização das ações humanas, a história tucidideana se volta, então, para a fragilidade dessa humanidade, revelando a face de sua própria tragicidade. / Could one consider the Pilos episode narrated in the Book IV of Thucydides History of the Peloponnesian War, an Athenian reversal (peripéteia)? An assumption, whose provocative tone, would imply to the mythical categories in the episode the artistic moulding of Thucydides narrative. The mythistorical passages of the work, as interpreted by Francis M. Cornford are, therefore, a consequence of the tragic theory of human nature, which Thucydides would have taken from Aeschylus, and where Tyche, Ate, Apathe, Elpis and Hybris would represent the beginning of Athens political doom. Thucydides writing style, intentionally an objective journal of the war, ended up being similar to the dramatic one. But how could one accept this possibility, if in Thucydides Prologue he states the absolute exclusion of the fabulous ( ) from his narrative? In which sense can the concept of mythôdes be taken as the one of mthos. In the memorization of the human actions Thucydides history turns to the fragility of this humanity, revealing the face of its own tragic condition.

A tragédia Hipólito de Eurípides é lida e analisada, sob o aspecto da paixão e sob as diversas perspectivas em que essa paixão se reflete e refrange. Hipólito incorre em hybris ao tratar a deusa Afrodite como a uma mulher mortal, pois não compreendeu que essa divindade deve ser respeitada e exige honras. Fedra apresenta-se como uma mulher que, dominada pela paixão por seu enteado Hipólito, incessantemente busca evitá-la e livrar-se dela; contudo, a rainha oscila nesse desejo amoroso, pois suas falas delirantes revelam desejos eróticos ocultos. Dotada de capacidade reflexiva e especulativa sobre a ação humana, ela é, no entanto, enganada pelo sofisticado discurso de sua aia. Examina-se ainda o longo discurso de Hipólito, que o mostra a odiar as mulheres e a desejar ora que não existissem, ora que não empregassem a linguagem verbal. A carta, deixada por Fedra ao suicidar-se, encontrada junto a seu cadáver, ganha, com a morte, ressonância como ponto de apoio da acusação contra Hipólito. Teseu comporta-se como um mau leitor desse documento e de seu contexto, ao pronunciar um injusto julgamento. A tradução, que acompanha o presente estudo analíticointerpretativo, serve-lhe tanto de fundamentação quanto de complemento e de esclarecimento, por ser-lhe simultânea na sua gênese e solidária na sua intenção. / The tragedy Hippolytus, by Euripide, is read and analysed, under the aspect of passion, and the different perspectives in which this passion reflects and refracts. Hippolytus incurs a hybris when he treats the goddess Aphrodite as a mortal woman, because he was not able to understand that this divinity must be respected and that she requires honors. Phaedra presents herself as a woman who, dominated by passion for his stepson Hippolytus, incessantly tries to avoid this feeling and get rid of it; however, the queen oscilates in this desire, since her delirious speeches reveal hidden erotic desires. Being able both to reflect and to especulate about human action, she is, however, cheated by the sophisticated discourse of her nurse. Hippolytus\'s long speech is examined, what shows him hating women, and, at the same time, desiring now that they don\'t exist at all, now that they couldn\'t use verbal language. The letter left by Phaedra when she commited suicide and which was found beside her corpse, assumes, with her death, the meaning of point of support for the accusation of Hippolytus. Theseus acts as a misreader of this document and its context, pronouncing an unfair judgment. The translation that follows the present analytic-interpretative study, works both as its basis and its complementation and explanation, since it is simultaneous to the study in its genesis and solidary in its intention.