A Tese na [da] Caixa Preta aborda o princípio de uma entidade exemplificadora de si mesma no dispositivo de arquivamento de uma escritura. Uma coleção de obras de arte contemporâneas brasileiras foi formada com o objetivo de lastrear a mediação e ação culturais tendo como base a realização de exposições e experiências envolvendo o sistema das artes entre seus aspectos formais e informais. Objetivos: Exemplificar a literalidade do papel dos sistemas artísticos formais e informais para obtenção de uma consistência entre a origem simbólica da linguagem e as variações surgidas na repetição [diferência termo de Derrida] conforme a lei do acontecimento [também de acordo com Jacques Derrida] e do poder retrospectivo de um dispositivo arquivante de uma escritura Métodos: Exercício de papéis diferentes e experimentais nesse sistema das artes: entre o pesquisador, colecionador, curador, artista, espectador, leitor e por último, o escritor [aquele que redige a própria experiência como o dispositivo que irá arquivar todos os resultados obtidos durante o processo]. Resultados: A coleção formada foi transformada em lastro conceitual para várias instalações e exposições artísticas. Os resultados da mediação e ação cultural entre os circuitos formal e informal do sistema das artes foram documentados, além da escritura de uma tese, em um DVD com o mesmo título: A Tese na [da] Caixa Preta que mostra [como matéria de prova], em três vídeos, as imagens das experiências citadas. / The thesis in [of] the black box is based on the principle of an entity that exemplifies itself in an archive scriptural system. Several Brazilian Contemporary Art pieces were acquired to form a collection which was used for cultural action and mediation purposes such as exhibitions and experiences involving the Brazilian art system in its formal and informal aspects. Objectives: To exemplify the literality role within the formal and informal art systems in order to have a consistency between the symbolic origin of language and the variations that appear in repetition [differance term used by Derrida] according the event law [in Jacques Derridas philosophy perspective] and the retrospective power of archival device of scripture. Results: The formal art collection was transformed into conceptual ballast for several artistic installations and exhibitions. The results of the cultural actions and mediation within the formal and informal circuits of the Brazilian art system were documented, beyond the thesis writing process [thesis scripture], in a DVD with the same title: The thesis in [of] the black box that shows [as a matter of proof], in three videos, the images of the above mentioned experiences.

Este estudo investiga as produções artísticas de Wanda Pimentel e Teresinha Soares em meados da década de 1960 e início da década de 1970, com o objetivo de analisar a questão de gênero e a construção da subjetividade feminina. A pesquisa buscou analisar as relações estéticas das obras de Pimentel e Soares à luz das influências das teorias feministas que migravam dos Estados Unidos para o Brasil ao final dos anos de 1960. A partir disso, destacou as relações teóricas entre as questões de gênero e as práticas artísticas das vanguardas brasileiras. Ademais, esta pesquisa tratou da circulação das obras de Pimentel e Soares, visto que as artistas estiveram inseridas no circuito de arte brasileiro em exposições coletivas, salões e bienais no período estudado. Esse contexto de circulação permitiu uma visão crítica frente à retomada das obras dessas artistas em exposições internacionais nos últimos três anos, em virtude de uma política revisionista dos museus acerca das questões de gênero e da produção artística de países à margem dos centros culturais canônicos. O estudo amplia o conhecimento acadêmico sobre as produções artísticas realizadas por mulheres nas décadas de 1960 e 1970, que adotaram a crítica feminista sem se ater a movimentos sociais, contribuindo para o debate sobre a suposta marginalidade da mulher no circuito de arte brasileiro durante a ditadura militar. / This study investigates the artistic productions of Wanda Pimentel and Teresinha Soares in the mid - 1960s and early 1970s, with the objective of analysing the issue of gender and the construction of female subjectivity. The research seeks to analyse the aesthetic relations of the works of Pimentel and Soares in light of the influences of feminist theories that migrated from the United States to Brazil in the late 1960s. This highlights the theoretical relations between gender issues and the artistic practices of the Brazilian vanguard. In addition, this research looks at the circulation of the works of Pimentel and Soares given that both were part of the Brazilian art circuit in collective exhibitions and biennials in this period. This context of the circulation of art allows a critical view of the return of the work of these artists to international exhibitions in the last three years; a return driven by the revisionist policies of museums on issues of gender and artistic production in countries outside the canonical cultural centres. The study expands the academic knowledge about artistic productions made by women in the 1960s and 1970s, who adopted a feminist critique without reference to social movements, contributing to the debate about the supposed marginalisation of women in the Brazilian art circuit during the dictatorship military.

O Antarctica artes com a Folha foi uma exposição de arte contemporânea realizada no Pavilhão Manoel da Nóbrega, em São Paulo, em 1996. Ao reunir 62 artistas naturais de onze estados brasileiros e com até 32 anos de idade, a coletiva construiu um enunciado forte e bastante disseminado do que seria, dentro da perspectiva de sua equipe, a \"geração 90\" do país. O objetivo desta tese é realizar um estudo de caso da mostra, atentando para o seu vínculo com práticas sociais de valoração do \"capital juventude\" (DEBORD, 1997, p.108) e, por conseguinte, para o seu papel na definição de critérios e discursos, sempre relativos, de uma arte \"jovem\" e \"brasileira\" em 1996. Isso envolve, em primeira instância, organizar uma narrativa histórica que articule as perspectivas dos diferentes agentes que fizeram o projeto, a partir de documentos de época, uma vasta cobertura jornalística e entrevistas concedidas por artistas, curadores, organizadores, jornalistas, críticos, arquitetos e galeristas. Em segunda instância, mas de forma intercalada ao exercício narrativo, coube examinar as categorias dos discursos do Antarctica para entender por que e como priorizaram a temporalidade do evento, com edição única, e nele produziram ideias de geração e região. / Antarctica artes com a Folha (Antarctica arts with Folha [de São Paulo newspaper]) was a contemporary art exhibition held at the Pavilhão Manoel da Nóbrega (Manoel da Nóbrega Pavillion) in São Paulo in 1996. By bringing together 62 artists up to 32 years of age from 11 Brazilian states, the exhibition team formulated a powerful and widely disseminated exhibition statement of what, from their specific standpoint, would become the country\'s \'90s Generation. The aim of this thesis is to carry out a case study of the group show, emphasizing its link to social practices of valorisation of the \"capital of youth\" (Debord, 1997: 108), thus noting its role in establishing the always relative criteria and discourses of a \"young\" and \"Brazilian\" art in 1996. This involves firstly organizing a historical narrative that articulates the perspectives of the different agents who organized and produced the project, based on documents from that time, on wide media coverage and interviews granted by artists, curators, organizers, journalists, art critics, architects, and gallerists. And secondly, proceeding to examine the categories of discourses of the Antarctica, though in a way that is interspersed with the narrative exercise, in order to understand why and how the event\'s temporality was prioritized, namely as a one-time event, wherein ideas about generation and region were produced.

Essa dissertação versa sobre a noção de arte afro-brasileira, tomando os principais estudos voltados à questão, exposições emblemáticas ao redor do tema e os contextos de fundação e expografia de duas instituições decisivas da área o Museu Afro-Brasileiro, em Salvador, e o Museu Afro Brasil, em São Paulo como meios privilegiados de acesso às disputas conceituais e políticas que a constituem. Subjaz ao entendimento geral do estudo que as dificuldades de conceituação dessa arte de muitos nomes negra, afrodescendente, afro-orientada, diaspórica, preta etc. e os distintos significados que lhe foram sendo atribuídos ao longo do século XX, se relacionam de maneira incerta, porém constante, com as ambiguidades que informam as relações raciais no Brasil. Os capítulos que compõem essa dissertação buscam se debruçar sobre esse mosaico de usos, interpretações e definições que dão corpo e sentido, ainda que instável, ao termo. Afinal, quando se faz ou se fala em arte afrobrasileira, do que se está falando e o que se está fazendo? Quando uma exposição ou museu são organizados em torno desse conceito, que critérios e entendimentos são por eles acionados e, por fim, também criados? / privileged means to access the conceptual and political disputes that constitute it studies and emblematic exhibitions on the subject, and the contexts of creation and expography of two decisive institutions of the area, the Museu Afro-Brasileiro in Salvador and the Museu Afro Brasil in São Paulo. It underlies this study that the difficulties of conceptualizing this many named Art - black, Afro-descendent, Afrooriented, diasporic etc. - and the multiple meanings given to it along the 20th century are related in an uncertain but constant way to the ambiguities of racial relations in Brazil. The chapters of this dissertation seek to explore the multiple uses, interpretations and definitions that give body and meaning, albeit uncertain to this notion. After all, when Afro-Brazilian Art is produced or talked about, what exactly is being produced or talked about? When an exhibition or museum are organized around the subject, what understandings and criteria are being used and also created?

Olhares brasileiros judaicos: A presença do judaísmo na arte brasileira contemporânea pretende mostrar vestígios da cultura judaica na arte brasileira contemporânea. Os imigrantes judeus que chegaram ao Brasil no século XX trouxeram consigo, em sua maioria, um pensamento liberal do judaísmo que influenciou a relação com as artes plásticas dentro do judaísmo europeu. O presente trabalho parte da hipótese de que a aproximação do judaísmo e artes plásticas também teve continuidade no Brasil, uma vez que os judeus imigrantes vindos de Europa e as gerações seguintes conseguiram integrar-se com sucesso na sociedade brasileira. A questão central, portanto, é saber em que formas e conteúdos essa influência cultural se articula. É apresentada a primeira geração de artistas judeus no Brasil, que forneceu impulsos importantes para o desenvolvimento da arte moderna, tendo como pano de fundo a evolução cultural e artística do judaísmo e sua compreensão emancipada da proibição bíblica de representação de imagens. Porém, exceto por Lasar Segall, encontram-se marcas judaicas na arte brasileira apenas na segunda metade do século XX. Através da obra de quatro artistas judeus brasileiros escolhidos, cuja análise não pretende ser absolutamente completa e representativa, na parte central desta tese são constatados elementos de cultura judaica na criação artística que se fazem notar tanto sob o aspecto formal e de conteúdo quanto em posições éticas, religiosas dos artistas. Dali resulta uma forma híbrida de cultura ou identidade brasileira e judaica: olhares brasileiros judaicos. Do ponto de vista da metodologia são significativos, além das entrevistas realizadas com os artistas, os tratados científicos sob arte judaica e artistas judeus, que possibilitam uma contextualização global. / Brazilian-Judeo Gazes: The presence of Judaism in contemporary Brazilian art attempts to identify vestiges of Hebrew culture in Brazilian contemporary art. Jewish immigrants to Brazil during the 20th century brought with them, largely, a liberal Jewish thinking which influenced the relationship of the plastic arts in European Judaism. This present work stems from the hypothesis that the approximation of Judaism and the plastic arts had continuity in Brazil, once the Jewish immigrants coming from Europe and subsequent generations were able to successfully integrate themselves into Brazilian society. The central question, therefore, is to know the forms and types of content this cultural influence articulated with. Within, we present the first generation of Jewish artists in Brazil who provided important impulses for the development of modern art, and which served as the underlying fabric for the Jewish cultural and artistry evolution with its emancipated understanding from the biblical prohibition on the representation of images. However, except for Lasar Segall, distinct Jewish hallmarks in Brazilian art make their appearance only at the second half of the 20-century. Through the work of four selected Brazilian-Judeo artists, whose analysis does not intend to be absolutely complete and representative, there is in the central part of this thesis, verifiable Jewish elements in the artistic creation which standout as much for their formal aspects and content as their ethical and religious positions of the artists. From there a hybrid form of the culture resulted or, Brazilian-Judeo identity: olhares brasileiros judaicos (Brazilian-Judeo Gazes). The methodological aspects of this study are significant, in addition to interviews conducted with the artists, there are scientific treatises about Jewish art and Jewish artists that allow for a global contextualization of the subject.

A dissertação aqui presente procura cartografar a produção artística da brasileira Regina Vater, desde seu período de formação durante os anos 60 no Rio de Janeiro, até meados da década de 90, quando já fixara residência nos EUA. Vater é contemporânea de um período fértil da produção plástica nacional, tendo participado tanto dos pressupostos figurativos dos anos 60, até os conceitualismos dos 70, culminando assim nas décadas seguintes em um ecologismo artístico votivo que se perpetua até os dias atuais. Nesse percurso, deu-se ênfase nas relações entre sua produção artística e o movimento feminista brasileiro, procurando com isso estabelecer vínculos teóricos e críticos com as principais questões feministas em voga e as práticas artísticas conceitualistas e de vanguarda. / The dissertation presented here seeks to chart the artistic production of the Brazilian artist Regina Vater, since her formation during the period of 60`s in Rio de Janeiro until the mid-90´s, when she already set residence in the U.S.. Vater is contemporary of a fertile plastic production in the country, taking part in both figurative assumptions of 60´s, until the conceptualism of 70´s, thus leading to the following decades in an artistic votive environmentalism that is perpetuated to this day. In this course, was placed emphasis on the relationship between artistic production and Brazilian feminist movement, seeking to establish theorists and critics links with the principal feminist issues and practices in vogue and the artistic avant-garde and conceptual.

Essa dissertação versa sobre a noção de arte afro-brasileira, tomando os principais estudos voltados à questão, exposições emblemáticas ao redor do tema e os contextos de fundação e expografia de duas instituições decisivas da área o Museu Afro-Brasileiro, em Salvador, e o Museu Afro Brasil, em São Paulo como meios privilegiados de acesso às disputas conceituais e políticas que a constituem. Subjaz ao entendimento geral do estudo que as dificuldades de conceituação dessa arte de muitos nomes negra, afrodescendente, afro-orientada, diaspórica, preta etc. e os distintos significados que lhe foram sendo atribuídos ao longo do século XX, se relacionam de maneira incerta, porém constante, com as ambiguidades que informam as relações raciais no Brasil. Os capítulos que compõem essa dissertação buscam se debruçar sobre esse mosaico de usos, interpretações e definições que dão corpo e sentido, ainda que instável, ao termo. Afinal, quando se faz ou se fala em arte afrobrasileira, do que se está falando e o que se está fazendo? Quando uma exposição ou museu são organizados em torno desse conceito, que critérios e entendimentos são por eles acionados e, por fim, também criados? / privileged means to access the conceptual and political disputes that constitute it studies and emblematic exhibitions on the subject, and the contexts of creation and expography of two decisive institutions of the area, the Museu Afro-Brasileiro in Salvador and the Museu Afro Brasil in São Paulo. It underlies this study that the difficulties of conceptualizing this many named Art - black, Afro-descendent, Afrooriented, diasporic etc. - and the multiple meanings given to it along the 20th century are related in an uncertain but constant way to the ambiguities of racial relations in Brazil. The chapters of this dissertation seek to explore the multiple uses, interpretations and definitions that give body and meaning, albeit uncertain to this notion. After all, when Afro-Brazilian Art is produced or talked about, what exactly is being produced or talked about? When an exhibition or museum are organized around the subject, what understandings and criteria are being used and also created?

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao adriana cultura visual.pdf: 8383035 bytes, checksum: 4b9b9841f5978386597591236a035c7e (MD5) Previous issue date: 2008-12-12 / The present work has themselves in the study of (re) significance of the heritage of religious and mythological deities in the african-Brazilian artistic production, with emphasis on the symbolic presence of the messenger Exu in the work of Mario Cravo Neto. In this research we seek to understand the artistic context African American and the various forms of Exu representation of the messenger, especially in contemporary photograph of the artist Mario Cravo Neto. We promote a dialogue between the mythology of the deities mainly the myths that narrates the stories of Exu, with the production of photographic series called Laróyè. This production about the African philosophy, where religion and art are not separate. The study focuses mainly on the connections that Mario Cravo Neto establish with the worship of deities, specifically the relationship between religiosity and imagery generated in the cosmology of gods Africans in Brazil and its constant changes in the face of artistic and religious diversity / O presente trabalho detém-se no estudo da (re)significação da herança religiosa e mitológica dos orixás na produção artística afro-brasileira, com ênfase na presença simbólica do mensageiro Exu na obra de Mario Cravo Neto. Nesta pesquisa buscamos a compreensão do contexto artístico afro-brasileiro e as diferentes formas de representação do mensageiro Exu, especificamente na fotografia do artista contemporâneo Mario Cravo Neto. Promovemos um diálogo entre a mitologia dos orixás, principalmente os mitos que narram as histórias de Exu, com a produção da série fotográfica denominada Laróyè. Esta produção elucida a filosofia africana, onde religião e arte não se separam. O estudo foca, sobretudo as conexões que Mario Cravo Neto estabelece com o culto dos orixás, especificamente as relações entre a religiosidade e a imagética gerada na cosmologia dos deuses africanos no Brasil e suas constantes transformações diante da diversidade artística e religiosa

A Tese na [da] Caixa Preta aborda o princípio de uma entidade exemplificadora de si mesma no dispositivo de arquivamento de uma escritura. Uma coleção de obras de arte contemporâneas brasileiras foi formada com o objetivo de lastrear a mediação e ação culturais tendo como base a realização de exposições e experiências envolvendo o sistema das artes entre seus aspectos formais e informais. Objetivos: Exemplificar a literalidade do papel dos sistemas artísticos formais e informais para obtenção de uma consistência entre a origem simbólica da linguagem e as variações surgidas na repetição [diferência termo de Derrida] conforme a lei do acontecimento [também de acordo com Jacques Derrida] e do poder retrospectivo de um dispositivo arquivante de uma escritura Métodos: Exercício de papéis diferentes e experimentais nesse sistema das artes: entre o pesquisador, colecionador, curador, artista, espectador, leitor e por último, o escritor [aquele que redige a própria experiência como o dispositivo que irá arquivar todos os resultados obtidos durante o processo]. Resultados: A coleção formada foi transformada em lastro conceitual para várias instalações e exposições artísticas. Os resultados da mediação e ação cultural entre os circuitos formal e informal do sistema das artes foram documentados, além da escritura de uma tese, em um DVD com o mesmo título: A Tese na [da] Caixa Preta que mostra [como matéria de prova], em três vídeos, as imagens das experiências citadas. / The thesis in [of] the black box is based on the principle of an entity that exemplifies itself in an archive scriptural system. Several Brazilian Contemporary Art pieces were acquired to form a collection which was used for cultural action and mediation purposes such as exhibitions and experiences involving the Brazilian art system in its formal and informal aspects. Objectives: To exemplify the literality role within the formal and informal art systems in order to have a consistency between the symbolic origin of language and the variations that appear in repetition [differance term used by Derrida] according the event law [in Jacques Derridas philosophy perspective] and the retrospective power of archival device of scripture. Results: The formal art collection was transformed into conceptual ballast for several artistic installations and exhibitions. The results of the cultural actions and mediation within the formal and informal circuits of the Brazilian art system were documented, beyond the thesis writing process [thesis scripture], in a DVD with the same title: The thesis in [of] the black box that shows [as a matter of proof], in three videos, the images of the above mentioned experiences.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:44:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sullivan Bernardo de Almeida.pdf: 12110307 bytes, checksum: 01576eb38f85b76f20f714588b172d60 (MD5) Previous issue date: 2012-12-12 / Instituto Presbiteriano Mackenzie / Di Cavalcanti's official production is the subject of studies in many disciplines, each of which takes its own particular approach. This official production is understood to be all of the verbal-imagery work produced by the artist throughout his career in order to meet the demands of the art market. However, the book Cartas de Amor à Divina, a compendium containing letters, cards, drawings and reproductions of portraits of Ivette Bahia Rocha, the "Divina", is understood as unofficial production. Published in 1987, the book records the fifteen-year loving relationship of Di Cavalcanti and Ivette. The set reveals the drama of an older man, 62 at the time, who cannot control a 23-year-old woman. Ivette met the painter in 1959 on a visit to his studio in Copacabana, Rio de Janeiro, and became an assiduous studio guest, occupying, little by little, all spaces of the artist's life: she was his secretary, financial administrator, muse and wife. The relationship ended in 1974, during the middle of a political and cultural transformation in Brazil. Structured from the concepts that guide the study of History of Culture, this study is dedicated to analyzing the verbal imagery content contained in Di Cavalcanti's epistolary, which was transformed into a book in 1987. The goal is to identify the reasons for which the relationship's dynamic was conflicted and how such subversions interfered or not in the painter s artistic production. / A produção oficial de Di Cavalcanti é objeto de estudos em diferentes disciplinas e, abordada de forma diversa em cada uma delas. Entende-se como produção oficial toda obra imagético-verbal produzida pelo pintor ao longo de sua carreira artística e, com objetivo de atender as demandas do mercado de arte. Porém, entende-se como produção oficiosa o livro Cartas de Amor à Divina, um compêndio contendo, cartas, cartas-desenhos e reproduções dos retratos de Ivette Bahia Rocha, a destinatária. Publicado em 1987, o livro é um registro dos quinze anos de relacionamento afetivo vivido por Di Cavalcanti e Ivette, a Divina. O conjunto revela o drama de um homem que não consegue controlar uma jovem de 23 anos, tendo ele à época 62 anos de idade. Ivette conheceu o pintor em 1959 em visita ao seu atelier, em Copacabana, no Rio de Janeiro. Tornou-se uma das convivas assíduas do atelier, ocupando, pouco a pouco, todos os espaços na vida do artista. Foi secretária, administradora financeira, musa e mulher. O relacionamento terminou em 1974 em meio à transformação político e cultural pela qual passava o Brasil. Estruturada a partir dos conceitos que orientam os estudos da História Cultural, esta pesquisa dedica-se a análise do conteúdo imagético-verbal contido no epistolário de Di Cavalcanti transformado em livro em 1987. O objetivo é identificar os motivos pelos quais se instalavam os conflitos naquela dinâmica relacional e, de que maneira aquelas subversões interferiam ou não na produção artística do pintor.