This thesis is centrally concerned with the texts of Jacques Derrida that have addressed directly the theme of sexual difference. Yet to say the thesis is centrally concerned with a philosophy that positions itself clearly as one that deconstructs centrality and its trajectory of return, is to face the crisis or chiasmus of my concern. The thesis is not returned to Derrida. If the question of feminism for Derrida is a question from the margins, from interruptions, of the trace and of la cendre, ashes, the question of sexual difference is primordially and originarily that of the undecidability of the name, signatory, and textual border. She would not have appeared here. Therefore she cannot return. There are two frames to this research that can be recognized in the chapter sequence of the thesis. Initially I develop a preparatory engagement to a questioning of the ontology of sexual difference, with Chapters 2 and 3, with a questioning that broaches the metaphysics of the feminine with respect to the texts of Derrida, Heidegger and Cixous in particular and further engages with Écriture Féminine, Levinas and feminist responses to Heidegger and Levinas. However, this broader questioning is undertaken in order to develop a sharper focus on the writings of Derrida that address Heidegger’s ontological difference, Levinas’s ethics before being, and a more originary questioning of sexual difference. The second frame and predominant focus of the thesis is on Derrida’s approach to the metaphysics of the feminine with four pivotal texts by Derrida from the late 1970s and early 1980s examined in Chapters 4 to 7. Each addresses a questioning of difference and the metaphysical tradition, under difference’s many names: ontological difference, sexual difference, différance, and engages deconstruction’s encounters with Nietzsche & Heidegger (Spurs); the psychoanalysts Abraham & Torok (“Fors”); Levinas (“At This Very Moment in This Work Here I Am”) and Hegel (Glas). In bringing together these four texts, my aim is to emphasize the significance of a double deconstructive movement of transgression and restoration, as this research’s politico-ethical acts of writing and reading for an otherwise discourse on sexual difference. This otherwise discourse has always already been produced with phallogocentrism and remains critical for the inventing of thresholds across philosophy, literature and their others. The ashen Preface enkindles a paradigmatic figure as deconstructive trace of sexual difference in writing and reading practices. A Postscript questions the binding to institutional laws constitutive of disciplinary practice while the fiery trace in Derrida’s writing on Kafka’s law concludes on the ash-laden edges of Blanchot’s unavowable work.

Les études sur Marguerite Duras (1914-1996) sont innombrables et abondantes en France, ainsi qu’en Chine. Le présent travail a dévoilé, à la lumière des méthodes empruntées à la littérature comparée, à l’analyse textuelle, à l’écriture féminine, et à l’autobiographie, comment l’œuvre de Marguerite Duras a été reçu dans le monde littéraire contemporain chinois, en dressant un bilan de la réception de l’œuvre durassienne par le biais de la traduction, par la réception de l’écriture féminine, et par le renouvellement de l’art narratif et de la technique créative dans le monde littéraire contemporain chinois. L’étude de la réception de l’œuvre durassienne en Chine à travers l’écriture romanesque de certains écrivains contemporains chinois qu’elle a influencés permet un regard particulier et une autre compréhension possible sur Marguerite Duras. / Studies on Marguerite Duras (1914-1996) in Both China and France are innumerable and abundant. By using the critical methods of literary comparison, textual analysis, feminism and autobiographical writing, etc, this thesis intends to make a survey of the reception of Duras in Chinese Contemporary literature, focusing on the aspects of translation studies, feminine writing, and narrative creativity. Meanwhile, studies on several Chinese writers deeply influenced by Duras can provide a unique perspective and different understanding to our research on this French writer.

Nombreuses sont les écrivaines en Iran et en France qui portent un regard critique sur leur société et profitent de leur statut d’auteure pour exiger l’égalité des droits pour toutes les femmes. Zoyâ Pirzâd et Annie Ernaux ont pour but de présenter les réalités sociales d’une époque, chacune à sa manière et avec un style adapté à des sociétés aussi différentes que la France et l’Iran. En jouant le rôle de témoins du passé et du présent, ces deux écrivaines abordent la réalité quotidienne de la femme dans sa vie intime, de la naissance à l’âge adulte, ainsi que son statut familial et sa vie sociale, et les menaces qui guettent la femme dans la société. À travers leurs œuvres respectives, les deux auteures présentent une émancipation féminine qui ne s’est pas réalisée au même moment ni de la même façon dans ces deux pays ; dans ces deux sociétés, la publication de livres par les femmes a été une entreprise difficile et conflictuelle, surtout par le passé : malgré certains acquis, les femmes iraniennes sont néanmoins encore loin de jouir des mêmes droits que les hommes – la maternité ayant longtemps été vue comme le seul rôle de la femme. Les écrivaines parlent en général des sujets acceptables dans la société où l’œuvre est produite, mais pour des questions controversées comme la sexualité féminine, elles sont obligées de transgresser les normes sociales qui pèsent sur la littérature, au risque des critiques les plus violentes. Certaines théoriciennes, comme Hélène Cixous et Béatrice Didier, affirment la spécificité de l’écriture féminine. Cette distinction de genre peut en effet montrer l’influence d’une tradition machiste ou une culture sexiste sur la littérature. Pourtant, quoique les œuvres d’Annie Ernaux et de Zoyâ Pirzâd ne semblent pas relever exclusivement de l’écriture féminine, cette distinction genrée peut valoriser les écrits des femmes qui ont toujours été marginalisées et minorées. / Many are the female writers, both in Iran and France, who look at society with a critical eye, and capitalize on their status as female authors to demand equality of rights for all women. Zoyâ Pirzâd and Annie Ernaux aim at presenting the social realities of an era, both in a way and in a style that are adapted to societies as different as Iranian and French ones. As witnesses of the past and the present, these two female writers tackle the issues of daily life reality for women, their intimacy, from birth to adult age, as well as their family status and social lives, along with all the threats that surround them in society. Through their respective works, the two authors present a process of feminine emancipation that has not taken place at the same time or in the same way in the two countries; both in France and in Iran, the publication of books by female writers has been a difficult and contentious enterprise, especially in the past. Despite some victories, women in Iran are far from enjoying the same rights as men, since maternity has been, for a long time, considered as the one and only role women can play in society. The two authors deal with subjects that are deemed acceptable in the society in which they write. However, from the moment they choose to handle more controversial issues, like female sexuality, they have to transgress the social norms established in literature, risking harsh criticism doing so. Such female writing theoreticians as Hélène Cixous and Béatrice Didier affirm the idea of the specificity of female writing. This difference in gender can in fact show the influence of a male chauvinist tradition or sexist culture on literature. Yet, for as much as Annie Ernaux’ and Zoyâ Pirzâd’s works do not apparently partake of the school of female writing, this difference in genres may help promoting the writings of those women who have always been marginalized and “minored”.

Notre travail se penche sur la réécriture de quelques mythes du point de vue féminin afin de proposer une (re)construction de la généalogie des femmes. Quelles sont les figures représentatives du couple mère/fille, et comment se construisent-elles ? Dans quels mouvements s’inscrivent les reprises des mythes classiques ? Faut-il détourner les mythes créés par les hommes afin de parvenir à une nouvelle généalogie féminine ? Ce travail relève d’une double approche comparatiste, il propose tout d’abord l’analyse des figures archétypales mères-filles dans une perspective mythocritique, puis sur un plan culturel et linguistique, rapprochant des textes de la littérature française et polonaise. Ainsi, les figures bibliques d’Ève et Marie s’unissent aux représentations des mythologies païennes, telles Déméter et Perséphone, Iphigénie et Clytemnestre, ou enfin Médée. Ces figures anciennes de la maternité reviennent en force, revisitées par des écrivaines françaises et polonaises contemporaines, et ce pour redéfinir la perception du couple mère/fille. Les œuvres analysées sont nombreuses, d’Hélène Cixous à Christine Angot pour le corpus français. Quant aux textes polonais, c’est pour le lecteur français toute une littérature à découvrir qui est présentée, explorée et analysée. Nous nous intéressons à des auteures polonaises qui ont contribué à la naissance d’une écriture féminine plus intime après 1989. Nous attribuons une place considérable à la traduction des extraits des textes étudiés, ceci dans l’optique d’une traduction complète ultérieurement. Malgré les contextes socio-culturels différents dans lesquels évoluent les deux littératures, un véritable dialogue s’établit au niveau des paradigmes mythiques exploités. Ce rapprochement permet d’envisager une certaine universalité inscrite dans les mythes anciens évoquant les figures de la maternité. Il s’agit in fine d’une quête commune des femmes à la recherche d’une histoire pour la refondation d’une nouvelle généalogie. / This dissertation examines the rewriting of some myths from the female point of view in order to propose a (re)construction of women's genealogy. What are the representative figures of the mother/daughter relationship, and how are they constructed? In which movements do the rewritings of classical myths fit? Should the myths created by men be diverted in order to achieve a new female genealogy? This work is based on a double comparative approach ; first, it proposes an analysis of archetypal mother-daughter figures in a mythocritical perspective ; second, it brings together texts from French and Polish literature on cultural and linguistic levels. Thus, the biblical figures of Eve and Mary are compared with representations of pagan mythologies, such as Demeter and Persephone, Iphigenia and Clytemnestra, or finally Medea. These ancient figures of maternity return in force, revisited by contemporary French and Polish writers, to redefine the perception of the mother/daughter relationship. The works analyzed are numerous; for the French corpus, they range from Hélène Cixous to Christine Angot, and for the Polish texts, this dissertation focuses on women’s literature after 1989, when a more intimate literature emerged. These texts will be presented and analyzed so that the French reader can usefully discover them in tandem with the French texts. Considerable importance is given to the translation of extracts from these texts, in view of a complete translation later on. Despite the different socio-cultural contexts in which the two literatures have evolved, a real dialogue is established at the level of mythical paradigms. This rapprochement makes possible to imagine a universality inscribed in the ancient myths evoking the figures of motherhood. It is ultimately a common quest of women searching for a history in order to find foundations for a new genealogy.

La littérature populaire est considérée comme le genre le plus lu en France et en Iran. Pirzâd et Gavalda font parties des écrivaines contemporaines les plus lues et les plus traduites. Ces deux auteures appartiennent à deux cultures et deux mondes tout à fait différents, néanmoins, elles ont réussi à satisfaire leur public étranger. Pirzâd et Gavalda, comme beaucoup d’autres écrivains contemporains, placent le personnage au cœur de leur intérêt romanesque. Par l’attribution de noms propres mimétiques, l’emploi d’un espace fictionnel familier, ainsi que la mise en scène de l’intériorité des personnages, de leurs dilemmes et de leurs sentiments, elles créent des personnages vraisemblables et transparents. Les protagonistes de leurs romans sont majoritairement des femmes. Leurs statuts, leurs caractéristiques, leurs rôles, ainsi que leurs mondes intérieurs sont développés et approfondis au cours de l’histoire, dans un style simple et souvent dialogique. Les personnages comme représentants de l’individu du monde moderne s’imposent comme personne et deviennent l’élément primordial des écrits de Pirzâd et Gavalda. L’ambition de ces deux romancières est également de brosser la réalité sociale de leur temps. Bien qu’elles écrivent dans le contexte de deux conditions sociales et culturelles différentes, les deux auteures représentent les mêmes préoccupations dans leurs écrits ; les relations humaines, la femme et sa situation dans la société moderne et la confrontation de l’homme et de la femme constituent l’essence de leurs récits. La figure féminine contemporaine que Pirzâd et Gavalda tentent de représenter chez le lecteur n’est pas toujours conforme aux images stéréotypées de la femme orientale ou occidentale. Les hommes aussi prennent une dimension hors du commun. Le lecteur des œuvres de Pirzâd et Gavalda, tantôt surpris, tantôt satisfait, est constamment poussé à renouveler l’image de la femme, ainsi que celle de l’homme. / Popular literature is considered to be the most widely read genre in France and Iran. Pirzad and Gavalda are among the most read and translated contemporary writers. These authors belong to two very different worlds and cultures yet they managed to satisfy their foreign readers. Pirzad and Gavalda, like many other contemporary writers, place the character at the center of interests of their stories. They stage characters that are probable and representative of each individual of the society where they live. The protagonists of their novels are mostly women. Their status, characteristics and roles, as well as their inner worlds are developed and deepened over the course of history, in a simple and often dialogical style. The character is highlighted and the novel exists only through him. The ambition of these two novelists is also to give an outline of the social reality of their time. Although they write in the context of two different social and cultural conditions, the two authors represent the same concerns in their writings. Human relations, the woman and her situation in modern society and confrontation of man and woman constitute the essence of their stories. The contemporary feminine figure that Pirzad et Gavalda try to portray in the reader does not always conform to the stereotypical images of Eastern or Western women. Men also take on extraordinary dimension. The reader, sometimes surprised, sometimes satisfied, is constantly urged to renew the image of the woman.

Écriture féminine moving towards Others writing: A close reading of Mara Lee’s literary figuration strategies and the Other in Kärleken och hatet (2018) This essay examines how Mara Lee re-negotiates écriture féminine through an artistic writing practice from a contemporary horizon of queer-theory and post-colonial perspectives on the immanent power structures of language. Arguing for the relevance of écriture féminine as an entry to understand the figurations of the Other, through the similar literary strategies that navigates past the repressive and subordinating structures of language. Using Mara Lee’s thesis När Andra skriver (2014) to approach and display the literary figuration strategies of the Other at work in her poetic text Kärleken och hatet. Departing from écriture féminine Lee re-use and add to the defining features that operate through a critique of the binary system of language and the notion of uniform meaning. Lee presents time as a new perspective to negotiate the old concepts and puts temporalization into practice as a strategy to elude the double bind of difference. The common tendency of Lee’s literary strategies works through a subversive opening of the language, dislocating, shifting, and forcing it into motion. Lee displays how motion precludes stagnation, binary conceptions, and stereotype images. By using metaphors and imagery with multiplying, moving, and floating qualities as a way to return to and invoke the body Lee brings forward the subordinated experience. The body works as a common denominator for both the Other and the female experience of historically being reduced and referred to primarily as object and body rather than subject. Intertextuality, autofiction, and rebellious crossing of genres, mixing different styles of text, and refusing to conform to the expected linear narrative is another defining aspect of écriture féminine that echoes in Lee’s work. Kärleken och hatet departs from the poetic format and uses an extensive number of intertextual references that activate the infinite textual potential and destabilize uniform meaning as it continues towards other literary contexts. Through subjectivity and the fragmented, non-uniform subject Lee aligns with the strategies of écriture féminine while giving voice to the lived bodily experience of the Other. The spiral works as a returning yet opening motion through the metaphorical imagery and the narrative as repetition with a slight shift that re-negotiates the production of meaning. With this spiraling motion, Lee addresses revolutionary time and enforces a return to the repressed experience of the body while insisting on difference as a continuous process.

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En 1690, Madame d'Aulnoy fait paraître à Paris un roman intitulé l'Histoire d'Hippolyte, Comte de Duglas, dans lequel est inséré « L'Ile de la Félicité », reconnu comme étant le premier conte de fées littéraire. À ce dernier succèdent bientôt d'autres contes de différents auteurs qui publient souvent leurs récits sous forme de recueils. Le conte de fées devient rapidement une mode qui s'épanouit dans les salons mondains et à la Cour tout au long de la dernière décennie du XVIIe siècle. L'histoire et la critique littéraires, jusqu'au début du XXe siècle, n'ont souvent retenu de cette période le seul nom de Perrault. Pourtant, les contes de fées ont majoritairement été écrits par des femmes qui, sur fond de Querelle entre Anciens et Modernes, ont participé à la constitution d'un genre qui devient dès lors le support privilégié d'une écriture féminine en quête de reconnaissance. Nous aborderons ainsi les questions relatives à la place accordée à la femme-auteure sous l'Ancien régime, aux origines et à la formation du genre féerique, puis à l'esthétique et la rhétorique qui caractérisent l'écriture du conte de fées littéraire féminin de la fin du XVIIe siècle. À cette fin, nous étudierons un corpus constitué des oeuvres de cinq conteuses: Mesdemoiselles Lhéritier (1664-1734), Bernard (1662-1712), de La Force (1650-1724) et de Mesdames d'Aulnoy (1650-1705) et de Murat (1670-1716), publiées durant la dernière décennie du XVIle siècle. Dans un premier chapitre, nous nous intéresserons aux conditions d'émergence de la femme-auteure dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Nous nous attacherons ensuite à comprendre la corrélation qui existe entre le genre féerique et l'écriture féminine. Nous tenterons alors de définir le conte et de déterminer son statut dans une littérature plus générale de fiction. Nous verrons enfin que le genre a été impliqué dans la Querelle des Anciens et des Modernes et a ainsi participé de l'accession des femmes à un statut d'écrivain. L'examen des enjeux culturels et sociaux du genre permettra de comprendre, dans un deuxième chapitre, le projet esthétique de nos conteuses. Nous verrons notamment que le conte de fées s'inscrit dans une littérature de divertissement mondain. Nous montrerons par ailleurs comment notre groupe de conteuses, influencé par les grands romans de la génération antérieure des précieuses, s'adonnent, dans leurs récits, à une écriture romanesque du sentiment. Notre troisième chapitre sera consacré à la rhétorique du conte de fées féminin de la dernière décennie du XVIIe siècle. Nous en interrogerons ainsi la valeur pédagogique en nous penchant plus précisément sur les questions relatives au merveilleux et aux moralités des contes. Nous montrerons ensuite comment l'argument de la morale, qui s'avère souvent injustifié, représente pour nos conteuses un moyen de déjouer la censure pour dénoncer une hégémonie masculine. L'étude de certaines figures telle que la fée permettra, par la suite, de comprendre les revendications féminines, d'ordre à la fois littéraire et social, qui sous-tendent l'écriture des contes de fées de la dernière décennie du XVIIe siècle. Une telle étude permettra ainsi de déterminer en quoi la naissance d'un genre et d'une poétique propre aux conteuses de la fin du XVIIe siècle ont contribué à l'accès des femmes au statut d'écrivain. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Conte, Femmes, Genre littéraire, Mondanité, Poétique, XVIe siècle.

Dans le présent mémoire, l'auteure propose une réflexion sur le désir charnel censuré durant la Deuxième Guerre mondiale au Québec à travers la mise en parallèle de deux romans dont le thème central est la volonté d'outrepasser les tabous malgré l'oppression des membres du clergé. Il s'agit de Désespoir de vieille fille de Thérèse Tardif (1943) et d'Orage sur mon corps d'André Béland (1944). Puisque ces romans favorisent les désirs individuels par rapport à ceux de la collectivité, ils soulèvent des questionnements similaires: en quoi le paysage socio-historique et littéraire des années 1930 et 1940 a-t-il pu favoriser l'éclosion d'œuvres singulières? Quelle fut la réaction des critiques littéraires face à cette littérature émergente? Comment l'autocensure se manifeste-t-elle dans les romans? De quelle façon le langage figuré contourne-t-il les tabous afin de faire entendre des désirs qui ne peuvent s'exprimer autrement? Afin de répondre à ces questions, madame Ostiguy fait appel à plusieurs historiens et littéraires qui nous éclairent sur les tabous de l'époque et sur les modes de censure. Il permet ainsi d'approfondir une réflexion sur les normes sociales du genre et de mieux comprendre le déchirement intérieur que vit le sujet marginal. Les théories du langage figuré seront mises à contribution afin de saisir les procédés rhétoriques utilisés par les auteurs afin de s'exprimer malgré les tabous. L'analyse des stratégies narratives dévoile un discours subversif codé, opposé aux valeurs traditionnelles prônées par l'Église, qui cherche à faire taire les œuvres révolutionnaires puisqu'elles tendent à construire une nouvelle vision du monde qui laisse place à l'individualité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : censure, autocensure, tabous, écriture des femmes, homosexualité, désirs, langage figuré, littérature québécoise, Désespoir de vieille fille, Thérèse Tardif, Orage sur mon corps, André Béland.

La fin du XIXe siècle marque, dans l'histoire littéraire québécoise, l'avènement d'une prise de parole publique de la femme écrivaine. Alors que la structure sociale bourgeoise et patriarcale confinait !es femmes dans l'espace restreint de la famille, les écrits féminins avaient jusqu'alors reflété ce cloisonnement en se limitant aux échanges épistolaires et au journal intime. La fin de siècle correspond à un tournant majeur : la publication, par des écrivaines issues de la bourgeoisie, de textes divers allant de la chronique journalistique au conte, en passant par la nouvelle littéraire. La nouvelle semble avoir été, pour les écrivaines du tournant du siècle, une porte d'entrée dans le monde de l'écriture de fiction. Dans le cadre de ce travail, nous voyons de quelle façon le changement s'insère dans le champ des représentations, lorsque les femmes prennent la plume et dévoilent une perspective qui leur est propre, en étudiant un corpus de nouvelles parues entre 1878 et 1913, dans une perspective formelle et thématique. Nous nous proposons d'abord d'étudier le contexte historico-littéraire qui a permis l'avènement de ces femmes écrivaines, puis nous nous intéresserons à leur identité ainsi qu'aux conditions générales qui président à la publication des textes littéraires dans les périodiques et en recueils, notamment l'usage du pseudonyme. Nous nous penchons ensuite sur la nouvelle littéraire en tant que genre spécifique en littérature, la différenciant du conte et du roman et définissant les caractéristiques qui lui sont propres. L'ensemble de ces analyses nous permet de vérifier notre hypothèse : la nouvelle littéraire fournit-elle une voie à la fois convenable et accessible par laquelle les femmes peuvent faire leur entrée en écriture sans risquer de trop se compromettre? Il apparaît que, par leurs nouvelles, les femmes contribuent à la consolidation des caractéristiques de la nation canadienne-française (catholicisme, langue française et la famille comme fondement social structurant), tout en laissant les traces de leur identité propre. Laure Conan (Félicité Angers), Josette (Joséphine Marchand-Dandurand), Françoise (Robertine Barry), Colombine (Éva Circé-Côté), Adèle Bibaud et Madeleine (Anne-Marie Gleason) forment un groupe de pionnières dont l'audace peut encore surprendre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Québec, femmes, nouvelle, genre littéraire, 19e, 20e, Laure Conan, Félicité Angers, Josette, Joséphine Marchand-Dandurand, Françoise, Robertine Barry, Colombine, Éva Circé-Côté, Adèle Bibaud, Madeleine, Anne-Marie Gleason.