Os Infortúnios trágicos da constante Florinda, de Gaspar Pires de Rebelo, foram publicados em 1625. Devido ao sucesso alcançado pelo texto, veio a público, em 1633, uma continuação intitulada Segunda parte da Constante Florinda, em que se trata dos infortúnios que teve Arnaldo buscando-a pelo mundo. A Constante Florinda (esse é o título pelo qual as duas partes da obra, em conjunto, ficaram conhecidas), muito lida nos séculos XVII e XVIII, foi praticamente esquecida nos séculos seguintes. Este nosso trabalho tem como objetivo analisar a referida obra, evidenciando os procedimentos retóricos e poéticos e os ensinamentos estóico-cristãos que constituem a narração e a doutrina da Constante Florinda. Tendo em vista tal propósito, o estudo, num primeiro momento, volta-se para os preceitos retóricos e poéticos que permitem pensar-se numa ars narrandi, ou seja, uma técnica de narrar que o narrador, como persona gnara, conhece e sabe empregar ao relatar os infortúnios trágicos de Florinda e Arnaldo. Se um dos ofícios dessa narração é ensinar algo para os leitores, já que estes devem ser movidos não apenas pelo deleite, mas também pelo proveito, nosso trabalho, num segundo momento, discute as lições das histórias narradas. Assim, o que buscamos demonstrar é que o proveito da narração dos infortúnios de Florinda e Arnaldo ecoa os ensinamentos da doutrina estóico-cristã dos séculos XVI e XVII, difundida por autores como Justo Lípsio e Francisco de Quevedo. Ressalta-se neste trabalho, por fim, o seu próprio artifício. Apenas no nosso estudo narração e doutrina podem ser separadas, pois no texto da Constante Florinda tudo se dá simultaneamente: a narração já é doutrina, e mostra aos leitores, com exempla estóicos, os caminhos (trágicos) do viver cristão. / Gaspar Pires de Rebelos Infortúnios trágicos da constante Florinda was published in 1625. Given its conspicuous success, a sequel, Segunda parte da Constante Florinda, em que se trata dos infortúnios que teve Arnaldo buscando-a pelo mundo, came out in 1633. Constante Florinda (this is the title both parts became known as), largely disseminated in the 17th and 18th centuries, was nonetheless virtually forgotten in the subsequent centuries. This dissertation intends to analyze the aforementioned work, so as to highlight not only rhetorical and poetic procedures, but also stoic-christian lessons which lie beneath both the narrative and the doctrine of Constante Florinda. Bearing this goal in mind, this study will first focus on rhetorical and poetic precepts which render it possible to think about the ars narrandi, that is to say, a narrative technique that the narrator (as persona gnara) deeply understands, thus being able to employ it when reporting the tragic misfortunes of Florinda and Arnaldo. If one of the purposes of this narration is to teach something to its readers, since the latter must be moved not only by delight, but also by profit, we also intend to adduce the lessons of the stories the narrator tells. Therefore, we mean to demonstrate that the profit from the narration of Florindas and Arnaldos misfortunes reflects 16th and 17th-century stoic-christian doctrine, profoundly advertised by authors such as Justus Lipsius and Francisco de Quevedo. Last but not least, our dissertation has it as an inherent intention to stress its artifice. Only in our study can narration and doctrine be set apart, since in Constante Florinda they emerge simultaneously: narration is also doctrine, and conveys the (tragic) paths, with stoic exempla, of christian life.

Nesta tese de doutorado, analiso as obras Levantado do chão, Memorial do convento, História do cerco de Lisboa, O evangelho segundo Jesus Cristo, Caim, Ensaio sobre a cegueira, Ensaio sobre a lucidez, A caverna e Todos os nomes, de José Saramago. Meu objetivo é identificar, descrever e analisar elementos da poética de Saramago, de modo a apresentar o que Bakhtin chamou de “voz interior” do autor. Analiso os aspectos formais, a dimensão alegórica e os conteúdos das narrativas, classificando-as segundo sua relação com a história, a religião e a sociedade capitalista. Realizo uma leitura intertextual e alegórica, sustentada por aproximações entre literatura, historiografia, filosofia e discurso religioso. As análises enfocam personagens, ações e discursos, de modo a identificar suas funções estéticas e ideológicas no plano da significação. Considero as narrativas ficcionais metonímias do real. Nesse sentido, pretendo evidenciar como Saramago, nos textos situados num tempo pretérito, reelabora o passado e o discurso bíblico estabelecendo um diálogo com a referencialidade histórica do tempo presente; e, nos textos situados na contemporaneidade, como o autor alegoriza o mundo. A partir disso, reflito sobre o papel da literatura como agente de transformação social, considerando este aspecto uma dimensão fundamental da poética do autor. / In this thesis, I analyze the work of Jose Saramago considering its formal aspects, its allegorical dimension and its contents, classified according to their relation to history, religion and capitalist society. My goal is to identify, describe and analyze elements of Saramago’s poetics in order to present what Bakhtin called "inner voice" of the author, and reflect on the role of literature as an agent of social transformation. I realize an intertextual and allegorical reading, supported by similarities between the literature, history, philosophy and religious discourse. The analyses focus on the characters, actions and discourses in order to identify their aesthetic and ideological functions at the level of significance. I consider the novels as metonymy of real. Thus, I intend to show how Saramago elaborates the past and the biblical discourse by establishing a dialogue with the historical referentiality of the present and how the author allegorizes the world.

Trata-se de um estudo sobre a poética de Patativa do Assaré (Antônio Gonçalves da Silva). O viés se refere às "marcas" do sagrado em sua obra. A abordagem tem como ponto de partida a oralidade, tendo em vista que a poesia em questão é essencialmente oral. Em seguida, faz-se um perfil do poeta destacando aspectos considerados relevantes em sua trajetória. Segue-se a apresentação de suas principais obras, antes "armazenadas"na mente e no coração do vate, agora convergindo para a letra no papel, bem como para outras mediações, por exemplo, na música, no cinema, no teatro, na internet. Finalmente, discorre-se sobre os aspectos do sagrado, considerando o corpus de poemas escolhido. A pesquisa tem caráter interdisciplinar, entre outras contribuições, ela se apoia na teoria literária, na filosofia, na sociologia da religião e na teologia. / This study deals with the Patativa do Assaré´s poetics (Antônio Gonçalves da Silva). The bias refers to the "marks" of the sacred in his work. The approach takes as its starting point the orality, having in view that the poetry at issue is essentially oral. Afterwards, one makes a profile of the poet highlighting important aspects considered in his trajectory. Then, there follows the presentation of his major works, before "stored" in the bard´s mind and heart, now converging to the letter on paper, as well as to other mediations, for example, in music, film, theater, on the Internet. Finally, one talks about the aspects of the sacred, considering the chosen corpus of poems. The research has an interdisciplinary character, among other contributions, it is based on literary theory, philosophy, sociology of religion and theology.

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T01:13:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Barone_LucianaPaulaCastilho_D.pdf: 6268679 bytes, checksum: ab101a1fa5dc6f09ed55963f93a88aea (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho desdobra-se sobre a obra do encenador canadense Robert Lepage, refletindo sobre o modo pelo qual ele traz à cena teatral ou cinematográfica determinados elementos, criando, através do jogo entre eles, uma poética singular e híbrida. Partindo do processo criativo da autora na encenação de Ofélia em Off e das memórias de sua experiência como espectadora da cena lepagiana, o trabalho apresenta, através das memórias de Robert Lepage, passagens de sua trajetória pessoal, relacionando suas possíveis repercussões sobre o processo de criação do encenador. Através de sete espetáculos criados e dirigidos por Robert Lepage (Vinci, Trilogia dos Dragões, Agulhas e Ópio, Os Sete Afluentes do Rio Ota, Elsinore, Geometria dos Milagres e A Face Oculta da Lua), é analisado o modo singular pelo qual o encenador faz uso de sete elementos recorrentes em sua arte: o idioma, os objetos, as imagens, o espaço, a palavra, a memória e o jogo. Apresentando a obra cinematográfica de Lepage, através da sinopse dos filmes Lê Polygraphe, Nô, Le Confessional e La Face Cachée de la Lune, relaciona sua criação teatral à cinematográfica, confluindo para a singularidade de sua poética multidisciplinar e híbrida. Nas conclusões, o trabalho apresenta as ressonâncias da pesquisa sobre a prática e o pensar artístico da autora, relacionando ainda a harmônica interdisciplinaridade da poética lepagiana e sua abertura à recepção criativa do público a uma visão contemporânea de mundo que parece apontar para a a integração dos opostos como elementos complementares, na dissolução de dualidades, correntemente tidas como irreconciliáveis . / Abstract: This dissertation discusses the work of the Canadian director Robert Lepage. It proposes to reflect on his method of bringing specific elements to theater or cinema, creating, through the dialectics between them, a singular and hybrid poetics. A director herself, the dissertation.s author uses as a foundation her own creative process (in the play Ofélia em Off) and her experience as a spectator of Lepage.s works. She then examines Lepage.s memoirs and parts of his personal trajectory, relating their possible repercussions on his work. Focusing on seven theatrical pieces created and directed by Robert Lepage (The Dragon.s Trilogy, Vinci, , Needles and Opium, The Seven Streams Of the River Ota, Elsinore, Geometry of Miracles and The Far side of the Moon), the author analyses Lepage.s unique methods in treating seven elements: language, objects, images, space, words, memory, and games. Examining Lepage.s cinematographic work, via his films Le Polygraphe, Nô, Le Confessional and The Far side of the Moon, the author relates Lepage.s theater to his cinema, bringing together the singularity of his multidisciplinary and hybrid poetics. In her conclusions, the author shows how researching Lepage.s work has resonated in her own artistic praxis and thought, relating Lepage.s harmonic, interdisciplinary poetics and his openness to the audience.s creative participation to a contemporary vision of the world, one that seems to point to the integration of opposites as complementary, dissolving dualities normally seen as irreconcilable. / Doutorado / Multimeios / Doutor em Multimeios

Este trabalho discute as especificidades da poesia seiscentista produzida em Portugal e no Brasil Colônia, propondo a noção de amor agudo para caracterizar sua variada lírica amorosa. Em busca desse objetivo, a leitura dos poemas segue os caminhos da imitação, termo fundamental para se compreender a produção retórico-poética dos séculos XVI e XVII. Os poemas líricos dos quais partem as análises, ou seja, tanto aqueles autorizados (ainda que, muitas vezes, com atribuições de autoria questionáveis) pelos nomes de reconhecidos poetas seiscentistas, como Antônio Barbosa Bacelar, D. Francisco Manuel de Melo, Frei Antônio das Chagas, Gregório de Matos, Jerônimo Baía, Manuel Botelho de Oliveira e Violante do Céu, quanto aqueles ditos anônimos ou de autoridades poéticas menos constituídas, como Bernardo Vieira Ravasco e Manuel de Faria e Sousa, todos eles, enquanto imitações, exigiam dos leitores ou ouvintes cultos da época o reconhecimento de seus modelos poéticos; por isso, este estudo recorre, frequentemente, a Camões e Góngora, por exemplo. Porém, imitar as auctoritates para se fazer auctoritas, no século XVII, não era apenas copiar servilmente; os poetas seiscentistas emulavam seus modelos, elaborando composições engenhosas e agudas mais adequadas ao decoro dos tempos. Desse modo, a agudeza é noção central na preceptiva retórico-poética seiscentista e, portanto, também o é neste estudo. Como se procura demonstrar, dessa poesia aguda decorre a confecção de um amor igualmente agudo, isto é, um amor que não é expressão subjetiva e original de indivíduo algum, mas que aparece em poemas cujos efeitos inesperados são retórica e poeticamente construídos. Fruto de imitações, o amor agudo é ovidiano, cortês, petrarquista, camoniano, marinista, gongórico; miscelânea de doutrinas, é platônico, estoico, epicurista, cristão; definindo-o, nesta tese, pretende-se reunir a variedade poética da lírica amorosa seiscentista, feito agudo caule que sustenta cultas flores / The present work articulates the specificities of 17th-century poetry produced in Portugal and in Colonial Brazil as it proposes the notion of witty love to characterize its diverse love lyric poems. Pursuing this perspective, the reading of these poems follows the path of imitation, a fundamental term to understand the rhetorico-poetic production of the 16th and 17th centuries. The lyric poems from which the analyses depart, that is, both those penned (despite a questionable attribution of authorship in many cases) by well-known 17th-century poets such as Antônio Barbosa Bacelar, D. Francisco Manuel de Melo, Frei Antônio das Chagas, Gregório de Matos, Jerônimo Baía, Manuel Botelho de Oliveira, and Violante do Céu, and those deemed anonymous or with a less constituted poetic authorship, such as Bernardo Vieira Ravasco and Manuel de Faria e Sousa, all these poems, as imitations, demanded that the learned readers or listeners of the time recognize their poetic models; for this reason, this study often draws from Camões and Góngora, for instance. In any event, in the 17th century imitating the auctoritates to forge auctoritas did not only mean to copy obsequiously; 17th-century poets emulated their models, crafting ingenious and witty compositions that were more suitable to the decorum in vogue. Thus wit is a central notion in 17th-century rhetorico-poetic precepts, and it will also be so in this study. As I will demonstrate, from this wit poetry ensues the crafting of an equally witty love, that is, a love that is not the subjective and original expression of any individual, but one which is present in poems whose unexpected effects are rhetorically and poetically forged. The fruit of imitations, witty love is Ovidian, courtly, Petrarchan, Camonian, Marinist, Gongorian; miscellanea of doctrines, it is Platonic, Stoic, Epicurean, Christian; by defining it in this dissertation, I intend to gather the poetic variety of 17th-century love lyric, like an acute stem that supports learned flowers

Made available in DSpace on 2016-01-26T18:49:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 BRIGIDA_Dissertacao_10_03_2015.pdf: 838949 bytes, checksum: a529a3050f893a42664244c9c7b14380 (MD5) Previous issue date: 2014-12-18 / The present research, linked to research online Educational Institution: Organization and Management, aims to investigate how the experience impacts the poetic teaching and how this contributes to the educational practices in the teaching of Art in contemporary society. Specifically, raises questions about the place of experience in the history of Art education in Brazil, to make sense of experience in the traditions of the philosophy of a esthetic education and training of the subjects, as well as to analyze how the experience contributes to the construction of the teaching poetic in art, which demands a watchful eye (emphasis added), a provision for the new one (re) designing steady himself. This is an exploratory, descriptive study, guided by qualitative analytical approach that best meets the objectives of the research, since such an approach requires the researcher to adopt a hermeneutic stance. In this sense, research is constant movement between the parts and the whole, in which there is no absolute point of departure or arrival. Thus, to outline concepts, explanations, justifications and analysis, the shelter takes in the literature of authors who deal with the issue, including Barbosa ( 2006, 2008, 2010 and 2011 2012), Ranciére (2002) Aguirre (2009), Pagni (2010), Larrosa (2014) and Masschelein (2008), among others. this work shows up issues that contribute to academic research on the teaching of art and the understanding of the locus of experience in education as a social and historical construction, dynamics in which the school is located.s not as poetic experience and reflect on teaching, especially when it comes to educational projects, without knowing their peculiarities / O presente trabalho, vinculado à linha de pesquisa Instituição Educacional: Organização e Gestão tem por objetivo investigar como a experiência impacta na poética docente e como esta contribui para as práticas educativas no ensino de Arte na contemporaneidade. Especificamente, busca problematizar o lugar da experiência na história do ensino de Arte no Brasil, compreender o sentido de experiência nas tradições da filosofia da Educação e na formação estética dos sujeitos, bem como analisar de que maneira a experiência contribui para a construção da poética docente em Arte, que pede um olhar atento, uma disposição para o novo, um (re) desenhar constante de si mesmo. Trata-se de um estudo exploratório, descritivo e analítico, pautado pela abordagem qualitativa, que melhor atende aos objetivos da pesquisa, pois tal abordagem requer do pesquisador a adoção de uma postura hermenêutica. Neste sentido, o movimento de investigação é constante entre as partes e o todo, em que não há um ponto absoluto de partida ou de chegada. Para elencar conceitos, explicações, justificativas e análises, o amparo se dá na pesquisa bibliográfica de autores que versam sobre a temática, dentre eles Barbosa (2006, 2008, 2010 e 2011 2012), Ranciére (2002), Aguirre (2009), Pagni (2010), Larrosa (2014) e Masschelein (2008), dentre outros. Com este trabalho, evidenciam-se questões que contribuem para a pesquisa acadêmica sobre o ensino de arte e para a compreensão do lócus da experiência neste ensino, como uma construção histórica, social e dinâmica, na qual a escola está inserida. Não há como refletir sobre experiência e poética docente, principalmente, em se tratando de projetos educacionais, sem conhecer as suas particularidades.

Made available in DSpace on 2016-01-26T18:49:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 BRIGIDA_Dissertacao_10_03_2015.pdf: 838949 bytes, checksum: a529a3050f893a42664244c9c7b14380 (MD5) Previous issue date: 2014-12-18 / The present research, linked to research online Educational Institution: Organization and Management, aims to investigate how the experience impacts the poetic teaching and how this contributes to the educational practices in the teaching of Art in contemporary society. Specifically, raises questions about the place of experience in the history of Art education in Brazil, to make sense of experience in the traditions of the philosophy of a esthetic education and training of the subjects, as well as to analyze how the experience contributes to the construction of the teaching poetic in art, which demands a watchful eye (emphasis added), a provision for the new one (re) designing steady himself. This is an exploratory, descriptive study, guided by qualitative analytical approach that best meets the objectives of the research, since such an approach requires the researcher to adopt a hermeneutic stance. In this sense, research is constant movement between the parts and the whole, in which there is no absolute point of departure or arrival. Thus, to outline concepts, explanations, justifications and analysis, the shelter takes in the literature of authors who deal with the issue, including Barbosa ( 2006, 2008, 2010 and 2011 2012), Ranciére (2002) Aguirre (2009), Pagni (2010), Larrosa (2014) and Masschelein (2008), among others. this work shows up issues that contribute to academic research on the teaching of art and the understanding of the locus of experience in education as a social and historical construction, dynamics in which the school is located.s not as poetic experience and reflect on teaching, especially when it comes to educational projects, without knowing their peculiarities. / O presente trabalho, vinculado à linha de pesquisa Instituição Educacional: Organização e Gestão tem por objetivo investigar como a experiência impacta na poética docente e como esta contribui para as práticas educativas no ensino de Arte na contemporaneidade. Especificamente, busca problematizar o lugar da experiência na história do ensino de Arte no Brasil, compreender o sentido de experiência nas tradições da filosofia da Educação e na formação estética dos sujeitos, bem como analisar de que maneira a experiência contribui para a construção da poética docente em Arte, que pede um olhar atento, uma disposição para o novo, um (re) desenhar constante de si mesmo. Trata-se de um estudo exploratório, descritivo e analítico, pautado pela abordagem qualitativa, que melhor atende aos objetivos da pesquisa, pois tal abordagem requer do pesquisador a adoção de uma postura hermenêutica. Neste sentido, o movimento de investigação é constante entre as partes e o todo, em que não há um ponto absoluto de partida ou de chegada. Para elencar conceitos, explicações, justificativas e análises, o amparo se dá na pesquisa bibliográfica de autores que versam sobre a temática, dentre eles Barbosa (2006, 2008, 2010 e 2011 2012), Ranciére (2002), Aguirre (2009), Pagni (2010), Larrosa (2014) e Masschelein (2008), dentre outros. Com este trabalho, evidenciam-se questões que contribuem para a pesquisa acadêmica sobre o ensino de arte e para a compreensão do lócus da experiência neste ensino, como uma construção histórica, social e dinâmica, na qual a escola está inserida. Não há como refletir sobre experiência e poética docente, principalmente, em se tratando de projetos educacionais, sem conhecer as suas particularidades.

Considerando-se que, para se alcançar a excelência na performance de qualquer obra musical é preciso não apenas conhecer a peça e praticá-la tecnicamente, mas também analisá-la sob várias perspectivas, este trabalho de pesquisa buscou abordar aspectos que possibilitem ao intérprete conhecer o poemeto lírico Ofélia no que tange a seu compositor, à origem do gênero da canção, aos aspectos literários que envolvem os poemas utilizados por Oswald e à maneira pela qual tais elementos podem auxiliar na performance dessas canções. A metodologia utilizada para a realização deste trabalho de pesquisa consistiu basicamente nos seguintes elementos: a leitura de fontes literárias específicas sobre os aspectos abordados e a análise dos elementos textuais e musicais, embasadas nas referências bibliográficas escolhidas. Como resultado da pesquisa, construiu-se quatro partes distintas, sendo que a primeira trata da biografia do compositor e sua trajetória composicional, a segunda aborda a canção e sua origem e desenvolvimento como gênero, a terceira abarca os aspectos poéticos da obra escolhida e no quarto, os elementos citados confluem-se para auxiliar na busca de uma performance coerente. / Taking into consideration that in order to reach excellence when performing any musical fragment is not only necessary to know and practice it, but also to analyse all perspectives; this paper aims at discussing aspects which enable the interpreter to learn more the songs of Ophelia as far as its composer, its genre and its literary aspects are concerned as well as the way such aspects can help in the performance of such songs. The methodology used in this research paper consists of the following elements: reading on specific source books and the analyses of text and musical elements based on the chosen biography. As a result of the research, this paper was consisted of four parts: the first related to the composers biography, the second talks about the lied itself and its general origin, the third refers to poetic aspects of the presented work and the fourth where all the mentioned elements are mixed together so to help in the search and for a coherent performance.

Introduzo aqui alguns procedimentos do Núcleo Bartolomeu de Depoimentos e sua pesquisa de linguagem, o teatro hip-hop, buscando focar no processo do espetáculo-intervenção BadeRna. Como resultante desta cartografia de experiências, emergem reflexões acerca de um corpo-gerúndio em cena, dentro de um teatro performativo que seja indissociável de uma urgência na criação, tendo como consequência estética, uma poética do prejuízo. / This Master\'s dissertation will present some of Núcleo Bartolomeu de Depoimentos\'s procedures and it\'s artistic language practice the hip-hop theater, focusing on the process of the spectacle-intervention BadeRna. As a result of this experiences mapping, reflections emerge regarding a body-gerund on the scene, within a theatrical performance that is inseparable from an urgency in creation having as aesthetic consequence a poetic of loss/ scathe-poetic.

Atenta a categorias poéticas em uso no fim do século XIX, esta dissertação de mestrado estuda algumas das escolhas efetuadas pelo poeta nicaragüense Rubén Darío (1867-1916) na busca de satisfazer e, ao mesmo tempo, alargar as exigências diversas de seus leitores contemporâneos. Identificam-se o artifício e a versatilidade como elementos fundamentais pelos quais o poeta obteve o apreço de seu público. O capítulo I expõe brevemente o estado atual da recepção à poesia de Darío para, então, investigar as origens do processo de constituição histórica de sua autoridade poética, ocupando-se sobretudo de algumas questões que nortearam a sua primeira recepção tanto na América como na Europa. No capítulo II, estudam-se duas categorias relevantes para uma compreensão histórica dessa poesia: elegância (preceito representativo adequado à inserção da poesia nas práticas cultas e ultracivilizadas do fim do século XIX) e harmonia (elemento de estilo que operava não só no nível fônico, na beleza sonora, como também na sintaxe, na metáfora, na métrica, na versificação, na escolha dos temas e assuntos etc.). No capítulo III, a análise de poemas selecionados procura demonstrar a pertinência do recorte proposto pela identificação de usos da elegância e da harmonia em três gêneros diversos praticados por Darío: o elogio, a epístola em verso e as \"visões\", relacionadas mais intimamente com a poética chamada simbolista. O capítulo IV aborda criticamente a noção de musicalidade, buscando ampliá-la para explicar uma série de procedimentos e técnicas pelas quais se poderão diferenciar com mais clareza as escolhas autorais e os elementos comuns às poéticas vigentes em seu tempo. / Taking into account the poetical categories in use at the end of the 19th century, this dissertation examines some of the options chosen and worked by the Nicaraguan poet Rubén Darío (1867-1916) in order to satisfy and, at the same time, expand the diverse demands of his contemporary readers. We have centered upon artifice and versatility as key elements by which the poet managed to receive his public\'s applause. Chapter I begins with the current state of the reception of Darío\'s poetry in order to investigate the origins of the process of a historical constitution of his poetical authority, focusing mainly on certain issues which lay on the base of his first reception in America as well as in Europe. In chapter II, we have studied two relevant categories for a historical comprehension of this poetry: elegance (a representative precept appropriate to the insertion of poetry into the refined and ultra-civilized practices of the late 1800s) and harmony (an element of style which operated not only for the phonic level of poetry, for the sonorous beauty, but also for syntax, for metaphor, metrics, versification, choice of themes and subjects, etc.). In chapter III, the analysis of selected poems aims at unveiling the relevance of our methodology through identifying the uses of elegance and harmony in three diverse genres practiced by Darío: the laudatory, the epistles in verse, and the \"visions\", related more closely to the poetics called by the name of \"symbolist\". Chapter IV deals critically with the notion of musicality, expanding it in order to explain a series of procedures and techniques through which we are able to differentiate more clearly between personal choices and the elements which were common to the poetical practices of the poet\'s time.