Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Henrique Lima Assis.pdf: 1387726 bytes, checksum: 4cf4285d44f37f7c602d3ab28c1ee7b1 (MD5) Previous issue date: 2007-04-03 / Currently, School is one of those places where meaning about daily life is produced through cultural practices, concepts and values. Therefore, the aim of this investigation is the development of a number of artistic learning, amid technical images, specially the eletroeletronic ones of the origin of cinema. In this study the main motivational aspect was the possibility of learning from imagery modalities. In this regard, a number of different ways of learning, involving the visual narratives of Lumiére Brothers as well as George Méliès were planned and developed by me with a group of second grade students at a public state High School in the suburb of Goiânia. The students also produced their visual works discussing problems faced in the daily relations established among students and educators. As reflection on this educational practice, the students, the tutors and I watched and discussed the short films produced by the students of room B guided by the methodological processes of visual culture. Therefore, we discussed and reached conclusions on these narratives mediated by the following questions: What do these images allow us to think? , What relations can we establish and what do they tell about us? Among other arisen questions the students visual narratives caused a diversity of feelings and interpretations about relations of power established in the core of the field-school as well as showing the absence of dialogue, interaction and hearing in the processes of teaching and learning. Finally, for the students, the attention, dialogue and the possibility of complaining about their problems became an alternative for them to be heard. For me, dialogue, action and reflection of the same actions within the context of my pedagogical practice were some of the main concepts in which, we, the people linked to this investigation could experience in a field-school. / A escola, na atualidade, é um dos espaços em que se produz significados sobre o quotidiano, por meio de práticas culturais, conceitos e valores. Assim sendo, o objeto desta investigação é o desenvolvimento de um conjunto de aprendizagens artísticas, mediadas pelas imagens técnicas, em especial, as imagens eletroeletrônicas da origem do cinema. Nesta pesquisa, a principal questão motivadora foi a viabilidade do ensino de artes visuais a partir de tais modalidades imagéticas. Nesse sentido, um conjunto de aprendizagens envolvendo as narrativas visuais dos irmãos Lumière e de Georges Méliès foi por mim planejado para ser desenvolvido pelo grupo de alunos da segunda série do Ensino Médio de uma escola pública estadual localizada na periferia de Goiânia, que, também, produziu suas visualidades, levando ao debate questões percebidas em torno do quotidiano das relações estabelecidas entre os educandos e seus professores. Como reflexão dessa prática cultural educativa, os estudantes, os docentes e eu assistimos aos curtas produzidos pelos secundaristas da sala D, orientados pelos processos metodológicos da Cultura Visual, e os e discutimos. Assim, nos aproximamos dessas narrativas mediados pelas seguintes indagações: o que essas imagens nos permitem pensar; quais relações podemos estabelecer e o que elas falam sobre nós? Dentre outras questões levantadas, as narrativas visuais dos alunos provocaram uma diversidade de sentimentos e interpretações sobre, por exemplo, as relações de poder estabelecidas na intimidade da Escola- Campo e a ausência do diálogo, da interação e da escuta nos processos de ensino e aprendizagem. Por fim, para os educandos, a atenção, o diálogo e a possibilidade de reivindicar, como alternativa para serem ouvidos, e para mim, diálogo, ação e reflexão da ação no contexto de minha prática pedagógica, foram alguns dos principais conceitos que nós, sujeitos ligados nessa investigação, pudemos experimentar na Escola- Campo.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Ivaina de Fatima Oliveira.pdf: 4301058 bytes, checksum: ebff3a331f3bfa3d6bd6b0caccb2fdfd (MD5) Previous issue date: 2008-04-17 / This survey aimed to argue about the (in) visibility of African Brazilian culture in visual arts education specifically examining the Law 10.639/2003 that has established the compulsory teaching of Afro-Brazilian history and African Culture in Basic Education. The field of art education is one of two responsible of this mission. I developed a bibliographic survey about the implementation of the law, considering the social movements, multiculturalism concepts and affirmative actions as relevant factors in the process of its implementation. My search started also with a concern arising from the requirement of the law: How we will work with History and Culture Afro-Brazilian Culture and African contends in the teaching of visual arts? In contrast the invisibility of black culture in visual arts education, I brought up some events that present different regard on black culture as source for a critical art pedagogy, aware about the diversity of our cultural roots and concerned to the enhancement of African culture aesthetics in our people heritage. I see the law as a contribution to a transformative praxis for teaching arts for the inclusion of ethnic, social and cultural groups excluded or included in stereotypical ways. But the question remains without answers because these are always incomplete. This research has shown that we have advanced, but still we have the difficult task of generating more questions about the exclusion in a country marked by social, racial and cultural inequalities. / Essa pesquisa teve como objetivo de refletir sobre a (in)visibilidade da cultura afro brasileira no ensino de artes visuais examinando especificamente a Lei 10.639/2003, que institui a obrigatoriedade do ensino de História e Cultura Afrobrasileira e Africana na Educação Básica. O campo da arte educação é um dentre outros dois incumbidos dessa missão. Realizei um levantamento bibliográfico acerca da implementação da lei, considerando os movimentos sociais, o multiculturalismo e as ações afirmativas como fatores relevantes no processo da sua implementação. Minha pesquisa partiu também de uma inquietação decorrente da obrigatoriedade da lei, ou seja: Como trabalhar com História e Cultura Afro-brasileira e Africana no ensino de artes visuais? Em contraponto a invisibilidade da cultura negra no ensino de artes visuais, enfatizo algumas ações que apresentam com um olhar diferenciado sobre a cultura negra como fonte para uma pedagogia mais crítica, consciente e transformadora a respeito das nossas raízes culturais e para a valorização da cultura africana na nossa formação estética do nosso povo. Vejo a Lei como um aporte para uma práxis transformadora para o ensino de artes ao tornar obrigatória a inclusão de segmentos étnico-sociais e culturais excluídos ou incluídos de formas estereotipadas. Mas a pergunta continua sem respostas mesmo porque essas serão sempre incompletas. A pesquisa mostrou que temos avançado, mas que ainda temos a difícil tarefa de gerar mais questionamentos sobre a exclusão num país marcado por desigualdades sociais, raciais e culturais.

Esta tese expõem a produção artística da autora por meio de uma caixa de fotografias e de relatos escritos. Casas de arquitetura vernacular do Brasil são o ponto de partida para o desenvolvimento de uma linguagem fotográfica particular sobre a luz, a cor e o tempo. O recorte aqui apresentado mapeia a experiência visual da artista e investiga as origens e o desenvolvimento de sua poética, realizada com filmes fotográficos coloridos 35mm. / This Ph.D. thesis exposes the author\'s artistic production through a box of photographs and written accounts. Brazil\'s houses of vernacular architecture are the starting point for the evelopment of a particular photographic language about light, color and time. The outline presented here maps the visual experience of the artist and investigates the origins and development of her poetry, made with a 35mm color film.

Em percurso se constitue de imagens, sobretudo fotografias, feitas entre 2008 e 2016, nos trajetos e percursos de algumas cidades por onde passei. Somam-se ao conjunto as fotos realizadas em espaços privados e nas ruas por onde faço minhas andanças. Parto de minha experiência em registrar as paisagens, lugares e espaços durante os meus deslocamentos, principalmente entre as cidades de Atibaia-SP e a capital paulista, através das janelas de veículos particulares e transportes coletivos. As recordações das viagens em família e de ter feito desenhos em pequenos cadernos na década passada, dentro dos ônibus ou de memória, estruturam a minha compreensão visual atualmente. A câmera fotográfica torna-se um instrumento de desenho. Após a captura das fotografias, os procedimentos de tratamento, edição e impressão fazem parte do processo de construção das imagens. Os relatos escritos em breves notas sobre algumas vivências trazem informações que podem colaborar na percepção do que é visto. Ao mesmo tempo, as palavras têm sua autonomia, assim como as imagens. / Em percurso (En route) is made of images, mainly photographs, shot between the years of 2008 and 2016, along the paths and routes of some cities I\'ve been to. Some other pictures, depicting private spaces and streets that I walk on, have also been added to the set. I depart at my experience in registering landscapes, places and spaces as I go from one place to another, especially from the city of Atibaia-SP to the capital of the State, through the windows of private cars or public transportation. The memories of family trips and of drawings made in small notebooks in the last decade, inside buses or out of my memory, organize my current visual understanding. The photography camera becomes a drawing device. After shooting, the treatment procedures, editing and printing are part of the process of building images. The short written notes about some experiences offer information that may contribute to the perception of what is seen. At the same time, the words are autonomous as well as the images are.

Considerando o corpo o elemento central da performance arte, o texto a seguir procura compreender que tipo de espaço se reserva nesse campo artístico para a presença corpórea e o que esta adquire ou perde, quando a imagem deixa de corresponder a um referente físico independente de si, para representar um complexo de processos digitais e analógicos. Este texto tem como premissa o reconhecimento de que a formação do sujeito depende da imagem do corpóreo e, portanto, medita sobre o papel do corpo na produção e na interpretação imagéticas. Inserida em um contexo critico dos desafios pelos quais passa a performance arte através de sua institucionalização - com seus subsequentes processos de hierarquização e estabelecimento de arquivos e documentos - essa pesquisa almeja explorar possíveis efeitos dessa contextura sobre o corpo. Por se desenvolver num formato que considera a escrita como performance, essa dissertação é proposital e excessivamente investida das particularidades e projeções de um corpo específico - o do autor/performer - e baseada nas práticas artísticas concebidas para e em relação com a prática de leitura e de escrita dessa pesquisa de mestrado. Da mesma forma, aqui, o espectador daquelas práticas artísticas - assim como o espectador desse ato performático - é tido como corpo particular no qual a obra de arte ganha seu significado, através da contingência da representação do corpóreo. Por fim, essa pesquisa serve-se de uma discussão sobre o corpo que pretende experienciá-lo ao dele se afastar minimamente, para poder alcançar o que dele não se pode dissociar: a carne / Considering the body as the central element of the discipline of performance art, the following paper seeks to comprehend the nature of the space opened by this artistic disciplino to the corporeal presence in relation to the new condition of the image - when it longer corresponds to a physical referent outside itself, but represents a concatenation of the image, Also, this research aims to critically explore the chalenges inflicted on the body by the institucionalization of performance art through the hierarchical and archiving process of institutional documentation. This dissertation is based on a format that considers writing to be a performace and is thus highly and intentionally invested with the projections and particularities of a specific body - that of this author and performer. Besides, this written research is developed from an in intimate relation to the artistic practices conceivid during the period of two years´s performance acts - as well as, you, the spectator of this performance act - is also seen as particular body - which gives meaning to the artistic object through the contingency of the interpretation of the corporeal representation, Finally this research uses a dicussion about the body - which intends to experience it while minimally distancing oneself from it - in order to reach that part of the body from which it is impossible do disassociate: flesh.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paula Ferreira Tura.pdf: 3733621 bytes, checksum: 90ca850ef38cf31e3d0fbee359d7c06f (MD5) Previous issue date: 2014-02-12 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / This research, through the visual arts sacralizes the contact of the human body with the natural environment. The author who is an artist-researcher has chosen the Contemporary Art as a language to her proposals. The dissertation was written in One Chapter composed as: interventions developed by the researcher with photos and descriptions followed by an artist of reference with images of it´s work and an analysis of the art work proposed by the researcher with concepts and discussion of arguments. To each posture of Contemporary Art there is a range of different art pieces to be viewed: Body Art there is a body painting and imprinting, and cast´s mold of body parts; Performance Art-there are registration of the shadows produced by the body during an yoga practice and the projection of the shadow of a tree leave on top of a body and the match of the body with a tree and a ruin of a building; Arte Povera there is a branch painted in red and the construction of a feminine body with sand and cloth; Land Art there is a construction of little cloth trees, the drawings on the beach sand, a collective work to make rocks softer, the creation of colorful and sand paths and the interventions with ink on sand sculptures found at the beach. The body, main object of this work, feels and become visible the marks of restlessness that carry about the social imposed patterns of behavior and esthetics and the relation with the natural environment. Carry itself the memories of choices made and paths coursed. The art proposals here included express what the speech misses, express the pains of the reflexive path coursed, the listening, the feeling, the contemplation, the process of waiting. / Esta pesquisa se utiliza da arte visual para sacralizar o contato do corpo com o ambiente natural. A autora que é uma artista pesquisadora escolheu a Arte Contemporânea como linguagem para suas intervenções. Desta forma, a obra foi escrita em Capítulo Único composto por: intervenção proposta pela pesquisadora com fotos e descrições, seguida de um artista de referência com imagens de seu trabalho e por fim uma análise do trabalho realizado contendo os conceitos e discussão de argumentos. Assim, estão em Body Art obras de pintura corporal, impressão corporal, molde de partes do corpo em gesso; em Performance Art o registro da projeção da sombra do corpo - durante a realização de movimentos de yoga e de projeção da sombra de folhas de árvores sobre o corpo; o encaixe do corpo em raízes de árvore e em espaços de uma construção em ruínas; em Arte Povera há a pintura em tronco de árvore, a construção de corpo feminino em areia com utilização de retalhos e em Land Art há a construção de pequenas árvores de tecido, a grafia na areia da praia, a construção coletiva de amaciamento de pedras, criação de rastros coloridos e caminhos de areia e por fim a intervenção com corante em esculturas e desenhos de areia. Todas as propostas artísticas acontecem em ambiente natural mais precisamente o litoral do Estado de São Paulo em relação ao qual a autora possui grande conhecimento e afinidade. O corpo, objeto principal deste trabalho sente e transparece a marca das inquietações que carrega como os padrões sociais impostos de comportamento e de estética, do tempo acelerado nos grandes centros e do convite à introspecção proveniente do contato com o ambiente natural. Carrega em si as memórias das escolhas feitas e caminhos traçados. As propostas aqui inclusas propõem a expressão que falta à fala, exprimem as dores do trajeto reflexivo, o ouvir, o sentir, o contemplar, o esperar.

A presente pesquisa, intitulada Agenciamentos de Visita: notações pictóricas na fotografia de ambientes domésticos, analisa os procedimentos de elaboração das séries fotográficas Agenciamentos de Visita para Estudos de Composição – natureza morta e Agenciamentos de Visita para Estudos de Composição – cena de gênero, abarcando as questões emergidas destas práticas. Neste contexto, as relações entre fotografia e pintura holandesa são investigadas, partindo de minha poética e articulando-a com a arte atual, a qual é referenciada pelo uso de cenas construídas para a realização das imagens. Concernente ao procedimento de trabalho, a prática de visitas veiculou a investigação do espaço da casa como reduto íntimo e como estúdio provisório. / The present research named Requests to Visit: pictorial notations in domestic space’s photography analyses the procedures of elaboration of the photography series Requests to visit for Composition Studies– still life and Requests to visit for Composition Studies - gender scenes, including the questions emerged from these practices. In this context, the relations between photography and Dutch painting are investigated, having as a starting point my poetic and articulating it with the recent art, which is alluded by the use of scenes made for the realization of the images. Concerning the working procedure, the visiting practice leaded to the investigation of the house’s space as being an intimate redoubt and a provisory studio.

Este trabalho apresenta uma investigação sobre a fotografia produzida por artistas nos anos 1960 e 1970, a partir de uma análise discursiva dos textos que os próprios artistas escreveram na época. Proponho que a especificidade da concepção de fotografia dos anos 1960 e 1970 é resultado de um processo complexo: habitando uma exterioridade selvagem da disciplina das artes visuais naquele momento, a fotografia é escolhida por artistas como uma estratégia importante em uma disputa discursiva pelas definições de arte que resulta na sua formação como objeto para a disciplina das artes visuais. Esta investigação se desdobra em três capítulos: As Fontes de Pesquisa; A Fotografia-Qualquer; Fotografia e Práticas Artísticas – os Discursos dos Artistas nos Anos 1960 e 1970. No primeiro capítulo desenvolvo uma discussão sobre o texto de artista e sua relevância para a compreensão da arte produzida nas décadas de 1960 e 1970, pela análise comparativa de quatro livros que reúnem textos de artistas da época, com o intuito de explicitar o modo como estes escritos são incluídos no campo teórico das artes visuais, pela sua republicação, que se coloca como uma reapresentação (com um consequente deslocamento de seus contextos originais, edição e, muitas vezes, recortes), o que interfere em sua existência e significado para o conhecimento artístico. Nos capítulos 2 e 3, apresento o resultado de uma investigação que teve como objetivo extrair dos discursos dos artistas, datados dos anos 1960 e 1970, qual o papel que a fotografia desempenhava em suas práticas artísticas no contexto maior da arte daquele período. Persigo a ideia da fotografia como um dispositivo de despersonalização do artista como gênio criador, como figura especial que produz objetos especiais e, portanto, distingue-se das outras pessoas. Esta qualidade da fotografia-qualquer é enfatizada em textos de artistas dos referidos anos em uma celebração da possibilidade da anti-arte que resultava da utilização da fotografia como medium, na apropriação do que havia de menos especial em termos de técnica e material para a produção de imagens e se contrapunha à arte que eles chamavam de tradicional ou convencional. Ainda centralizo minha atenção, nos textos dos artistas, no modo como eles abordam seus trabalhos, a fim de destilar daí três papéis que a fotografia pode desempenhar em suas práticas artísticas: a fotografia como documento; a fotografia integrada à prática artística; a fotografia como trabalho de arte. Enquanto tendências extraídas dos modos de apropriação da fotografia como medium para a produção, esses agrupamentos têm a função de organizar, por semelhança e diferença, as abordagens discursivas dos artistas sobre suas práticas, a partir de como eles elaboraram seu fazer e determinaram o lócus de seu trabalho – em outras palavras, o que, para cada um deles, constitui o trabalho de arte propriamente dito em meio aos vários elementos que compõem sua prática artística. A fotografia na arte existe em virtude do discurso – tanto visual quanto textual – que a toma como objeto, e, neste sentido, estava sendo inventada para aquele momento, nos escritos e trabalhos dos artistas. A presença da fotografia na prática artística das décadas de 1960 e 1970, abordada a partir dos discursos dos artistas, revelou-se como um processo complexo de estabelecimento da fotografia como um objeto para o saber artístico, do qual se pode falar e para o qual se forma um vocabulário específico, possibilitando que ela se coloque como mais um medium para a produção artística, entre outros e em relação a eles. / This thesis presents an investigation into the photography produced by artists in the 1960s and 1970s, based on a discursive analysis of texts that the artists themselves wrote at the time. I propose that the specificity of the conception of photography from the 1960s and 1970s is the outcome of a complex process: inhabiting a wild exteriority of the visual arts discipline at that moment, photography is chosen by artists as an important strategy in a discursive dispute for definitions of art which results in its constitution as an object to the visual arts discipline. This investigation unfolds in three chapters: Sources of Research; The Photography-Whatever; Photography and Artistic Practices – Discourses of Artists in the Years 1960 and 1970. In the first chapter I carry out a discussion on the artist’s text and its relevance for understanding the art produced in the 1960s and 1970s, by means of a comparative analysis of four books that gather texts of artists of the time, in order to clarify how these writings are included in the theoretical field of visual arts, through their republication, which arises as a re-presentation (with a consequent displacement from their original contexts, editing, and often cuts), and so interferes with their existence and meaning for the artistic knowledge. In chapters 2 and 3, I present the result of a research that seeks to extract, from speeches of artists dating from the 1960s and 1970s, the role played by photography in their artistic practices in the larger context of art of that period. I pursue the idea of photography as a device of depersonalization of the artist as creative genius, as a special character who produces special objects and therefore distinguishes himself from other people. Such quality of the photography-whatever is stressed in texts of artists from those years in a celebration of the possibility of anti-art that resulted from the usage of photography as a medium, through an appropriation of the least special techniques and materials available at that time for the production of pictures and was opposed to the art that they called traditional or conventional. I also focus my attention, in the artists’ texts, in how they approach their own work, in order to withdraw three roles that photography can play in their artistic practices: the photograph as a document; the photograph integrated into the artistic practice; the photograph as an art work. While trends drawn from the ways of appropriation of photography as a medium for production, these groups have the task of organizing, by similarity and difference, the discursive approaches of the artists about their practices, based on how they developed their doing and determined the locus of their work – in other words, that which, for each of them, constitutes the work of art itself among the various elements that comprise his artistic practice. Photography in the arts exists by virtue of the discourse – both visual and textual – that takes it as an object, and in this sense it was being invented for that time, in the writings and works of the artists. The presence of photography in the artistic practice in the 1960s and 1970s, approached by means of a research into the discourses of artists, has shown itself as a complex establishment process of photography as an object to the artistic knowledge, an object of which one can speak and for which a specific vocabulary is formed, enabling it to place itself as a new medium among others (and in relation to them) for artistic production.

Pelo menos uma parte do ambiente no qual uma resposta produz uma consequência ganha controle sobre a resposta. Geralmente, a parte que ganha o controle correlaciona com a consequência. Partes não correlacionadas podem dificultar ou facilitar a aquisição do controle por as partes correlacionadas e até mesmo ganhar controle por si mesmas. Esta tese trata sobre o papel que partes do ambiente não correlacionadas com a consequência têm no estabelecimento de controle de estímulos. O capítulo 1 é uma revisão sobre o estabelecimento de controle com ênfase nas propriedades do ambiente. O Capítulo 2 descreve dois experimentos que avaliaram controle por porções do ambiente não correlacionadas com a consequência. Experimentos anteriores com uma tarefa de reconhecimento sugeriram controle por partes de estímulos com forma humana não correlacionadas com a consequência. Os resultados do Experimento 2 mostraram com uma tarefa operante que o teste de reconhecimento mede controle por aspectos do ambiente não correlacionadas com a consequência e que o controle de porções não correlacionadas podem dificultar ou até impedir o controle pelas partes correlacionadas. O Capítulo 3 descreve três experimentos que avaliaram a influência da forma dos estímulos no controle por estímulos não correlacionadas. Os resultados mostraram que porções não correlacionadas de estímulos em formato humano tinham uma chance maior de controlar o responder do que estímulos com os mesmos componentes em formato não-humano. O capítulo 4 descreve três experimentos que avaliaram controle por porções do ambiente não correlacionadas com a consequência com cruzes formadas por quadrados que tinham contato uns aos outros ou que tinham uma pequena distância entre eles. Os resultados mostraram que partes dos estímulos formados por quadrados desconectados ganhou controle sobre a responder, mas não ganharam controle quando as cruzes estavam formadas por estímulos unidos / At least part of the environment in which a response produces a consequence always gains control over the response. As a rule, the portion that gains control correlates with the consequence. Uncorrelated portions may hinder or facilitate the acquisition of control by the correlated ones and even gain control by themselves. The present dissertation deals with the role that portions of the environment uncorrelated with the consequence play on the establishment of stimulus control. Chapter 1 is a review on the establishment of control with emphases on the properties of the environment. Chapter 2 describes two experiments that evaluated control by portions of the environment uncorrelated with the consequence. Previous experiments with a recognition task suggested control over responding by portions of human-like stimuli uncorrelated with the consequence. Results from Experiment 2 demonstrated with an operant task that the recognition task measures control by aspects of the environment uncorrelated with the consequence and that control by uncorrelated portions of the stimuli may hinder or prevent control by the correlated portions. Chapter 3 describes three experiments that evaluated the influence of the stimulis shape on the acquisition of control by uncorrelated features. Results showed that uncorrelated portions of stimuli in human format had a greater chance of gaining control over responding than stimuli with the same components in nonhuman format. Chapter 4 describe two experiments that evaluated control by portions of the environment uncorrelated with the consequence with crosses formed by squares that touched each other or that had a small distance between them. Results showed that portions of the stimuli formed by disconnected squares gained control over responding, but they did not gain control when the crosses were formed by united stimuli

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-11-07T11:42:51Z No. of bitstreams: 1 Alan Faquinetti da Costa.pdf: 4815194 bytes, checksum: 6b0186fa97b1f2b37728da85556fb977 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-11-07T11:42:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alan Faquinetti da Costa.pdf: 4815194 bytes, checksum: 6b0186fa97b1f2b37728da85556fb977 (MD5) Previous issue date: 2017-10-24 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / The present research proposes to investigate the communicative role of institutional visual signatures, their purposes and their signic characteristics. Banco do Brasil, Bradesco and Itaú, three national financial institutions that are among the most remembered brands in Brazil and among the most valuable banks in the world, were chosen as the study object. The questions that direct this research inquire about the purpose of visual signatures, the ways they acquire meanings, and the role of advertising language, especially its audiovisual elements, in the exemplification that seeks to construct such meanings. In order to answer these questions, the corpus consists of television commercials and the visual signatures (graphic symbols and logos) of the chosen banks. One of the hypotheses of this research is that symbols and logos have, primarily, a mnemonic function that can be subdivided into two: the first is to be fixed in the memory of the public; The second, to evoke positive reminiscences and the narratives of the companies that use them as a signature. Another hypothesis is that, although the graphic elements that make up the visual signatures are capable of reaching the first objective (mnemonic fixation), they can not achieve the second (evocation of narratives). The visual signatures need to be linked to the advertising language, which "teaches" the public to read values in these symbols and typographies. The methodology used to analyze the corpus is the extraction and deconstruction of the texts and the indispensable comparison between them and the companies they refer to. The conclusion reached from this research points to the need for the non-functionalisation of visual signatures, but also indicates the impossibility of this happening in the present time, since commercial competition, while guaranteeing the existence of institutional brands, also feeds the imposition of visibility and closes the door for the "entertainment signature". The theoretical reference is made up of: Andrea Semprini and Gilles Lipovetsky, who base the notions of brand and consumption; Michel Foucault and his work on politics; Leo Huberman and his history of man's wealth; Otavio Ianni and Milton Santos, with their theories on globalization; Lucrécia D'Alessio Ferrara, Claudio Ferlauto, Andre Stolarski and Chico Homem de Melo with their thoughts on graphic design, especially in Brazil; Roberto Corrêa, Lourdes Gabrielli and Tânia Hoff and their works on advertising language; And, finally, Fernando Nogueira da Costa, Niall Ferguson and Noble Foster Hoggson with their historical reflections on the banks / A presente pesquisa se propõe a investigar o papel comunicativo das assinaturas visuais institucionais, seus propósitos e suas características sígnicas. Foram escolhidos como objeto de estudo Banco do Brasil, Bradesco e Itaú, três instituições financeiras nacionais que estão entre as marcas mais lembradas do país e entre os bancos mais valiosos do mundo. As perguntas que dirigem essa pesquisa inquirem a respeito da finalidade das assinaturas visuais, das formas como adquirem significados, e do papel da linguagem publicitária, em especial seus elementos audiovisuais, na exemplificação que visa construir tais sentidos. A fim de responder essas perguntas, o corpus está constituído por comerciais de televisão e pelas assinaturas visuais (símbolos gráficos e logotipos) dos bancos escolhidos. Uma das hipóteses desta pesquisa é que os símbolos e logotipos têm, primariamente, função mnemônica que pode ser subdividida em duas: a primeira é fixar-se na memória do público; a segunda, evocar reminiscências positivas e as narrativas das empresas que os utilizam como assinatura. Outra hipótese é a de que, ainda que os elementos gráficos que constituem as assinaturas visuais sejam capazes de atingir o primeiro objetivo (fixação mnemônica), eles não conseguem, isoladamente, alcançar o segundo (evocação de narrativas). As assinaturas visuais precisam, para tanto, estar atreladas à linguagem publicitária, que “ensina” o público a ler valores nesses símbolos e tipografias. A metodologia utilizada para análise do corpus é a extração e a desconstrução dos textos e a indispensável comparação entre eles e as empresas que referenciam. A conclusão alcançada a partir desta pesquisa aponta para a necessidade de desfuncionalização das assinaturas visuais, mas também indica a impossibilidade de que isso ocorra no tempo presente, pois a concorrência mercantil, ao mesmo tempo que garante a existência das marcas institucionais, também alimenta a imposição da visibilidade e fecha a porta para a “assinatura entretenimento”. O referencial teórico é constituído por: Andrea Semprini e Gilles Lipovetsky, que embasam as noções de marca e consumo; Michel Foucault e sua obra sobre política; Leo Huberman e sua história da riqueza do homem; Otavio Ianni e Milton Santos, com suas teorias sobre globalização; Lucrécia D’Alessio Ferrara, Claudio Ferlauto, Andre Stolarski e Chico Homem de Melo com suas ponderações sobre design gráfico, especialmente no Brasil; Roberto Corrêa, Lourdes Gabrielli e Tânia Hoff e suas obras sobre linguagem publicitária; e, por fim, Fernando Nogueira da Costa, Niall Ferguson e Noble Foster Hoggson com suas reflexões históricas sobre os bancos