Orientador: Fernando Silva Teixeira Filho / Banca: Wiliam Siqueira Peres / Banca: Dolores Cristina Gomes Galindo / Banca: Angela Aparecida Donini / Banca: Luana Saturnino Tvardovskas / Resumo: A partir da minha experiência como psicóloga e artista visual me propus nessa pesquisa a criar intercessores entre psicologia e arte contemporânea para pensar e produzir modos de subjetivação afeitos ao devir e às multiplicidades. Acreditando na relevância ética, estética e política de se investir na produção de subjetividades plurais e pós-identitárias, o objetivo dessa pesquisa é explorar a arte como um vetor de subjetivação capaz, potencialmente, de enriquecer e singularizar nossos campos de experiências. Positivando as diferenças enquanto alteridade, tal enriquecimento pressupõem tanto a desconstrução de valores e normas que nos são dados como prontos e imutáveis, quanto à assunção de um gosto pela vida sem distinção de raças, gêneros, classes, etnias ou espécies. Falamos, pois, da arte como meio para resignificar nossas relações com o mundo e conosco, como via para criar outros modos de pensar e viver nossas práticas, desejos e valores. Nessa perspectiva, em interface com os feminismos no que eles têm de força transformadora, subversiva e inventiva, utilizei recursos imagéticos e literários para criar outras figuras de subjetividade, outras figurações para o corpo e para o sujeito. Figurações nômades, ciborgues e híbridas convocadas para pensarmos modos de subjetivação múltiplos e pós-identitários, menos atados a essencialismos e naturalizações que justificam hierarquias de poder. Utilizando a A/r/tografia como método, pude aqui falar de arte fazendo arte. Nesse percurso, ao explorar algumas de minhas proposições, assim como a de vários outros artistas, tracei um trajeto repleto de marcas, memórias e referências que foram cartografadas para fazer ver os mapas intensivos que moveram a pesquisa. São essas intensidades que apontam para o plano das forças moleculares e micropolíticas implicadas no percurso do pesquisar. A/r/tografar essas forças... / Abstract: Using my experience as a psychologist and visual artist, with this research I come up with the proposal to create intercessors between art and psychology in order to think and produce forms of subjectivity affected to becoming and multiplicities. Believing in the ethic, aesthetic and political relevancy in investing in the production of plural and post-identitarian subjectivities, this research explores art as a vector potentially capable of enriching and singularizing our experience fields. The differences are been positivated as alterity, and this enrichment assumes, at the same time, the deconstruction of values and rules that sets us as ready and immutable, and the assumption of a new taste for life without any distinction of gender, ethnicity, species or class. We are talking, therefore, about art as means to remean our relations with ourselves and with the world, as a route to create new ways of thinking and living our practises, desires and values. In this perspective, in interface with the feminisms in what they have of transforming, subversive and inventive power, I used imagetic and literary resources to create other figures of subjectivity, other figurations for the body and the subject. Nomads, ciborgue and hybrid figurations are assembled as a device for us to think about multiple and post identitarian forms of subjectivization which are less tied up to essentialisms and naturalizations that justify hierarchies of power. Using a/r/tography as a method, I could hereby talk about art doing art. While exploring some of my propositions, and also various artists' propositions, I depict a track full of impressions, memories and references that were charted in order to envision the intensive maps that propelled this work. These intensities lead to the plan of molecular and micropolitic forces that are implied in the course of researching. Adopting a/r/tography to better understand these forces was the way that I found to shape some... / Doutor

Orientador: Luiza Helena da Silva Christov / Banca: Milton Terumitsu Sogabe / Banca: Eunice Vaz Yoshiura / Resumo: Neste trabalho busco o entendimento de como se dá a relação dos professores das diretorias de ensino regiões de São José dos Campos e Jacareí (SP), participantes do curso "Estruturação da linguagem expressiva: o fazer e o saber criativo", com as questões e metodologias voltadas para ensino de arte contemporânea e tecnológica. Este curso foi oferecido pela Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade Estadual Paulista (UNESP) Campus Presidente Prudente ao projeto de formação continuada de professores TEIA DO SABER da Secretaria da Educação do Estado de São Paulo. O contato destes professores com arte contemporânea e tecnológica se deu por meio de visita ao Festival Internacional de Linguagens Eletrônicas 2005 (FILE), realizado na Galeria de Arte do Serviço Social da Indústria (SESI) e na Casa das Caldeiras, representando mais de 300 artistas deste segmento. A pesquisa se desenvolveu com base nos Parâmetros Curriculares Nacionais Ensino Médio: Linguagens, Códigos e suas Tecnologias; e em reflexões a respeito da arteeducação de Ana Mae BARBOSA (1984, 1988, 1998, 2004); e Fernando HERNÁNDEZ (1998, 2000). Sete questionários respondidos, 2 planos de aula e um retorno de resultados após o plano ter sido levado à prática, são apresentados e analisados. / Abstract: In this academic work I look for the understanding of how it is the relationship of teachers of boards of education regions of São José dos Campos and Jacareí (SP), members of the course "Structuring the expressive language: make and know creative", with issues and methodologies aimed at teaching of contemporary and technological art. This course was offered by Faculty of Sciences and Technology of Universidade Estadual Paulista (UNESP) Campus Presidente Prudente to the project of continuing education of teachers A WEB KNOWLEDGE of the Secretary of Education in the State of São Paulo.The contact these teachers with contemporary and technological art was made by visiting the International Festival of Electronic Languages 2005 (FILE) held in the Gallery of Art of Social Service Industry (SESI) and the House of Boilers, representing over 300 artists this segment. The survey was developed based on Parameters National Curriculum High School: Languages, Codes and their Technologies, and reflections about art-education of Ana Mae BARBOSA (1984, 1988, 1998, 2004); and Fernando HERNÁNDEZ (1998, 2000). Seven questionnaires answered, two plans of lesson and one feedback after the plan has been brought to practice, are presented and analyzed. / Mestre

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Cauê Alves / Banca: Sérgio Mauro Romagnolo / Resumo: Esta dissertação investiga a noção de arte moderna presente na reflexão estética do filósofo Maurice Merleau-Ponty, partindo da hipótese de que tal noção está inclusa na meditação sobre as indivisibilidades entre a relação homem, natureza e expressão artística. Apresenta a concepção de arte e arte moderna concomitantemente à trajetória e ao discurso filosófico de Merleau-Ponty. Discorre sobre a tese do filósofo acerca do retorno ao mundo percebido, as indivisibilidades, o corpo vidente e visível, o sensível, a carne do mundo, a pintura, o Ser bruto, a Natureza, logos e a expressão. A partir desses temas, foram desenvolvidas leituras sobre os seguintes textos para dimensionar essa noção de arte moderna: "A dúvida de Cézanne", "A expressão e o desenho infantil", "A linguagem indireta", "A linguagem indireta e as vozes do silêncio" e "O olho e o espírito". Para compreender o pensamento de Merleau- Ponty aproximamos suas ideias a várias teorias da história e da filosofia da arte, a partir dos temas: o espírito moderno, as correspondências, a representação e a expressão. Por fim, destaca os principais valores e ideias que compõem a noção de arte moderna em Merleau- Ponty. / Abstract: This work investigates the notion of modern art in this aesthetic reflection of philosopher Maurice Merleau-Ponty, on the hypothesis that such a notion is included in the meditation about the indivisibilities on the relationship between man, nature and artistic expression. It presents the concept of art and modern art concomitantly to the trajectory and the philosophical discourse of Merleau-Ponty. This work also discuss the thesis of the philosopher about returning to the perceived world, the indivisibilities, the visible and invisible body, the sensitive, flesh of world, the painting, the Being, the Nature, the logos and the expression. On the themes, the following texts were studied to investigate the author's notion of modern art: "Cézanne's Doubt", "Expression and the child's drawing", "The indirect language", "The indirect language and the voices of silence" "Eye and mind". To comprehend Merleu-Ponty's ideas, his thought was related with various History and Art Philosophy theories, under the following themes: the modern mind, correspondence, representation and expression. At last, this work emphasizes the core values and ideas that make up the notion of modern art of Merleau-Ponty. / Mestre

Orientador: Dorotéa Machado Kerr / Banca: Henrique Autran Dourado / Banca: Lina Maria Ribeiro de Noronha / Banca: Achille Picchi / Banca: Lutero Rodrigues / Resumo: O objetivo principal deste trabalho foi investigar o nacionalismo musical no Brasil e que papel ele teve em relação a possíveis avanços ou retrocessos na história da música erudita brasileira no período do início do século XX até a década de 1960. A partir do levantamento de conceitos essenciais como cultura, identidade, nação e nacionalismo, focalizei os desdobramentos da Semana de Arte Moderna, de 1922 e da publicação do Ensaio sobre a música brasileira, de Mário de Andrade, em 1928, em que ele expõe um programa para a configuração da música erudita. Através de uma análise qualitativa dos textos e das manifestações significativas, procurei identificar as concepções e manifestações de brasilidade e nacionalismo, compreender suas conexões e reavaliar a periodização da música brasileira / Abstract: The main objective of this study was to investigate the musical nationalism in Brazil and what role he had in relation to possible progress or setbacks in the history of Brazilian music during the early twentieth century until the 1960s. From the survey of essential concepts as culture, identity, nation and nationalism, I focused the unfolding of the Semana de Arte Moderna (Week of Modern Art) in 1922 and the publication of the Ensaio sobre a música brasileira (Essay on Brazilian music), Mário de Andrade, in 1928, in which he exposes a program for the configuration of classical brasilian music. Through a qualitative analysis of texts and significant events I sought to identify the conceptions and manifestations of nationalism and Brazilianness, understand their connections and reassess the periodization of Brazilian music / Doutor

Orientador: José Paiani Spaniol / Banca: Sérgio Mauro Romagnolo / Banca: Mario Celso Ramiro de Andrade / Resumo: O objetivo desta dissertação é a apresentação dos trabalhos de arte produzidos pelo autor entre 2011 e 2016. Os trabalhos desenvolvidos enfocam uma pesquisa que intersecta as linguagens da fotografia, do vídeo, da performance, da escultura e a inserção de narrativas ficcionais nessas operações. Este texto busca articular procedimentos e conceitos que os trabalhos suscitam e articulá-los a um repertório de obras de outros artistas e teóricos / Abstract: This Master's Thesis is the presentation of artworks produced by the author between 2013 and 2016. The main focus of the research are the intersection of languages, such as phot ography, video, performance, sculpture and the insertion of fictional narratives in these works. This text articulates procedures and concepts recurring from those works and connect them to a repertoire of other artists works and theorists / Mestre

Orientador: Tânia Regina de Luca / Banca: Antonio Celso Ferreira / Banca: Milton Carlos Costa / Banca: Ana Maria Mauad / Banca: Marcos Francisco Napolitano de Eugenio / Resumo: Os anos de 1959 a 1962 são considerados como período Bossa Nova, época em que o estilo musical floresceu e se afirmou como marca distintiva. Sabe-se, porém, que o termo Bossa Nova foi desde logo utilizado para rotular o mais variado leque de atividades, objetos e situações. Por sua força sugestiva, relacionada a dinamismo e novidade, a sigla BN integrou o imaginário e representações de uma época, para a qual o Brasil aparecia como país jovem, moderno e promissor. Esta pesquisa aborda justa-mente essa movimentação bossanovista em sua vertente não-musical. Para tanto, em-prega a revista O Cruzeiro como fonte de material e objeto de estudo em si, haja vista a quantidade substancial de menções e utilizações que fez do termo Bossa Nova. Ana-lisam-se, aqui, os vários sentidos conferidos ao neologismo da moda e a função da música como polarizadora dessas representações. Contudo, dá-se atenção especial a um tipo peculiar de design gráfico explorado pela revista nos anos de 1959 e 1960, intitulado "paginações Bossa Nova". As matérias assim configuradas se caracterizaram pela geometrização, economia de elementos e amplo uso de fotomontagens. Além disso, propuseram interessante mescla entre coluna social, biografia, humor, expe-rimentação e manifesto pela atualização da forma de acordo com as linhas constru-tivistas que vigoravam em São Paulo e Rio de Janeiro naquele momento. Esses no-vos formatos de reportagens são analisados com base na história do jornalismo ilus-trado e nos intercâmbios havidos entre a imprensa periódica e campos dedicados à pesquisa formal mais pura. Demonstra-se, por fim, como alguns artistas, intelectu-ais e jornalistas brasileiros situados na transição entre as décadas de 50 e 60 co-mungaram ideais de modernidade análogos e os difundiram como ferramentas para a construção de mentalidades e representações sociais. / Abstract: The years between 1959 and 1962 are considered as Bossa Nova period, an ep-och on which the musical style flourished and settled as a distinctive brand. It is known that the term Bossa Nova was used soon to label the most varied fan of activities, objects and situations. Due to its suggestive strength related to dynamism and novelty, the label BN integrated the imaginary and representations of a time to which Brazil came up as a young country, modern and promising. This research holds such "bossanovistic" move-ment in its non-musical expression. This way, the weekly magazine O Cruzeiro is used as source of material and object of study in itself, regarding the substantial quantity of references and uses on Bossa Nova term. Several senses referring to the neologism and the function of music polarizing such representations are analyzed hereby. Nevertheless, special attention is given to a peculiar type of graphic design explored by the magazine in 1959 and 1960, named "Bossa Nova pages". The issues thus configurated are charac-terized by the geometry, economy of elements and wide use of photomontage. In addi-tion, an interesting mingle among social article, biography, humor, experiment and manifestation for the updating of the graphic form was proposed according to the "con-structivists" thoughts which were coming out in São Paulo and Rio de Janeiro at the time. Such new formats of reports are both analyzed and based upon the history of the illustrative journalism as well as in the interchanges that there have been between the periodical press and fields dedicated to a purer formal research. Eventually, it is demon-strated how some artists, intellectuals and Brazilian reporters situated in the transition between fifties and sixties joined similar ideals of modernity, widespreading them as tools for the construction of mentalities and social representations. / Doutor

Orientador: Geralda Mendes F. S. Dalglish (Lalada) / Banca: Mariza Bertoli / Banca: Lóris Graldi Rampazzo / Resumo: Esta dissertação de mestrado é o resultado de uma investigação sobre o universo feminino nas Artes Visuais. As prováveis tecituras resultantes dos entrelaçamentos de tramas e urdiduras artísticas apontaram para as questões estéticas, as elaborações formais e simbólicas do feminino em suas diversas representações. A pesquisa foi dividida em quatro partes que interligaram-se por um fio condutor: o papel e a força da mulher na história da arte. Na primeira parte, o feminino foi mostrado na sua forma mais ancestral de representação através das estatuetas votivas, denominadas Vênus - a figura da mulher apresentou-se nesse período como força fertilizadora. Na segunda parte, abordou-se a manifestação artística das mulheres após a onda revolucionaria sexista - o feminino é então mostrado como força revitalizadora. A terceira parte foi destinada às artistas (es)colhidas do século XX e XXI que trataram do feminino em suas poéticas artísticas - o feminino é tecido como força convergente. Mulheres Recipientes é finalmente alinhavada na quarta e última parte, que contém o arremate dos fios artísticos tradicionais antigos e contemporâneos com as possíveis leituras das obras em cerâmica da autora - o feminino completa-se como força reconciliadora. / Resumen: Esta disertación de maestría es el resultado de una investigación sobre el universo femenino en las artes visuales. Las probables tesituras resultantes de los entrelazamientos de tramas y urdidoras artísticas apuntaran para las cuestiones estéticas, las elaboraciones formales y simbólicas del femenino en sus diversas representaciones. La investigación fue repartida en cuatro partes que juntan por un hilo conductor: el papel y la fuerza de la mujer en la historia del arte. En la primera parte, el femenino fue enseñado en una forma más ancestral de representación a través de estatuitas votivas, denominadas venus - el imagen de la mujer fue presentada en el ese periodo como fuerza fertilizadora. En la segunda parte, abordo-se la manifestación artística de las mujeres pos la fase revolucionaria sexista - el femenino es demostrado como fuerza revitalizadora. La tercera etapa fue destinada a artistas elegidas del siglo XX y XXI que retratasen del femenino en sus poéticas artísticas - el femenino es el tejido como la fuerza convergente. Mujeres Recipientes es finalmente alinhava en esta cuarta y última etapa que contiene el remate de los hilos artísticos tradicionales antiguos y contemporáneos con las posibles lecturas de las obras en cerámica de la autora - el femenino se completa como fuerza reconciliadora. / Mestre

Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2018-02-15T11:59:35Z No. of bitstreams: 1 ArileneLucenaDeMedeiros_DISSERT.pdf: 4245921 bytes, checksum: b136d05868354bdbaba77438119a7a0f (MD5) / Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2018-02-19T19:00:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 ArileneLucenaDeMedeiros_DISSERT.pdf: 4245921 bytes, checksum: b136d05868354bdbaba77438119a7a0f (MD5) / Made available in DSpace on 2018-02-19T19:00:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ArileneLucenaDeMedeiros_DISSERT.pdf: 4245921 bytes, checksum: b136d05868354bdbaba77438119a7a0f (MD5) Previous issue date: 2017-09-25 / O presente trabalho analisa a trajet?ria biogr?fica do artista pl?stico e escritor natalense Dorian Gray Caldas (1930-2017), tido como um dos precursores da modernidade art?stica no Rio Grande do Norte. Sua produ??o pict?rica incluiu desenho, pintura de cavalete, pintura mural, mosaico, escultura, cer?mica, gravura e tape?aria. O objetivo principal da disserta??o ? investigar como Dorian Gray construiu uma identidade pessoal alicer?ada na arte moderna e de que forma seu protagonismo interferiu na constitui??o de uma arte potiguar. Prioriza um recorte temporal que vai de 1950, ano que marca o in?cio de sua atividade profissional, com o I Sal?o de Arte Moderna de Natal, em parceria com os artistas Newton Navarro e Ivon Rodrigues, at? 1989, com a publica??o do livro ?Artes Pl?sticas do Rio Grande do Norte (1920-1989)?, obra de sua autoria que consolida a ideia de uma identidade art?stica potiguar. O primeiro cap?tulo analisa de que forma a arte se tornou uma op??o de vida para Dorian Gray e como ele construiu a ideia de uma tradi??o art?stica para sua fam?lia. O segundo cap?tulo investiga sua produ??o cultural no per?odo demarcado, as redes de sociabilidade constru?das por ele e sua participa??o na constru??o de uma modernidade art?stica natalense. O terceiro cap?tulo examina, de um lado, as imagens que Dorian construiu sobre si e sobre o que considerava ter feito para o mundo cultural e intelectual do Rio Grande do Norte, e, de outro, como os seus contempor?neos representavam o artista e sua obra. Recuperam-se alguns discursos produzidos ap?s sua morte e os mecanismos mobilizados pela fam?lia e institui??es culturais para promover a manuten??o da mem?ria do artista. Como aportes te?ricos, utiliza as no??es de biografia (DOSSE, 2009; LORIGA, 2011), configura??o social (ELIAS, 1994), modernidade (BERMAN, 1986) e enquadramento da mem?ria (Pollack, 1989, 1992) e o referencial te?rico-metodol?gico da hist?ria oral de vida (PORTELLI, 1997). A rela??o entre hist?ria e espa?o ? discutida na perspectiva do ge?grafo Yi-Fu Tuan (2013), para quem o espa?o ? o lugar que constr?i identidade. As principais fontes utilizadas s?o entrevistas fundamentadas na hist?ria oral de vida, not?cias publicadas nos jornais A Rep?blica, O Poti e Di?rio de Natal, discursos e textos de memorialistas. / This current essay analyzes biographical trajectory of the plastic artist and natalense writer Dorian Gray, well known as one of the artistic modernity precursors in Rio Grande do Norte. His pictorial production included drawing, easel painting, mural painting, mosaic, sculpture, ceramics, picture and tapestry. The main goal of this dissertation is to explore how Dorian Gray made a personal identity based on modern art and in what way his protagonism interfered in the formation of Potiguar art. It prioritizes a temporal cut, from 1950, the year which he started his professional career, in the I Sal?o de Arte Moderna de Natal in partnership with the artists Newton Navarro and Ivon Rodrigues, to 1989, when was published the book ?Artes Pl?sticas do Rio Grande do Norte (1920-1989)?, work of his own which consolidates an idea of the potiguar artistic identity. Its first chapter analyzes how art became an option of life to Dorian Gray and how he created the idea of an artistic tradition to his family. Its second chapter investigates his cultural production in the delimited period, sociability networks made by him and his participation in the formation of the Natalense artistic modernity. The third chapter examines, from a point, the pictures that Dorian created about him and about what considered to have done to the cultural and intellectual areas of Rio Grande do Norte, and to another point, how his contemporaries represented the artist and his work. Some speeches made after his death and strategies used by his family and cultural institutions to preserve the artist?s memory were recovered. As theoretical contribution, uses the perception of biography (DOSSE, 2009; LORIGA, 2011), social setting (ELIAS, 1994), modernity (BERMAN, 1986) and memory framing (POLLACK, 1989, 1992) and the theoretical-methodological referential of Oral History of life (PORTELLI, 1997). The relation between History and space is discussed in the perspective of the geographer Yi-Fu Tuan (2013), to whom the space is a place which creates identity. The main sources used are interviews based on Oral History, news published in the newspapers A Rep?blica, O Poti e Di?rio de Natal, speeches and memorialist texts.

The research shows an iconographic survey around some situations, which abandonment can be identified in art representations, firstly through paintings that represent homeless people images, beggars and wanderers, expanding itself later to other imagistic references and artistic languages. My own affective and poetry memory was highly significant for this research; both related to the childhood and beings. Abandonment poetry deals with body gestures, in its presences, absences and fragmentations, allowing us to think about the way the abandonment situations are presented into artistic production during all history, even among our contemporaneity, the context in which we must be aware about its invisibility processes and, above all, in the leftovers, the remains and traces that surround these characters existence. / Esta pesquisa apresenta um levantamento iconográfico em torno das situações em que o abandono pode ser identificado nas representações da arte, inicialmente através de pinturas que apresentam imagens de moradores de rua, pedintes, mendigos e andarilhos, ampliando-se posteriormente para outros referenciais imagéticos e linguagens artísticas. Para esta pesquisa foi significativa minha memória afetiva e poética pessoal, relacionadas desde a infância a essas situações e seres. As poéticas do abandono tratam da gestualidade do corpo, em suas presenças, ausências e fragmentações, permitindo-nos refletir sobre os modos pelos quais as situações de abandono são apresentadas na produção artística ao longo da história, inclusive na contemporaneidade, contexto ao qual devemos estar atentos em seus processos de invisibilidade e, sobretudo, nos restos, resíduos e vestígios que cercam a existência desses personagens. / Mestre em Artes

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2012. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2012-07-18T23:19:39Z No. of bitstreams: 1 2012_LianaLessa.pdf: 10932657 bytes, checksum: e6e07e3c8ef80cb8c1e938db6cab61b1 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2012-08-09T12:52:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_LianaLessa.pdf: 10932657 bytes, checksum: e6e07e3c8ef80cb8c1e938db6cab61b1 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-08-09T12:52:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_LianaLessa.pdf: 10932657 bytes, checksum: e6e07e3c8ef80cb8c1e938db6cab61b1 (MD5) / O presente trabalho discute as principais mudanças na conduta estética do espectador de obras-dispositivos contemporâneas em relação a do cinema industrialmente hegemônico. Para tanto, atravessa os conceitos e abordagens sobre o dispositivo cinematográfico e esclarece o modo como a experiência estética se modifica nas práticas contemporâneas de produções de imagens a partir de novas arquiteturas de projeção, de narrativa e da requisição da participação do espectador nas obras em estudo. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This paper discusses the main changes in the aesthetic conduct of the spectator of contemporary artworks, as video installations, from the industrial hegemonic cinema. To do so, it crosses through the concepts and approaches to the cinematic apparatus and explains how the aesthetic experience is affected by new practices of images, as new architectures of projection, new narratives and the request for the viewer participation in the selected works.