Le présent mémoire, qui s’inscrit dans l’approche dialogique des études platoniciennes, vise à expliciter la notion de forme du dialogue chez Platon, et ce, par le biais d’une analyse « poétique » du Phédon. Dans un premier temps, une définition provisoire et approximative de cette notion sera formulée à la suite de l’examen de ses significations dans les travaux des auteurs du courant dialogique : la forme du dialogue est une forme littéraire, poétique ou dramatique, conçue comme une totalité formée de parties, gouvernée par la « nécessité logographique » et ayant une structure telle que les éléments les plus importants du dialogue figurent en son centre (en anglais : “pedimental” structure). Dans un deuxième temps, il s’agira de préciser davantage ce en quoi consiste cette forme, en posant – et en faisant une tentative de justifier – la possibilité de l’examiner sous l’angle de la Poétique d’Aristote (qui porte essentiellement sur la tragédie). Enfin, l’analyse du Phédon à partir de la Poétique aristotélicienne révèlera la forme de ce dialogue comme une forme « pédimentale » dynamique, composée de trois mouvements, traduisant – mieux, « mettant sous les yeux » – le mouvement de la pensée de Socrate (c’est-à-dire, de son âme, quintessentiellement rationnelle) en train d’élaborer la méthode d’hypothèses, et, plus généralement, une théorie de la science. Ce sont : 1) le mouvement ascendant, préscientifique, de la première partie, 2) le mouvement de retournement et de révolution « théorique » dans la partie centrale, 3) le mouvement descendant, déductif ou scientifique, de la troisième partie. / This master’s thesis, which adopts the dialogical approach to Plato studies, aims to clarify the concept of Plato’s dialogue form by means of a “poetic” analysis of the Phaedo. Firstly, after having studied the meanings of the notion of dialogue form in a range of studies that fall within the dialogical approach framework, we propose a provisional definition of the dialogue form: it is a poetic, literary or dramatic form, designed as a whole composed of parts, governed by the “logographic necessity”, and characterized by a “pedimental” structure (a structure in which the most important things are put in the centre, by analogy with the figures that are arranged in the triangular pediment of a Greek temple). Secondly, having supposed that this notion could be further clarified by applying Aristotle’s analysis of tragedy in the Poetics to Plato’s dialogues, we attempt to justify this application. Finally, the analysis of the Phaedo from Aristotle’s “poetic” perspective reveals this dialogue’s “pedimental” dynamic form, which is organized in three movements and seems to translate – or “visualize” – the movement of Socrates’ thought (i.e. of his quintessentially rational soul) while constructing the method of hypotheses, and, more generally, a theory of science. The three movements comprise: 1) the upward (pre-scientific) movement of the first part, 2) the “theoretical” mouvement (turning and revolution) of the central part, and 3) the downward (deductive or scientific) movement of the third part.

Dans ce mémoire, nous étudions les productions bollywoodiennes issues de la foisonnante industrie du film de Mumbai. Nous explorons la forme populaire que ce cinéma propose et la nouvelle tendance qui émerge dans les années 1990, à travers laquelle se développent des représentations liées à la nouvelle classe moyenne indienne. Cette étude cherche à interroger les films les plus populaires des années 1990 afin de comprendre comment ils déploient leurs narratifs et leur narration. En procédant à des analyses descriptives et poétiques des récits, l’étude est principalement préoccupée par le traitement de la romance, un thème majeur de cette décennie. À travers ce thème, nous analysons les motifs narratifs, les procédés stylistiques, les détours de l’expression des sentiments ainsi que les dynamiques entre les sphères privée, publique et familiale. Essentiellement, nous mettons en lumière comment la distribution des informations narratives place le spectateur dans une position privilégiée organisant les plaisirs de sa participation aux films bollywoodiens. / In this dissertation, we study Bollywood productions from the prolific Mumbai film industry. We explore this popular cinema’s form and the new trend that appears in the 1990s, through which representations related to the new Indian middle-class are developed. In this study, we interrogate the most successful films of the 1990s in order to understand how they deploy their narratives and their storytelling. Proceeding to descriptive and poetical analysis of their narratives, this study is mainly concerned with the treatment of romance, a major theme of this decade. Through this theme, we analyze narrative patterns, stylistic processes, obliquely expressed feelings and the dynamics of the private, public and family spheres. Essentially, we illustrate how the distribution of narrative information situates the spectator in a privileged position organizing the pleasures of his participation in Bollywood movies.

A travers les faits et manifestations considérés comme irrationnels par l’entendement scientiste et positiviste, on décèle du point de vue de la philosophie de l’esprit, une rationalité poétique qui est à l’œuvre dans tout esprit humain. Ce super- rationalisme qui intègre en même temps le sensible et le rationnel obéit à une logique du symbolisme qu’on retrouve dans l’Ontologie africaine. L’africanisme ontologique induit une philosophie de l’invisible où la connaissance intuitive libère l’esprit du dogmatisme rationaliste. Il permet d’appréhender l’Être dans sa totalité en examinant la question du rapport à soi, et du rapport à l’autre à travers la figure du sage africain.Aujourd’hui, la rencontre des cultures et des civilisations permet un croisement des rationalités et une pluralité de valeurs qui sont le fondement du nouvel humanisme dont nous nous réclamons. Un humanisme spirituel basé sur le respect et la compréhension de l’autre par la différence de sa pensée et de ses attributs socio-psychologiques. / In facts and manifestations watched as irrationals by the scientist and positivist understanding, one can detect from the point of view of the philosophy of Being, a poetic rationality which is at work in every human spirit. This “super-rationalism” able to integrate at the same time both the perceptible and the rational obeys a logic of symbolism we find in the African Ontology.The ontological Africanism leads into a philosophy of the finiteness where the intuitive knowledge frees the spirit from the rationalist dogmatism. It enables a comprehension of the Being as a whole looking at the question of the relationship to the self, and the relationship to the other through the figure of the African sage.Today, the encounter of cultures and civilizations allows a crossing of rationalities and a plurality of values that are the foundation of the new humanism we claim as ours. An humanism based on the respect and the understanding of the other by accepting the difference of his own thought as well as his socio-psychological attributes.

This diploma thesis remarks on the beginning of the equality of rights and the complete social recognition of the puppetry in Czech theatres in the years 1973 - 1982. The thesis deals with the history of the East Bohemian theatre DRAK in Hradec Kralove from its foundation, it describes the arrival of the director Josef Krofta, Prague's performances of DRAK in 1977, the first tours abroad, it observes DRAK in the context of totality, it outlines Krofta's directorial principles and the perspective of the DRAK's Theatre poetics within a decade. Significant attention is dedicated to the reconstruction of the top chosen period plays from the DRAK Theatre, directed by Josef Krofta, because these plays reflect the best the emancipation of the Czech puppet theatre.

This thesis concentrates on the phenomenon of theatre adaptation of films in context of czech contemporary theatre. It's goal is - on examples of theatre transcriptions of Lars von Trier's films - to capture and describe difficult process of adaptation, which is wageing during the transformation of films and film texts into their theatre versions. During the process of analyses, we will try to trace not only the concrete transfigurations, but to name possible approaches and techniques revelating during the act of adaptation.

This thesis explores ways in which the reality of Kantor’s existence at a key moment in occupied Kraków may be read as directly informing the genesis and development of his artistic strategies. It argues for a particular ontological understanding of human being that resonates strongly with that implied by Kantor in his work and writings. Most approaches to Kantor have either operated from within a native perspective that assumes familiarity with Polish culture and its influences, or, from an Anglo-American theatre-history perspective that has tended to focus on his larger-scale performance work. This has meant that contextual factors informing Kantor’s work as a whole, including his happenings, paintings, and writings, as well as his theatrical works, have remained under-explored. The thesis takes a Heideggerian-hermeneutic approach that foregrounds biographical, cultural and aesthetic contexts specific to Kantor, but seemingly alien to Anglo-American experience. Kantor’s work is approached from Heideggerian and post-Heideggerian perspectives that read the work as a world-forming response to these contexts. Read in this way, key writings, art and performance works by Kantor are revealed to be explorations of existence and human being. Traditional ontological distinctions between process and product, painting and performance, are problematised through the critique of representation that these works and working practices propose. Kantor is revealed as a metaphysical artist whose work stands as a testament to a Heideggerian view of human being as a ‘positive negative’: a ‘placeholder of nothing’, but a ‘nothing’ that yet ‘is’ …

This thesis aims to analyze and interpret a number of central works – Vimpelstaden (1985), Som en gång varit äng (1988), Blomman och människobenet (2003), I en cylinder i vattnet av vattengråt (2005) and Vad hjälper det en människa om hon häller rent vatten över sig i alla sina dagar (2009) – by the Swedish poet Ann Jäderlund (1955-) in the context of phenomenology and affect theory. The analysis consists of three chapters and proceeds chronologically with technical scrutinies of separate phases of Jäderlund’s œuvre – from the aphasic-like treatment of established phraseologies in Vimpelstaden and frozen expressions of the botanical discourse in Som en gång varit äng, to the uncanny focus on perceptual patterns as such in her later works. Throughout these analyses the thesis observes a series of techniques with which the author presents us with a kind of sensory paradox, through a) creating language-based complex appearances, non-appropriable by means of the normal perceptual patterns of embodied perception, while still b) simulating, and thus implicitly emphasizing, these appearances as something already concretely looked at and felt. In short, to experience what cannot be experienced, to live the unlivable. Many of these technical observations made are pinned down analytically using concepts from the field of cognitive poetics, namely George Lakoff and Mark Johnsons findings of experiential image schemata underpinning spoken phraseologies and their influential theories on conceptual metaphors. The interpretative conclusion following these observations is that Jäderlund handles her writing aesthetically as a kind of sensory material in a very literal sense, a “being of sensation” in the terminology of French philosophers Gilles Deleuze and Felix Guattari. Not as means of experiential or intellectual representation, not as some sort of critical enterprise through mere language-gaming of free- floating signifiers – but as a material able to preserve and perform sensory processes immanent to its own material compilation, a tendency that earlier research fails to grasp or simply ignores altogether. Thus the affectivity immanent to the literary material – often being the starting point of studies in affect theory and cognitive poetics – is here proven to be a characteristic, thereby playing the role more of a conclusion than a field of inquiry. The aesthetics of interrogating the limits of sensory experience, introducing a sort of crisis to embodied perception through the experience of poetic language – and the experience of it as having a “metaphysical significance”, as French phenomenologist Maurice Merleau- Ponty puts it – is articulated in the thesis against the background of influential readings of modern art carried out by Merleau-Ponty and Deleuze.

Cette thèse, centrée sur l'étude de la poésie imprimée à Cordoue entre 1650-1750, est conçue comme une avancée dans le champ de recherche laissé libre ente la tradition positiviste et les innovations dans le domaine de l'interprétation, notamment dans la sociologie des textes et l'exploitation des oeuvres. Cette thèse s’inscrit dans le renouvellement qui s’est produit ces dernières années dans ce domaine et qui a fait progresser les études grâce à une nouvelle dimension de nature interdisciplinaire, au-delà des clivages entre les anciennes méthodologies d'études littéraires et leur analyse des textes basée sur la stylistique, et par l’attention accordée aux processus matériels, comme l'impression et la diffusion du livre, la sociologie des relations auteurs/lecteurs, et les réseaux ainsi formés. Pour développer cette recherche, je bénéficierai d’une double direction, celle du professeur Pedro Ruiz Pérez (PHEBO) de l'Université de Cordoue (Espagne), spécialiste de poésie, et de celle du professeur Jean-Marc Buiguès (AMERIBER) de l'Université de Bordeaux Montaigne, spécialiste de l’imprimerie, de l’édition et de la sociologie des auteurs. Le cadre conceptuel de départ pose qu’il est préférable de ne pas séparer les champs de travail de l'analyse de la poésie, de l'histoire de l'édition, des réseaux de sociabilité et des ressources fournies par les nouvelles technologies. Le modèle méthodologique prend appui sur ces approches et s’articule en une double ligne de travail : le développement d’un corpus (inexistant à ce jour) basé sur les outils des humanités numériques (bases de données, corpus numérisé, etc.) et d'autre part sur le modèle d'analyse mis à l'essai dans les travaux sur l'imprimerie et la poésie, développés respectivement par les deux directeurs. La combinaison des deux permet une approche nouvelle des questions liées à la production, la circulation et la lecture des textes et à leur valeur dans un champ littéraire en développement. / The present thesis, focusing on the study of the poetry printed in Cordova between 1650-1750, it´s an advance in the field opened between the positivist tradition and the innovations in the area of the interpretation, including the sociology of the texts and of the functioning of the works. In the recent years a renovation has appeared in this field, in which the present thesis registers, advancing in a consideration of character to interdisciplinary that it overcomes the existing distances between the former methodologies of the literary studies and his analysis of the texts in stylistic way, with his attention to the material processes, as those of the press and the traffic of the book and the sociology with the relations of authors and readers and the networks that they formed. For the development of the investigation I have the direction from the University of Cordova of Prof. Pedro Ruiz Perez (PHEBO) and for the specialization in press and edition and sociology with Jean-Marc Buiguès (AMERIBER) and the University of Bordeaux 3 Montaigne. This is the start point of the conceptual frame, that considers the convenience of not separating the own work camps of the analysis of the poetry, the history of the edition, the networks of sociology and the resources provided by the new technologies. The methodological model starts of these expositions and takes form of a double line of work: Creation of a bibliography (non-existent up to the date) with support in the tools of the digital humanities (databases, digitized corpuses, etc.) and, of another part, the model of analysis tested in the work on press and poetry, fields respectively developed by both mentioned directors. The conjunction of both allows an new approximation of the questions related to the production, traffic and reading of the texts and his value in a literary field in development. / La presente tesis se centra en el estudio y repertorio de la poesía impresa en Córdoba entre 1650-1750. Se plantea como un avance metodológico en el campo de la tradición positivista y la recepción poética, a partir de la bibliografía y la sociología de los textos. La investigación se inscribe en el marco de cotutela internacional entre la Universidad de Córdoba y l´Université Bordeaux Montaigne, siendo los codirectores de la misma el Prof. Pedro Ruiz Pérez (PHEBO) y el Prof. Jean-Marc Buiguès (AMERIBER), respectivamente. Este trabajo avanza sobre una consideración de carácter interdisciplinar que aúne las metodologías de la literatura, la bibliografía y las Humanidades digitales. Se focaliza la atención en la poesía impresa, atendiendo a los procesos materiales, como la manufactura de las obras mediante la imprenta, la circulación del libro y la red de relaciones sociales-literarias entre autores, lectores e impresores. Radica aquí el marco conceptual de salida, que considera la conveniencia de no separar los campos de trabajo propios del análisis de la poesía, la historia de la edición, las redes de sociabilidad y los recursos proporcionados por las nuevas tecnologías. El modelo metodológico arranca de estos planteamientos y se plasma en la elaboración del repertorio catalográfico que albergue a todas las ediciones impresas que contengan algún verso (inexistente hasta la fecha), un directorio biográfico de todos los agentes literarios que intervengan en la producción de la obra y dos bases de datos relacionales que contenga dicha información, concebidas dentro del marco de las Humanidades Digitales. Esto permitirá un nuevo acercamiento a las cuestiones relacionadas con la producción, circulación y recepción de la poesía. En resumen, esta investigación dotará de las herramientas necesarias para definir la práctica del verso en la sociedad bajobarroca cordobesa.

Étudier la critique d’art de Joris-Karl Huysmans soulève des enjeux esthétiques, poétiques et idéologiques. Si elle constitue un genre à part entière, que l’auteur a pratiqué en tant que tel, la critique d’art entretient des relations de complémentarité et d’interférence avec le reste de l’œuvre. S’y élabore en effet une esthétique, qui à son tour définit une poétique : parce que le critique est également écrivain, la réflexion qu’il mène au sujet des arts plastiques – peinture, sculpture, architecture – se développe parallèlement à sa pratique d’écriture. Ses options critiques reposent sur une analogie entre les arts, s’inscrivant en cela dans une longue tradition, qui va de l’ut pictura poesis horatien aux correspondances baudelairiennes, en passant par le paragone de la Renaissance. Aussi regarde-t-il l’art en tant qu’écrivain, y cherchant tantôt la confirmation de ses idées sur la littérature, tantôt un modèle d’écriture. Mais parce que la critique engage des valeurs et des convictions, elle se fait aussi la chambre d’écho des options idéologiques de son auteur, aux plans socio-économique, politique et épistémique. Huysmans regarde l’art à travers une idéologie qui se décline en un certain nombre de valeurs et de contre-valeurs : héritier d’un siècle de romantisme, il entretient un rapport douloureux avec son temps, en délicatesse avec la pensée de son époque. Cette idéologie – à la fois anticapitaliste, antibourgeoise et antimoderne – filtre donc le regard qu’il pose sur l’art : elle détermine en partie ses jugements esthétiques, elle les oriente de façon diverse et souvent contradictoire. / In Joris-Karl Huysmans’s art criticism, aesthetics, poetics and ideology are at stake. Though art criticism is a genre in its own right, which the author used as such, it maintains close relations with his other works: they complete one each other as well as they interfere together. In his art criticism, Huysmans develops aesthetics, which define in its turn poetics: because the critic is also a writer, his thinking about visual arts – painting, sculpture, architecture – runs parallel with his writing process/practice. His critical assessments rest upon a comparison between the arts and therefore form part of a tradition which roots in Horace’s maxim ut pictura poesis, crosses the Renaissance period with the paragone and leads to Baudelaire’s correspondances. When watching a painting, Huysmans remains a writer: he’s looking for a confirmation of his ideas about literature or a model for his writing. But because art criticism puts values and beliefs at stake, it echoes the ideological choices of its author, on socio-economic, political and epistemic levels. Huysmans sees the arts through an ideology which comes in various values (et contre-valeurs): heir of a century deeply marked by romanticism, he maintains painful relationships with his time, in trouble with modern ideas. His ideology – against capitalism, bourgeoisie and modernity – filters the way he considers the arts; it partly determines and influences, in various but often opposing ways, his aesthetic judgement.

Notre hypothèse de travail est la suivante : sous le couvert d’un pacte de fausseté et de jeu, Baudelaire met en œuvre le passage vers une poésie qui, pour s’interroger désormais profondément sur elle-même (fondements, référents, métamorphoses, essence et nécessité), exige et engendre sans cesse son foyer propre de vérité, au-delà de tout système. Ainsi, à la différence de ses prédécesseurs, le poète ne fait plus porter principalement son attention, ses efforts, ses doutes et soupçons, sur la portée lisiblement et socialement constructive de ce qu’il écrit, mais sur le rapport entre une apparence poétique ou artistique qui se tient (la figure, l’image) et le tréfonds de l’homme, soit un certain effondrement. La perspective esthétique et morale que nous cherchons donc à définir dans l’œuvre baudelairienne interroge le lien de la parole avec celui qui l’émet d’une part, et celui qui la reçoit d’autre part : la mise en cause de la langue en tant que vecteur effectif est donc posée, ainsi que la recherche anxieuse qui l’accompagne. À la fois nés et déjà distanciés du Romantisme, ce nouveau point de mire et cette réflexivité libèrent, exacerbent et menacent le poétique : c’est ainsi qu’à travers les motifs de l’hypocrisie, du mensonge, du masque, et de l’art lui-même, le poète défie cet idéal au fur et à mesure qu’il l’initie, tout en vivant une véritable passion poétique dans laquelle il s’investit et se consume, corps et esprit, non sans une forme d’intégrité. Tels sont les paradoxes envisagés. En quels termes peut-on parler de vérité poétique dans l’œuvre de Baudelaire ? En extrait-il l’idée vers un déploiement et une postérité assurément fertiles, ou bien l’étouffe-t-il dès sa source dans la clairvoyance qui le caractérise ? Une telle lucidité peut-elle travailler contre l’authenticité du geste artistique ? Où, quand et comment se joue donc le vrai du poème ? Pourquoi et vers quoi ? En quoi l’œuvre trouve-t-elle à travers ce fil une cohérence particulièrement éclairante en tant qu’initiatrice de la modernité ? Mais également, avec quelles limites ? Comment et pourquoi le sens poétique peut-il et doit-il échapper au souci dialectique, donc se jouer pareillement des travestissements et de toute adhérence systématique - notamment d’une fidélité à toutes les évidences de gravité ? Il s’agit donc de tenter de comprendre en quoi le poétique, à partir de Baudelaire, et conséquemment à son travail, dans les transports et substitutions qu’il suppose, dans son improuvable et sa mystification, mais également dans la rigueur qui le caractérise, peut-être mis est en rapport avec le vrai, non pas selon des systèmes constants extérieurs et préalables, mais selon des entrées, des perspectives interférant avec la parole créatrice, notamment avec l’expérience de l’inspiration, de la composition, et de la lecture du symbole. Puisque telle vérité ne peut évidemment pas être posée comme un théorème ou axiome positivement prouvés et applicables, elle ne sera donc pas envisagée à travers un prisme théorique et philosophique précis, mais bien confrontée méthodiquement à la littérarité du texte, au poème, en ce qu’il présente et initie une forme d’existence intrinsèque, dont l’originalité et le paradoxe seraient précisément de ne pas être positive, au sens d’appuyée sur quoi que ce soit de préjugé, où tendue à dessein vers un objectif prescrit. / Our working hypothesis is as follows : under the cover of a pact of falsehood and play, Baudelaire implements the passage toward a poetry which, in order to deeply question itself henceforth with regard to its groundings, referents, metamorphoses, essence, and necessity, requires and incessantly engenders its own center-of-truth beyond any system. Thus, as distinct from his predecessors, the poet no longer aims his attention, efforts, doubts and suspicions at the readably and socially constructive import of what he writes, but at the relation between a poetic or artistic appearance that holds together (the figure, the image) and the inmost depths of humankind, that is, a certain dejection or collapse. The esthetic and moral perspective we seek thus to define in Baudelaire’s work questions the connection between the word and the person emitting it on the one hand, and those receiving it on the other: hence the calling into question of language as an actual vector as well as the anxious research that accompanies it are posed. At once born of and already distanced from Romanticism, this new focus and reflexivity free, exacerbate, and threaten the poetical: thus, by way of the motifs of hypocrisy, lying, the mask and art itself, the poet challenges this ideal in the very process of initiating it, all the while living a veritable poetic passion in which he invests and consumes himself, body and mind, not without a form of integrity. Such are the paradoxes envisioned. In what terms can one speak of poetic truth in Baudelaire’s work? Does he extract the idea of it toward an unfolding and assuredly fertile posterity or else does he stifle the upsurge with his characteristic clairvoyance ? Can such lucidity work against the authenticity of the artistic gesture? Where, when, and how does trueness come into play in a poem ? Why and with a view to what? In what manner does the work, by way of this strand, find a particularly illuminating coherence as initiator of modernity? But equally, within what limits? How, why, can and must poetic meaning escape dialectical concerns and hence deceive, likewise, all travesties and systematic adherence — and especially faithfulness to all obvious facts of solemnity? It’s about attempting to understand in what way the poetical, starting with Baudelaire, and as a result of his work, within the transfers and substitutions it presupposes, in its unprovability and its mystification, but equally in the rigor that characterizes it, may be placed in relation with the true, not according to constant external and pre-existing systems, but according to access-ways, perspectives interacting with creative speech, namely with the experience of inspiration, composition, and the reading of symbols. Since such a truth obviously cannot be posed as a theorem or axiom positively proven and applicable, it will therefore not be envisioned through a precise theoretical and philosophical prism, but rather confronted methodically with the literariness of the text, with the poem, in that it presents and initiates an intrinsic form of existence whose originality and paradoxy would be precisely not to be positive, in the sense of supported by anything pre-judged whatsoever, or tending by design toward any prescribed objective.