A tese discute um conjunto de quatro obras do pintor ituano José Ferraz de Almeida Júnior, produzidas entre 1888 e 1897: Caipiras Negaceando, Caipira picando fumo, Amolação Interrompida e Partida da Monção. Procura compreender as principais características dessas obras, examinando-as no seu contexto de produção e recepção. Esforça-se por situá-las tanto em relação ao debate acerca da arte brasileira travado entre meados da década de 1870 e a década de 1890 no Brasil, bem como à produção europeia. Esse exame identifica um tópico central - a filiação às poéticas do realismo/naturalismo, compreendidas, no contexto brasileiro, como estratégia de configuração de uma arte nacional, mas também como esforço de responder a inquietações relativas aos desdobramentos da pesquisa pictórica de tradição europeia: a renovação da pintura de história através da pintura de costumes. Dos aspectos principais dessa discussão, ressalta o papel atribuído - pela crítica e pelo público, em especial paulista - às obras de Almeida Júnior na construção de novas iconografias nacionais. Desenvolve como tese central a interpretação de que o esforço por constituir essa nova visualidade evidencia uma relação complexa com os anseios de auto-representação de uma determinada parcela da sociedade brasileira, centrada especialmente em São Paulo. / The thesis discusses a set of four works by the Brazilian painter José Ferraz de Almeida Júnior, produced between 1888 and 1897: Caipiras Negaceando, Caipira picando fumo, Amolação Interrompida e Partida da Monção. Its purpose is to comprehend the main characteristics of those works, by an examining them in their context of production and reception. The effort is to observe them in relation to the debate on Brazilian art, between the 1870 and 1890\'s, as well as in its relation to European art. This exam stresses a central topic - their filiation to the poetics of realism and naturalism, interpreted, in the Brazilian context, as strategies for creating a national art. It also observes the aim to respond to the developments of the pictorial practice in the European tradition: the renewal of historical painting through the genre painting. From the central aspects of this discussion, it points to the role attributed to Almeida Júnior\'s works, especially by the \"paulista\" critique and public, in the configuration of a new national iconography. The main thesis is that the effort of creating a new \"visuality\" shows a complex relation to the aims of selfrepresentation of a particular group on Brazilian society, centered especially in São Paulo.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 120354.pdf: 3872646 bytes, checksum: 56da6913a3973fd0c5c52ff8e9f1e773 (MD5) Previous issue date: 2014-07-30 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The text investigates how the 31st PANORAMA DA ARTE BRASILEIRA held in 2009, a periodical exposition host by São Paulo Museum of Modern Art was an singular edition for giving an overview of the so-called Brazilian art, when a minimum number of the artists were actually born in Brazil. Therefore, to find the uniqueness of the 31st edition and its curator Adriano Pedrosa, three fundamental reasons involving the exhibition were observed. Such reasons points to the title of this research: Expositive Scene, Expographic Matter and Curatorial Gesture. Through these general issues, the main idea is to answer questions about the authorship on exposition, on the organization of the art pieces at the exhibition physical space and find hints and the metamorphoses surroundings the exhibit. The academic motivation came from the lack of Portuguese publications about curatorial and exhibitions. The final dissertation in the long run can contribute to a research on curatorship field with a meticulous analysis of a curatorial process and a well recognized curator with major exhibitions on his résumé. / O texto investiga como o 31º Panorama da Arte Brasileira 2009, exposição periódica do Museu de Arte Moderna de São Paulo, foi uma edição singular por traçar um panorama de arte dita brasileira com minoria de artistas nascidos no Brasil. Para encontrar o ineditismo da 31ª edição e do seu curador, Adriano Pedrosa, foram mapeados três motivos fundamentais que envolvem a exibição. Estes motivos dão título a pesquisa: a cena expositiva, a matéria expográfica e o gesto curatorial. Busca-se nestes temas mais gerais responder a questões sobre a autoria em exposição, sobre a organização das obras no espaço expositivo e encontrar rastros e devires que cercam a exibição. O incentivo acadêmico surgiu da raridade de publicações em língua portuguesa sobre curadoria e exposições. A dissertação, ao final, pode contribuir no campo investigativo da curadoria como uma análise detalhada de um processo curatorial e um curador reconhecido com importantes exposições.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Artes de Exu trata os objetos de arte não só pelos aspectos artísticos e sociológicos, mas também pelos aspectos que ligam as obras a Exu, além do enunciado. Como coisa contida na concepção, na execução e imbricada na própria história da obra. As obras escolhidas são: Tridente de NI (2006) de Alexandre Vogler e Exu dos Ventos (1992), de Mario Cravo Júnior. As obras contêm conflitos que envolvem a mídia, religiosos e políticos. A partir de pesquisas etnográficas é feita uma análise dos olhares que se cruzam na construção dos sentidos na disputa pelo espaço simbólico, considerando ainda o trânsito percorrido pelas obras entre a oficina, o espaço de exposição e a rua. Pertence ainda ao corpo das análises as referências na mídia impressa, forma de veiculação das imagens, apropriações e discursos. As artes de Exu se evidenciam no desenrolar dessas tramas, conforme os objetos artísticos oferecem um lugar para pensar na conciliação entre diferentes: entre a cruz e o tridente, entre Cristo e Exu e entre cristãos e religiões de matriz africana / Artes de Exu deals with art objects not only by its artistic and sociological aspects, but also by the aspects that connect these works to the divinity Exu. As if something is contained in the conception, execution and within the history of these works. The chosen objects are: Alexandre Voglers Tridente de NI (2006) and Mario Cravo Juniors Exu dos Ventos (1992). These works brought conflicts involving press, religion and politics. From ethnographic researches its built an analysis of the different meanings that have been crossed in the construction of senses that struggle for the symbolic space, also considering the movement between street and gallery, performed by these works. Its also present in Artes de Exu the references collected from the printed press, the image circulation, appropriations and discourses. Some works of Exu appear themselves in the upbringing of these conflicts, as the referred art objects offer the condition to think about the conciliation between different aspects such as: the cross and the trident, Christ and Exu and Christians and African related religions

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A pesquisa refere-se à necessidade de se pensar a arte como mecanismo de resistência à crescente institucionalização do campo artístico que se intensificou a partir do século XIX, no Ocidente. Nosso intuito é reunir diferentes práticas artísticas que refletem esta tomada de posição contra os preceitos da Instituição Arte e investigar as possíveis tensões e abalos daí gerados. Na primeira parte, trataremos do conceito de Crítica Institucional tal como pensada por Andrea Fraser, uma das principais teóricas do termo, analisando alguns textos de autores como Benjamin Buchloh que nos ajudem a melhor compreender as práticas de artistas que exerceram algum tipo de resistência ou tensão no âmbito institucional da arte. Na tentativa de alargar o conceito e enxergar novas possibilidades de aplicação teórica, continuamos o capítulo através do pensamento de Foucault e Deleuze acerca da possibilidade de atuação fora da instituição. Em seguida, buscaremos relacionar o conceito de Crítica Institucional com as teorias pós-coloniais, analisando, sobretudo, o pensamento de Walter Mignolo e Antonio Negri. Baseados nesta teoria, nossa pesquisa irá investigar práticas de resistência por meio das obras e ações artísticas. Interessa-nos examinar de que forma o artista formulou visualmente esta crítica ao próprio sistema da arte. Nossa intenção é expandir o conceito de Crítica Institucional para que, na segunda parte, possamos melhor compreender as práticas de artistas como Flavio de Carvalho, Nelson Leirner, Cildo Meireles e Paulo Bruscky, em um contexto brasileiro / This research refers to a need of thinking art as a mechanism of resistance against the growing institutionalization of the artistic field that has intensified since the nineteenth century in the West. Our aim is to bring together different artistic practices that reflect this position towards the precepts of Art Institution and investigate the possible tensions and upheavals generated therefrom. The first part will deal with the concept of Institutional Critique as understood by Andrea Fraser, one of the main theorists on the subject, analyzing some texts from authors such as Benjamin Buchloh to help us better understand the practices of artists who have resisted or even pressured the institution. In an attempt to broaden the concept and see new possibilities for theoretical application, we continue through the chapter on Foucault and Deleuze on the possibility of acting "outside" of the institution. Then, we try to relate the concept of Institutional Critique to postcolonial theories, analyzing especially the writings of Walter Mignolo and Antonio Negri. Based on this theory, our research will investigate practices of resistance by means of works and artistic actions. We are interested in examining how the artist made this visually critical to his own art system. Thus, in the second part we examine the practices of artists like Flavio de Carvalho, Nelson Leirner, Cildo Meireles and Paulo Bruscky in the Brazilian context

Pedro Weingärtner (1853-1929) foi um pintor brasileiro. Sua arte figurativa, realista e acadêmica retratou temas bastante diferentes: tanto paisagens e costumes de camponeses e imigrantes no jovem Rio Grande do Sul quanto a mitologia greco-romana, parte dos cânones temáticos da Europa no século XIX. O artista pintou do agricultor pobre ao presidente da província, havendo em sua arte diversa uma homogeneidade pictórica: o estilo acadêmico herdado do Velho Mundo e aprendido com o mestre William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) em Paris. Pedro Weingärtner viveu entre o Brasil e a Europa representando as diferenças entre os dois continentes. Como se articula essa complexidade da obra de Weingärtner entre o local e o universal? Qual é o peso da cultura europeia em sua arte como memória cultural, e o quanto dela também o artista produziu, principalmente em relação à figura do imigrante alemão? São essas as questões que esta dissertação procura responder. / Pedro Weingärtner (1853-1929) was a Brazilian painter. His figurative, realistic and academic art portrayed rather different themes: landscapes and customs of peasants and immigrants in Rio Grande do Sul as well as Greco-Roman mythology, part of 19th century European canons. The artist painted from the poor farmer to the president of the province, having in his diverse art one homogeneous pictorial aspect: the academic style inherited from the Old World and learned from the master William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) in Paris. Pedro Weingärtner lived between Brazil and Europe representing the differences between both continents. How is this complexity between local and universal articulated in his work? What is the weight of European art as cultural memory in his art, and how much of it did the artist produce himself, especially relative to the image of the German immigrant? These are the questions that this dissertation tries to answer.

Pedro Weingärtner (1853-1929) foi um pintor brasileiro. Sua arte figurativa, realista e acadêmica retratou temas bastante diferentes: tanto paisagens e costumes de camponeses e imigrantes no jovem Rio Grande do Sul quanto a mitologia greco-romana, parte dos cânones temáticos da Europa no século XIX. O artista pintou do agricultor pobre ao presidente da província, havendo em sua arte diversa uma homogeneidade pictórica: o estilo acadêmico herdado do Velho Mundo e aprendido com o mestre William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) em Paris. Pedro Weingärtner viveu entre o Brasil e a Europa representando as diferenças entre os dois continentes. Como se articula essa complexidade da obra de Weingärtner entre o local e o universal? Qual é o peso da cultura europeia em sua arte como memória cultural, e o quanto dela também o artista produziu, principalmente em relação à figura do imigrante alemão? São essas as questões que esta dissertação procura responder. / Pedro Weingärtner (1853-1929) was a Brazilian painter. His figurative, realistic and academic art portrayed rather different themes: landscapes and customs of peasants and immigrants in Rio Grande do Sul as well as Greco-Roman mythology, part of 19th century European canons. The artist painted from the poor farmer to the president of the province, having in his diverse art one homogeneous pictorial aspect: the academic style inherited from the Old World and learned from the master William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) in Paris. Pedro Weingärtner lived between Brazil and Europe representing the differences between both continents. How is this complexity between local and universal articulated in his work? What is the weight of European art as cultural memory in his art, and how much of it did the artist produce himself, especially relative to the image of the German immigrant? These are the questions that this dissertation tries to answer.

Orientador: Cristina Meneguello / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-17T20:33:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Freitas_PatriciaMartinsSantos_M.pdf: 6971861 bytes, checksum: 22b8c297a4cde5311302d8b3055b6eee (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Entre as décadas de 1930 e 1940, reuniram-se em dois ateliês compartilhados no Palacete Santa Helena, os pintores que formaram o Grupo Santa Helena. Dentre suas obras, são notáveis as paisagens em que os artistas registraram o crescimento industrial e urbano de São Paulo. A presente pesquisa visa analisar este registro, por meio do estudo de obras em que os santelenistas retrataram o universo fabril e do modo como a crítica de arte do período, bem como a historiografia subseqüente, interpretaram suas produções. Objetivou-se também caracterizar as formas encontradas pelo Grupo para representar o mundo industrial em suas telas, considerando, a partir do corpus trabalhado, as paisagens industriais como aquelas em que aparecem os signos do urbano e fabril, como as chaminés das fábricas e usinas, mas também as estações de trem e a própria figura do operário. Com intuito de compreender como o Grupo Santa Helena e suas obras se inseriram em seu momento histórico, foram estudadas suas origens, formações profissionais, além da relação que mantinham com o cenário artístico paulista da época. Para tanto, as obras santelenistas foram colocadas em diálogo com produções contemporâneas, brasileiras e internacionais, de modo a apreendermos certa sensibilidade do período. Em um segundo momento, as críticas e a historiografia foram observadas com o objetivo de se entender a construção da identidade do Grupo Santa Helena / Abstract: Between 1930 and 1940, the painters who formed the Santa Helena Group shared a room on Palace St. Helena. Among their works are remarkable landscapes recorded by these artists of the industrial and urban growth of Sao Paulo. This goal of this research is to analyze through these works how the artists portrayed the factory universe and how the art critics of the period and the subsequent historiography interpreted its productions. We will also characterize which shapes the Group chose to represent the industrial world in their paintings. Also from the paintings viewed the industrial landscapes in which the signs of urban factory, as the chimneys of factories and plants, the train stations and the actual figure of the worker appears. In order to understand how the Santa Helena Group and their works were inserted in their historical moment, we studied their backgrounds, professional qualifications, and the relationship they had with the art scene in Sao Paulo at the time. To this end, the santelenista's works were placed in dialogue with contemporary productions, Brazilian and international, in order to grasp certain sensibility of the period. In a second step, criticism and historiography were observed in order to understand the identity construction of the Santa Helena Group / Mestrado / Politica, Memoria e Cidade / Mestre em História

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T07:54:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_PriscillaRamosda_M.pdf: 49760618 bytes, checksum: 8b8ee852fb253ef74a01b1f26f588209 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho ¿ uma investigação sobre a emergência do tema do corpo nas artes visuais da década de 1990 ¿ é composto de três capítulos. O primeiro parte da premissa de que a irrupção do corpo como um tema privilegiado na arte dos anos 1990 relaciona-se ao estabelecimento de uma crise. Ao examinar esta crise, através de uma análise dos debates levantados por alguns teóricos do corpo na contemporaneidade, o capítulo tece um panorama para a compreensão da arte do corpo produzida nos anos 1990. Já o segundo capítulo trata de como a emergência do corpo enquanto um ¿problema¿ na cultura contemporânea refletiu-se no campo das artes visuais. Além de analisar alguns artistas e exposições que obtiveram destaque internacionalmente nos anos 1990, o capítulo discute as teorias ou conceitos do ¿abjeto¿ e do ¿pós-humano¿, largamente empregados pela crítica na caracterização da arte do corpo do período. Já o terceiro e último capítulo examina a arte do corpo realizada no Brasil tendo como parâmetros o 25º Panorama de Arte Brasileira (1997) e o segmento Um e Outro da XXIV Bienal de São Paulo (1998). Duas das mostras periódicas de maior prestígio no país, o Panorama e a Bienal atestam a importância assumida pelo tema do corpo na arte brasileira dos anos 1990 / Abstract: This work ¿ an inquiry into the emergence of the theme of the body in the visual arts of the 1990s ¿ is constituted by three chapters. The first is based on the premise that the irruption of the body as a privileged theme in the art of the 1990s is related to the establishment of a crisis. By examining this crisis, through an analysis of the debates raised by some contemporary body theorists, the chapter weaves a panorama for the comprehension of the art of the body produced in the 1990s. The second chapter then investigates how the emergence of the body as a ¿problem¿ in contemporary culture was reflected in the visual arts field. Besides analyzing some artists an exhibitions which gained prominence internationally in the 1990s, the chapter discusses the theories or concepts of the ¿abject¿ and the ¿post-human¿, largely employed in the characterization of the art of the body of the period. The third and final chapter then examines the art of the body produced in Brazil taking as parameters the 25th Brazilian Art Panorama (1997) and the One and Other segment of the 24th São Paulo Biennial. Two of the most prestigious periodical shows in the country, the Panorama and the Biennial demonstrate the importance gained by the theme of the body in the Brazilian art of the 1990s / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Jorge Sidney Coli Junior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-15T03:08:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Miyoshi_AlexanderGaiotto_D.pdf: 47320743 bytes, checksum: fdb0ea22a0086d29898e0044c8c42df3 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Voltado inicialmente ao estudo da pintura Moema (1866), de Victor Meirelles, e da escultura homônima de Rodolpho Bernardelli (1895), este trabalho ampliou-se às compreensões da personagem desde o seu surgimento, no poema épico Caramuru (1781), até as primeiras décadas do século 20. Moema foi convertida num emblema da cultura brasileira. No processo de transformação, a obra de Meirelles tem um especial sentido. O corpo nu e inerte da índia, em meio à natureza do quadro, foi a adequação de um gênero pictórico à nação que adotou a imagem idealizada do índio como símbolo. O bronze de Bernardelli, mais provocante, acompanha as inquietações decadentistas do fim de século. Para além das duas obras, Moema inspirou outros autores, cujas visões e modos de abordagem contribuíram à permanência da personagem. Mas é a pintura de Meirelles, até hoje pouco compreendida, a sua versão mais brilhante, além de um poderoso comentário do seu tempo / Absctract: This work was initially devoted to a painting and a sculpture, they both named Moema, the former completed in 1866, by Victor Meirelles, and the latter in 1895, by Rodolpho Bernardelli. But it was expanded to understand the character since her creation, in 1781, by Caramuru, an epic poem, until the 20th century beginning. A Native woman, Moema became a Brazilian symbol. Meireles' painting has a special role in that transformation. Moema's naked dead body was an adjustment, concerning to a country that, in the 19th century, took the allegorical image of the Indian as a national symbol. Bernardelli molded a much more provocative Moema. In his bronze, she became more disturbing, taking part of the fin de siècle delight and morbid feelings. Beyond they both, Moema inspired several authors, important to consolidate the character. But Meireles' Moema is the brighter version, a powerful comment of its time, disregarded even in our days / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-15T03:31:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gregato_MarciaElisadePaiva_D.pdf: 14762088 bytes, checksum: e0c9ad0964bcf746b913cef35276b5b2 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: A presente tese apresenta como meta o estudo teórico, crítico e histórico da obra do escultor brasileiro Gastão Manoel Henrique, catalogando os trabalhos produzidos pelo artista a partir da década de cinquenta, investigando suas preocupações expressivas no contexto da história da arte na qual se encontra inserido, bem como analisando a organização formal e espacial das obras e seus procedimentos, comparando-as entre si e também alinhando-as aos trabalhos de outros artistas do período a fim de compreendê-las e classificá-las em distintas sete fases que configuram um recorte da obra do artista até o presente momento. A compreensão desse conjunto de obras se dá através do exame inicial de algumas das questões que marcam a introdução da arte moderna abstrata no Brasil dos anos cinquenta, apontando a Semana de Arte Moderna como marco inicial de nossa tradição artística, passando pela intervenção de Lúcio Costa, na tentativa de modernização da Escola Nacional de Belas Artes, que foi um dos primeiros atos do Governo Vargas com a nomeação dos diretores da área da cultura. Foram analisadas também, por sua relevância, as duas vertentes presentes e formadoras do Movimento Modernista no Brasil, sendo a primeira delas, representada por Graça Aranha, e identificada na obra de Ismael Nery no que diz respeito à aproximação dos artistas cariocas do surrealismo e dadaísmo internacionais; e a segunda, identificada na obra de Candido Portinari e representada por Mário de Andrade, tornando-se hegemônica com a revolução de 1930 e sua vinda para o Ministério da Educação e Saúde Pública - MESP, na gestão Gustavo Capanema. O estudo dessas duas vertentes possibilita a identificação de suas distintas conceituações teóricas, estéticas e ideológicas, bem como o reconhecimento da proximidade que há entre o Modernismo representado por Graça Aranha e os primeiros trabalhos de Gastão Manoel Henrique, nos quais se percebe a relação com outros artistas pioneiros do modernismo internacional, entre os quais se destaca Giorgio de Chirico, de onde se atribui a presença dos motivos arquitetônicos encontrados nos desenhos dos anos cinquenta. Foram também incorporados à tese os relatos do artista acerca das influências recebidas de seu pai, Elmano Henrique, cartazista de profissão e responsável pela educação estética do jovem Gastão, principalmente no que diz respeito ao rigor na fatura artística e conceitual, características identificadas em toda sua produção. Para a compreensão e argumentação das diversas fases, foram necessários ainda o estudo das participações do artista em exposições chaves da neovanguarda brasileira introdutora da arte contemporânea no Brasil; os diálogos múltiplos estabelecidos a partir de meados da década de sessenta entre artistas e espectadores, identificados também na obra de Lygia Clark e iniciados pelo filósofo Merleau-Ponty; e ainda, a partir dos anos oitenta, a influência de Constantin Brancusi, que produziu reverberações tanto em Gastão Manoel Henrique quanto em seu amigo Sergio Camargo. As sete fases identificadas e analisadas a partir desta pesquisa constituem um trabalho inédito que pretende inaugurar na Universidade Brasileira o estudo da obra deste escultor, apontando caminhos para novas pesquisas que possam surgir nacional e internacionalmente / Abstract: A study of the work of Gastão Manoel Henrique: a hypothesis about the different phases The present thesis presents as its goal, the theoretical, critic and historic study of the work from the Brazilian sculptor Gastão Manoel Henrique, cataloguing the works produced by the artist since the fifties, investigating his expressive concerns in the historical context of the art in which he is inserted, as well as analyzing the formal and spatial organization of the works and its procedures, comparing them among themselves and also aligning them with the works of other artists of the same period in order to understand and classify them in seven distinct phases which configure an indention of the artist work until the present moment. The understanding of these set of works is done through the initial examination of some questions that characterize the introduction of the abstract art in Brazil during the fifties, taking the "Semana de Arte Moderna" (Modern Art Week) as the initial landmark of our artistic tradition, passing through the intervention of Lúcio Costa in his attempt to modernize the "Escola Nacional de Belas Artes" (Arts National School), which was one of the first acts of the Vargas Government with the nomination of a director in the area of culture. It was also analyzed, because of its relevance, the two streams present in the formation of Modern Movement in Brazil. The fist one is represented by Graça Aranha, and it is identified in the work of Ismael Nery with respect to the approximation of the artists from Rio de Janeiro to the international Surrealism and Dadaism. The second one is identified in the work of Cândido Portinari and represented by Mário de Andrade, becoming hegemonic with the 1930 Revolution and his coming to the Ministry of Education and Public Health, in the administration of Gustavo Capanema. The study of these two streams made possible the identification of its distinct theoretical conceptions, esthetics and ideologies, as well as the recognition of the proximity between the Modernism represented by Graça Aranha and the first works of Gastão Manoel Henrique, in which it is noticed the relationship with other pioneer artists of the international Modernism, among whom we find Giorgio de Chirico, from whom it is attributed the presence of the architectural motifs found in the drawings of the fifties. It was also incorporated in the dissertation the reports of the artist about the influence he received from his father, Elmano Henrique, cartoonist as a profession and responsible for the esthetic education of the young Gastão, especially in respect to the strength in the artistic fatura and conceptual, identified characteristics in his production. In order to understand and argue the many phases, it was necessary the study of the artist participation in key Brazilian neo-vanguard expositions which were the beginning of the contemporary art in Brazil; and the multiple dialogues initiated in the mid sixties between artists and the audience, also identified on the work of Lygia Clark, and started by the philosopher Merleau-Ponty; and also, beginning in the eighties the influence of Constantin Brancusi, who produced reverberations not only in Gastão Manoel Henrique but also in his friend Sérgio Camargo. The seven phases identified and analyzed on this research constitute a singular work that pretend to inaugurate in the Brazilian University the study of the work of this sculptor, showing ways for new research that might come in the national and international scenario / Doutorado / Doutor em Artes