L'étude de ce que l'on nomme « rhétorique musicale » nous semble pouvoir offrir un éclairage spécifique sur la question de la musique et des émotions. En effet, les deux champs de réflexion en philosophie de la musique dont il est question font l'objet d'un intérêt qui se manifeste au cours de ces dernières années. Aussi, nous considérons que la rhétorique musicale et le phénomène particulier de la poétique musicale germanique sont de nature à structurer une telle étude, tant par les choix qu'ils présupposent (comme le fait que les émotions y sont un moyen destiné à produire un effet) que par ceux qu'ils délaissent. Notre recherche suivra les trois principales étapes suivantes : (a) une étude des aspects de la question antérieurs à la musica poetica (dans la Grèce antique, dans la liturgie luthérienne, dans la théorie musicale italienne) ; (b) un examen détaillé du thème des passions dans les traités de l’Allemagne baroque ; (c) un parcours concernant l’évolution de la question jusqu’aux débats actuels. / Studying “musical rhetoric” seems likely to bring some specific light about the topic of music and emotions. Both fields of research in philosophy of music involved arouse an interest, especially last years. Therefore, we regard musical rhetoric and the distinctive phenomenon of German musical poetics as able to structure such a studying, through choices they suppose (for example, the fact that emotions are means for have an effect) and choices they leave. Our investigation includes the three main following parts: (a) some study about facets of the subject prior to musica poetica (in Ancient Greece, in Lutheran liturgy, in Italian theory of music); (b) some detailed examination about the topic of passions in German baroque treatises; (c) a review regarding evolution of the subject up to current discusses..

In this dissertation, I investigate the cognitive processes integral to intertextual readings by referring to the cognitive linguistics framework known as conceptual blending. I refer to different genres of intertextual texts and then explain these intertexts in terms of cognitive principles and processes, such as conceptual blending networks. By applying the framework of conceptual blending to intertexts within different genres, I suggest that the underlying cognitive processes are universal for the interpretation of any type of intertextual text. My findings indicate that conceptual blending underpins intertextuality which is cognitive, creative and dynamic in nature. This means that the meaning we construct from intertexts is dependent on the context in which they appear and cannot be studied in isolation. Investigating intertextual texts from a cognitive linguistics perspective reveals new inferences (such as the influence of implicit knowledge as a type of intertext) and the creativity involved in the meaning-making process. / Linguistics and Modern Languages / M.A. (Linguistics)

This is an investigation of the epic poetry produced in and about the Ibero-American world during the early modern period (sixteenth to eighteenth centuries) in trilingual perspective: in addition to the more familiar Spanish- and Portuguese-language texts, consideration is also––and, for the purposes of the thesis, above all––given to material in Latin. Latin was the third of the international literary languages of the Iberian imperial world; it is also by far the most neglected, having fallen between the cracks of modern disciplinary boundaries in their current configurations. The thesis seeks to rehabilitate the Latin-language component as a fully-fledged member of the Ibero-American epic tradition, arguing that it demands to be analysed with reference not only to the classical and classicising traditions but to those same themes and concerns––in this case, the centre|periphery binary––as are investigated for counterparts when in Spanish or Portuguese. The crucial difference is that––while the ends may be the same––the means of thematising these issues derive in form and signifying power from interactions with the conceptual vocabularies and frameworks of the Greco-Roman epic tradition. How is America represented and New World space figured––even produced––in a poetic idiom first developed by ancient Mediterranean cultures with no conception whatsoever of the continent of the western hemisphere? At the core is one such long neglected Ibero-American Latin-language epic by a figure who lived across the Iberian imperial world: the 'De Invento Novo Orbe Inductoque Illuc Christi Sacrificio' (Faenza, 1777) by Catalan-born Jesuit José Manuel Peramás. Peramás’s epic––which has never been the subject of a literary-critical study before––is offered as a test case: an exercise in analysing a Latin-language Hispanic epic qua Hispanic epic and setting it into Ibero-American literary-cultural context. This is to be understood in relation to the field of so-called ‘New World poetics’: an at present emergent zone of inquiry within Iberian colonial studies which until now has been developing almost completely without reference to the Latin-language portion of the corpus.

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Notre objectif étant de procéder à une analyse des aspects formels du dîwân de Jamîl Buṯayna (poète arabe et héros de roman mort aux environs de 701) nous avons commencé par donner du texte une édition intégralement vocalisée et métriquement cohérente à partir de quatre éditions publiées antérieurement. A partir de cette édition, une analyse syllabique intégrale du diwân a été possible grâce au logiciel Xalîl élaboré par Djamel Eddine Kouloughli ainsi qu’un lexique fréquentiel. Dans le deuxième tome, nous avons procédé, à partir de l’analyse syllabique, à une analyse métrique. Le principal résultat de cette analyse a été la mise en évidence d’une systématisation du respect des zones de stabilité qui était sujettes à variation dans la poésie arabe ancienne. L’autre aspect de l’analyse a consisté dans l’extraction des formules du dîwân ; nous avons suivi pour cela une méthode originale que nous avons appelée : prospection guidée métriquement. Cette méthode a permis non seulement de détecter un grand nombre de formules en usage jusqu’au XIIIe siècle, date à laquelle nous avons arrêté l’analyse, mais elle a également mis en évidence l’existence de nombreux vers ou fragments de poèmes que l’on retrouve particulièrement dans les diwân de Jamîl Buṯayna, Majnûn Laylâ, Kuṯayyir Azza, Nuṣayb b. Rabâḥ et Qays b. Ḏariḥ qui constituent un fond commun sans doute à la portée de tous à l’époque et qu’il est donc vain de parler à ce propos de plagiat ou d’antériorité. / Given our objective of analysing the formal aspects of the dîwân by Jamîl Buṯayna (Arabic poet and hero of the Romance of Jamîl and Buṯayna, who died in or around 701 AD), we began by establishing an entirely vocalized and metrically coherent edition of this work from four previously published editions. A complete syllabic analysis of this edition of the diwân was then undertaken using the Xalîl software elaborated by Djamel Eddine Kouloughli as well as a frequency of occurrence lexicon. In the second volume we used the syllabic analysis as the basis for an analysis of the metrics. The main result of this analysis consisted in revealing a systematization of the respect or the zones of stability which had been subject to variation in ancient Arabic poetry. The other aspect of the analysis consisted in the extraction of the formulas of the dîwân; we employed an original method which we baptized: metrically guided prospection. This method not only enabled the detection of a large number of formulas in use until the 13th century (the end of the period under analysis), but also revealed the existence of numerous verses or fragments of poems which are also to be found in the diwân of Jamîl Buṯayna, Majnûn Laylâ, Kuṯayyir Azza and Nuṣayb b. Rabâḥ, in particular. These verses and fragments constitute a common, shared resource which was undoubtedly available to all at that time thus invalidating any reference to plagiarism and anteriority.

Notion dramaturgique majeure au vu de la récurrence de son emploi dans les traités d’esthétique, la crise souffre toutefois d’un déficit théorique : ignorée par Aristote dans La Poétique, par Corneille dans ses Discours sur la tragédie ou encore par Hegel dans son Cours d’esthétique, la crise est une notion encore à construire. C’est à partir du XIXe siècle qu’est développée une interprétation de la tragédie classique comme crise : il s’agit alors de penser en quoi la représentation de dérèglements tant intimes que politiques participe d’une remise en cause de la conception classique du monde fondée sur un principe d’ordre et d’harmonie. Résolument, la crise se donne à penser, à partir de la tragédie classique, comme mise en crise. Une telle conception se trouve toutefois contestée dans le drame bourgeois qui conçoit la crise comme état de crise : dans le prolongement de l’esthétique du tableau que développe Diderot, il s’agit en effet de dépeindre sur scène des situations critiques qui ne menacent en aucun cas la conception bourgeoise du monde.C’est dans une hésitation face à ces deux définitions concurrentes de la crise que trouvent à s’inventer, aux XXe et XXIe siècles, des poétiques de la mise en crise et des poétiques de l’état de crise qui prétendent expliquer le monde ou simplement l’explorer, l’élucider ou simplement l’étudier. Pour Bertolt Brecht, Peter Weiss ou encore Edward Bond qui ont une approche processuelle de la crise, il s’agit en effet de susciter chez le spectateur un ébranlement qui lui permettra d’envisager à nouveaux frais la réalité et de déterminer comment agir pour pouvoir la transformer. À l’inverse, pour Ödön von Horváth, Michel Vinaver ou encore Martin Crimp qui ont une approche contextuelle de la crise, il s’agit d’inventer une situation à partir de laquelle il devient possible d’explorer de manière inédite la relation de l’homme à lui-même, aux autres et au monde, d’explorer la « condition de l’homme moderne », pour reprendre la formule d’Hannah Arendt. Dès lors, l’étude de ces poétiques de la mise en crise et de l’état de crise se révèle déterminante en ceci qu’elles sont fondatrices de deux traditions dramatiques qui structurent intégralement l’histoire du théâtre occidental : celles du théâtre critique et du théâtre clinique. / The dramaturgic notion of crisis recurrently appears in aesthetic treatises, which attests its importance in the frame of theatre theory. Nevertheless, a definition of this notion is still missing : crisis is not even mentionned in Aristotle's Poetics, in the Discourses on tragedy by Corneille, or in Hegel's Lectures on Aesthetics. Theatrical crisis therefore needs to be thoroughly examined and defined. From the 19th century, French neoclassical tragedy has been read as a theatre of crisis : attention was then drawn to the way the disorders depicted on stage – on intimate as well as political level – put into question a classical conception of a world based on order and harmony. From this startpoint, theoricians resolutely use the notion of crisis to think this undermining questioning of the world. However, this definition of crisis is not relevant to the 18th century drame bourgeois, in which crisis is only used as a dramatic plot device : in line with the tableau in his Aesthetics, Diderot calls for a theatre of critical situations, which do not however threaten a bourgeois conception of the world. The gap between these two definitions of theatrical crisis has left a space for invention in the 20th and 21th centuries : dramatists have used crisis in various ways to explain the world, or simply explore it, to decifer it, or simply reflect upon it. Bertold Brecht, Peter Weiss and Edward Bond have shaped crisis as a process of involvement of the audience : they aim to shake spectators to make them consider real life with new eyes, and to ask themselves how they can transform it. On the opposite, Ödön von Horvath, Michel Vinaver and Martin Crimp have used crisis as a contextual device : they invent a situation which allows them to explore in a totally new way how man behaves towards himself, towards the others, and towards the world, that is, to explore the modern « Human Condition » according to the words of Hannah Arendt. The study of these two different poetics of crisis is therefore decisive, inasmuch as they have given birth to two different dramatic traditions which structure the whole history of Western theatre : on the one hand, the critical theatre, on the other, the clinical theatre.

L'objectif de ce travail est d'étudier l'évolution des vers lyriques à Rome du premier siècle avant J.-C. au premier siècle après J.-C., à travers l'usage qu'en font trois poètes : Catulle (œuvres complètes), Horace (Odes, Chant Séculaire et Épodes) et Sénèque (chœurs non anapestiques de ses tragédies). Ce corpus polymétrique permet d'étudier l'adéquation d'un mètre à un genre ou à une tonalité donnés. À partir d'une étude statistique portant sur les variations du schéma métrique, la fréquence des élisions, l'emploi des coupes, le volume verbal recherché et le rapport entre l'ictus et l'accent, il s'agit de montrer comment s'opère le processus de régularisation du vers entre Catulle et Horace, puis entre Horace et Sénèque, en proposant également des interprétations stylistiques de passages où apparaissent les phénomènes les plus marquants. Le travail est organisé en trois parties, consacrées respectivement aux vers éoliens, aux vers dactyliques et aux vers iambiques. Les résultats obtenus montrent que la régularisation du vers s'opère à travers la réduction du nombre d'élisions, la diminution des mots au schéma atypique ou la raréfaction des coupes originales. Ils mettent également en évidence l'importance des hellénismes dans les particularités stylistiques observées et la possibilité pour Catulle et Horace d'employer un mètre lyrique de façon parodique dans un poème satirique. Enfin, l'utilisation que fait Sénèque des mètres horatiens et la richesse de sa lyrique chorale témoignent du caractère théâtral de ses tragédies, qui ne sont pas de simples illustrations d'idées stoïciennes, mais des œuvres véritablement dramatiques. / The aim of this work is to study the evolution of lyric verse in Rome, from the first century B.C. to the first A.D., through the writings of three poets : Catullus (complete works), Horace (Odes, Carmen Saeculare and Epodes) and Seneca (non anapaestic choruses in his tragedies). This polymetric corpus gives us the opportunity to study how a metre adapts to a specific genre or tonality. We conducted statistical studies on the variations of the metrical scheme, the frequency of elisions, the use of caesurae, the word length and the link between ictus and accent, so as to show how the verse is more and more regular from the poems of Catullus to Horace, and from Horace to Seneca. We also propose stylistic interpretations of passages in which striking phenomena appear. The work is divided into three parts, dealing respectively with aeolic, dactylic and iambic verse. The results reveal that regularization of the verse is obtained by the decreasing use of elisions, words with an atypical scheme or original caesurae. They also highlight the importance of hellenisms in the stylistic particularities observed and the possibility for Catullus and Horace to use a lyrical metre through parody to compose a satirical poem. Finally, the way Seneca uses Horatian metres to create rich choral poetry demonstrates his tragedies are not mere illustrations of stoician ideas but are undoubtedly devised for the stage.

The aim of this study is to draw new perspectives to the theoretic approach towards the complex nature of the modern fairy tale genre and its transformation. The study is exemplified by two books by Alan A. Milne about Winnie-the-Pooh (1926-1928), Tove Jansson’s eight books about the Moomintrolls (1945-1970) and Eno Raud’s four books about three funny creatures called “Nakstitrallid” in Estonian (1972-1982). In this thesis, I examine the disputable problem of defining the fairy tale genre in modern literature and refer to the history of the genre and storytelling tradition that have indirectly inspired all three authors in their decision to turn for fairy tale as a genre. Applying the poetical analysis, I argue that these authors contributed to the continuity of fairy tales by creating the link between folkloric heritage, novelistic literary expression and children’s imagination. This study can therefore be considered as topological, however it does not pretend to introduce the complete systematic definition of the genre as the thesis’ format does not allow such in-depth investigation. In the first chapter, ‘Archaic world stimulation in modern fairy tale’, I examine the dominating literary categories that refer to the folk fairy tale intertext: Bakhtin’s concept of ‘chronotope’ – category of time and space, system of fictional allegoric characters and category of fantastic.  In the second chapter, ‘Modern fairy tales from perspective of children’s literature’, I analyze the books of Milne, Jansson and Raud in the scope of narratological and aesthetic categories of children’s literature. The folkloric laughter intertextually reproduced by naïvism of the Moomins, the Naksitralls, and Winnie-the-Pooh’s friends, while folkloric collective hero is presented by universal harmony of a happy family and child-like protagonists. I came to the conclusion that poetics of folklore fairy tale still exists in these books through the intertextual dialogue. Modernism as literary method re-evaluates folkloric aspects such as nonlinear time, the blurred boarders between individual and cosmos, material and spirit, text and reality. Every new artistically unique fairy tale world resembles the new stage of the genre development. The more innovative is the story, the more sophisticated can be its poetics.

Prenant appui sur ma pratique plastique, cette thèse s’est développée en marge mon expérience subjective et vécu avec ma mère spirituelle, tout en étant ancrée dans la problématique de la période contemporaine. En ce sens, l’articulation entre mes œuvres plastiques, le patrimoine ancestral africain et l’art contemporain occidental reste un point central de médiation. De même, celles-ci s’articulent avec la magie africaine et la psychothérapie occidentale dans leur dimension thérapeutique. Ainsi donc, cette thèse intitulée « RITE ET POÉTIQUE DU DON DANS L’ART CONTEMPORAIN - Dépense, Dégoût, Destruction » a pour but d’examiner l’expression artistique du déchirement intérieur de mon histoire personnelle, développer des concepts artistiques de la pratique créatrice singulière. La première partie de la thèse situe mon œuvre poïétique dans le processus d’altérité qui mène à la naissance de concepts dans le champ de l’art contemporain, qui ont tendance à façonner la personnalité comme pédagogie d’intégration de l’apprentissage à l’individu. La seconde porte sur l’immatérialité artistique qui se révèle comme un procédé catalyseur du concept de performance. La troisième partie démontre les procédures plastiques d’aujourd’hui auxquelles l’artiste peut faire face en scrutant l’œuvre ritualisée. La quatrième est une mise en œuvre du vohou vohou comme processus de déconstruction d’une nouvelle identité artistique. Le don comme forme de re-création me permet de faire œuvre dans ma pratique picturale. C’est pourquoi, j’ai toujours revendiqué une dimension spirituelle qui apporte à l’œuvre son champ sacré. Plus proche de Michel-Ange ou de Marx Ernest par ma foi en l’art, je crée une œuvre allégorique, qui affirme efficacement la perte re-créatrice comme langage pictural dans l’art contemporain. / On the basis of my practice of plastic arts, this thesis developed alongside my subjective experience lived with my spiritual mother, while staying rooted in the problematics of the contemporary era. In this perspective, the meeting place between my works of art, the African ancestral heritage and the western contemporary art stands as a central point of mediation. These meeting elements also go along with the African magic and the western psychotherapy in their therapeutic dimension. Then, this thesis entitled « RITE AND POETICS OF GIFT IN CONTEMPORARY ART - Exhaustion, Disgust, Destruction » aims at examining the artistic expression of my heartrending personal history, and developing artistic concepts of the singular creative practice. The first part of the thesis identifies my poietic work in the process of otherness which leads to the creation of concepts in the field of contemporary art, which concepts tend to shape the personality as pedagogy for the integration of learning by the individual. The second part is about the artistic immateriality which appears as a catalytic process for the concept of performance. The third part exhibits the nowadays plastic procedures the artist can meet by examining a ritualized work. The fourth one is an implementation of the vohou vohou as a process of deconstruction of a new artistic identity. Gift as a form of re-creation enables me to paint. Therefore, I always claim a spiritual side which endows the work of art with a sacred dimension. Admirer of Michel-angel or Marx Ernest through my faith in art, I create an allegorical work, which effeciently affirms the re-creative loss as a painting style in contemporary art.

Le silence — ou plutôt la grande variété de ce que l’on appelle “silences” — est un phénomène complexe qui prend une part directe dans la dynamique du langage et la création du sens linguistique, mais aussi dans la production du sens symbolique et des effets poétiques. Le travail est organisé en deux parties: la première traite la question de l'acte de silence dans l'expérience linguistique du monde, tandis que la deuxième analyse l'expérience poétique des silences en appliquant les résultats précédemment obtenus au Coup de dés de Stéphane Mallarmé. Plus précisément, dans la partie linguistique, on passe en revue différentes théories pour dégager la place que le silence s’y voit reconnaître. On l’étudie successivement en tant que signe linguistique, en tant qu’acte linguistique, comme élément pertinent, comme procédé rhétorique, comme phénomène symbolique. La partie poétique se fonde sur la théorie de l'évocation pour aboutir, en passant par un chapitre consacré à la poésie moderne dans son ensemble, à l'œuvre de Stéphane Mallarmé, le premier poète qui ait créé une véritable poétique des silences, tant dans ses ouvrages poétiques (dont le Coup de dés est l'exemple le plus radical) que dans ses écrits théoriques. / Doctorat en philosophie et lettres, Orientation linguistique / info:eu-repo/semantics/nonPublished