Le texte poétique devient, au XXe siècle, de plus en plus difficile à définir. Il a perdu plusieurs attributs qui aidaient autrefois à le caractériser (vers, rimes, parallélismes), et ne se laisse pas non plus circonscrire par le biais du lyrisme :bon nombre de poètes, en effet, ont abandonné le programme de la "poésie pure" pour renouer avec un art descriptif, narratif ou argumentatif. Dès lors, faut-il considérer que l'organisation poétique n'est qu'une structure de surface qui se surajoute à un type de texte de base, en entraînant certaines conséquences sur le plan sémantique et grammatical ?N'existe-t-il pas malgré tout des propriétés typiques de l'oeuvre poétique, qui permettent d'instaurer un rapport tout à fait particulier entre le lecteur, le langage et le monde ?<p>Nous avons voulu nous pencher sur ces questions en explorant le phénomène de l'hétérogénéité discursive chez quelques poètes francophones du XXe siècle. Nous constaterons que ceux-ci n'hésitent pas à décrire, à raconter ou à argumenter, mais nous verrons aussi que la poésie tend à transfigurer les schémas de base auxquels elle s'allie, si bien qu'un récit en vers n'est pas du tout semblable à son homologue en prose. C'est par cet angle d'approche que nous espérons contribuer à faire mieux comprendre le mystère poétique, qui déroute terriblement les jeunes lecteurs. / Doctorat en philosophie et lettres, Orientation langue et littérature / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Le « théâtre sur le théâtre », procédé par lequel le théâtre se prend explicitement pour objet, connaît en France, entre 1680 et 1762, une vogue inégalée : à l’exception de l’Opéra, il concerne plus du quart du répertoire comique créé sur les scènes publiques de Paris. Cette étude s’appuie sur plus de quatre cents pièces et se concentre sur une sélection de cent vingt-sept d’entre elles, jouées à la Comédie-Française : principalement des prologues dramatiques et des comédies en un acte, des « comédies de comédiens », des « comédies de spectateurs », des pièces allégoriques et des pièces d’actualité. Le théâtre autoréflexif, où s’exerce en action une conscience critique aux yeux du public, permet de retracer l’histoire d’un art, tel qu’il se donne à voir. Sur un plan pratique, il se fait le miroir des realia de la vie théâtrale en dévoilant les dynamismes de la conception d’un ! spectacle et de sa performance. Il aborde des enjeux qui touchent encore à la dramaturgie [conditions de représentation], à la poétique [apparition des genres nouveaux], à l’esthétique [fabrique de l’illusion] et à la vie institutionnelle des théâtres [querelles dramatiques]. Il interroge l’ancrage et la fonction du théâtre dans le monde en offrant un reflet prismatique de la société. L’étude présentée trace les contours de ce phénomène et de ses évolutions. Elle propose de repérer, en contexte, les enjeux idéologiques de ce répertoire, les effets qu’il provoque sur le spectateur, ainsi que les stratégies qu’il met en œuvre dans le fonctionnement du champ littéraire. / « Metatheatrical theatre » – theatre looking at itself and taking itself as its own object—flourished between 1680 and 1762, reaching unequalled proportions. More than a quarter of all the comic plays created in the Parisian public theatres of the time, apart from the Opera, consisted in metatheatre. Dealing with more than four hundred plays, this study focuses on a selection of one hundred and twenty-seven plays staged at the Comédie-Française—including mainly dramatic prologues, one-act comedies, comedians’ comedies, spectators’ comedies, allegorical plays and topical plays. Self-reflexive theatre allows us to retrace the history of an art which performed its critical consciousness before the spectator’s eyes. From a practical point of view, this repertoire mirrored the realia of theatrical life, by exhibiting the dynamics at work in the staging and acting of a play. From an aesthetic point of view, it raised central issues! related to the art of performance [the staging conditions], the institutional life of theatres [dramatic quarrels], poetics [the emergence of new genres] and aesthetics [the construction of theatrical illusion]. On an ideological level, they offered a prismatic reflection of society, thus developing a concrete questioning on the social inscription and function of theatre. The present study aims at mapping the modalities and evolution of this phenomenon. It seeks to bring out the ideological stakes of this repertoire, the effects it produced on the audience, as well as the strategies of its positioning in the literary field.

Depuis les années 1990, un motif formel particulier a pris de l’ampleur au cinéma : il s’agit de la conjonction du caméscope intradiégétique et du point de vue médiatisé, deux procédés qui représentent respectivement un caméscope intégré à une narration filmique et le point de vue de ce que tourne une caméra intradiégétique (caméscope ou non) dans une scène donnée. À partir de cette constatation, cette thèse propose d’observer certaines caractéristiques propres à ces procédés, en utilisant les outils du néoformalisme de Kristin Thompson et de la poétique historique de David Bordwell, autant en ce qui concerne leur utilisation dans les films et leur évolution dans l’histoire du cinéma. La problématique comporte deux volets. Le premier est analytique et se penche sur un corpus de films qui utilisent le caméscope intradiégétique ou le point de vue médiatisé de façon importante, soit American Beauty (1999), Blair Witch Project (1999), Caché (2005) et Le journal d’un coopérant (2010). L’objectif est de dégager des séries de fonctions, de stratégies, de normes, de conventions et d’alternatives propres à l’usage de ces procédés. Pour cela, le corpus principal sera comparé à un corpus plus large, comprenant une variété de films provenant autant du cinéma classique que moderne. Le second volet est historique et concerne l’évolution stylistique particulière de ces deux procédés et de leur conjonction, principalement dans le cinéma classique hollywoodien. Dans un premier temps, l’étude des caméras intradiégétiques au cinéma avant les années 1980, donc durant la période qui précède l’arrivée du caméscope, permet de comprendre les différences et les ressemblances avec le cinéma actuel. Dans un deuxième temps, l’évolution récente du caméscope intradiégétique et du point de vue médiatisé depuis les années 1980 est une façon d’observer comment cette conjonction s’est développée en parallèle à d’autres phénomènes comme la progression du mode amateur, les nouvelles possibilités de tournage en vidéo au cinéma, l’essor du cinéma pornographique gonzo ou la popularisation du style run and gun et de la caméra-épaule. Derrière ces observations, il sera question de voir à quel point la popularité de la conjonction du caméscope intradiégétique et du point de vue médiatisé est représentative d’une fragmentation ou d’une intensification du style du cinéma contemporain par rapport à celui qui l’a précédé. / Since the 1990s, a formal pattern that has become increasingly popular in film is the combined use or “conjunction” of the intradiegetic camcorder and the mediated point of view, two devices that are represented respectively by a camcorder integrated to a filmic narration and the point of view of what an intradiegetic camera (camcorder or not) is shooting in a given scene. Taking this observation as a starting point, this dissertation proposes to examine some of the characteristics of these devices, using the tools of Kristin Thompson’s neoformalism and David Bordwell’s historical poetics, with concern both for their uses in movies and their evolution in the history of cinema. This research problem is divided into two aspects. The first is analytical and is concern with a corpus of movies that make salient use of the intradiegetic camcorder or the mediated point of view: American Beauty (1999), The Blair Witch Project (1999), Caché (2005) and Le journal d’un coopérant (2010). The objective is to reveal a series of functions, strategies, norms, conventions and alternatives that are characteristic of the use of these devices. To achieve this, the main corpus will be compared with a larger one composed of a variety of movies from classical as well as modern cinema. The second aspect is historical and is concerned with the particular stylistic evolution of these two devices and their conjunction, primarily in classical Hollywood cinema. On the one hand, the study of intradiegetic cameras prior to the 1980s (during the period before the invention of the camcorder) elucidates the differences and similarities between previous and actual cinema. On the other hand, the recent evolution of the intradiegetic camcorder and the mediated point of view since the 1980s provides insight into the way in which this conjunction has developed in parallel with other phenomena such as the development of the amateur mode, the new possibilities offered by shooting in video for the film industry, the expansion of pornographic gonzo cinema or the popularization of the run and gun style and of the hand-held camera. Using these observations, we will determine the extent to which the popularity of the conjunction of the intradiegetic camcorder and the mediated point of view is representative of a fragmentation or an intensification of the style of contemporary cinema compared to the cinema of previous periods.

Cette thèse propose d'explorer les textes que Henri Lefebvre (1901-1991) a consacré à un projet de connaissance des rythmes, une « rythmanalyse », terme qu'il emprunte à Gaston Bachelard, pour contribuer à ce que nous appelons une poétique urbaine. Henri Lefebvre a laissé une œuvre fondatrice dans les études urbaines contemporaines en théorisant l'avènement de la société urbaine moderne et en produisant une théorie critique de l'urbanisme et des espaces et des temps sociaux qui en résultent. Nous montrons que la théorie critique est solidaire d'une poétique issue du romantisme révolutionnaire de l'auteur, qu'il développe au contact de pratiques artistiques, notamment celles de l'Internationale Situationniste. À l'encontre de ce qu'il analyse comme le processus d'abstraction de l'espace et du temps urbain, la rythmanalyse fait partie de la quête d'un espace-temps approprié à même de métamorphoser la société urbaine et de restituer le corps total, afin que l'urbain devienne l’œuvre de l'homme. Lefebvre ne propose pas seulement une méthodologie qualitative d'observation des rythmes, mais une expérimentation rythmanalytique, dont nous pouvons imaginer la pratique sous la forme de l'utopie expérimentale. La rythmanalyse fournit ainsi les idées directrices d'une poétique appliquée, à même de créer des formes, des textures et des styles pour l'habiter urbain. Cette poétique urbaine, à la fois création et connaissance, procède par des pratiques expérimentales et restitue le jeu rythmique qui enrichit l'expérience esthétique de l'espace et du temps urbain. / This thesis proposes to explore the texts that Henri Lefebvre (1901-1991) devoted to his project of understanding rhythms, his « rhythmanalysis », a term borrowed from Gaston Bachelard, to contribute to what we call an urban poetics. Henri Lefebvre has produced fundamental work in contemporary urban studies in both his theorization of the advent of modern urban society, and his elaboration of a critical theory of urban planning with its resultant social spaces and temporalities. We show that this critical theory unfolds in line with his construction of a poetics, which is inspired by the revolutionary romanticism that the author developed through his contact with artistic practices, especially those of the Situationnist International. Against his analysis of abstraction as an inherent process of urban space and time, his rhythmanalysis contributes to the creation of an appropriate space-time, with its ability to transform urban society and reconfigure the Total body so that what is urban can be instead considered a work of art. Lefebvre provides not only a qualitative methodology for the observation of rhythms, but also the outline of a rhythmanalytic experimentation, which can be associated with the practices of an experimental utopia. Rhythmanalysis offers guidelines for an applied poetics; it goes as far as creating forms, textures and styles for urban living. This urban poetics, simultaneously a creative act and one steeped in knowledge, proceeds through experimentation and restores the rhythmic game that enriches our aesthetic experience of urban space and time.

Au confluent de l’histoire des idées et de la poétique romanesque, cette thèse s’intéresse aux interactions textuelles multiples entre le genre romanesque et l’imaginaire musical tel qu’il s’est développé au fil du XXe siècle. Elle examine les modalités par lesquelles une idée de la musique, intronisée comme paradigme d’écriture par un certain nombre de romancières et de romanciers français entre 1900 et 1980, informe la composition du roman tout en infléchissant la production du sens, qui, à l’horizon du modèle musical, devient davantage signifiance que signification. Elle appréhende également l’évolution des pratiques romanesques à la lumière des discours sur la musique tels que les réfléchissent et les intègrent les œuvres, afin de dégager les différentes manières par lesquelles le musical, à entendre comme les propriétés dérivées de l’objet musique, s’impose comme le modus operandi de l’écriture, et invite le critique à interpréter l’œuvre sur le modèle herméneutique de la partition. Le récit-partition apparaît sur fond d’une crise de la signification et de la représentation, dont les ferments sont à chercher dans le fonctionnement sémiotique même du langage. La recherche entend montrer comment, dans l’optique de répondre à cette crise du langage et aux nombreuses répercussions qui confrontent la sémantique romanesque à une impasse, certains romanciers du XXe siècle ont envisagé la musique comme une fiction du roman et pour le roman, puis ont façonné à partir d’elle les paramètres d’une nouvelle écriture romanesque. Hérité du topos romantique de la « musique absolue », qui considère l’œuvre musicale comme un pur phénomène sonore, irréductible au langage verbal et, du fait de son autoréférentialité, le modèle de l’organon absolu, ce paradigme d’écriture aurait permis aux écrivains du XXe siècle d’abandonner les prémisses référentielles du genre romanesque et de penser ce dernier à l’aune de nouvelles configurations poétiques, fondées sur la résonance du sens, l’autoréflexivité du médium et une mémoire textuelle plus sensible que philosophique ou morale. La réflexion menée dans le cadre de la thèse interroge en premier lieu les conditions épistémologiques, métaphysiques et discursives qui concourent à l’avènement d’un paradigme musical, lui-même tributaire d’un régime du sensible particulier, qui pousse des générations entières d’écrivains à se tourner vers la musique pour ravitailler une matière romanesque dès lors perçue comme lacunaire. La démonstration se décline essentiellement en quatre temps : le premier chapitre entend prendre au pied de la lettre la métaphore de la partition, de manière à montrer comment les indices paratextuels et structuraux actualisent certains procédés d’écriture qui s’inspirent de la musique ; les deuxième et troisième chapitres interrogeront les modalités de « textualisation » de la musique à travers les prismes respectifs de la création et de la réception musicales représentées dans la fiction, en s’intéressant aux figures de compositeurs et de musiciens (chap. 2), puis aux ekphraseis musicales et aux scènes d’écoute (chap. 3) ; enfin, c’est sur les grands mythes de la musique que débouche notre enquête, mythes antiques mais surtout wagnériens, dont la réécriture plus ou moins conforme avec la matrice d’origine permet de diffracter un rapport complexe à la modernité par une ressaisie du sens, de la temporalité narrative et du discours romanesque au miroir des récits fondateurs et du langage premier et plénier dont ils portent la mémoire. / This dissertation strives to understand the various interactions between 20th-century fictional works and the contemporary musical imaginary that was developed and modulated throughout the century. Rooted in a dual approach – that of the history of ideas and of the poetics of the novel –, this study examines how a given idea of music, inducted as a writing paradigm by many French novelists between 1900 and 1980, models textual composition and becomes a means to rethink the creation of signification in narrative forms. It also traces the evolution of the French novel and its writing practices in the light of musical discourses and aesthetics as reflected by and integrated into novelistic works. To this end, the concept of “narrative score” (récit-partition), as a hermeneutic instrument or reading tool, is paramount in order to grasp the ways in which the musical – i.e. the properties derived from music as an objective or phenomenal reality – imbues the literary text and becomes the modus operandi of fiction writing for some French novelists. The “narrativescore” emerged in the context of an artistic crisis – stemming from the semiotic fabric of language itself – that questioned both the ideas of representation and meaning. The present work will show how this crisis of language and consequential impasse of the novelistic genre lead some 20th-century writers to conceptualize music as a fiction of and for the novel with the purpose of fashioning a new narrative framework by remodeling the genre’s parameters. Descending from the romantic trope of “absolute music” which considers the musical piece as an autoreferential structure comprised of pure sounds without intrinsic meaning thus irreducible to verbal speech, the idea of music as a writing paradigm allows novelists to relinquish the referential premises of the narrative genre to introduce new poetic configurations based on the resonance of meaning, the self-reflexivity of the medium and a textual memory, more engrained in the sensible than in the speakable (dicible) or the philosophical. We will first outline the epistemological, metaphysical and discursive landscape that lead to the advent of a musical paradigm in literature, which is dependent on a specific “partition of the sensible” (Rancière); here, we will explore what motivated several generations of writers to turn to music as a way to replenish the fictional material they perceived as deficient while fulfilling their ideal of an autotelic work of art. The textual analysis that follows will be divided into four parts: in the first chapter, we will consider the score not as a metaphorical notion, but as an actual model; indeed, some paratextual elements and structural configurations highlight the presence of writing techniques directly inspired and shaped by the musical; the second and third chapters will examine the textual actualization and representation of music respectively through the lens of musical composition (poïesis) and musical reception (esthesis) by analyzing fictional composers and musicians (chap. 2), then musical ekphraseis and listening scenes (chap. 3); lastly, we will focus on the great musical myths – ancient myths, but mostly Wagnerian ones – whose rewriting, more or less in line with the original stories, allow the writers to renegotiate their complex relationship with modern times, by re-capturing meaning, narrative temporality and novelistic discourse through the use of these founding myths and the unitary, almost pre-adamic, language.

Dans ce travail de recherche, il s'agit de mettre en lumière la qualité littéraire et la personnalité de l'écrivaine Marie Thérèse León (1903-1988), exilée après la Guerre Civile espagnole avec son mari, le poète Raphaël Alberti, et de montrer la place qu’elle mérite dans la lignée des auteurs de la bien connue “Generación del 27”, parmi lesquels on compte des figures-phares de la poésie espagnole telles que Lorca, Alberti, Aleixandre, Cernuda et d'autres.Cette étude essaie de faire sortir de l’oubli Marie Thérèse León, qui a été eclipsée par la renommée de son partenaire , Raphaël Alberti, lequel avait obtenu, après la mort de Franco, sa réhabilitation en tant que poète de renom. Dans cet objectif , la thèse identifie d'abord les caractéristiques communes des auteurs canoniques du groupe 1927 et, en deuxième lieu, démontre combien Marie Thérése Léon partage les traits qui leurs sont communs ainsi que des concours de circonstances similaires. La thèse aborde également la situation des femmes intellectuelles de l'époque et met en lumière nombre d'autres femmes de lettres de la génération 1927, telles que Rosa Chacel, Ernestina Champourcin, María Zambrano, dont les œuvre respectives ont autant de valeur que celles de leurs collègues masculins.Une place particulière est accordée à l'oeuvre capitale de Marie Thérèse Léon, « Mémoire de la mélancolie », laquelle révèle au mieux la qualité littéraire et l'originalité structurelle de son auteure. Ce livre dresse, à travers sa beauté de prose poétique, non seulement le panorama espagnol précédant la Guerre Civile, mais aussi, l’expérience terrible des expatriés politiques de l’Espagne. / In this research, it is a question of claiming the literary quality and the rich personality of the writer Maria Teresa León (1903-1988), exiled after the Spanish Civil War together with her husband, the poet Rafael Alberti, and of showing her place deserved between the authors of the well known “Generación del 27”, among whom we count key figures of the spanish poetry such as Lorca, Alberti, Aleixandre, Cernuda and others.The study tries to repair the oblivion into which had fallen Maria Teresa León, darkened by the fame of his partner, Raphael Alberti, who had obtained , after the death of Franco, its rehabilitation as big poet. In this objective, the work identifies, at first, the common characteristics of the canonical authors of the group 1927, and, in the second place, demonstrates the sharing by Maria Teresa of the same common features and social circumstances.The research also approaches the situation of the intellectual women of the period, and highlights number of the other women of letters of the generation 1927, such as Rosa Chacel, Ernestina Champourcin, Zambrano, whose work has at least so much value as that of their colleagues men.A particular place is granted to the Maria Teresa León's major work, " Memory of the melancholy ", which reveals at best the literary quality and the structural originality of the author. This book raises, through the beauty of its poetic prose, not only the Spanish panorama preceding the Civil War, but also ,the terrible experience lived by the political expatriates of Spain. / Este trabajo de investigación pretende reivindicar la calidad literaria y la activa personalidad cultural de la escritora María Teresa León (1903-1988), exiliada tras la Guerra Civil, junto con su marido el poeta Rafael Alberti, y reivindicar su lugar merecido entre el grupo de los grandes creadores de la conocida «Generación de 1927 » , entre quiénes estaban las figuras fundamentales de la poesía española, Lorca, Alberti, Aleixandre, Cernuda y otros.El estudio trata de reparar el olvido que cayó sobre María Teresa León, eclipsada por la fama de su compañero, Rafael Alberti, que si pudo obtener, después de la muerte de Franco, su reconocimiento como gran poeta.Con ese objetivo, la tésis identifica, primeramente, las características comunes de los autores canónicos del grupo de 1927 y, en segundo lugar, se demuestra cómo la obra de María Teresa León comparte muchos rasgos comunes y , por supuesto, el peso de las circunstancias sociales.La tésis aborda igualmente la situacion de las mujeres intelectuales de la época y pone en relieve a algunas otras autoras de la generación del 27 como Rosa Chacel, Ernestina Champourcin, Zambrano , cuyas obras tienen por lo menos el mismo valor que las de sus colegas varones. Un lugar muy especial se dedica en este trabajo a la obra fundamental de María Teresa León, su Memoria de la melancolía, que muestra a la autora en toda su magnitud, destacando el brillo de su calidad literaria y su riqueza estructural. El libro traza , a tráves de la belleza de su prosa poética, no sólo el panorama español inmediatamente anterior a la Guerra Cívil, sino también la terrible experiencia de los expatriados españoles tras la guerra.

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This dissertation adopts a fresh interdisciplinary perspective on reading the postwar urban poems of New York School poet Frank O’Hara. Through French Situationist philosophy, and particularly the writings of Guy Debord, the study explores the spatial and textual relations of O’Hara’s urban and cultural representations in postwar poetry. With the help of psychogeography and its “anti-techniques” of détournement and dérive, the research focuses on O’Hara’s uses of appropriation in constructing his urban assemblages. The dissertation considers postwar poems from The Collected Poems of Frank O’Hara and offers Situationist readings and understandings of O’Hara’s modernist (urban and cultural) space. The choice of specific poems highlights O’Hara’s unequivocal inspiration by French poetry and focuses on their urbane, experimental and erotic aspects. The first two chapters propose ways in decoding psychogeographical approaches in poetic (de)composition for reading O’Hara’s poems, while the third delves into O’Hara’s uses of camp in dialogue with Situationist politics that highlight not only the capitalist and the cultural, but also the erotic and the queer. / Cette thèse expose une nouvelle perspective interdisciplinaire quant à la lecture des poèmes d’après-guerre de le poète de New York School Frank O’Hara. Au travers de la philosophie de Situationiste Internationale, plus précisément des écrits de Guy Debord, cette étude explore les connections entre la poésie de Frank O’Hara et des propres représentation urbains et culturelles. Grace au notions de psychogeographie et ses « anti-technique » de détournement et dérive, cette recherche se concentre sur l’art d’appropriation qu’utilise O’Hara dans ses assemblages poétiques. L’emphase mise sur les poèmes d’après-guerre tirés de The Collected Poems of Frank O’Hara illustre la vision de l’environnement moderniste de O’Hara. Les aspects urbains, expérimentaux, et érotiques inspirés de la poésie française sout mis en valeur par les poèmes choisir d’O’Hara. Les deux premier chapitres proposent une approche psychogeographique pour décomposer les images des poèmes de O’Hara tandis que le troisième chapitre examine l’utilization du « camp » en rapport avec la politique Situationiste qui souligne non seulement la capitalisme et la culture, mais aussi l’érotique et l’homosexualité.

Thème central des débats du XVIIIe siècle sur les fondements de la sociabilité humaine et sur les sources du Moi, la compassion est aussi l’un des sentiments les plus analysés par Leopardi dans son journal philosophique, le Zibaldone. Or, plus que tout autre siècle ou tradition, le XVIIIe siècle marque de son empreinte l’étude léopardienne des passions humaines. La doctrine de la compassion de Leopardi subit-elle aussi cette influence ? Quelle place occupe Leopardi dans l’histoire moderne des théories philosophiques de la compassion ? Se situe-t-il du côté des défenseurs de la compassion, exemplairement représentés par Rousseau, ou du côté de ses nombreux adversaires ? Après un premier chapitre introductif sur le contexte où prend forme le nouveau paradigme moral et lexical du XVIIIe siècle, cette recherche aborde les grandes questions rencontrées par Leopardi dans son analyse de la compassion : la nature énigmatique de ce sentiment ; ses principes et ses composantes ; les conditions psycho-physiques des différentes catégories de personnes qui sont prédisposées ou non à éprouver ce sentiment ; les objets « pitoyables » ainsi que les états d’âme et les moments de la vie qui favorisent davantage l’apparition de ce sentiment. Enfin, le dernier chapitre ouvre une perspective sur la dernière forme de compassion envisagée par Leopardi : la compassion universelle. Ce travail souhaite ainsi souligner les nuances de la théorie et de l’expérience du sentiment de la compassion chez Leopardi, en montrant la complexité d’une analyse toujours en tension entre anthropologie et morale, ontologie et phénoménologie, philosophie et poésie. / Compassion, at the center of the Enlightenment debate on the fundamentals of sociability and human nature, is perhaps one of the most analyzed feelings in Leopardi’s Zibaldone. Enlightenment contributed, more than any other tradition, to the shaping of Leopardi’s thought, and surely contributed to his interest in passions and human nature. Hence, can we say that it also influenced his examination of compassion ? What is the place of Leopardi within the modern history of the philosophical theories of compassion ? Does he stand with its defenders, whose main champion is Rousseau, or rather with its many opponents ?After an introductory chapter outlining the context in which the new moral and lexical paradigm of the Enlightenment develops, this study explores the topics examined by Leopardi in his analysis of compassion : the enigmatic nature of this feeling, its principles and elements ; the psychophysical conditions of different categories of people who are predisposed, in different degrees, to feel compassion ; the objects that move compassion ; the different moods and stages of life in which one is more inclined to compassion. Finally, the last chapter presents the ultimate form of compassion in Leopardi : the universal compassion. The main goal of this research is therefore to illustrate the diverse facets of the theory and experience of compassion in Leopardi, and to show the complexity of his analysis, which is constantly in between anthropology and morals, ontology and phenomenology, philosophy and poetry. / Al centro del dibattito illuministico sui fondamenti della sociabilità e della natura umana, la compassione è forse uno dei sentimenti più analizzati nello Zibaldone di Leopardi. Più di ogni altro secolo e di ogni altra tradizione, quella illuministica ha contribuito alla formazione del pensiero di Leopardi, influenzandone soprattutto l’interesse verso le passioni e la natura umana. Si può dire che questa tradizione abbia inciso anche sull’analisi leopardiana della compassione ? Qual è il posto di Leopardi nella storia moderna delle teorie filosofiche della compassione ? Si schiera con i suoi difensori, di cui il rappresentante principale è Rousseau, o con i suoi numerosi avversari ?Dopo un primo capitolo introduttivo sul contesto in cui prende forma il nuovo paradigma morale e lessicale dell’illuminismo, questa ricerca affronta le tematiche incontrate da Leopardi nella sua analisi della compassione : dalla natura enigmatica di questo sentimento ai princìpi e componenti ; dalle condizioni psicofisiche delle diverse categorie di persone che sono più o meno predisposte a provare compassione, agli oggetti “compassionevoli” ; dagli stati d’animo ai momenti della vita in cui si è più inclini a provare questo sentimento. Infine, l’ultimo capitolo offre uno scorcio sull’ultima forma di compassione leopardiana : la compassione universale. Questo lavoro intende così mettere in luce le numerose sfaccettature della teoria e dell’esperienza della compassione in Leopardi, mostrando la complessità di un’analisi sempre in tensione tra antropologia e morale, ontologia e fenomenologia, filosofia e poesia.

The thesis focuses on texts written and translated by members of Group 42, Jiřina Hauková and Jiří Kolář, specifically. It begins with a description of 1940s' literary context, incorporating poetical principles stated by Jindřich Chalupecký, the leading theorist of the Group 42. The research section of the thesis begins with an analysis of Jiřina Hauková's Přísluní and Cizí pokoj and Jiřího Kolář's Křestný list, Ódy a variace and Limb a jiné básně, poetry collections directly influenced and heading towards the poetic principles of the Group 42. This is followed by an analysis of the translations of poems by Dylan Thomas, Carl Sandburg and T. S. Eliot, the key being a comparison of various published versions. In case of Thomas and Sandburg, these are versions by the same translator published in different selections; in case of Eliot, these are versions by different translators. The thesis is concluded by the answer to the question whether and to what extent Jiřina Hauková and Jiří Kolář fulfil the poetic requirements of the Group 42 and to what extent their own poetics are present in the translations.