Este trabalho aborda o processo da recepcao estetica do livro Grande Sertão: Veredas de Joao Guimaraes Rosa, considerado por muitos criticos como o maior livro da literatura brasileira do seculo XX, com base em entrevistas com dez leitores comuns, em sua maioria graduandos ou graduados em Psicologia. Como contraponto a esse material que transcrevemos e analisamos, realizamos outra entrevista com uma produtora cultural da obra rosiana, transposta para o teatro, tambem analisada e incorporada na discussao final do trabalho. Nossa experiencia com a recepcao estetica de escritos deste autor em salas de aula do curso de Psicologia de uma universidade particular nos revelou que tal literatura foi capaz de formar e transformar percepcoes, muitas vezes enrijecidas e impermeaveis as criticas e a reflexao, de objetos de trabalho que compoem a praxis de um psicologo, como preconceitos, verdades e mentiras puras, nocoes de bem e mal etc. Notamos, que a obra de Rosa efetivamente contribuiu para a percepcao de transcendencia, ascese (busca pelo alteamento moral) e epifania (contato com a metafisica) por meio do alumbramento. Causava-nos e ainda nos causa espanto, contudo, que o livro seja considerado dificil, com linguagem intransponivel e com escassos leitores, inclusive em camadas letradas da populacao. Verificamos, entretanto, que os leitores comuns entrevistados, nao so tiveram coragem para realizar a travessia do livro, mas perceberam suas proprias vidas ressoadas pelo jagunco-narrador Riobaldo e, sem duvida, realizaram uma apreensao estetica idiossincratica, nada padronizada, surgida de momentos diferentes da obra. Foi notavel que as proprias vozes dos entrevistados mostraram-se carregadas de uma linguagem poetica a romper padroes, obviamente composta de enorme carga emocional, tal qual a do narrador. Procuramos, tambem, nos aprofundar nas constituicoes psiquicas dos principais protagonistas da obra - Riobaldo e Diadorim - para tentarmos alcancar seus aspectos ontologicos e, ao mesmo tempo, esteticos absolutamente transgressivos da vivencia comum acontecida na maior parte da vida administrada pela sociedade normativa a que todos estamos submetidos. Chegamos a conclusao que, mais do que acionar capacidade para vivenciar experiencias verdadeiramente formativas, este romance e tambem um resgate de vozes de quem jamais teria voz nos produtos culturais padronizados e reificados. O que o enleva tambem como instrumento politico de acao no mundo e de transformacao social bastante poderoso / This work deals with the process of aesthetic reception of the book The Devil to Pay in the Backlands by Joao Guimaraes Rosa, considered by many critics as the greatest book of Brazilian literature of the 20th century, based on interviews with ten ordinary readers, mostly undergraduates or graduates in Psychology. As a counterpoint to this material that we transcribe and analyze, we conducted another interview with a cultural producer of Rosario\'s work, transposed to the theater, also analyzed and incorporated in the final discussion of the work. Our experience with the aesthetic reception of this author\'s writings in classrooms of the Psychology course of a private university revealed to us that such literature was able to form and transform perceptions, often stiff and impervious to criticism and reflection, of objects which compose the praxis of a psychologist, such as prejudices, truths and \"pure\" lies, notions of good and evil, etc. We note that Rosa\'s work effectively contributed to the perception of transcendence, ascesis (search for moral upheaval), and epiphany (contact with metaphysics) through enlightenment. One can be amazed, however, that the book is considered \"difficult\", with impassable language and with scarce readers, even in literate layers of the population. We found, however, that the ordinary readers interviewed not only had the \"courage\" to make the \"crossing\" of the book, but realized their own lives resonated by the narrator jagunço Riobaldo and undoubtedly realized an idiosyncratic aesthetic apprehension, arising from different moments of the work. It was remarkable that the interviewees\' own voices were charged with a poetic language breaking patterns, obviously composed of enormous emotional charge, just like the narrator\'s. We also seek to deepen in the psychic constitutions of the main protagonists of the work Riobaldo and Diadorim to try to reach its ontological and at the same time, aesthetic aspects absolutely transgressive of the common experience that happens in most of the life administered by the normative society to which we are all submitted. We have come to the conclusion that, more than triggering the capacity to experience truly formative experiences, this novel is also a rescue of voices of those who would never have a voice in standardized and reified cultural products. What also rises it as a political instrument of action in the world and of social transformation quite powerful

Considerando as principais apreensões teóricas acerca da relação entre arte e loucura, define-se amplamente o propósito deste trabalho verificar as relações entre música e loucura no campo da recepção estética, enquanto subárea da Psicologia Social da Arte. Partindo sobretudo da perspectiva crítica de Michel Foucault, entre outros autores, consideramos a loucura um complexo fenômeno sócio - histórico que atravessa a cultura ocidental, e não a loucura como doença mental e o louco como fato. E dado o papel fundamental da atividade do espectador na produção e na circulação dos sentidos das obras de arte, realizamos um estudo sobre a percepção estética da obra de Robert Schumann, músico romântico do século XIX, cuja existência foi atravessada pela experiência trágica da loucura. Selecionamos alguns trabalhos significativos desse compositor e os apresentamos aos sujeitos da pesquisa, isto é, músicos eruditos, especificamente pianistas, que entrevistamos individualmente com o propósito de investigar a percepção da loucura vinculada à percepção da obra musical de Schumann. A reflexão fenomenológica a partir das percepções expressas pelos pianistas configurou três perspectivas: biográfica, psicopatológica e poética. A consideração desse conjunto teve por implicação um estudo teórico-crítico do campo multifacetado do Romantismo, estudo que focou principalmente as concepções de sujeito, universo e música ( assim como suas relações) que emergem na tempestade romântica. Tal estudo ensaístico permitiu-nos discutir mais amplamente, com base principalmente em Barthes e Merleau-Ponty (entre outros críticos e historiadores da arte), a questão arte-loucura, no tocante à música, articulada à questão vida-obra do artista, vida e obra que guardam aspectos trágicos em sua gênese e em sua forma / Considering the main theoretical apprehensions regarding the relation between art and madness, the purpose of this work is defined broadly to verify the relations between music and madness in the field of aesthetic reception, as a subarea of the Social Psychology of Art. Starting primarily from the critical perspective of Michel Foucault, among other authors, we consider madness a complex social historical phenomenon that crosses the western culture, and not the madness as a mental illness and the mad person as a fact. And given the fundamental role of the spectators activity in the production and circulation of the senses of the works of art, we conduct a study on the aesthetic perception of Robert Schumanns work, a romantic musician from the 19th century, whose existence was crossed by the tragic experience of madness. We selected some significant work from this composer and presented them to the subjects of the research, i.e., erudite musicians, specifically pianists, that we interviewed individually with the purpose of investigating the perception of madness bound to the perception of Schumanns musical work. The phenomenological reflection carried out from the perceptions expressed by the pianists constituted three perspectives: biographical, psychopathological and poetic. The consideration of this set had as an implication a theoretical critical study of the multifaceted field of the Romanticism, study that focused mainly on the concepts of subject, universe and music (as well as its relations) that emerge in the romantic storm. This essayistic study allowed us to discuss more broadly, based on Barthes and Merleau-Ponty (among other philosophers, critics and art historians), the art-madness matter, regarding the music, articulated to the artists life-work matter, life and work that hold tragic aspects in its genesis and its form

Este trabalho é um ensaio que se propõe como forma de recepção estética da obra RIO OIR (1976-2011), do artista plástico contemporâneo Cildo Meireles. Trata-se de uma escultura sonora condensada num disco de vinil, composto, de um lado, por sons de águas captadas dos rios brasileiros (referente à palavra oir) e, de outro, de sons de risadas humanas (presentes no verbo rir/rio). O amplo processo de realização da obra deu-se por intermédio de uma expedição que percorreu quatro lugares diferentes do Brasil (Estação Ecológica de Águas Emendadas; Foz de Iguaçu; Foz do Rio São Francisco; pororoca do Rio Araguari), com o intuito de realizar a coleta destes sons. A partir desta obra e do documentário Ouvir o Rio (2011), de Marcela Lordy - que nos apresenta o processo de criação e execução da mesma -, iniciamos uma pesquisa acerca da poética do artista, suas escolhas e concepções sobre o trabalho, a partir de textos críticos e de seus depoimentos em entrevistas. O impacto da obra e, posteriormente, do documentário acerca de seu processo, levou a pesquisadora a buscar na Psicologia Social, assim como na Filosofia, na Psicanálise e na Antropologia, e também em suas próprias elaborações e memórias, estofo teórico e experiencial capaz de tornar possível a realização da recepção singular suscitada pelo contato com os dois trabalhos. Situando-se no universo da arte contemporânea, a autora partiu do campo da percepção e da materialidade da obra, composta por sons de águas e risadas, como abertura para o campo da escuta e da reflexão acerca de certa experiência que se revelou como experiência da finitude. O que a obra apresenta, portanto, pede interpretação, suscita leitura crítica; porém, só é possível realizá-la na medida em que o terreno do pensamento se abre ao não pensado e dele se fertiliza na forma de uma experiência, ou seja, como algo que nos acontece, que exige de nós criação e, portanto, nos transforma / This work is an essay which is intended as a form of aesthetic reception of RIO OIR (1976-2011), a work by contemporary artist Cildo Meireles. RIO OIR is a sound sculpture condensed in a vinyl record, which has on one side the sounds of waters collected from Brazilian rivers (relating to the word oir) and, on the other side, sounds of human laughter (which appear in the rir/rio verb forms). The extensive execution process of the work comprised a expedition through four different locations in Brazil (the Águas Emendadas Ecological Station; Foz do Iguaçu; the mouth of the São Francisco River; the pororoca of the Araguari River) in order to colect such sounds. Starting with this work and the documentary Ouvir o Rio (Listening to the River) (2011), by director Marcela Lordy, which shows us the process of creation and execution of Meireless work, we started an investigation into the artists poetics, his choices and conceptions about his work, based on critical writings and on his own statements in interviews. The impact of the work and subsequently of the documentary has led the researcher to seek experiential and theoretical background in Social Psychology, as well as in Philosophy, Psychoanalysis, Anthropology and in her own concoctions and memories, which could facilitate the production of a singular work of reception induced by the contact with both works of art. Standing in the contemporary art world, the author of this essay started from the field of perception and the materiality of Meireles work, made of water and laughter sounds, and used it as a doorway to the field of listening and thinking about a specific experience which revealed itself to be an experience of finitude. The stuff that is presented by the work hence calls for interpretation and evokes a critical reading; however, such a reading can only be accomplished if the field of thinking opens up to the unthought and allows itself to be nurtured from it in the shape of an experience, i.e., as something that happens to us, which demands creation of us and therefore transforms us

Considerando as principais apreensões teóricas acerca da relação entre arte e loucura, define-se amplamente o propósito deste trabalho verificar as relações entre música e loucura no campo da recepção estética, enquanto subárea da Psicologia Social da Arte. Partindo sobretudo da perspectiva crítica de Michel Foucault, entre outros autores, consideramos a loucura um complexo fenômeno sócio - histórico que atravessa a cultura ocidental, e não a loucura como doença mental e o louco como fato. E dado o papel fundamental da atividade do espectador na produção e na circulação dos sentidos das obras de arte, realizamos um estudo sobre a percepção estética da obra de Robert Schumann, músico romântico do século XIX, cuja existência foi atravessada pela experiência trágica da loucura. Selecionamos alguns trabalhos significativos desse compositor e os apresentamos aos sujeitos da pesquisa, isto é, músicos eruditos, especificamente pianistas, que entrevistamos individualmente com o propósito de investigar a percepção da loucura vinculada à percepção da obra musical de Schumann. A reflexão fenomenológica a partir das percepções expressas pelos pianistas configurou três perspectivas: biográfica, psicopatológica e poética. A consideração desse conjunto teve por implicação um estudo teórico-crítico do campo multifacetado do Romantismo, estudo que focou principalmente as concepções de sujeito, universo e música ( assim como suas relações) que emergem na tempestade romântica. Tal estudo ensaístico permitiu-nos discutir mais amplamente, com base principalmente em Barthes e Merleau-Ponty (entre outros críticos e historiadores da arte), a questão arte-loucura, no tocante à música, articulada à questão vida-obra do artista, vida e obra que guardam aspectos trágicos em sua gênese e em sua forma / Considering the main theoretical apprehensions regarding the relation between art and madness, the purpose of this work is defined broadly to verify the relations between music and madness in the field of aesthetic reception, as a subarea of the Social Psychology of Art. Starting primarily from the critical perspective of Michel Foucault, among other authors, we consider madness a complex social historical phenomenon that crosses the western culture, and not the madness as a mental illness and the mad person as a fact. And given the fundamental role of the spectators activity in the production and circulation of the senses of the works of art, we conduct a study on the aesthetic perception of Robert Schumanns work, a romantic musician from the 19th century, whose existence was crossed by the tragic experience of madness. We selected some significant work from this composer and presented them to the subjects of the research, i.e., erudite musicians, specifically pianists, that we interviewed individually with the purpose of investigating the perception of madness bound to the perception of Schumanns musical work. The phenomenological reflection carried out from the perceptions expressed by the pianists constituted three perspectives: biographical, psychopathological and poetic. The consideration of this set had as an implication a theoretical critical study of the multifaceted field of the Romanticism, study that focused mainly on the concepts of subject, universe and music (as well as its relations) that emerge in the romantic storm. This essayistic study allowed us to discuss more broadly, based on Barthes and Merleau-Ponty (among other philosophers, critics and art historians), the art-madness matter, regarding the music, articulated to the artists life-work matter, life and work that hold tragic aspects in its genesis and its form

Este trabalho é um ensaio que se propõe como forma de recepção estética da obra RIO OIR (1976-2011), do artista plástico contemporâneo Cildo Meireles. Trata-se de uma escultura sonora condensada num disco de vinil, composto, de um lado, por sons de águas captadas dos rios brasileiros (referente à palavra oir) e, de outro, de sons de risadas humanas (presentes no verbo rir/rio). O amplo processo de realização da obra deu-se por intermédio de uma expedição que percorreu quatro lugares diferentes do Brasil (Estação Ecológica de Águas Emendadas; Foz de Iguaçu; Foz do Rio São Francisco; pororoca do Rio Araguari), com o intuito de realizar a coleta destes sons. A partir desta obra e do documentário Ouvir o Rio (2011), de Marcela Lordy - que nos apresenta o processo de criação e execução da mesma -, iniciamos uma pesquisa acerca da poética do artista, suas escolhas e concepções sobre o trabalho, a partir de textos críticos e de seus depoimentos em entrevistas. O impacto da obra e, posteriormente, do documentário acerca de seu processo, levou a pesquisadora a buscar na Psicologia Social, assim como na Filosofia, na Psicanálise e na Antropologia, e também em suas próprias elaborações e memórias, estofo teórico e experiencial capaz de tornar possível a realização da recepção singular suscitada pelo contato com os dois trabalhos. Situando-se no universo da arte contemporânea, a autora partiu do campo da percepção e da materialidade da obra, composta por sons de águas e risadas, como abertura para o campo da escuta e da reflexão acerca de certa experiência que se revelou como experiência da finitude. O que a obra apresenta, portanto, pede interpretação, suscita leitura crítica; porém, só é possível realizá-la na medida em que o terreno do pensamento se abre ao não pensado e dele se fertiliza na forma de uma experiência, ou seja, como algo que nos acontece, que exige de nós criação e, portanto, nos transforma / This work is an essay which is intended as a form of aesthetic reception of RIO OIR (1976-2011), a work by contemporary artist Cildo Meireles. RIO OIR is a sound sculpture condensed in a vinyl record, which has on one side the sounds of waters collected from Brazilian rivers (relating to the word oir) and, on the other side, sounds of human laughter (which appear in the rir/rio verb forms). The extensive execution process of the work comprised a expedition through four different locations in Brazil (the Águas Emendadas Ecological Station; Foz do Iguaçu; the mouth of the São Francisco River; the pororoca of the Araguari River) in order to colect such sounds. Starting with this work and the documentary Ouvir o Rio (Listening to the River) (2011), by director Marcela Lordy, which shows us the process of creation and execution of Meireless work, we started an investigation into the artists poetics, his choices and conceptions about his work, based on critical writings and on his own statements in interviews. The impact of the work and subsequently of the documentary has led the researcher to seek experiential and theoretical background in Social Psychology, as well as in Philosophy, Psychoanalysis, Anthropology and in her own concoctions and memories, which could facilitate the production of a singular work of reception induced by the contact with both works of art. Standing in the contemporary art world, the author of this essay started from the field of perception and the materiality of Meireles work, made of water and laughter sounds, and used it as a doorway to the field of listening and thinking about a specific experience which revealed itself to be an experience of finitude. The stuff that is presented by the work hence calls for interpretation and evokes a critical reading; however, such a reading can only be accomplished if the field of thinking opens up to the unthought and allows itself to be nurtured from it in the shape of an experience, i.e., as something that happens to us, which demands creation of us and therefore transforms us

This thesis focuses on the transfer of Czech linguistic and cultural characteristics through English subtitles. Using four Oscar-nominated Czech films, it endeavours to explain to what extent English subtitles can influence and assist the understanding and artistic values of a Czech feature film when screened to a foreign audience. The paper is of a theoretical- empirical nature. Firstly, the parameters of audiovisual translation are described, together with the technical and linguistic features of subtitling, followed by a definition of culture-bound references categories. As part of the research, Western understanding and appreciation of Czech artistic heritage is summarised. The empirical part presents an analysis of culture- bound references transfer. Excerpts are taken from the Czech films The Wild Bees (Divoké včely), Up and Down (Horem pádem), Divided We Fall (Musíme si pomáhat) and I Served the King of England (Obsluhoval jsem anglického krále). The results of the analysis are contrasted with a survey on the reception of The Wild Bees film conducted with native speakers of English. Keywords audiovisual translation (AVT), subtitling, ideological and aesthetic reception, culture-bound references, Oscar, Czech feature film

Il s'agit d'examiner les médiations langagières déclenchées par l'introduction d'oeuvres d'art picturales et photographiques dans un dispositif pédagogique universitaire de français comme langue étrangère de niveau avancé et d'étudier leurs apports en termes langagiers et translangagiers, à la lumière d'un cadre théorique transdisciplinaire, prenant en compte les travaux à la fois du socioconstructivisme, de l'émergentisme et de l'approche énactive. Cette forme de recherche-action, menée auprès de quatre groupes d'étudiants plurilingues et pluriculturels de niveau avancé, interroge les modalités de la réception esthétique de l'oeuvre d'art dans un contexte social académique d'apprentissage et propose une approche didactique multimodale, prenant appui aussi bien sur les interactions verbales, sur la production orale en continu et sur le recours à la production écrite. Elle met en exergue l'impact contextuel et situationnel sur les manifestations corporelles et sur la verbalisation des réactions esthétiques, d'ordre esthétique, émotionnel et évaluait devant l'oeuvre d'art, en se fondant sur les outils développés par le courant disciplinaire de l'analyse de discours. Enfin, elle analyse le rôle des médiations enseignante et apprenante à l'oeuvre, pour montrer dans quelle mesure, celles-ci, lorsqu'elles s'inscrivent dans une approche plus expérientielle, sont susceptibles à la fois de développer des capacités langagières chez l'apprenant et de favoriser l'émergence d'une expérience langagière, interculturelle et esthétique au sein du dispositif. / This research aims at examining the language mediations stimulated by the introduction of paintings and photographs in a pedagogical environment of French as a foreign language of advanced level and at studying their contributions in language and translanguage terms in light of a transdisciplinary theoretical framework taking into account the works of socioconstructivism, of emergentism and the enactive approach. This research led with four groups of multilingual and multicultural students, within the framework of an action-research, questions the modalities of the aesthetic reception in an academic social context of learning and proposes a multimodal didactic approach which relies on verbal interactions, on continuous oral and written production. It enhances the contextual and situational impact on the body manifestations and on the verbalization of aesthetic reactions, that is to say reactions of aesthesia, emotions and aesthetic appreciation by relying on the tools developed by the disciplinary current of discourse analysis. Last but not least, it examines the role of teacher's and learner's mediation with the artistic object, to show to what extent they are likely to foster the emergence of language abilities for the learner and to promote a language, intercultural and aesthetic experience within the teaching context.

[ES] Esta tesis es producto de un trabajo investigativo centrado en la recepción estética de la exposición Metamorfosis: ver en el tiempo, presentada en Valencia - España. La investigación busca apropiarse del mismo arte para examinar, reflexionar y cuestionar el arte contemporáneo en relación con el espectador - sus elecciones, gustos, percepciones, comportamientos e interpretaciones. Las 28 obras plásticas híbridas y performativas fueron creadas, bajo la idea de que, en la actualidad, se ha producido una ruptura de intereses y, consiguientemente, un inevitable distanciamiento entre el espectador y el arte contemporáneo. Esta investigación procura conocer las miradas y los afectos del público no especializado en arte y se propone a reflexionar acerca de los principales aspectos y conexiones existentes entre un artista anónimo, sus obras performativas y su espectador. ¿El arte actual puede ser atractivo y entretenido para el gran público? ¿Puede el artista crear obras contemporáneas más democráticas y menos excluyentes? A partir de una encuesta con los visitantes de la exposición y de un cuestionario realizado con 55 personas, se buscó verificar si el artista había logrado afectar al espectador e inducirlo a cuestionamientos y reflexiones sobre los temas, a saber: arte contemporáneo, transformaciones y tiempo. Los datos recolectados y categorizados fueron comentados a la luz del pensamiento y de la teoría de los afectos del filósofo holandés Baruch Spinoza (2016). Por medio tanto de una metodología cuantitativa como, sobre todo, cualitativa, se pudo verificar y trabajar el concepto de obras-parábola, es decir, obras que pueden ser percibidas de acuerdo con la sensibilidad y potencialidad de cada individuo, dejando trasparecer, al mismo tiempo, sus gustos, afecciones y afectos. La tesis se presenta, en fin, como una forma singular de reflexionar y pensar el arte contemporáneo, por medio de obras que se metamorfosearon durante la muestra, y su experiencia estética por parte del espectador en un momento puntual, sin pretensión de crear ningún análisis, teoría o metodología relacionada con la tríada artista-obra-espectador. / [CA] Aquesta tesi és producte d'un treball d'investigació centrat en la recepció estètica de l'exposició Metamorfosi: veure en el temps, presentada a València - Espanya. La investigació busca apropiar-se del mateix art per a examinar, reflexionar i qüestionar l'art contemporani en relació amb l'espectador - les seues eleccions, gustos, percepcions, comportaments i interpretacions. Les 28 obres plàstiques híbrides i performatives van ser creades, sota la idea que, en l'actualitat, s'ha produït una ruptura d'interessos i, consegüentment, un inevitable distanciament entre l'espectador i l'art contemporani. Aquesta investigació procura conèixer les mirades i els afectes del públic no especialitzat en art i es proposa a reflexionar sobre els principals aspectes i connexions existents entre un artista anònim, les seues obres performatives i el seu espectador. L'art actual pot ser atractiu i entretingut per al gran públic? Pot l'artista crear obres contemporànies més democràtiques i menys excloents? A partir d'una enquesta amb els visitants de l'exposició i d'un qüestionari realitzat amb 55 persones, es va buscar verificar si l'artista havia aconseguit afectar l'espectador i induir-lo a qüestiona ments i reflexions sobre els temes, a saber: art contemporani, transformacions i temps. Les dades recol·lectades i categoritzades van ser comentats a la llum del pensament i de la teoria dels afectes del filòsof holandès Baruch Spinoza (2016). Per mitjà tant d'una metodologia quantitativa com, sobretot, qualitativa, es va poder verificar i treballar el concepte d'obres-paràbola, és a dir, obres que poden ser percebudes d'acord amb la sensibilitat i potencialitat de cada individu, deixant transparentar, al mateix temps, els seus gustos, afeccions i afectes. La tesi es presenta, en fi, com una forma singular de reflexionar i pensar l'art contemporani, per mitjà d'obres que es van metamorfosar durant la mostra, i la seua experiència estètica per part de l'espectador en un moment puntual, sense pretensió de crear cap anàlisi, teoria o metodologia relacionada amb la tríade artista-obra-espectador. / [EN] This thesis is the product of an investigative work centered on the aesthetic reception of the exhibition Metamorphoses: see in time, presented in Valencia - Spain. The research seeks to appropriate the art itself to examine, reflect and question contemporary art regarding the viewer - their choices, tastes, perceptions, behaviors and interpretations.The 28 hybrid and performant plastic artworks were created under the idea that, today, there was a rupture of interests and, consequently, an inevitable distance between the viewer and contemporary art. This research seeks to know the views and affections of the public not specialized in art and aims to reflect on the main aspects and connections existing between an anonymous artist, his performant works and his viewer. Can current art be attractive and fun for the general public? Can the artist create more democratic and less exclusive contemporary works? From a survey with the visitors to the exhibition and a questionnaire carried out with 56 people, we sought to verify whether the artist managed to affect the viewer and induce him to question and reflect on the themes: contemporary art, transformations and time. The collected and categorized data were commented on in the light of the thinking and the theory of affects of the Dutch philosopher Baruch Spinoza (2016). Through a quantitative and, above all, qualitative methodology, it was possible to verify and work on the concept of works-parable, that is, works that can be perceived according to the sensitivity and potential of each individual, while showing, at the same time, their tastes, affections and fondness. Finally, the thesis presents itself as a singular way of reflecting and thinking about contemporary art, through works that metamorphosed during the show, and its aesthetic experience by the viewer in a punctual moment, without the intention of creating any analysis, theory or methodology related to the artist-work-viewer triad. / Oliveira Góes, CE. (2021). Miradas en metamorfosis: una investigación estética sobre la producción puntual de un artista anónimo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/177356