Cette thèse vise à répondre à la question L’entreprise d’ameublement IKEA peut-elle être envisagée comme les prémices de réalisation d’une œuvre d’art totale ? La réflexion est menée en deux grandes parties distinctes. La première se concentre sur le concept wagnérien d’œuvre d’art totale. Grâce à la littérature scientifique sur le sujet, il est montré l’importance du wagnérisme pour la culture occidentale du XXe siècle et l’intérêt du concept au sein du champ des études intermédiales. Puis, l’exposition des origines du concept et de plusieurs applications ou réappropriations, telle que celle du Bauhaus, permet d’en souligner la nature socioesthétique et d’en distinguer deux dimensions : une purement idéaliste, celle de l’utopie sociétale en devenir (l’œuvre d’art totale accomplie) ; et une dimension plus concrète, visant l’atteinte de cet idéal grâce aux arts, ce que je nomme les amorces partielles de l’œuvre d’art totale (outil de mise en place de l’œuvre d’art totale). Enfin, en vue de l’étude d’IKEA, l’attention se concentre sur la dimension concrète du concept et est ainsi proposée une liste de caractéristiques propres aux amorces partielles permettant d’évaluer l’objet d’étude. Celle-ci concerne : l’impact massif des actions de l’objet étudié, l’expression d’ambitions sociales, voire utopiques, par celui-ci, et sa capacité à représenter un « commun » du peuple. La seconde partie entièrement dédiée à IKEA vise à vérifier la correspondance entre l’entreprise (les actions de ses acteurs, ses produits et ses effets) et les trois caractéristiques identifiées des amorces partielles de l’œuvre d’art totale. Ceci est réalisé à partir de trois recherches différentes : une étude stylistique comparative entre certaines icônes du design du Bauhaus et du design scandinave avec les produits IKEA ; l’exposition du storytelling mis en place par l’enseigne et l’observation des déclarations de son fondateur, Ingvar Kamprad ; une étude des mises en scène d’aménagements intérieurs au sein des catalogues et des showrooms de la marque. Les résultats de l’ensemble semblent indiquer qu’IKEA est un élément socioculturellement structurant de notre rapport aux objets du quotidien et de notre domesticité . Et que, sous condition d’une authenticité des valeurs exprimées par l’entreprise et d’une correspondance de celles-ci avec les actions mises en place par ses acteurs, elle pourrait peut-être atteindre ses ambitions de créer « a better everyday life for the many people ». En ce sens, IKEA pourrait être considérée comme une manifestation d’une amorce partielle, tout en étant porteuse d’une évolution conceptuelle bien plus fondamentale qu’il n’y paraît. / This thesis aims to answer the question Can the IKEA furniture company be seen as the beginnings of a total work of art? The reflection is carried out in two main parts. The first part focuses on the Wagnerian concept of the total work of art. Through the scientific literature on the subject, the importance of Wagnerism for twentieth-century Western culture and the interest of the concept within the field of intermedial studies are shown. Then, the exposition of the origins of the concept and of several applications or reappropriations, such as that of the Bauhaus, allows us to underline its socio-aesthetic character and to distinguish two dimensions: a purely idealistic one, that of the societal utopia to become (the accomplished total work of art); and a more concrete one, aiming at the attainment of this ideal thanks to the arts, what we call the amorces partielles (partial triggers) of the total work of art (a tool for fulfillment of the total work of art). Finally, in view of the study of IKEA, attention is focused on the concrete dimension of the concept and a list of characteristics of the amorces partielles is proposed to evaluate the object of study. This concerns: the massive impact of the actions of the object studied, its expression of social, even utopian, ambitions, and its capacity to represent a "commun" (common) of the many people. The second part, entirely dedicated to IKEA, aims to verify the correspondence between the company (the actions of its agents, its products and its effects) and the three characteristics identified as amorces partielles of the total work of art. This is achieved through three different research projects: a comparative stylistic study between certain Bauhaus and Scandinavian iconic design objects and IKEA products; the exposition of the storytelling set up by the brand and the observation of the statements of its founder, Ingvar Kamprad; a study of the staging of interior design in the brand's catalogues and showrooms. The results of all these studies seem to indicate that IKEA is a socio-cultural element shaping our relationship with everyday objects and our domesticity. And that, provided that the values expressed by the company are authentic and correspond with the practices adopted by its agents, it could perhaps achieve its ambitions to create "a better everyday life for the many people". In this sense, IKEA could be seen as a manifestation of an amorces partielles, yet at the same time as the bearer of a much more fundamental conceptual shift than it appears.

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Nous savons que le Nietzsche juvénile au temps de La naissance de la tragédie espérait une renaissance de la tragédie à partir de la musique de Wagner et des a priori archaïques de la Grèce antique : le dionysisme et l'apollinisme. La question principale que Nietzsche se posa dans La naissance de la tragédie est : est-ce que la musique de Wagner est apte à engendrer une nouvelle vision tragique du monde (Weltanschauung) à l'image des Grecs dans laquelle le goût allemand, en matière d'esthétisme, se reconnaîtrait par le romantisme wagnérien? Voilà notre aperçu du problème de la renaissance de la tragédie dans lequel nous avons situé plus précisément notre problématique sur le rôle de la musique dans La naissance de la tragédie de Nietzsche.

Im vorliegenden Beitrag „In der Börse, am Hain und im Museum. Friktionen Urbaner Praxis im Ausstellen von Stadtgeschichte“ wird anhand künstlerisch-kuratorischer Kooperationen mit dem Stadtgeschichtlichen Museum Leipzig beschrieben, inwiefern auch museale Institutionen Räume Urbaner Praxis darstellen und maßgeblich verantwortlich dafür sind, wie städtischer Raum gelesen und gestaltet wird. Als öffentliche Institutionen haben Museen Zugriff auf Räume im Sinne einer Dynamisierung in der Zeit und „verwalten“ gleichzeitig mit den Archiven und Sammlungen deren Zugänglichkeit und das Wissen über deren bisherige Vorstrukturierung, Besetzung und Prägung. Anhand zweier Beispiele, einer performativen Intervention in der Alten Handelsbörse Leipzig und einer künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Richard-Wagner-Hain, wird die Verschränkung von Historie und Gegenwart städtischer Räume mit aktuellen Fragen einer demokratischen Gesellschaft beschrieben.

In addition to his renowned musical output, Richard Wagner produced a logorrhoeic prose oeuvre, including a dramatic sketch of the last weeks of the life of Jesus Christ entitled Jesus von Nazareth. Though drafted in 1848-1849, it was published only posthumously, and has therefore been somewhat neglected in the otherwise voluminous Wagnerian literature. This thesis first examines the origins of Jesus von Nazareth amidst the climate of revolution wherein it was conceived, ascertaining its place within Wagner’s own internal development and amongst the radical thinkers who influenced it. While Ludwig Feuerbach has traditionally been seen as the most prominent of these, this thesis examines Wagner’s sources more broadly. The thesis then summarizes and analyzes Jesus von Nazareth itself, particularly in terms of Wagner’s use of biblical scripture. The thesis demonstrates how his not infrequent misuse thereof constitutes one way in which Wagner transmogrifies Jesus as mutable lens through which his own ideology of social revolution is reflected. It also attempts to provide a critical assessment of the relative dramatic merits of Jesus von Nazareth and looks into Wagner’s ultimate decision not to complete the work. The thesis then briefly summarizes the changes that occurred in Wagner’s mature Christological outlook subsequent to his drafting of Jesus von Nazareth, attempting to concisely demonstrate some developments beyond Wagner’s well-known encounter with the philosophy of Arthur Schopenhauer. The thesis concludes with an evaluation of how Jesus von Nazareth informed Wagner’s general religious outlook and the extent to which this worldview is a productive one.

Die Dissertation untersucht die Entwicklung des Gesamtkunstwerk-Konzeptes und seine Aktualität, Möglichkeit und Notwendigkeit in Bezug auf ein modernes filmisches Gesamtkunstwerk. Ausgegangen wird von der ästhetischen Theorie und Praxis der deutschen Frühromantik, in der das Konzept wurzelt. In einer umfassenden Betrachtung und Analyse der ästhetischen und gesellschaftspolitischen Dimension des Konzeptes in den Schriften und dem Werk Richard Wagners sollen wesentliche Strukturmerkmale erkundet und soll ein Maßstab für ein ‚positives‘ zeit-genössisches Gesamtkunstwerk gebildet werden, das sich von seinem ideologischen Missbrauch befreit. Erforscht wird, inwiefern der Farb- und Tonspielfilm ein geeignetes Kunstmedium für die Anwendung des Konzeptes darstellt und wie sich die Frage seiner gesellschaftspolitischen Dimension in der globalen Epoche übersetzen lässt. / The dissertation explores the evolution of the concept of the Total Work of Art (ʹGesamtkunstwerkʹ) as well as its actuality, feasibility and necessity in the form of a modern cinematic Gesamtkunstwerk. Starting point is the aesthetic theory and praxis of the Early German Romanticism, in which the concept is rooted. An extensive consideration and analysis of the concept in both its aesthetic and socio-political dimension as developed in the writings and works of Richard Wagner aims to define its essential structural features and to set the standard for a ʹpositiveʹ contemporary Gesamtkunstwerk beyond its ideological abuse. Key is the examination of how and to what extend the sound and colour feature film constitutes a legit artistic medium for the application of the concept as well as how its sociopolitical facet translates within the global era.

Cette thèse se propose d’étudier la difficulté de l’estimation de la distance dans le cadre de la géométrie de l’espace visuel. En philosophie de la perception, cette thèse est d'abord discutée au plan épistémologique : comment savoir que cette distance n'est pas connue ou connaissable, quoique perçue et discutée. Les travaux de Berkeley nous servent de point de départ et fixent un cadre spéculatif, puisque Berkeley soutient en effet que le jugement porté sur la distance résulte entièrement de l'expérience, quoique cette distance ne puisse être vue phénoménalement. La thèse se propose d'examiner une question essentielle supportée par cette alternative centrale mais au plan ontologique cette fois : comme déterminer de quel type est la distance : est-elle inconsciemment visible ? tangible ? ou visible et tangible à la fois ? Peut-elle être une entité assignable dans un espace hyperbolique, ou sphérique, un espace strictement euclidien, ou hyperbolique et sphérique en même temps qu'euclidien ? Pour appuyer notre propos et notre recherche nous mettrons à l’épreuve différents textes et expériences en passant de Berkeley à I. Rock ou de T. Reid à M. Wagner. Notre but aura été d'explorer les limites argumentatives et de montrer ce qui est impliqué par ces différentes appréciations et assignations de la distance dans tel ou tel espace déterminé. A chaque fois s'affrontent la géométrie de l’espace visuel et l’optique physiologique, mais au sein d'un même débat de fond qui consiste à savoir comment définir philosophiquement l’estimation de la distance ? / This thesis examines the difficulties in estimating the geometrical distance of visual space. Submitted in the field of Philosophy of Perception, this thesis is first discussed from an epistemological standpoint: how does one know that this distance is unknown or unknowable despite being perceived and discussed. The various works of Berkeley serve as a point of depart and establish a speculative framework as Berkeley held that judgment of distance results entirely from experience despite the fact that this distance cannot be seen in a phenomenal way. This thesis examines an essential question supported by this central problem, this time from an ontological position: how is the type of distance to be determined: is it unconsciously visible?tangible? or both visible and tangible at the same time? Can it be categorized in a hyperbolic space, or spherical space, or a strictly Euclidean space, or hyperbolic and spherical at the same time as Euclidean? In support of the thesis and research, various texts and experiences have been examined and contrasted, including those of Berkeley and I. Rock as well as T. Reid and M. Wagner. The goal has been to explore the limits of argumentation and to show what is implicated by these different accounts and assignment of distance in one, versus another, determined space; additionally studying subjects including the experience of the alleys or the so-called the moon illusion, which appeared to be demonstrative examples. In each instance, geometry of visual space and physiological optics confront one another, but at the center of this same fundamental debate is the question of how to define the estimation of distance philosophically?

Strategic level spiritual warfare has been an emerging trend within Evangelical missiology ever since C. Peter Wagner published his Spiritual Power and Church Growth (1986). The distinctive doctrines of Wagner’s SLSW are 1. The doctrine of territorial spirits, which entails the belief that powerful demons control specific geographical territories and its human inhabitants. Through a variety of spiritual warfare techniques such demons can be overcome. 2. The doctrine of territorial defilement. The assumption here is that a territorial spirit can only hold people in a location in bondage if it has obtained the legal right to do so because of sins and evils committed in that locality in the past. Identificational repentance on behalf of the people living in such territories removes the legal right of the territorial spirits. 3. The doctrine of Strategic Level Spiritual Warfare prayer. The underlying assumption is that territorial spirits can only be removed by means of aggressive spiritual warfare in the form of a variety of prayer and exorcism methods for dealing with territorial spirits. (4) The doctrine of territorial commitment. This doctrine justifies the exercise of spiritual power and authority by modern apostles in their communities. Wagner’s missiology has been largely shaped by the church growth movement. In his quest for better techniques to bring about mass conversions Wagner, impressed by the Latin American Pentecostal churches, embraced Pentecostalism and developed SLSW. However, a thorough biblical study demonstrates that SLSW is mostly unbiblical. A study of SLSW in Church history also demonstrates that SLSW was never accepted in orthodox Christianity. From a contextual point of view SLSW turns out to be a North American missiology with nationalist and political biases. Finally, when looking at the potential effects of a SLSW style missiology in the context of Malawi it emerges that Wagner’s SLSW is likely to reinforce rather than diminish the prevalent witchcraft fears in the Malawian society. At the same time SLSW tends to ‘demonize’ other cultures and thus hinders genuine contextualization. In the final analysis SLSW turns out not to be a commendable strategy for Christian Mission in Malawi. / Christian Spirituality Church History and Missiology / D. Th. (Missiology)

Thèse réalisée en cotutelle avec la Freie Universität Berlin. La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce travail aborde l’aspect spécifiquement compositionnel du phénomène wagnérien en France dans les dernières décennies du XIXe siècle, par le biais d’une étude de cas centrée sur l’opéra Le Roi Arthus d’Ernest Chausson (1855-1899). Exceptionnellement bien documenté grâce à de nombreuses sources dont une bonne part sont inédites (brouillons et esquisses du livret et de la partition, correspondance, etc.), cet opéra composé de 1886 à 1895 et créé en 1903 au Théâtre de la Monnaie de Bruxelles offre en effet un aperçu privilégié de la relation complexe qu’entretiennent les compositeurs français de cette époque avec l’imposante figure de Wagner. La question de l’influence wagnérienne dans Le Roi Arthus est abordée ici dans le cadre d’une démarche appliquant, dans une perspective historique, la méthode sémiologique développée par Jean Molino et Jean-Jacques Nattiez. L’analyse de la genèse, de la version finale et de la réception de l’oeuvre au moment de sa création permet d’obtenir une vue d’ensemble inédite des rapports s’établissant entre l’opéra de Chausson et les drames lyriques de Wagner, en particulier Tristan und Isolde. Il en ressort que des premières esquisses à la création de l’opéra, Le Roi Arthus a évolué dans une dialectique complexe avec un modèle à la fois craint et admiré. Ardent wagnérien dès son plus jeune âge, Chausson ne souhaite pas pour autant devenir un épigone de Wagner. Sur les conseils d’Henri Duparc, il déploie donc de grands efforts pour « déwagnériser » le livret du Roi Arthus, qu’il rédige lui-même à partir d’un sujet mythique rappelant fortement Wagner. La version finale du livret, si elle présente encore quelques points de contact avec Tristan und Isolde et Der Ring des Nibelungen, incarne cependant une vision du monde très éloignée de celle de Wagner, et dans laquelle des valeurs comme l’honneur et la fidélité l’emportent sur un amour interdit apparaissant condamné d’avance. Cette dramaturgie aux antipodes de celle de Tristan s’appuie, paradoxalement, sur des références musicales wagnériennes que Chausson intègre et précise graduellement au fil de la genèse de la partition, et dont la mise en oeuvre souligne habilement tout ce qui sépare Lancelot et Genièvre, amants dépareillés, du couple indissociable formé par Tristan et Isolde. Dans cet opéra conçu, mais jusqu’à un certain point seulement, dans l’ombre de Wagner, ce sont les ressemblances musicales et surtout dramatiques avec Tristan und Isolde qui ont le plus frappé les critiques des premières représentations, donnant lieu à une réception où la question de l’influence wagnérienne occupe une place prépondérante. Mais si tous les recenseurs abordent cette question, ils le font sous des angles variant en fonction de facteurs extérieurs à l’oeuvre, comme leur formation antérieure, leur propre position face à Wagner et les liens qu’ils ont entretenus avec Chausson alors qu’il était encore vivant. Au-delà des connaissances qu’elle permet d’acquérir sur l’oeuvre, et plus particulièrement sur sa genèse, l’étude du Roi Arthus dans une triple perspective poïétique, immanente et esthésique s’ouvre donc sur un portrait du rôle central joué par le « Maître de Bayreuth » dans l’imaginaire musical de la fin du XIXe siècle, tout en jetant les bases d’une synthèse encore à faire des stratégies créatrices employées par les compositeurs d’opéra français face au modèle de Wagner. / This thesis examines the compositional aspect of Wagnerism in France during the final decades of the 19th century, through a case study of Ernest Chausson’s (1855-1899) opera Le Roi Arthus. Exceptionally well documented thanks to a large number of sources, most of which are unpublished (drafts and sketches of the libretto and score, correspondence, etc.), this opera, composed between 1886 and 1895 and premiered at the Théâtre de la Monnaie in Brussels in 1903, in fact allows a remarkable glimpse into the relationship between French composers of the period and the imposing figure of Wagner. The question of Wagnerian influence in Le Roi Arthus is here approached through a methodology that applies the semiotic model developed by Jean-Jacques Nattiez and Jean Molino in a historical perspective. An analysis of the genesis of the opera, its final version and the reception of its premiere provides a fresh overall view of the connection between Chausson’s opera and Wagner’s music dramas, particularly Tristan und Isolde. What emerges is a complex dialectic between Le Roi Arthus—from the first sketches to the opera’s premiere—and a model that provoked both disquiet and admiration. Though an ardent Wagnerian from an early age, Chausson did not want to merely become an epigone of the German composer. Following advice from Henri Duparc, Chausson therefore expended considerable effort in “dewagnerizing” the libretto of Le Roi Arthus, which he wrote himself, based on a mythical subject strongly reminiscent of Wagner. The final version of the libretto, while it maintains some links with Tristan und Isolde and Der Ring des Nibelungen, otherwise projects a worldview quite unlike Wagner’s, in which values such as honor and fidelity outweigh a forbidden love that seems doomed from the start. Paradoxically, this un-Tristanesque dramatic setup rests in part on Wagnerian musical references that Chausson integrated and honed gradually as he composed the score, and whose treatment cleverly underscores what separates Lancelot and Genièvre, poorly matched lovers, from the integrated couple formed by Tristan and Isolde. In this opera conceived, but only up to a point, in Wagner’s shadow, the musical and especially dramatic resemblances with Tristan und Isolde are what have most struck the critics of the first performances, which has given rise to a reception where the question of Wagnerian influence dominates. However, even though all critics touched on this question, they did so from points of view that vary according to factors extrinsic to the work, such as their own prior training, their personal positions on Wagner and the relationships they had had with Chausson during his lifetime. Beyond the knowledge it allows us to gain on the work itself, and more particularly on its early development, the study of Le Roi Arthus from poietic, immanent and esthesic perspectives opens onto an understanding of the central role played by the “Bayreuth Master” in late 19th-century musical imagination, while creating the basis necessary to undertake a new synthesis of the creative strategies used by composers of French opera faced with the Wagnerian model.