Nectarivorous hummingbirds subsist almost exclusively on a mixture of sucrose, glucose and fructose found in floral nectar. Previous studies have shown that hummingbirds can fuel hovering flight almost exclusively using recently ingested sucrose. However, the relative capacities for the direct utilization of glucose and fructose by hovering hummingbirds remain unknown. 13C-enriched solutions of glucose and fructose were administered separately. Exhaled breath samples were collected using feeder-mask respirometry and sent for subsequent mass spectrometric analysis. I found hovering hummingbirds transition from exclusively oxidizing endogenous fatty acids when fasted, to oxidizing newly ingested carbohydrates when given access to either glucose or fructose solutions. Interestingly, the amount ingested, fractional turnover of stable carbon isotope signatures, amount oxidized, energy expended and proportion of hovering metabolism supported by each hexose, were each similar between glucose and fructose. These results demonstrate hovering hummingbirds’ ability to utilize fructose and glucose equally.

Thesis (M.A.)--Bowling Green State University, 2008. / Document formatted into pages; contains v, 117 p. Includes bibliographical references.

Compreendendo o figurino teatral como objeto sensível capaz de produzir subjetividade, o presente estudo examina a força de contágio que ele dispõe ao provocar no ator acesso a um novo nível de existência, além de caracterizar o personagem. Neste sentido, a reflexão se desdobra por meio das noções da máscara, da imagem, da aparência e do travestimento amparada, principalmente, pelo pensamento de Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro e Emanuelle Coccia. / Understanding theatre costume as a sensory object that is capable of producing subjectivity, this study examines its power of contagion, giving the actor access to a new level of existence, as well as characterizing the role. In this sense, this reflection examines the notions of mask, image, appearance and disguise, based mainly on the works of Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro and Emanuelle Coccia.

Compreendendo o figurino teatral como objeto sensível capaz de produzir subjetividade, o presente estudo examina a força de contágio que ele dispõe ao provocar no ator acesso a um novo nível de existência, além de caracterizar o personagem. Neste sentido, a reflexão se desdobra por meio das noções da máscara, da imagem, da aparência e do travestimento amparada, principalmente, pelo pensamento de Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro e Emanuelle Coccia. / Understanding theatre costume as a sensory object that is capable of producing subjectivity, this study examines its power of contagion, giving the actor access to a new level of existence, as well as characterizing the role. In this sense, this reflection examines the notions of mask, image, appearance and disguise, based mainly on the works of Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro and Emanuelle Coccia.

This research, with autobiographical and performative character, features my unveiling as artist, educator and wife. The creative procedural research reveals me and shows me as visible in the space of public invisibility. In this poetic, I unmask myself by imagination, imaginary, dreams, fantasies, sung points of popular culture, awareness, corporeomental and written expression of experienced impressions. In the performative process the grotesque embodiment of no mask tells about the implication of the artist with his work. The proposal, as a performance, questions and builds aesthetics and returns to the public a artistic creation of unfinishes. The procedure in personal is intimate and a surrender of the body to the floor, arousing dialogue with the personal energies and deepening research in looking at itself (myself). By means of the sensitive no movement in personal, in sincere dialogue with myself, I release myself of tensions, nodules, headaches, immobility points and mental injuries. In this growth relationship between woman and and artist happens, for the educator, the teaching in a state of creation. In a comes and goes from the academic to the institutional, the creativity changes owing to the otherness with the teratological mask, here called malafincado apaeano. We understand that the teratological don‟t have a beautiful face or body, within the normative standards of children on the covers of magazines. Its corporeomental mask is shapeless. The teratological with which we dialogue is the mental and or intellectual deficiente studying at APAE in the city of Prata, state of Minas Gerais, Brazil. The malafincado apaeano don‟t have individual or people status, therefore is in the social invisibility, and his drama is not funny. In the educational process, the no mask, the performance, the dialogical relationship, motion and no movement were desirable for the interaction, with emotional exchanges of knowledge. In education, the sensitive and the cultural facilitated both the learning and the teaching. And the processual of education happened by tactile awareness (hands and feet), the circularity of movement in Cacuriá dances and ciranda. / Esta pesquisa de cunho autobiográfico e performática apresenta meu desvelamento de artista, educadora e mulher. A pesquisa de processual criativo descortina-me e coloca-me visível no espaço da invisibilidade pública. Nesta poética desmascaro-me pela imaginação, imaginário, sonhos, fantasias, pontos cantados da cultura popular, conscientização, expressão corporeomental e escrita das impressões vivenciadas. No processo performático a corporeidade grotesca da não máscara diz da implicação da artista com seu trabalho. A proposta enquanto performance questiona, constrói estética e devolve para o público uma criação artística de inacabamentos. O processual no pessoal é intimista e de entrega do corpo para o chão, despertando diálogo com as energias pessoais e aprofundando a pesquisa num olhar para si mesma (eu mesma). Pelo sensível não movimento no pessoal, no diálogo sincero do eu comigo mesma, libero-me das tensões, nódulos, dores de cabeça, pontos de imobilidade e contusões mentais. É nessa relação de crescimento da mulher e artista que acontece para a educadora o ensinar em estado de criação. Num ir e vir do acadêmico para o institucional o criativo transforma-se pela alteridade com a máscara do teratológico, aqui chamado de malafincado apaeano. Entende-se que o teratológico não tem um rosto nem um corpo belo dentro dos padrões normativos das crianças nas capas das revistas. Sua máscara corporeomental é disforme. O teratológico com o qual dialogamos é o deficiente mental e ou intelectual que estuda em APAE, na cidade do Prata em Minas Gerais, Brasil. O malafincado apaeano não possui status de indivíduo ou povo , por isso está na invisibilidade social, e seu drama não faz rir. No processo educacional, a não máscara, a performance, a relação dialogal, movimento e não movimento foram oportunos para o interativo, com trocas afetivas de conhecimentos. No educacional, o sensível e o cultural facilitaram tanto o aprender quanto o ensinar. E o processual de educação aconteceu pela sensibilização tátil (pés e mãos), pela circularidade do movimento nas danças do cacuriá e na ciranda. / Mestre em Artes

FundaÃÃo de Amparo à Pesquisa do Estado do Cearà / Pretendeu-se, com esta tese, em primeiro lugar apresentar uma anÃlise interpretativa da obra Assim falou Zaratustra, do filÃsofo alemÃo F. W. Nietzsche. Nossa intenÃÃo à detectar na obra, as possibilidades de encontro e transbordamentos possÃveis entre arte e filosofia como procedimento estÃtico de composiÃÃo prÃprio do filosofar nietzschiano. Em Zaratustra, Nietzsche pÃe em relevo seus conceitos mais fundamentais, sendo que, estes conceitos nÃo sÃo conduzidos de modo sistemÃtico e argumentativo, modelo instituÃdo pela tradiÃÃo ocidental de pensamento. Nietzsche aciona em Zaratustra, um jogo de estratÃgias e procedimentos estilÃsticos que transforma a obra numa composiÃÃo artÃstica em conceitos. Partindo dessa perspectiva, foi possÃvel dar inÃcio as correspondÃncias entre os mÃltiplos eixos que a obra se filia. A obra à rica em possibilidades de interpretaÃÃo, mas o que percebemos em primeira mÃo foi seu indiscutÃvel potencial cÃnico. Os conceitos Morte de Deus, Niilismo, AlÃm-do-homem, Vontade de poder e Eterno retorno, sÃo, segundo o viÃs interpretativo que nos filiamos nesta tese, expostos atravÃs de uma composiÃÃo cÃnica que revela um traÃado lÃdico entre os mesmos. Desse modo, Nietzsche realiza sua estÃtica nÃmade, quando embaralha as linhas rÃgidas que separam arte e filosofia, conduzindo seus conceitos por via de uma arquitetura cÃnica. Nesse sentido, Nietzsche, atravÃs de seu Zaratustra compÃe uma obra que imbrica sem elos subordinativos, materiais cÃnicos e conceituais. à o que pretendemos demonstrar ao apresentar cada um de seus conceitos como mÃscara que perpassa todos os campos situacionais dispostos na obra. Os conceitos nÃo estÃo centrados exclusivamente na aÃÃo narrativa do protagonista, mas em eixos mÃltiplos que se interligam. Os discursos do personagem central, os lugares geogrÃficos, a dimensÃo histÃrica e psicolÃgica, sÃo todos componentes de uma cena que manifesta uma Ãcida crÃtica do filÃsofo à dimensÃo cultural-valorativa da civilizaÃÃo ocidental, ao mesmo tempo em que formam a urdidura estÃtico-conceitual da obra. Essas constataÃÃes que aconteceram no decorrer da pesquisa tornou possÃvel realizar aquilo que denominamos de Aprendizagem experimental, esta se concretizou atravÃs de um recorte cÃnico, intitulado Entreatos.

Compreendendo o figurino teatral como objeto sensível capaz de produzir subjetividade, o presente estudo examina a força de contágio que ele dispõe ao provocar no ator acesso a um novo nível de existência, além de caracterizar o personagem. Neste sentido, a reflexão se desdobra por meio das noções da máscara, da imagem, da aparência e do travestimento amparada, principalmente, pelo pensamento de Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro e Emanuelle Coccia. / Understanding theatre costume as a sensory object that is capable of producing subjectivity, this study examines its power of contagion, giving the actor access to a new level of existence, as well as characterizing the role. In this sense, this reflection examines the notions of mask, image, appearance and disguise, based mainly on the works of Constantin Stanislavski, Claude Lévi-Strauss, Eduardo Viveiros de Castro and Emanuelle Coccia.

Orientador: Eusebio Lobo da Silva / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-13T17:23:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lewinsohn_AnaCaldas_M.pdf: 12052669 bytes, checksum: 8efff31af31bc97ac38366c2a421df99 (MD5) Previous issue date: 2009 / Anexo 3 DVD-R: 1- Espetaculo: Gaiola de Moscas; 2- Cavalo Marinho, Estrela de Ouro; 3- Video Defesa / Resumo: Esta dissertação investiga o ator do Teatro de Rua e o brincante de Cavalo Marinho, manifestação popular da Zona-da-Mata Norte no interior do Estado de Pernambuco. Para produzir este trabalho, foi realizada pesquisa de campo na cidade de Condado, além de outras pequenas cidades da região. O objetivo era identificar elementos e princípios da brincadeira do Cavalo Marinho que pudessem contribuir para o trabalho do ator do Teatro de Rua. Para isso, foi realizada uma observação aprofundada sobre a figura do Mateus do Cavalo Marinho, que se tornou a referência central desta pesquisa. Como um estudo de caso de recriação de aspectos do Cavalo Marinho em cena teatral, é descrito o processo de montagem do espetáculo "Gaiola de Moscas", do Grupo Peleja, baseado no conto do escritor moçambicano Mia Couto. Em busca de uma reflexão sobre as proximidades, diferenças e contágios entre brincadeira e teatro, este trabalho aborda as características de cada uma dessas modalidades artísticas. Com base nesta discussão, é formulado o conceito de Ator Brincante, que representa tanto o brincante de Cavalo Marinho, como o ator do Teatro de Rua, numa qualidade que combina estabilidade e instabilidade ao vivenciar um estado cênico com um repertório codificado e ao mesmo tempo disponível, aberto ao inesperado. / Abstract: This thesis investigates the Street Theatre and the Cavalo Marinho ("Sea Horse"), a popular play from the "Zona da Mata" in the northern hinterland of the State of Pernambuco, Brazil. To conduct this study, field work was carried out in Condado city and other nearby small towns and villages. The main goal was to identify elements and distinctive features of the play-acting that can contribute to the Street Theatre actor's work. To this intent, the character of Mateus ("Matthew") was chosen as the central reference for this study and was observed and analysed in depth. As a case study of recreating aspects of the Cavalo Marinho in a theatre play, I describe the development of "Gaiola de Moscas" ("The Fly Cage"), a play based on a short story by Mia Couto, a writer from Moçambique, and created by the Peleja group. To contemplate the similarities, differences and exchanges between popular play and theatre, this study analyses the features of these two artistic modes. Based on this discourse, I elaborate the concept of "Ator Brincante" ("playing actor") which represents simultaneously the Cavalo Marinho player and the Street Theatre actor, combining stability and instability in a scenic condition where a codified repertoire is also constantly open to the unexpected. / Mestrado / Mestre em Artes

FundaÃÃo de Amparo à Pesquisa do Estado do Cearà / O objetivo desta dissertaÃÃo à o de compreender, à luz do pensamento de Nietzsche, de que maneira uma determinada concepÃÃo de hipocrisia poderia estar presente nos processos que envolvem a criaÃÃo de si, ou seja, a constituiÃÃo para si de um carÃter. Para tanto, perseguimos trÃs objetivos preliminares. O primeiro, o alvo dos prolegÃmenos, à o de definir propriamente o que estamos a tratar por hipocrisia, e de que maneira a crÃtica a uma compreensÃo meramente fenomÃnica do termo poderia nos indicar a possibilidade de alcanÃar um patamar propriamente conceitual. Para isso concorre a anÃlise de alguns autores contemporÃneos que, em maior ou menor grau, tratam da hipocrisia e de alguns termos correlatos, dentre os quais o auto-engano. O segundo objetivo, agora jà com o pensamento de Nietzsche, diz respeito precisamente à possibilidade acima aventada; qual seja, a de conferir à hipocrisia uma âlegitimaÃÃoâ filosÃfica. Com esse intuito, em nosso capÃtulo um, procuramos primeiramente investigar os diferentes registros em que hipocrisia e auto-engano aparecem nos textos nietzscheanos. A partir daà â com base em uma anÃlise acerca da noÃÃo nietzscheana de aparÃncia â procuramos compreender o que de propriamente filosÃfico poderia a tais registros subjazer. Nosso terceiro objetivo à investigar de que maneira a idÃia de uma criaÃÃo de si, bem como a prÃpria noÃÃo de hipocrisia que procuramos aqui desenvolver, poderia ainda ter relevÃncia e legitimidade apÃs as crÃticas de Nietzsche Ãs idÃias de consciÃncia e sujeito da modernidade. Tal à o intento do capÃtulo dois, no qual investigamos as noÃÃes nietzscheanas de mÃscara e interpretaÃÃo que daà decorrem. Procuramos aqui compreender em que sentido poderÃamos, mesmo apÃs tais crÃticas, sustentar ainda a validade da constituiÃÃo de um eu, muito embora apoiada em um sujeito fictÃcio â momento no qual reinserimos a noÃÃo de hipocrisia que estamos a defender. Nosso objetivo principal, alvo do terceiro capÃtulo e justificado a partir daqueles trÃs objetivos preliminares Ã, entÃo, o de compreender em que sentido esta noÃÃo de hipocrisia, com o fio condutor proposto, poderia estar na base dos processos que envolvem a criaÃÃo de si, ou seja, a constituiÃÃo de um carÃter a partir de uma segunda, ou de segundas naturezas.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:55:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacaoCezarProtegida.pdf: 695069 bytes, checksum: c42ce2ea5d6ede00b65936423d586b76 (MD5) Previous issue date: 2007-03-02 / Os anos 60 e 70 do século XX representam um período de vasta produção artística e cultural no Brasil, contudo a censura foi o maior dilema encontrado pelos artistas, escritores e dramaturgos, que acabavam tendo suas produções proibidas. No teatro, grandes escritores produzem nessa época, como Nelson Rodrigues (1912-1980), Jorge Andrade (1922-1994), e Plínio Marcos (1933 -1999); cada qual em seu estilo, no entanto, censurados por suas produções. Esta pesquisa apresenta um estudo da peça Dois perdidos numa noite suja (1966) de Plínio Marcos, a qual tematiza os conflitos de grupos sociais minoritários e marginalizados na sociedade. Com uma linguagem repleta de gírias e palavras obscenas, as peças do autor chocavam, tanto os que as viam quanto às autoridades, que entendiam tal procedimento como uma afronta ao regime, uma vez que tal situação desvelava um processo de desordem dentro da ordem instituída pelo governo militar. As obras de Plínio Marcos revelam um segmento do Brasil em que os indivíduos precisam encarar um mundo sem perspectiva e esperança. Suas peças criadas para serem transitórias imagens de um momento de turbulência transformaram-se em retratos perenes de uma estrutura social e econômica inexorável. Contudo, deve-se ressaltar que o intuito do dramaturgo, segundo ele mesmo, não era meramente protestar, já que entendia que suas produções mostravam as pessoas como elas eram, o modo como se comportavam e aquilo que diziam. A partir desta reflexão, postula-se nesse trabalho o aspecto contracultural da linguagem explorada em sua obra. Pretende-se, desse modo, refletir como a linguagem tornou-se dentro do texto dramático de Plínio Marcos uma ferramenta de execração de dilemas e conflitos sócio-histórico-culturais do Brasil de 1960 até final dos anos 1970. O processo do desvelamento de uma linguagem crua se apega no uso contínuo de gírias e palavrões, visando atingir o outro ou a própria sociedade. Para se entender esse processo, recorre-se aos conceitos de dialogia, polifonia e carnavalização da teoria bakhtiniana, uma vez que no bojo da linguagem das suas personagens há uma série de vozes, que carregam ideologias asseveradas pela realidade social em que vivem, além de ressaltar o uso da linguagem enquanto uma arma de combate à posição ocupada na sociedade, na qual a gíria e o palavrão objetivam ferir ou rebaixar o outro em um diálogo. Na atualidade, as gírias são enquadradas dentro da perspectiva de linguagens especiais. Metodologicamente, o trabalho se pauta em uma pesquisa bibliográfica e documental, em que jornais e revistas dão suporte para a revisão da fortuna crítica do dramaturgo, e que teóricos do âmbito da linguagem, da sociologia, da antropologia, da literatura e do teatro embasam a fundamentação teórica, a exemplo de Magaldi (1998), Bornheim (1992), Schwarz (1992), Artaud (2006), DaMatta (1997), Preti (1981), Adorno e Horkheimer (1985), entre outros. Feita a revisão bibliográfica e documental, o direcionamento dos conceitos teóricos incide na análise da peça, objeto de estudo, Dois perdidos numa noite suja (1966), de Plínio Marcos. É mister destacar que a análise se pauta e evidencia-se a partir do texto dramático e não em suas vias de encenação e dramaticidade das montagens já feitas. Parte-se do texto para elucidar o quão vasto e completo o mesmo é, embora carregado de uma linguagem coloquial, em que a informalidade e a marginalidade fulguram como eixos centrais.