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Redéfinir le statut ontologique de l'art : art moderne, art postmoderne, art contemporain / Re-define ontologic status of art : modern art, postmodern art, contemporary art

Solet, Francis 16 November 2018 (has links)
Au sein d’un même espace muséal, qui est exclusivement dédié à l’art contemporain nous constatons la présence simultanée de formes traditionnelles d’art à côté d’installations. Il nous semble que ces œuvres d’art sont trop différentes pour être réunies sous la même appellation Art Contemporain. Dans cette étude nous analysons les présupposés philosophiques de la Modernité et de la Postmodernité, puis après avoir disqualifié la postmodernité, nous prenons l’Exposition à la Kunsthalle de Bern, en 1969, Quand les attitudes deviennent forme, comme date de naissance de l’art contemporain, et les œuvres qui y sont présentées comme la forme paradigmatique de l’art contemporain. La caractéristique essentielle des œuvres d’art contemporain,c’est qu’elles sont créées in situ et qu’elles peuvent être démontées et réinstallées. Ceci pose des problèmes de persistance d’identité dans le temps, à travers ces différents intervalles temporels. Nous analysons la théorie endurantiste des objets tridimensionnels et la théorie perdurantiste des objets quadridimensionnels. Nous adoptons comme principe méréologique de composition des parties temporelles, le principe installation réinstallation, qui permet de justifier la persistance d’une mêmeté de ces Œuvres d’art Contemporain au cours du temps. / Within the same museum space, which is exclusively dedicated to contemporary art, we find traditional forms of art beside installations. It seems to us that these works of art are too different to be labelled: Contemporary Art.In this study we analyze the philosophical assumptions of Modernity and Postmodernity and after having disqualified postmodernity, we claim that the Exhibition at the Kunsthalle in Bern, in 1969, When attitudes become form, is the birth date of art contemporary, and those works represent the paradigmatic form of contemporary art.The essential characteristic of contemporary art works (OAC) is that they are created in situ and can be dismantled and reinstalled. There is a problem of persistence of identity over time, during these different intervals of time. We analyze the endurantist theory of three-dimensional objects and the perdurantist theory of four-dimensional objects. We adopt the mereorological principle of composition of the temporal parts, the principle installation resettletment , which justify the persistence of a sameness of these contemporary art works through time .
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Entre émergence et affirmation de l’art contemporain au sein du Triangle Polynésien : étude comparée de la Polynésie française et d’Aotearoa – Nouvelle Zélande / Between Emergence and Affirmation of Contemporary Art within the Polynesian Triangle : Comparative Study of Aotearoa - New Zealand and French Polynesia

Deso, Gaëtan 01 December 2016 (has links)
Cette thèse de doctorat en Histoire de l’Art, spécialité art contemporain, tend à repositionner l’Histoire de l’Art contemporain insulaire de la Polynésie Française et d’Aotearoa – Nouvelle Zélande au sein de son histoire locale tout autant qu’au niveau international. Par le biais d’une approche combinant Histoire de l’Art et Anthropologie, sont abordés les mondes de l’art respectifs à ces deux territoires afin de mettre en évidence les spécificités historiques et artistiques de localités trop souvent couplées du fait d’un passé commun. Faite de particularismes issus de la contraction des cultures au lendemain de la colonisation, la notion d’art international ne paraît jamais aussi ethnocentrée et occidentale que lorsqu’elle est transposée et apposée au Pacifique insulaire. Par l’étude des tentatives d’émancipation à l’égard du modèle occidental et des luttes de regards, ce travail de recherche confronte les postures des divers acteurs officiant dans l’affirmation et l’intégration de l’Océanie au sein du circuit international de l’art. / This PhD thesis, in contemporary Art History, aims to resituate Pacific contemporary art of French Polynesia and Aotearoa – New Zealand as much into their own history as international history. Through an Art History and Anthropological approach, the purpose of this research is to highlight the historical and artistic specificities of these two territories often paired up due to a common past. When the concept of international art is transposed and applied to Pacific islands, it appears ethnocentric and Western. The aim of this study is to show that contemporary societies, and thus also art, are the result of cultural hybridization. With a thorough examination of the emancipation attempts towards the Western model and postcolonial gaze, this research compares the positions of actors involved in the affirmation and integration of Oceania within the international art field.
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Langage et art contemporain. Éléments pour une analyse du discours critique : l’exemple de Germano Celant sur l’"arte povera" / Language and contemporary art. Elements for critical discourse analysis : the example of Germano Celant on "Arte Povera"

Ungan, Umut 06 April 2018 (has links)
À travers l’analyse du discours de Germano Celant sur l’arte povera, la présente thèse cherche à décrire et à comprendre le statut particulier du langage au sein d’un champ spécifique de l’art contemporain en prenant comme objet les stratégies argumentatives qui s’y trouvent à l’œuvre depuis l’invention du concept « pauvre » à la fin des années 1960 par le critique/historien/commissaire d’exposition italien jusqu’à aujourd’hui, tout en soulignant leur interdépendance avec l’évolution de son statut social et celle des logiques interprétatives/évaluatives qui en découlent. / Through the discourse analysis of Germano Celant on arte povera, this present thesis aims to describe and comprehend the status of the language within a specific domain of contemporary art by analysing the argumentative strategies from the invention of the “poor” concept by the italian critic/historian/curator at the 1960s until today, underlining their interdependance with the evolution of his social status and that of the interpretative/evaluative logiques which results from.
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La Palestine en créations. La fabrique de l'art contemporain, des territoires occupés aux scènes mondialisées / Palestine through creations. The fabrication of contemporary Palestinian art, from the Occupied territories to the globalized scenes

Slitine, Marion 01 October 2018 (has links)
Mêlant des approches historiques, socio-anthropologiques et artistiques, la thèse entend apporter un éclairage inédit sur la situation contemporaine de la Palestine et les modalités de l’occupation, à travers l’analyse de ses mondes de l’art contemporain depuis les années 1990 qui ont vu un développement sans précédent de son infrastructure. Dans un contexte de fragmentation politique et territoriale toujours plus accrue, une nouvelle génération d’artistes a émergé qui parvient progressivement à transgresser les contraintes à l’œuvre sur le terrain, pour accéder par leurs pratiques artistiques et les visions du monde qui en découlent, aux scènes de l’art contemporain international. À travers une étude ethnographique multisituée, la thèse a pour objectif de retracer la fabrique de cet art contemporain, en se concentrant sur l’étude des artistes plasticiens des Territoires palestiniens occupés. Il s’agit d’observer leurs pratiques quotidiennes, les facteurs qui les entravent tout comme les nouvelles fenêtres d’opportunités et circulations induites par le marché de l’art globalisé. En partant des trajectoires individuelles de ces créateurs en mouvement, la recherche s’interroge sur les formes de rupture ou de continuités engendrées par la mondialisation que ce soit dans leurs modalités d’engagement (artistique et politique) ou dans leur rapport au nationalisme et ce, afin de repenser les rapports entre art et politique. / Combining historical, socio-anthropological and artistic approaches, the thesis aims to shed new light on the contemporary situation of Palestine and the modes of Occupation, through the analysis of its worlds of contemporary art since the 1990s which have seen an unprecedented development of its infrastructure. In a context of growing political and territorial fragmentation, a new generation of artists has emerged which gradually succeeds in transgressing the constraints at work on the ground, to access through their artistic practices and the resulting worldviews, to the scenes of international contemporary art.Through a multilocated ethnographic study, the thesis aims to retrace the fabrication of this contemporary art, focusing on the study of plastic artists from the Occupied Palestinian Territories. It is a question of observing their daily practices, the factors that hinder them as well as the new windows of opportunities and circulations induced by the globalized art market. Starting from the individual paths of these moving creators, the research questions the forms of rupture or continuities engendered by globalization whether in their modes of engagement (artistic and political) or in their relationship towards nationalism, in order to rethink the relationship between art and politics.
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Écrire une histoire tue : le massacre de Sabra et Chatila dans la littérature et l’art / To Write An Untold History : Sabra and Shatila Massacre in Literature and Art (1982-2017)

Barrère, Sandra 28 June 2019 (has links)
La recherche entend interroger les fonctions de la littérature et de l’art relativement à un événement violent qui fait l’objet d’un tabou, à savoir le massacre perpétré dans les camps de réfugiés palestiniens de Sabra et Chatila (16-18 septembre 1982), à Beyrouth. Elle s’y applique à partir d’un présupposé : il n’y a pas seulement effraction du réel dans l’art, l’art est le temps à l’œuvre (P. Ricœur, A. Compagnon). La démarche part du constat d’un triple déficit d’histoire, de culte des morts et de justice. Il s’agit d’un événement tu : on le dira tabou. Par ailleurs, elle prend acte de l’émergence d’un corpus d’œuvres dans les champs de la littérature, du cinéma, de l’art contemporain. Dès lors, la recherche entend ausculter les fonctions politiques de la poétique (J. Rancière). Plusieurs hypothèses sont formulées qui ensemble signalent le caractère à la fois transitif et performatif de l’art et de la littérature : d’une part, au regard d’une vérité non avérée dans les livres d’histoire, et du mal de vérité qui en résulte (C. Coquio), les œuvres ont vocation à dire ce que l’histoire tait (I. Jablonka, E. Bouju, A. Imhoff, K. Quirós) ; d’autre part, les victimes n’ayant pas été enterrées, les œuvres déposent une stèle à l’endroit de son manque, rétablissant des égalités en direction de corps qui ne comptent pas (J. Butler) ; enfin, face à une irrésolution judiciaire qui signe le caractère indécidable de l’événement, elles opèrent, par leurs médiations symboliques, la clinique non seulement de l’humain, mais aussi du langage et de l’autorité du sens (A. Gefen, C. Coquio).Située au croisement des études postcoloniales et des études de genre, la recherche examine la politicité de la littérature et de l’art à partir d’un corpus de 14 œuvres prélevées aussi bien à l’épicentre qu’aux périphéries de l’événement. / The research questions the functions of literature and art in relation to a violent event that is a taboo subject, namely the massacre perpetrated in the Palestinian refugee camps of Sabra and Shatila (16-18 September 1982 ), in Beirut. It applies to it with a presupposition: there is not only the breaking of reality in art, art is the time at work (P. Ricœur, A. Compagnon). The process begins with the observation of a triple deficit most evident in historiography, in cult of the dead and justice. This is an event that is held secret: we will call it taboo. In addition, it takes note of the emergence of a corpus of works in the fields of literature, cinema, contemporary art. From then on, the research intends to auscultate the political functions of poetics (J. Rancière). Several hypotheses are formulated which together signal the transitive and performative character of art and literature: on the one hand, in the shade of a truth not recorded in history books, i.e. of the melancholy of truth resulting from this missing (C. Coquio), the works are meant to tell what history conceals (I. Jablonka, E. Bouju, A. Imhoff, K. Quirós); on the other hand, since the victims have not been buried, the works deposit a stele at the place of its absence, restoring equalities towards bodies that do not count (J. Butler); finally, faced with a judicial irresolution which signifies the undecidable character of the event, they operate, through their symbolic mediations, the rehabilitating clinic not only of the human being, but also of the language and the authority of sense (A. Gefen, C. Coquio). Situated at the crossroads of postcolonial studies and gender studies, the research examines the politicity of literature and art of a body of 14 works collected from both the epicenter and the periphery of the event.
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Publics, visibilité et reconnaissance en art contemporain : étude du cas de Ai Weiwei

Morin, Marie-Gabrielle 12 1900 (has links)
No description available.
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Lu Yang : une esthétique aberrante

Rémy-Handfield, Gabriel 08 1900 (has links)
Cette thèse de doctorat intitulée Lu Yang : une esthétique aberrante cherche à étudier dans une perspective à la fois philosophique et conceptuelle la création médiatique de l’artiste chinois Lu Yang (1984-) ( 陆扬) entre les années 2013 et 2020. À travers l’animation digitale, des installations et des performances, l’artiste conceptualise de nouvelles configurations des sexes, des genres, du corps et de la conscience qui échappent aux paramètres de la normativité et qui contribuent à déconstruire et à repenser autrement l’anthropomorphisme. Ces nouvelles configurations des sexes, du corps et de la conscience possèdent la particularité d’être aberrantes. Elles remettent aussi en cause la distinction entre le rationnel et l’irrationnel mais aussi entre ce qui est considéré comme « normal » ou « anormal ». L’hypothèse de la recherche est alors la suivante : l’artiste crée et développe une esthétique aberrante caractérisée par des logiques irrationnelles mais aussi par un imaginaire singulier qui relève de l’étrange, de l’anormal, du monstrueux, et du grotesque. L’esthétique aberrante comme il le sera démontré tout au long de cette thèse, contribue simultanément à faire éclater les normes sociales, à remettre en question et à transgresser les limites et les frontières sexuelles et corporelles et à proposer de nouvelles conceptions et configurations de la subjectivité. Ainsi, les questions fondamentales posées par cette thèse sont les suivantes : comment l’oeuvre médiatique de Lu Yang développe-t- elle une esthétique aberrante ? Quelles sont les fonctions et composantes à la fois visuelles et sonores de cette esthétique ? Que nous révèle cette esthétique du point de vue philosophique et conceptuel mais aussi d’un point de vue politique ? Comment propose-t- elle de nouvelles perspectives critiques sur l’art contemporain chinois ? Mon analyse des films et des performances définit trois modalités distinctes de l’esthétique aberrante qui caractérise ses oeuvres. La première modalité développée dans le premier chapitre, s’associe à la question du sexe et de la reproductivité, à travers ce que je vais nommer le sexe-aberrant. La deuxième modalité repose plutôt sur le corps et explore ses nombreuses déformations à travers ce que je définis comme une esthétique du grotesque. Finalement, la troisième et dernière modalité, repose sur l’esprit et la conscience et cet aspect demeure étroitement lié à l’intérêt de l’artiste pour la neuroscience et le bouddhisme. À partir de ces éléments, je démontrerai alors comment l’artiste crée ce que j’appelle une cosmo- technique aberrante. Le corpus de cette thèse se constitue ainsi des cinq oeuvres suivantes : Uterus Man (2013), Delusional Mandala (2015), Electromagnetic Brainology (2017), Electromagnetic Brainology Brain Control Messenger (2018) et, Delusional World (2020). / This doctoral thesis entitled Lu Yang: An Aberrant Aesthetic analyze through a philosophical and conceptual approach the artwork of Chinese new media artist Lu Yang ( 陆扬) (1984-). The artist creates vibrant and sophisticated live-action films, 3D animation, video games installations, and motion capture performance. In these films and performances, the artist visualizes alternative configurations of sexes, bodies, and minds that challenges normativity while deconstructing anthropocentrism and the boundaries between normality and abnormality. These new configurations of sex, body, and mind are aberrant. The main hypothesis of this research is the following: the artist conceptualizes and create what I call an aberrant aesthetic that is characterized by an irrational logic but also a deviant imagination featuring the grotesque, the bizarre, and the monstrous. Then, the following questions can be asked: how does Lu Yang’s media art develop an aberrant aesthetic? What are the visual and sonic functions and components of this aesthetic? What does this aesthetic reveal to us from a philosophical and conceptual point of view, but also from a political point of view? How does this aesthetic offer new critical perspectives on contemporary Chinese art? My analysis of his films and performances distinguishes three different but interrelated modalities of the aberrant aesthetic. The first modality, developed in the first chapter, is related to sex and reproduction through what I define as the aberrant- sex. The second modality is related to the body and his deformations with what I define as the aesthetic of the grotesque. Finally, the third and last modality, represents the mind. It is associated with the preoccupation of the artist for neurosciences and Buddhism and his obsession with the question of control. Then, the third modality designates what I call an aberrant cosmo-technic. The corpus is constituted of the five following artworks: Uterus Man (2013), Delusional Mandala (2015), Electromagnetic Brainology (2017), Electromagnetic Brainology Brain Control Messenger (2018), and Delusional World (2020).
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Un nouveau souffle pour la Biennale de Montréal? Une analyse comparée avec les grandes biennales internationales d'art contemporain

Chouinard, Clara 08 1900 (has links)
Depuis les années 1980-1990, au moment où on assiste, dans le monde de l’art contemporain globalisé, à une prolifération des biennales internationales d’art contemporain, le climat de compétition s’intensifie et l’univers des biennales se phénoménalise et s’homogénéise. Ce mémoire a pour but d’historiciser et de définir les biennales sous leur nature phénoménale afin d’identifier, parmi leur hétérogénéité, un dénominateur commun sous lequel il est possible de comparer ces institutions artistiques en toute légitimité. Le projet étudie ce point de comparaison défini selon les trois critères d’autoévaluation des biennales identifiés dans cette recherche : la globalisation, l’industrie culturelle et touristique, ainsi que l’événementiel et le spectaculaire. Ce mémoire présente comme étude de cas la Biennale de Montréal et son récent renouvèlement. Il fait le point sur la controverse y étant reliée à travers une analyse comparée de la nouvelle Biennale de Montréal et les grandes biennales internationales. / Since the 1980s and 1990s, back when Contemporary Art Biennials were quickly spreading in the Global Artworld, the climate of competition has been intensifying. The world of biennials is becoming more homogenous and more of a phenomenon each year. The current study’s purpose is to historicize and define the biennials according to their phenomenal nature in order to go beyond their heterogeneity and find a common denominator which would allow the comparison of such artistic institutions in a legitimate way. The project will study this point of comparison according to three areas of self-assessment identified for this purpose: globalization, the cultural and touristic industries as well as the entertainment industry. The case study for this research is Montreal’s biennial and its recent renewal. It will explore the controversy related to the subject by analysing and comparing the new Montreal Biennial to the great international biennials.
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[E]scape : anonymat et politique à l'ère de la mobilisation globale: passages chinois pour la communauté qui vient

Bordeleau, Erik 04 1900 (has links)
Le thème de la mobilisation totale est au cœur de la réflexion actuelle sur le renouvellement des modes de subjectivation et des manières d’être-ensemble. En arrière-plan, on trouve la question de la compatibilité entre les processus vitaux humains et la modernité, bref, la question de la viabilité du processus de civilisation occidental. Au cœur du diagnostic: l’insuffisance radicale de la fiction de l’homo oeconomicus, modèle de l’individu privé sans liens sociaux et souffrant d’un déficit de sphère. La « communauté qui vient » (Agamben), la « politisation de l’existence » (Lopez Petit) et la création de « sphères régénérées » (Sloterdijk) nomment autant de tentatives pour penser le dépassement de la forme désormais impropre et insensée de l’individualité. Mais comment réaliser ce dépassement? Ou de manière plus précise : quelle traversée pour amener l’individu privé à opérer ce dépassement? Ce doctorat s’organise autour d’une urgence focale : [E]scape. Ce concept suggère un horizon de fuite immanent : il signe une sortie hors de l’individu privé et trace un plan d’idéalité permettant d’effectuer cette sortie. Concrètement, ce concept commande la production d’une série d’analyses théoriques et artistiques portant sur des penseurs contemporains tels que Foucault, Deleuze ou Sloterdijk, l’album Kid A de Radiohead ainsi que sur le cinéma et l’art contemporain chinois (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.). Ces analyses sont conçues comme autant de passages ou itinéraires de désubjectivation. Elles posent toutes, d’une manière ou d’une autre, le problème du commun et de l’être-ensemble, sur le seuil des non-lieux du capitalisme global. Ces itinéraires se veulent liminaux, c’est-à-dire qu’ils se constituent comme passages sur la ligne d’un dehors et impliquent une mise en jeu éthopoïétique. Sur le plan conceptuel, ils marquent résolument une distance avec le paradigme de la politique identitaire et la critique des représentations interculturelles. / The theme of total mobilization is central to the contemporary reflection on the renewing of subjectivation processes and ways of being-together. In the background, we find the question of the compatibility between the human vital processes and modernity, or in other words, the question of the viability of Western civilization. At the core of the diagnosis: the radical insufficiency of the homo oeconomicus’s fiction, model of the private individual without meaningful social links and suffering from a sphere deficit. The “coming community” (Agamben), the “politization of existence” (Lopez Petit) and the creation of “regenerated spheres” (Sloterdijk) name as many attempts to think how to go beyond the henceforth improper and senseless form of individuality. But how are we to realize this overcoming? Or more precisely: which crossing to bring the private individual to operate this overcoming? This work is organized around a focal urgency: [E]scape. This concept suggest an immanent horizon of flight: it signs a way out of the private individual and draws a plan of ideality allowing to effectuate this exit. Concretely, this concept commands the production of a series of theoretical an artistic analysis of contemporary thinkers like Foucault, Deleuze and Sloterdijk, of Radiohead’s Kid A Album, and of different Chinese contemporary filmmakers and artists (Jia Zhangke, Wong Kar-Wai, Wong Xiaoshuai, Lou Ye, Shu Yong, Huang Rui, Zhang Huan, Zhu Yu, etc.) These analyses are conceived as passages or itineraries of desubjectivation. They all posit, in one way or the other, the problem of the common and of the being-together, on the threshold of global capitalism’s non-places. These itineraries are meant to be liminal, i.e. they constitute as many passages on the line and imply an ethopoietic mise en jeu. Conceptually speaking, they mark a distance with the identity politics paradigm and the critics of intercultural representations.
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De l'animation des images fixes dans "Me and You and Everyone we Know" : photographie, vidéo, cinéma

Lavallée, Pascal-Anne 12 1900 (has links)
Ce mémoire de maîtrise porte sur l’animation des images fixes dans le film Me and You and Everyone we Know réalisé en 2005 par Miranda July, et tout particulièrement sur les pratiques artistiques de la protagoniste Christine Jeperson, qui est artiste vidéaste. L’objet de cette étude se fonde sur les matériaux utilisés par l’artiste-protagoniste elle-même, et vise en premier la photographie, puisqu’elle travaille toujours à partir de photos amateur, de clichés, d’images banales, qu’elle tente d’animer par le biais de la vidéo et de leur mise en récit. Ces deux dispositifs d’animation, qui à leur façon redonnent du temps et du mouvement aux images, réalisent un déplacement de valeur en en faisant de l’art et déploient du même coup un espace propre à une certaine expérience esthétique du spectateur, car c’est dans son imaginaire que peut véritablement se produire l’animation de ces images. Ainsi, dans ce mémoire, je tenterai tout à la fois de me concentrer sur ce détail du film que sont les œuvres de Christine, mais en cherchant à les mettre en relation avec d’autres moments du film, avec ce qui semble être les motifs privilégiés de la pratique de Miranda July, de même qu’avec d’autres moments de l’histoire de l’art, afin d’en historiciser la démarche. Ce travail servira donc à éclairer une pratique d’images contemporaine singulière, à la croisée entre photographie, vidéo et film. / This Master’s thesis deals with the animation of still images in Miranda July’s 2005 film, Me and You and Everyone we Know. More specifically, it analyses the artistic practices of Christine Jeperson, a video artist who is the main character of the film. This study focuses on the materials utilized by the artist-protagonist and looks at her particular use of photography: her video works all revolve around amateur photographs, clichés, banal images, that she animates via the remediation of video and "narrativization" ("mise en récit"). These two principles of animation, that give time and motion to the still images she uses, also produce a displacement of value by turning these images into art and, by the same token, open a specific space i.e. the aesthetic experience of the spectator, for it is in his or her imaginary, in the end, that this animation is produced. Thus, in this study, I wish to look at these “details” within the films — the video works of Christine — whilst seeking to show the relations they entertain with other elements of the film, with Miranda July’s body of works, as well as with other moments in art history that relate to this animation apparatus, in order to historicize the practices of Christine / July. This Master’s Thesis wishes to illuminate a specific kind of contemporary visual practice, at the intersection of photography, video and film.

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