A pesquisa teve como objetivo compreender as motivações que sustentam o patrocínio artístico do Banco do Brasil, a partir da análise dos critérios utilizados na seleção dos projetos e na estruturação da programação do Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) São Paulo, nas áreas de artes cênicas e artes plásticas, nos anos de 2005 e 2006. Identificou-se que o CCBB situa-se na intersecção dos campos econômico e artístico que, não obstante obedecerem a normatividades muitas vezes antagônicas, estabelecem, na ação de patrocínio, dinâmica de interdependência, que também é permeada por conflitos. Para o mantenedor, as ações de patrocínio se justificam por quatro razões fundamentais: a busca pela melhoria de sua imagem diante de seus públicos de interesse, a necessidade de se afirmar como empresa socialmente responsável, a utilização do patrocínio como instrumento de marketing de relacionamento e a obtenção de benefícios tributários. Essas justificativas se ancoram em universo valorativo próprio do campo econômico, calcado em racionalidade que se sustenta pela busca constante de lucratividade e conquista de mercados. Por outro lado, na qualidade de instituição cultural, o CCBB seleciona os projetos a serem patrocinados e estrutura a sua programação, a partir de juízos próprios do campo artístico (inovação, relevância conceitual e temática, grau de consagração de obras e artistas, dentre outros). Se houvesse a preponderância dos julgamentos econômicos na seleção das obras, a arte patrocinada perderia a sua moeda de troca, já que seu capital simbólico decorre justamente da negação de qualquer constrição externa ao campo artístico. Analisando a programação do CCBB nas áreas pesquisadas, identificamos que o resultado das escolhas é coerente com o principal eixo curatorial da instituição que é a diversidade. Apesar do destaque dado a nomes consagrados, artistas menos conhecidos também são contemplados, ainda que em menor número e com espaços reduzidos. Nas artes cênicas, a preocupação central é com a presença de atores renomados, sendo que sua programação não se qualifica nem como teatro comercial, nem como teatro experimental. Nas artes plásticas, aparece também uma posição dúbia, já que ao tempo em que promove a arte contemporânea, correndo certa dose de riscos em suas escolhas, privilegia, por outro lado, formas de patrocínio menos arriscadas, como as mostras museológicas e coletivas (essas abrangendo outras manifestações que não apenas as contemporâneas). A exposição nos meios de comunicação de massa e a quantidade de público nos eventos patrocinados são os principais fatores considerados na qualificação do patrocínio como bem sucedido. Isso revela características eminentemente narcísicas que envolvem as ações de patrocínio, nas quais a repercussão na mídia garante a amplificação da imagem benevolente e pretensamente desinteressada da empresa, mesmo junto aos públicos não fruidores das artes patrocinadas. A preocupação com a percepção desse público foi decisiva na opção da empresa em retirar uma obra iconoclasta da exposição Erotica, no momento em que a instituição foi confrontada por segmentos da população que julgaram que seus símbolos religiosos haviam sido vilipendiados. / This study aims to explore the reasons behind Banco do Brasils sponsorship of the arts. To this end, an analysis of the criteria used both for selecting theater and visual arts projects and designing Banco do Brasils Cultural Center (CCBB) program of cultural activities between 2005 and 2006 was carried out. It was found out that the CCBB lies at the interface between the economic and artistic fields, which, albeit governed by conflicting normativities, become interdependent when it comes to sponsoring, but not without dispute. Justification for the banks sponsorship activities is fourfold: as an attempt to improve its image with the banks various stakeholders; the need to become publicly known as a socially responsible company; the use of sponsorship as a tool of relationship marketing; and the possibility of earning tax benefits. These reasons stem from a set of values that are typically from the economic field. The rationality behind them is an ongoing search for profit and the conquest of new markets. As a cultural institution, however, the CCBB uses artistic criteria such as innovation, conceptual and thematic relevance, and the reputation of art works and artists to select artistic projects for sponsorship and to design its own program of cultural activities. If economic criteria prevailed, the sponsored art, whose symbolic capital stems precisely from the denial of any external restraint to the artistic field, would lose its role as a medium-ofexchange. By analyzing CCBBs theater and visual arts programs, the choices that were made were found to be consistent with its main curatorial policy, namely, that of promoting diversity. Although highly renowned artists prevail, minor artists are also present but in smaller numbers, and taking less space. As for theater projects, the CCBBs main concern is to ensure that widely acclaimed actors are included in its theatrical program, which can be neither regarded as purely commercial nor experimental theater. In the visual arts, the institutions position is also ambivalent. Although it promotes contemporary art, which includes a fair amount of risk-taking, sponsorship of less risky pieces, such as museum collections (including art from other historical periods) and group shows, prevail. Media exposure and the number of viewers attending sponsored events are perceived as the main indicators of a successful event. Sponsoring therefore can be seen as highly narcissistic: media repercussion ensures that the companys supposedly unbiased benefactor image is widely spread, even among those who do not attend the sponsored events. Concern about the perception of the latter group was critical when the company chose to withdraw an iconoclastic piece from a show called Erotica. The institution had been challenged by members of the public who believed their religious symbols had been profaned.

Submitted by Marta Toyoda (1144061@mackenzie.br) on 2017-06-30T15:54:22Z No. of bitstreams: 2 Tamara Roman.pdf: 150173446 bytes, checksum: 9f4cfce3222e767ef973f3c17c1a652e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Paola Damato (repositorio@mackenzie.br) on 2017-07-03T18:34:44Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tamara Roman.pdf: 150173446 bytes, checksum: 9f4cfce3222e767ef973f3c17c1a652e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-03T18:34:44Z (GMT). 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However, the urban spaces facing the Jesuit complexes, the adros and the squares, in most cases, are preserved in their original forms and dimensions. The typology of the buildings bordering the squares varies greatly in scale, but the space of the square remains preserved. The methodology for this research was based on the analysis and systematic study of the conformation of these urban spaces, squares of the Jesuit churches, as well as the collection of historical maps, examination of documents and Jesuit letters, as well as studies and interpretations based on historiography of the Jesuits, the Amerindian populations at the time of colonization, history of Portugal and Brasil, at the time of colonization, in order to highlight the history of the spaces created by Jesuit churches and settlements for contemporary cities. These spaces form not only a relation of uses and meanings with the urban scale of the contemporary city, but also with the regional and national scale. This value of the urban space is a sum of elements of the territory, the design, strategy, and program of the Society of Jesus for catechesis, as well as the historical uses and events that have taken place in these sites. The urban spaces, as well as the historical buildings listed by the patrimony preservation organs in Brazil, deserve special attention, since they are the fundamental piece to which the other urban elements aggregate and qualify. / O presente trabalho procura investigar os caminhos que levaram à formação dos espaços urbanos ligados às igrejas e aos aldeamentos jesuíticos no Brasil nos primeiros séculos da dominação portuguesa, e sua permanência na cidade contemporânea. Esses locais mantêm seu desenho e sua relevância como espaços das cidades brasileiras e permanecem, desde suas primeiras formações, e principalmente, sempre ligadas aos territórios originais das aldeias indígenas existentes, antes da chegada do colonizador europeu. Na maior parte das formações urbanas estudadas nesta pesquisa, verifiquei que os edifícios sofreram várias modificações, muitas vezes até com uma transformação total em relação ao desenho original do edifício. No entanto, os espaços urbanos frontais aos conjuntos jesuíticos, em sua maior parte, estão preservados nas suas formas e dimensões originais. A tipologia das edificações lindeiras às praças varia bastante em escala, mas o espaço da praça se mantém. A metodologia para esta investigação partiu da análise e do estudo sistemático da conformação destes espaços urbanos, praças e adros das igrejas jesuíticas, além do levantamento de mapas históricos, exame de documentos e cartas jesuíticas, assim como de estudos e interpretações a partir da historiografia referente aos jesuítas, à Portugal e ao Brasil, às populações indígenas à época da colonização, com o intuito de evidenciar a história dos espaços criados pelas igrejas e aldeamentos jesuíticos para as cidades contemporâneas. Esses espaços formam não só uma relação de usos e significados com a escala urbana da cidade contemporânea, mas também com a escala regional e nacional, além de sua própria rede de significados particulares, que, por si, já denotam uma importância histórica, artística e urbana. Este valor do espaço urbano é uma somatória de elementos do território, da história da colonização brasileira, do desenho, do projeto, da estratégia e do programa da Companhia de Jesus para a catequização, somados aos usos e eventos históricos que se sucederam nesses sítios. Os espaços urbanos, assim como os edifícios históricos tombados pelos órgãos de preservação do Patrimônio no Brasil, merecem uma atenção especial, pois eles são a peça fundamental à qual os outros elementos urbanos se agregam e se qualificam.

Este trabajo pretende recoger la fructífera carrera del pintor Vicente Castellano Giner, que abarca, desde 1947 a la actualidad. Se trata de catalogar, documentar y analizar, la producción pictórica de uno de los "maestros" de la segunda mitad del siglo veinte, así como su posterior proyección. Biografía del artista Vicente Castellano Giner (Valencia, 1927) fue uno de los artistas más transgresores de la cultura artística levantina desde finales de los años cuarenta. Castellano fue también integrante de grupos artísticos tan significativos como "Los Siete", "Parpalló" (y su revista Arte Vivo), "Movimiento Artístico del Mediterráneo" y "Arte Actual". Tras conseguir una serie de becas de la Diputación de Valencia en el año 1951 amplia estudios por diferentes lugares de España y posteriormente en 1955 en París, donde se matriculó en la Escuela de Bellas Artes con el profesor Goerg. Durante estos años 1955-1956 pudo estudiar la pintura cubista de artistas tan relevantes como Picasso, Braque y Gris. Al mismo tiempo compartió estudio con Eusebio Sempere con quien conoció a Kandinsky y al escultor cinético Nicolas Schöffer. En el año 1957 Castellano fijó su residencia fuera del Colegio de España, en el barrio Latino de París, allí emprendió un período de creación (1957-1960) al que corresponde su etapa del llamado "Miserabilismo Abstracto". Esta obra fue expuesta en distintas ciudades europeas como Bruselas donde llamó poderosamente la atención de la crítica especializada. Seguidamente, entre 1960 y 1980, desarrolló su obra artística en la órbita del Nouveau Réalisme que inició tras una exposición (junto a Tàpies y Millares, entre otros) en Basilea. Aquí aparecen ya los relieves en sus lienzos y sus "Relicarios" que contienen objetos reciclados. Residiendo en París durante veinte años (1957-1977), el artista adquirió una fértil experiencia derivada de su conexión con el arte de su tiempo, su universo pictórico contribuyó a conformar la Segunda Generación de la Escuela de París. Su regreso a España se efectúa en el 1977 donde fija su residencia en Valencia y ejerce como profesor de pintura en Universidad Politécnica de Valencia desde 1981 a 1994. En el año 2000 le es otorgada la Medalla de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia a los méritos artísticos y profesionales, y en 2009 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos en cuyo discurso de ingreso el artista leyó el interesante discurso, "La pintura mi aventura hacia lo desconocido". En lo referente a su producción artística se ha caracterizado por una sobriedad cromática y de fuerte componente estructural, la búsqueda de nuevos materiales pictóricos. Con esta investigación plástica que ha desarrollado a lo largo de toda su trayectoria Castellano ha conseguido una creación que sin duda ha contribuido decisivamente a la nueva concepción del arte posmoderno. / Sánchez De Toro, JM. (2014). LA ABSTRACCIÓN EN LA OBRA DE VICENTE CASTELLANO GINER [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/44233 / Premios Extraordinarios de tesis doctorales

[ES] Los públicos de las orquestas sinfónicas son la parte fundamental que da sentido y que permite la continuidad de estas entidades culturales. Esta investigación pretende analizar a los públicos interesados en las propuestas culturales que interpretan las orquestas sinfónicas, así como a las propias entidades respecto a la gestión y comunicación que desarrollan sus responsables mediante acciones que propician la conexión entre entidad y público. El análisis que se presenta se enfoca desde tres aspectos fundamentales de estudio: las características, gustos y preferencias de los públicos de las orquestas sinfónicas, el personal responsable de la gestión de las entidades y las iniciativas que diseñan en relación con la programación y la comunicación. De este modo, se pretende responder a la pregunta de si los responsables de gestionar las orquestas sinfónicas conocen a sus públicos y llevan a cabo la gestión de la entidad teniendo en cuenta ese conocimiento. Si bien los públicos de las orquestas sinfónicas es un concepto muy amplio y puede hacer referencia a multitud de posibilidades, en este estudio se hace referencia únicamente a los públicos de la cultura como principales interesados en disfrutar de propuestas de diversa índole cultural y los abonados de las propias entidades como asistentes habituales a las propuestas que se programan cada temporada. El estudio se concentra en dos grandes bloques, en el primero de éstos se lleva a cabo un análisis descriptivo de la orquesta sinfónica, el público musical, la situación de la música clásica en España y la comunicación cultural. Y en el segundo bloque se realiza un trabajo empírico que busca recabar información acerca de los públicos de la cultura y abonados de las orquestas sinfónicas, la programación de estas entidades culturales respecto a una temporada musical, los equipos de gestión y personal que las forman, el punto de vista de expertos en los públicos de la cultura y comunicación cultural y la comunicación que realizan estas organizaciones. / [CA] Els públics de les orquestres simfòniques són la part fonamental que dona sentit i que permet la continuïtat d'aquestes entitats culturals. Aquesta investigació pretén analitzar als públics interessats en les propostes culturals que interpreten les orquestres simfòniques, així com a les pròpies entitats respecte a la gestió i comunicació que desenvolupen els seus responsables mitjançant accions que propicien la connexió entre entitat i públic. L'anàlisi que es presenta s'enfoca des de tres aspectes fonamentals d'estudi: les característiques, gustos i preferències dels públics de les orquestres simfòniques, el personal responsable de la gestió de les entitats i les iniciatives que dissenyen en relació amb la programació i la comunicació. D'aquesta manera, es pretén respondre a la pregunta de si els responsables de gestionar les orquestres simfòniques coneixen als seus públics i duen a terme la gestió de l'entitat tenint en compte aqueix coneixement. Si bé els públics de les orquestres simfòniques és un concepte molt ampli i pot fer referència a multitud de possibilitats, en aquest estudi es fa referència únicament als públics de la cultura com a principals interessats a gaudir de propostes de diversa índole cultural i els abonats de les pròpies entitats com a assistents habituals a les propostes que es programen cada temporada. L'estudi es concentra en dos grans blocs, en el primer d'aquests es duu a terme una anàlisi descriptiva de l'orquestra simfònica, el públic musical, la situació de la música clàssica a Espanya i la comunicació cultural. I en el segon bloc es fa un treball empíric que busca recaptar informació sobre els públics de la cultura i abonats de les orquestres simfòniques, la programació d'aquestes entitats culturals respecte a una temporada musical, els equips de gestió i personal que les formen, el punt de vista d'experts en els públics de la cultura i comunicació cultural i la comunicació que realitzen aquestes organitzacions. / [EN] The audiences of symphony orchestras are the fundamental part that gives meaning and allows the continuity of these cultural entities. This research aims to analyze the audiences interested in the cultural proposals performed by symphony orchestras, as well as the entities themselves with respect to the management and communication developed by their leaders through actions that promote the connection between the entity and the audience. The analysis presented here is approached from three fundamental aspects of study: the characteristics, tastes and preferences of the audiences of symphony orchestras, the personnel responsible for the management of the entities and the initiatives they design in relation to programming and communication. In this way, the aim is to answer the question of whether those responsible for managing symphony orchestras know their audiences and carry out the management of the entity taking this knowledge into account. Although the audiences of symphony orchestras is a very broad concept and can refer to a multitude of possibilities, in this study reference is made only to cultural audiences as the main ones interested in enjoying proposals of different cultural nature and the subscribers of the entities themselves as regular attendees to the proposals programmed each season. The study is concentrated in two large blocks, in the first of which a descriptive analysis of the symphony orchestra, the musical public, the situation of classical music in Spain and cultural communication is carried out. And in the second block an empirical work is carried out that seeks to gather information about the cultural audiences and subscribers of symphony orchestras, the programming of these cultural entities with respect to a musical season, the management teams and personnel that form them, the point of view of experts in cultural audiences and cultural communication and the communication carried out by these organizations. / Oropesa Mateos, C. (2023). Los públicos de las orquestas sinfónicas españolas: un estudio sobre el vínculo entre entidad y públicos [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/200380

Cette recherche de thèse de doctorat se propose de réaliser une anthropologie de la reconnaissance sociale au Brésil à partir des revendications de « dignité » du Mouvement social des travailleurs ruraux Sans Terre (MST).Pour comprendre cette exigence de reconnaissance (Taylor, 1992), et définir dans quelle mesure l’engagement des travailleurs ruraux dans la lutte du MST résulte d’une motivation affective issue d’expériences de mépris social (Honneth, 2000), la réflexion se centre dans un premier temps sur les conditions sociohistoriques de constitution des travailleurs ruraux au Brésil. L’étude de l’historiographie brésilienne permet ainsi de mettre en lumière comment les valeurs de la société brésilienne, la nature de la structure agraire héritée de la colonie portugaise, les rapports de domination entre grands propriétaires terriens et travailleurs ruraux basés sur la « domination personnelle » ainsi que les représentations des travailleurs ruraux ont participé de la construction de cette population comme une population subalterne (Spivak, 1988). La recherche s’intéresse ensuite aux pratiques développées par le MST pour reconquérir une dignité. Basées sur un usage politique de l’artistique, ces pratiques sont instituées dans le mouvement social au sein du « Setor de Cultura » (Secteur de la Culture) et combinent les deux aspects des théories de la reconnaissance sociale : l’« auto-reconnaissance » en termes d’estime de soi (Honneth, 2000), et, la reconnaissance sociale en termes de politiques publiques (Fraser, 2005). C’est pourquoi, l’analyse de ces pratiques s’appuie dans un premier temps sur l’ethnographie des moments de socialisation développés par le « Setor de Cultura » pour saisir jusqu’où ils permettent de créer un sentiment d’identification au MST et donnent aux travailleurs ruraux l’opportunité de se constituer en tant que sujets politiques. L’analyse interroge ensuite les usages de la musique et du théâtre visant à transformer la représentation dominante des « Sans Terre » dans la société brésilienne, et à rendre ainsi légitime la réalisation de la Réforme Agraire aux yeux de l’opinion publique. / This research takes aim to realize an anthropology of social recognition in Brazil based on the study of the Landness social mouvement’s (MST) revendications of « dignity ».To understand these recognition’s demands (Taylor, 1992), and how the commitment of peasants into the MST’s struggle is based on an affective motivation determinated by experiences of social comtempt (Honneth, 2000), this reflexion focus at first on the sociohistorical conditions of the peasant’s constitution in Brazil. The study of brasilian historiography allows to determine how the brasilian society’s values, the land structure’s nature inherited from the portuguese colony, the domination’s relations between the big landowners and the peasants based on the « personal domination » and the social representations of the peasants had participed to build this population as a subaltern population (Spivak, 1988). Then, this research take an interest in the pratices developped by the MST to recover a dignity. Making a politic use of the artistic, these pratices are instituted in the social movement in the « Setor de Cultura » (Culture’s Sector) and combine the two aspects of the social recognition’s theories : the « auto-recognition » in terms of self’s esteem (Honneth, 2000), and, the social recognition in terms of publics policies (Fraser, 2005). That’s why, the analysis of these practices is first based on the ethnography of the socialisation’s moments developed by the « Setor de Cultura » to understanding however they allow to create an identification’s feeling within the MST and give an opportunity to the peasant to form them as politic subjects. Then, the analysis questions the music and theater’s uses aiming to transforme the Landless dominant representation in brazilian society, making like this as legitimated the achievement of the Land Reform for the outside word. / Essa tese de doutorado tem como objetivo de realizar uma antropologia do reconhecimento social no Brasil a partir das reivindicações de « dignidade » do Movimento social dos trabalhadores rurais Sem Terra (MST).Para entender essa exigência de reconhecimento (Taylor, 1992), e tentar esclarecer de que maneira o engajamento dos trabalhadores rurais na luta do MST é o resultado de uma motivação afetiva alimentada de experiências de desprezo social (Honneth, 2000). Nossa reflexão se concentra num primeiro tempo sobre as condições socio-históricas de constituição dos trabalhadores rurais no Brasil. O estudo da historiografia brasileira permite salientar como os valores da sociedade brasileira, a natureza da estrutura agrária herdada da colonização portuguesa, as relações de dominação entre os latifundiários e os trabalhadores rurais baseadas na « dominação pessoal » assim como as representações dos trabalhadores rurais participaram da construção dessa população como uma população subalterna (Spivak, 1988). Depois, a pesquisa se interessa nas práticas desenvolvidas pelo MST pela reconquista de sua dignidade. Baseadas no uso político do artístico, essas práticas foram formalizadas no movimento social dentro do « Setor de Cultura » e combinam os dois aspectos das teorias do reconhecimento social : o « auto reconhecimento » em termos de autoestima (Honneth, 2000) e, o reconhecimento social em termos de políticas públicas (Fraser, 2005). No entanto, a análise dessas práticas se apoia num primeiro tempo sobre a etnografia dos momentos de socialização desenvolvidos pelo « Setor de Cultura » para entender até onde eles permitem de criar um sentimento de identificação ao MST e dão aos trabalhadores rurais a oportunidade de se constituir como sujeitos políticos. A análise interroga num segundo tempo os usos da música e do teatro que tem como objetivo transformar a representação dominante dos « Sem Terra » na sociedade brasileira, e assim defender e mostrar a legitimidade da realização da Reforma Agrária aos olhos da opinião pública.

As reformas orientadas para o mercado realizadas no Brasil e no Equador a partir da década de 1980 e de 1990 diminuíram os gastos públicos e os recursos humanos das organizações nacionais de patrimônio cultural. Para suprir a demanda por tais recursos, surgiu, na arena política do patrimônio cultural, o agente financeiro internacional. Nesse contexto, esta dissertação busca compreender a relação de poder e as formas como são feitas as escolhas políticas entre os órgãos de patrimônio nacionais e a instituição multilateral que financia diversas políticas públicas culturais. Para tanto, partiu-se da experiência de dois países latino-americanos, o Brasil e o Equador, analisando em que medida os órgãos nacionais desobrigaram-se da realização das políticas públicas para o setor, sofrendo ingerência dos organismos financeiros internacionais. Estabeleceu-se como objeto de estudo três organizações o Banco Interamericano de Desenvolvimento (BID), o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN), no Brasil, e o Instituto Nacional de Patrimonio Cultural (Instituto de Patrimônio Cultural) (INPC), no Equador e recorreu-se à pesquisa bibliográfica, documental e de campo, bem como a entrevistas com gestores dos órgãos estudados. Confirmou-se a hipótese de que o processo de enfraquecimento das instituições nacionais de patrimônio cultural contribuiu decisivamente para que se retirasse, progressivamente, o poder de decidir, executar e avaliar políticas públicas de preservação do patrimônio cultural dos domínios do Estado. Entretanto, não se confirmou que as decisões se transferiram para organismos internacionais, mas sim para a iniciativa privada, buscando tornar os órgãos nacionais voltados àquele fim meros chanceladores de decisões tomadas fora deles. Verificou-se, ainda, que o processo de desmonte das instituições nacionais de patrimônio cultural brasileira e equatoriana se reverteu nos últimos anos com os governos dos presidentes Luis Inácio Lula da Silva e Rafael Corrêa, repercutindo, inclusive, na condução das políticas públicas financiadas pelo BID para o setor. / The market-oriented reforms carried out in Brazil and Ecuador from the 1980s and 1990s diminished the public expenses and the human resources in the national organizations of cultural heritage. In order to meet the demand for those resources, the international financial agent has come up in the arena of cultural heritage policy. In this context, this thesis aims at understanding the power relation between the national heritage organs and the multilateral institution, which supports several policies of cultural heritage, as well as the ways they choose their policies. To do so, starting with the experiences from two Latin American countries, Brazil and Ecuador, an analysis was held in order to determine to what extent the national organs relieved themselves of accomplishing the public policies for the sector, which caused them to undergo interference by the international financial organs. As the object of study, three organizations were chosen: the Inter-American Development Bank (IDB), the Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (National Institute of Artistic and Historical Heritage) (IPHAN), in Brazil, and the Instituto Nacional de Patrimonio Cultural (National Institute of Cultural Heritage) (INPC), in Ecuador. The research has used related literature, documentary and field research, as well as interviews with the managers of the organs in study. The hypothesis confirmed was that the process of weakening of the national institutions of cultural heritage has contributed decisively to deprive, progressively, the power to decide, implement and evaluate public policies for the preservation of cultural heritage of the State domains. However, it has not been proved that the decisions had been transferred to international organs; rather, to the public initiative, seeking to turn the national organs focused on preservation of heritage into mere chancellors of the decisions made apart from them. It has also been observed that the process of dismantling the Brazilian and Ecuadorian national institutions of cultural heritage was reversed in the last years during the government of Luis Inácio Lula da Silva and Rafael Corrêa, echoing, also, in the conduct of public policies for the sector sponsored by the IDB.

As reformas orientadas para o mercado realizadas no Brasil e no Equador a partir da década de 1980 e de 1990 diminuíram os gastos públicos e os recursos humanos das organizações nacionais de patrimônio cultural. Para suprir a demanda por tais recursos, surgiu, na arena política do patrimônio cultural, o agente financeiro internacional. Nesse contexto, esta dissertação busca compreender a relação de poder e as formas como são feitas as escolhas políticas entre os órgãos de patrimônio nacionais e a instituição multilateral que financia diversas políticas públicas culturais. Para tanto, partiu-se da experiência de dois países latino-americanos, o Brasil e o Equador, analisando em que medida os órgãos nacionais desobrigaram-se da realização das políticas públicas para o setor, sofrendo ingerência dos organismos financeiros internacionais. Estabeleceu-se como objeto de estudo três organizações o Banco Interamericano de Desenvolvimento (BID), o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN), no Brasil, e o Instituto Nacional de Patrimonio Cultural (Instituto de Patrimônio Cultural) (INPC), no Equador e recorreu-se à pesquisa bibliográfica, documental e de campo, bem como a entrevistas com gestores dos órgãos estudados. Confirmou-se a hipótese de que o processo de enfraquecimento das instituições nacionais de patrimônio cultural contribuiu decisivamente para que se retirasse, progressivamente, o poder de decidir, executar e avaliar políticas públicas de preservação do patrimônio cultural dos domínios do Estado. Entretanto, não se confirmou que as decisões se transferiram para organismos internacionais, mas sim para a iniciativa privada, buscando tornar os órgãos nacionais voltados àquele fim meros chanceladores de decisões tomadas fora deles. Verificou-se, ainda, que o processo de desmonte das instituições nacionais de patrimônio cultural brasileira e equatoriana se reverteu nos últimos anos com os governos dos presidentes Luis Inácio Lula da Silva e Rafael Corrêa, repercutindo, inclusive, na condução das políticas públicas financiadas pelo BID para o setor. / The market-oriented reforms carried out in Brazil and Ecuador from the 1980s and 1990s diminished the public expenses and the human resources in the national organizations of cultural heritage. In order to meet the demand for those resources, the international financial agent has come up in the arena of cultural heritage policy. In this context, this thesis aims at understanding the power relation between the national heritage organs and the multilateral institution, which supports several policies of cultural heritage, as well as the ways they choose their policies. To do so, starting with the experiences from two Latin American countries, Brazil and Ecuador, an analysis was held in order to determine to what extent the national organs relieved themselves of accomplishing the public policies for the sector, which caused them to undergo interference by the international financial organs. As the object of study, three organizations were chosen: the Inter-American Development Bank (IDB), the Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (National Institute of Artistic and Historical Heritage) (IPHAN), in Brazil, and the Instituto Nacional de Patrimonio Cultural (National Institute of Cultural Heritage) (INPC), in Ecuador. The research has used related literature, documentary and field research, as well as interviews with the managers of the organs in study. The hypothesis confirmed was that the process of weakening of the national institutions of cultural heritage has contributed decisively to deprive, progressively, the power to decide, implement and evaluate public policies for the preservation of cultural heritage of the State domains. However, it has not been proved that the decisions had been transferred to international organs; rather, to the public initiative, seeking to turn the national organs focused on preservation of heritage into mere chancellors of the decisions made apart from them. It has also been observed that the process of dismantling the Brazilian and Ecuadorian national institutions of cultural heritage was reversed in the last years during the government of Luis Inácio Lula da Silva and Rafael Corrêa, echoing, also, in the conduct of public policies for the sector sponsored by the IDB.

Mestrado em Arte Multimédia / Biografia e Autobiografia Universal: para um modelo de análise dos rituais de produção e consumo na arte multimédia trata do estudo e análise de formas alternativas que questionam o modo como criamos a nossa memória cultural colectiva por meio de objectos e rituais. O campo de investigação aqui exposto permanece distinto da História ou Crítica da arte. A abordagem aos rituais é realizada pelo do ponto de vista sócio-cultural, ambicionando reconhecer um modelo de profusão cultural. Inicialmente, é analisado o papel da memória na construção de conteúdos culturais. Com esse intuito, é discutida a validade de dispositivos externos, como a hermenêutica e os rituais nessa construção. Abordando temas gerais como a Memória, Cultura e Linguagem estabelecem-se dicotomias entre Hermenêutica e Rituais, Texto e Imagem, de modo a perceber uma evolução dos rituais tradicionais para rituais contemporâneos em actividades artísticas. É questionado, nos rituais contemporâneos, o seu potencial de, como manifestações performativas, que se centram no indivíduo, constituírem o formato privilegiado para uma linguagem transversal, independente de religiões, nacionalidade, ou grupo. Sendo a investigação desenvolvida no âmbito do Mestrado em Arte Multimédia, avançou-se por uma análise de propostas artísticas que discutem a amplitude dos conceitos de multimédia e performance. A presença do subtítulo Para um modelo de análise dos rituais de produção e consumo na arte multimédia representa um enquadramento da dinâmica presente nos rituais contemporâneos em manifestações de trabalho artístico de tendência biográfica e autobiográfica. A reflexão sobre o modelo de interpretação e análise é realizada perante o corpo de trabalho das artistas: Tracey Emin, Mona Hatoum e Morgan O Hara, procurando indagar se os seus trabalhos têm a capacidade de se caracterizarem como dispositivos de memória. / Universal Biography and Autobiography: for a model of analysis of the rituals of production and consumption in multimedia art regards the study and analysis of alternative forms of questioning how we create our collective cultural memory through objects and rituals. The field of investigation here shown stands apart from areas of History or Art criticism. The approach to rituals is made from the Socio-cultural view point, aspiring to recognize a model of cultural profusion. Foremost, the role of memory in the construction of cultural content is here analyzed. With that intent, the validity between external devices, such as hermeneutics and rituals, is discussed on that construction. Approaching broad themes such as Memory, Culture, Language, dichotomies between Hermeneutics and Rituals, Text and Image are established to understand an evolution from traditional rituals to contemporary ones in artistic activity. It is questioned and suggested that contemporary rituals, with their potential of being performative manifestations that centre on the individual, constitute a privileged format for a transverse language, independent of religion, nationality or group. Being the investigation developed in the scope of the Master in Multimedia Art, an analysis of artistic proposals was followed, that discusses the breadth of the multimedia and performance concepts. The presence of the sub-heading For a model of analysis of the rituals of production and consumption in multimedia art , represents a framing of the dynamic which is present on contemporary rituals in biographical and autobiographical artistic work. Pondering about the model of interpretation and analyses is made in the presence of the body of work of the artist: Tracey Emin, Mona Hatoum and Morgan O Hara, seeking to inquest if their work can be characterized as a memory agent.

RODRIGUES, Kadma Marques. As cores do silêncio: habitus silencioso e apropriação de pintura em Fortaleza (1924-1958). 2006. 230f. Tese (Doutorado em Sociologia) – Universidade Federal do Ceará, Departamento de Ciências Sociais, Programa de Pós- Graduação em Sociologia, Fortaleza-CE, 2006. / Submitted by Liliane oliveira (morena.liliane@hotmail.com) on 2011-11-28T19:15:39Z No. of bitstreams: 1 2006_tese_KMRODRIGUES.pdf: 7327311 bytes, checksum: 503630524656f70f3276a1edbcd611dc (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Josineide Góis(josineide@ufc.br) on 2011-11-29T14:45:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2006_tese_KMRODRIGUES.pdf: 7327311 bytes, checksum: 503630524656f70f3276a1edbcd611dc (MD5) / Made available in DSpace on 2011-11-29T14:45:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2006_tese_KMRODRIGUES.pdf: 7327311 bytes, checksum: 503630524656f70f3276a1edbcd611dc (MD5) Previous issue date: 2006 / O presente trabalho tem como objetivo principal problematizar a formação do habitus silencioso do público cultivado diante de pinturas como índice de autonomização do campo artístico, no domínio da pintura, na Fortaleza da primeira metade do século XX (1924-1958). Para tanto, a disposição silenciosa de um público cultivado particular, o qual estrutura suas categorias de percepção estética mediante familiaridade com o escrito, passa a ser entendida como manifestação do “olhar puro” de um público “civilizado”, de gestos contidos, cuja individualidade é valorizada no âmbito de um processo mais amplo de modernização urbano-industrial e modernismo cultural. É por meio de uma metodologia tríplice de análise que considero como fatores condicionantes da formação do habitus silencioso do público de pintura na capital cearense: 1) a produção da crítica de arte veiculada pelo jornalismo cultural da década de 20; 2) mudanças estruturais na organização de lugares de exposição nas décadas de 20 e 30; e 3) transformações formais das obras expostas ao longo das décadas de 40 e 50 no salão mais tradicional de Fortaleza – o Salão de Abril, mantido nesse período pela Sociedade Cearence de Artes Plásticas (SCAP). Concluo, portanto que o silêncio desse público integra uma série de experiências que se desenvolvem ao longo de gerações a fim de delinear a dinâmica de autonomização do campo artístico, tal como o conhecemos hoje. / Le présent travail a comme objectif principal interroger la formation de l’habitus de rester en silence du public cultivé devant peintures prinsent en tant qu’indice d'autonomisation du champ artistique, dans le domaine de la peinture, à Fortaleza de la première moitié du XXème siècle (1924-1958). Dans ce contexte, la disposition silencieuse d'un public cultivé particulier, qui structure leurs catégories de perception esthétique moyennant sa familiarité avec l'écrit, passe à être compris comme manifestation du « regard pur » d'un public « civilisé », de gestes contenus, dont l'individualité est valorisée dans le contexte d'un processus plus large de modernisation urbanoindustrial et de modernisme culturelle. C'est au moyen d'une méthodologie triple d'analyse que je considère comme des facteurs qui conditionnent la formation de l’habitus de rester en silence du public de peinture dans la plus importante ville du Ceará : 1) la production de la critique d'art propagé par le journalisme culturel de la décennie de 20 ; 2) des changements structurels dans l'organisation de places d'exposition dans les décennies de 20 et 30 ; et 3) des transformations formelles des oeuvres exposées au long des décennies de 40 et 50, dans le salon le plus traditionnel de Fortaleza - le Salon d'avril, maintenu dans cette période par la Société Cearence d’Arts Plastiques (SCAP). Je conclus donc que le silence de ce public intègre une série d'expériences qui se développent au long de générations afin de délinéer la dynamique d'autonomisation du champ artistique, tel que nous le connaissons aujourd'hui.