A presente tese de doutorado tem o objetivo de responder a seguinte pergunta: Como preparar as pessoas para a produção criativa em ateliê de linguagens visuais? Isto é, Como acender a chama e mantê-la acesa pelo tempo necessário? A hipótese inicial do trabalho é que o processo de aquecimento pode ser uma forma de preparo das pessoas para a produção criativa, tal como afirmou Moreno. A tese relata experiências com o aquecimento em ateliê, escola e universidade; e também em eventos e cursos, conforme a pesquisa-ação delineou segundo Thiollent. Ainda, a tese reflete sobre diálogos com arte-educadores em música, teatro, artes visuais e performance, de acordo com a história oral temática de Meihy. Expõe reflexões teóricas e apresenta uma concepção de aquecimento na prática artística baseada em atitudes para o desenvolvimento da criatividade conforme Arieti. Conclui-se que aquecer é despertar, conscientizar e mobilizar os três níveis do ser humano (físico, anímico e espiritual nas palavras de Itten) -- a fim de possibilitar um estado maior de unidade consigo mesmo e de totalidade com o meio ambiente e com a natureza. O aquecimento é em si constitutivo do processo artístico como um todo. Descobriu-se que para além de um preparo para a produção artística, hipótese inicial, o aquecimento é fundante da prática artística. Por meio do movimento, o aquecimento, enquanto constitutivo da produção artística, trás a possibilidade de manifestar melhor a força vital do próprio ser na arte. / This doctoral thesis aims to answer the following question: How to prepare people for creativeness on visual language studio production? In other words, how to light the flame and keep it lit as long as necessary? The initial hypothesis of this study is that the heating process can be a way of preparing people for creative production, as states Moreno. The thesis reports heating experiences at the studio, at the school and at the university; but also at events and courses, as outlined from Thiollent\'s action-research method. Indeed, the thesis reflects from dialogues with art instructors in music, theater, visual arts and performance, according to the oral history of Meihy. It exposes theoretical analyses, and presents a heating design for artistic practice based on Arieti\'s concept of attitudes toward creativity development. It concludes that heat is awakening, promotes awareness and mobilizes the three levels of human being (physical, psychic and spiritual in the words of Itten) -- to allow a greater state of unity with oneself, with the vastness of environment, and with nature. Heating is itself constitutive of the artistic process as a whole. It has been found that heating, besides being a training for artistic production, which was the initial hypothesis, actually founds the artistic practice. Through movement, heating, as being constitutive of artistic production, provides the ability to better express the vital force of being-on-arts.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This work is a master s degree dissertation, linked to research interest number four education and arts of the post graduate program in education by federal university in santa maria, it intended, from three teacher s story life of landless workers movement, to contribute with the visual arts teaching process. For this, the research sought to understand about life story as a way to contextualize the participants of the report through the dialectical materialism theoretical approach. The report was building by biographical interview. In this process the participants were chalenged to tell about their lives trhough a narration, as well as about their political activism and teaching formation, also their insertion in the visual arts teaching process. All of the three participants life stories show the landless workers worry with the training of leaders in relation to the specific formation, in this case, the teachers formation, associated with political activism, aiming a transformation in society. This kind of formation showed a teaching practice that suggests to resize the meanings of everyday life objects, like the tent, the tools, the seeds and the soil, using each of these elements as a symbol with great aesthetic potential, and also to show the necessity of a superior theorectical formation about the production of the images, a fact that is also resposabilty of the universities through its cooperation. / A presente dissertação, vinculada à Linha de Pesquisa 4 - Educação e Artes, do Programa de Pós-Graduação em Educação da Universidade Federal de Santa Maria, buscou a partir da história de vida de três educadoras do Movimento dos Trabalhadores Sem-Terra (MST), contribuir no debate acerca do Ensino das Artes Visuais. Para tanto, entendeu a pesquisa sobre história de vida enquanto a contextualização do relato realizado pelas colaboradoras, utilizando o materialismo dialético como enfoque teórico. O relato foi construído mediante uma entrevista biográfica, onde ao entrevistado é problematizada a construção de uma narrativa sobre sua vida, sua militância, as características da sua formação docente e a inserção do ensino das artes visuais nesse processo. As histórias de vida das três educadoras participantes da pesquisa demonstram a preocupação dos militantes do MST na formação de dirigentes, aliando a busca na formação específica, no caso a formação de professoras, com a militância política, objetivando a transformação da sociedade. Esse processo de formação demonstrou uma prática docente que procura redimensionar os significados dos objetos do dia-a-dia, como a barraca, os instrumentos de trabalho, as sementes e a terra utilizando-os como símbolos, com um grande potencial estético, e também, a necessidade de uma maior formação teórica sobre a produção de imagens, fato que é responsabilidade também das universidades.

A presente tese de doutorado tem o objetivo de responder a seguinte pergunta: Como preparar as pessoas para a produção criativa em ateliê de linguagens visuais? Isto é, Como acender a chama e mantê-la acesa pelo tempo necessário? A hipótese inicial do trabalho é que o processo de aquecimento pode ser uma forma de preparo das pessoas para a produção criativa, tal como afirmou Moreno. A tese relata experiências com o aquecimento em ateliê, escola e universidade; e também em eventos e cursos, conforme a pesquisa-ação delineou segundo Thiollent. Ainda, a tese reflete sobre diálogos com arte-educadores em música, teatro, artes visuais e performance, de acordo com a história oral temática de Meihy. Expõe reflexões teóricas e apresenta uma concepção de aquecimento na prática artística baseada em atitudes para o desenvolvimento da criatividade conforme Arieti. Conclui-se que aquecer é despertar, conscientizar e mobilizar os três níveis do ser humano (físico, anímico e espiritual nas palavras de Itten) -- a fim de possibilitar um estado maior de unidade consigo mesmo e de totalidade com o meio ambiente e com a natureza. O aquecimento é em si constitutivo do processo artístico como um todo. Descobriu-se que para além de um preparo para a produção artística, hipótese inicial, o aquecimento é fundante da prática artística. Por meio do movimento, o aquecimento, enquanto constitutivo da produção artística, trás a possibilidade de manifestar melhor a força vital do próprio ser na arte. / This doctoral thesis aims to answer the following question: How to prepare people for creativeness on visual language studio production? In other words, how to light the flame and keep it lit as long as necessary? The initial hypothesis of this study is that the heating process can be a way of preparing people for creative production, as states Moreno. The thesis reports heating experiences at the studio, at the school and at the university; but also at events and courses, as outlined from Thiollent\'s action-research method. Indeed, the thesis reflects from dialogues with art instructors in music, theater, visual arts and performance, according to the oral history of Meihy. It exposes theoretical analyses, and presents a heating design for artistic practice based on Arieti\'s concept of attitudes toward creativity development. It concludes that heat is awakening, promotes awareness and mobilizes the three levels of human being (physical, psychic and spiritual in the words of Itten) -- to allow a greater state of unity with oneself, with the vastness of environment, and with nature. Heating is itself constitutive of the artistic process as a whole. It has been found that heating, besides being a training for artistic production, which was the initial hypothesis, actually founds the artistic practice. Through movement, heating, as being constitutive of artistic production, provides the ability to better express the vital force of being-on-arts.

Made available in DSpace on 2016-04-27T14:30:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marines Viana de Souza.pdf: 8783832 bytes, checksum: 45019db2d24aa9c4afb8e196b913c109 (MD5) Previous issue date: 2010-10-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The cultural diversity in the Brazilian society has been an object of study over the last decades. In great part, it has put in evidence that the ideological construction of a harmonious multicultural scenario, from the point of view of the convenience between the different ethnic color racial groups is still considered a myth in the current days; considering that the same rights have not been given for these groups, and neither they have reached the same social, political, economical levels, nor their culture are equally acknowledged. The evidence of our cultural diversity has not blocked the spread of hegemonic cultural and artistic patterns, which reflected in the educational system and in the school curricula, and it has benefited that the Eurocentric vision of culture became a cultural reference in the curricular projects, in the detriment of a significant valorization and visibility of other cultural frameworks that forms our society, as the Indian and African ones. The inclusion of Afrobrazilian, African, and Indian history and culture teaching in the Brazilian Scholar Curriculum, determined by the Laws 10.639/03 and 11.645/08, has altered the Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional number 9394/96. It represents, from the educational legislation point of view, the possibility to break with the exclusivity of the hegemonic canons of European culture that has, historically, pervading our school curriculum. The proposal for the teaching of these cultures according to these laws happens through thematics that should be approached in all school curriculum environments, do not characterizing into specific subjects. The present study is delimited in the Arts area and it proposes to investigate how the process of inclusion of cultural themes of African and Indian frameworks in the area of Arts teaching in public schools located in the East Zone in São Paulo has been developed. The participants of this research are the Arts teachers and the object of this study are the pedagogical practice developed and visualized in these professionals narratives, that reveal their knowledge and duties, their difficulties and possibilities, analyzed within a methodological approach of qualitative type, through the technique of content analyses. The theoretical contributions are placed in the confluence of three conceptual fields: Curriculum, Cultural Diversity, and Arts. It has been adopted authors referentials that approach the curriculum in a critical perspective, the cultural diversity from the optic of multicultural studies and the human rights, about Arts, approaching the relationship with teaching in schools / A diversidade cultural presente na sociedade brasileira tem sido, ao longo das últimas décadas, objeto de vários estudos. Em grande parte tem colocado em evidência que a construção ideológica de um cenário multicultural harmonioso, do ponto de vista da convivência entre os diferentes grupos étnico-raciais é até hoje um mito, considerando que estes grupos não têm usufruído os mesmos direitos e nem alcançado os mesmos patamares sociais, políticos, econômicos, tampouco suas culturas são igualmente reconhecidas. A evidência da nossa diversidade cultural não impediu a veiculação de padrões culturais e artísticos hegemônicos, com reflexo no sistema educacional e nos currículos escolares, e isto favoreceu a que a visão eurocêntrica de cultura se tornasse a referência cultural nos projetos curriculares, em detrimento da valorização e visibilidade significativa das outras matrizes culturais formadoras de nossa sociedade, como a indígena e a africana. A inclusão do ensino da história e cultura afro-brasileira, africanas e indígenas no currículo escolar brasileiro, determinada pelas leis 10.639/03 e 11.645/08, alterou a Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional nº 9394/96. Isto representa, do ponto de vista de nossa legislação educacional, a possibilidade de rompimento com a exclusividade dos cânones hegemônicos da cultura europeia, que têm, historicamente, permeado o currículo de nossas escolas. A proposta para o ensino dessas culturas pelas citadas leis se dá através de temáticas, que devem ser abordadas no âmbito de todo o currículo escolar, não se caracterizando em disciplinas específicas. A presente pesquisa está delimitada na área de Artes e se propõe a investigar como tem sido o processo de inclusão das temáticas culturais de matrizes africanas e indígenas no campo do ensino de arte em escolas públicas situadas na zona leste da cidade de São Paulo. São sujeitos dessa pesquisa os professores de Artes e o objeto de estudo são as práticas pedagógicas desenvolvidas e visibilizadas nas narrativas desses profissionais, que revelam seus saberes e fazeres, suas dificuldades e possibilidades, analisadas dentro de uma abordagem metodológica de cunho qualitativo, através da técnica da análise de conteúdo. Os aportes teóricos situam-se na confluência de três campos conceituais: Currículo, Diversidade Cultural e Arte. Foram adotados os referenciais de autores que abordam o currículo na perspectiva crítica, a diversidade cultural sob a ótica dos estudos multiculturais e dos direitos humanos, sobre a arte, abordando a sua relação com o ensino nas escolas

Submitted by JÚLIO HEBER SILVA (julioheber@yahoo.com.br) on 2017-06-27T17:53:00Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Wanderley Alves dos Santos - 2015.pdf: 10152347 bytes, checksum: 4955e1f030c1b8164a9e451898bdd250 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2017-07-07T20:28:51Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Wanderley Alves dos Santos - 2015.pdf: 10152347 bytes, checksum: 4955e1f030c1b8164a9e451898bdd250 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-07T20:28:51Z (GMT). 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The present research is about the possibility of ensuring that young students can experience aesthetic experiences, by investigating and proposing the interdisciplinary dialog between literature, especially the classic ones and the arts, in the form of comics. The access to many artistic languages, interacting with the visual culture must be a school concern (BARBOSA, 2010). Immersed in a broad universe of visual culture to which the contemporary people are exposed, the comics as a subject can be addressed in the school as a possibility of approximating the visual arts, in dialog with the literature. Based on assumptions that guide the pedagogical action in teaching visual arts and literature, the concept of literary literacy (PAULINO; COSSON, 2009), and by the notion of semiosis (SANTAELLA, 2012), this research presents a reading project involving the novel Dom Casmurro written by Machado de Assis, and two versions of the same literary work in a comic version, developed with students from high school. The project implementation, developed in the form of didactic sequence, indicates the confirmation of the hypothesis that the association between the subjects; literature and visual arts can draw young students attention to the literary readings, and it also leads students to artistic appreciation, adding to the effective aesthetic experience in the educational field and to the reading training. This mentioned production in comic of formatted, presented as an appendix in this paper, and represents the didactics sequence research product. / A formação leitora na educação básica é um desafio na sociedade contemporânea, marcada pelas práticas digitais e pela abundância de visualidades, o que exige ampliar as possibilidades de abordagem dos gêneros discursivos, entre os quais o literário. A literatura – assim como outras expressões de arte – é compreendida como um direito do ser humano, porque vital e transformadora (CANDIDO, 2010), e por isso mesmo precisa se constituir, efetivamente, como objeto de práticas mediadas pela escola que, para grande parte de crianças e jovens, é lugar exclusivo de acesso à leitura literária. É dessa possibilidade de garantir que jovens escolares possam vivenciar experiências estéticas que a presente pesquisa trata, ao investigar e propor o diálogo interdisciplinar entre literatura, especialmente a considerada clássica, e artes, na forma de história em quadrinhos (HQ). O acesso às diversas linguagens artísticas em diálogo com a cultura visual deve ser uma preocupação da escola (BARBOSA, 2010). Imersa num amplo universo da cultura visual a que estão expostos os sujeitos contemporâneos, a HQ pode ser abordada na escola como possibilidade de aproximação das artes visuais, em diálogo com a literatura. Com base em pressupostos que norteiam a ação pedagógica no ensino de artes visuais e literatura, no conceito de letramento literário (PAULINO; COSSON, 2009), e na concepção de semiose (SANTAELLA, 2012), esta pesquisa traz um projeto de leitura envolvendo o romance Dom Casmurro, de Machado de Assis, e duas versões da mesma obra na linguagem da HQ, desenvolvido com estudantes de ensino médio. A aplicação do projeto, concretizado na forma de sequência didática, indica a confirmação da hipótese de que a associação entre as disciplinas literatura e artes visuais pode provocar nos jovens alunos maior interesse pela leitura literária, além de promover a vivência da apreciação artística, contribuindo, consequentemente, para a efetiva experiência estética no meio escolar e para a formação leitora. A referida produção, em formato de revista HQ, incluída como apêndice neste trabalho, configura-se como produto sequência didática da pesquisa.

Made available in DSpace on 2014-08-20T13:48:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carmen_Lucia_Abadie_Biasoli_Tese.pdf: 4759134 bytes, checksum: 371ada12e75d9c53aab56618d287e593 (MD5) Previous issue date: 2009-09-17 / The present research discusses the problematic of the teaching career in Visual Arts based on the study of professional life cycle, that is, the vital cycle through which the teachers face. Thus, it aimed at investigating the continuities and discontinuities in the (re) construction of teachers professional careers in Visual Arts, defending the idea that significant aspects of both personal and professional life and the teaching moment lived by the teachers interfere both in the construction of this career as well as in a better understanding of the role of the teacher and, consequently, his / her teaching performance. In the field of Visual Arts teaching, this thesis equally reconstructs the history of institutions responsible for the teaching of Arts in our country, focusing more specifically the present situation of the Instituto de Artes e Design (Arts and Design Institute) from the Federal University of Pelotas (UFPel), which was opened back in 1949. The thesis is based in different researches about biographical data, including the ones which concern the different teacher s career phases (centered in the years of professional experience), and the life cycles, indicating the personal dimension as fundamental in the process by which the teachers build their careers and make their work dynamic, making it clear that the professional improvement is associated to the personal improvement, or is also part of it. Besides this, there are contributions from authors who investigate the teaching activity, specially the ones involved with the professionalization, the professional development and the teacher s knowledge, as well as investigators who analyze the school as a culture producer. The methodological approach is biographic-narrative, which enables the teachers to talk about what they know and do, what they did or what they could or should do, that is, it makes possible to make explicit the past dimensions which have an influence on the present situations and its projection into expected action forms. The teachers who participated in the research teach in city public schools in Pelotas in the area of Visual Arts, all having graduated at IAD. The study takes a quanti-qualitative character, as it combines the questionnaire with interviews. The questionnaire involved 40 teachers and enabled to know characteristics and expectations common to the people as a whole. The interviewed was made with 7 teachers, graduated in different phases of the teaching course (according to changes in the educational legislation) and with distinct teaching experience, permitting to understand aspects related to school history; the choice of the career with their determinant factors and expectations; academic history and their influences; remembrances and teaching practical education; teaching career, within its initial years; whether the fact of being a man / woman affected his / her career; the teaching experience, previous and present. For a better understanding of the teaching career, biographical paths were created based on the analysis of the interviews, here so-called biopaths. Another element used to complement the interviews and the analysis of the biographical data were Travelling Images of Art pieces asked by the teachers, chosen by them in order to express the present moment which they have been facing. For the elaboration of phases, the starting point was the principle that the years of career are meaningful to define the beginning of the first phase, called impact (1-6 years), but they were not standards for its end, because the events faced by the teachers, both at schools as well as in their personal lives, were significant for a change of phase. The closeness to the second phase, the personalization one (7-12 years), was justified because the teachers defined a personal teaching style to teach Visual Arts for groups of different levels and schools with different realities, which demands time and maturity, without discharging a faster change provoked by one or another type of event, a critical moment faced by the teacher. The phase of alternation (13-18 years) corresponded to a period in which the teaching experience enabled the teacher to better understand the educational and the teaching system, what he / she can or cannot do, what he / she wants to do or not, the teacher gave him /herself the chance to choose. Finally the fact of being close to the end of the career determined the so-called individualization phase (19-25 years), responsible for the distance between the teacher and the educational problems and the search for personal satisfaction. Therefore, the teaching years are considered meaningful in the professional career, but they are not the ones which define the phases, as the narratives from the teachers prove that the phases constantly mix - or not and one does not place away nor eliminates the possibility of another. Finally, the modifications in the life phases of teachers are caused by the conditions of determined time and places, having occurred due to the opportunities and limitations dealt by each one of them; the crisscrossing of personal histories and the professional careers in these different moments and places configure a singularity in the teaching practice of these teachers. Although all have gone through, in a general way, similar phases in their teaching careers, it was evident that each one have their own and unique life experience and professional career, each with a specific subjective experience, each one of them is unique. To end, it can be said that the understanding of the life cycles, through the phases of the teaching career, crisscrossing personal histories and professional careers in different places and moments of the teaching practice, enables thinking about alternatives and motivating innovation proposals for the initial and continuing teacher s education. / Esta pesquisa discute a problemática da profissão docente em Artes Visuais a partir do estudo do ciclo de vida profissional, ou seja, do ciclo vital pelo qual passam os professores. Assim, teve como objetivo investigar as continuidades e escontinuidades na (re) construção da trajetória profissional de docentes de Artes Visuais, defendendo a idéia de que aspectos significativos da vida pessoal e profissional e o momento docente em que se encontram os professores interferem tanto na construção dessa trajetória quanto para uma melhor compreensão da pessoa do professor e, como conseqüência, da sua atuação docente. No campo do ensino das Artes Visuais, esta tese igualmente reconstrói a história das instituições responsáveis pelo ensino da Arte em nosso país, enfocando mais precisamente o caso do atual Instituto de Artes e Design (IAD) da Universidade Federal de Pelotas (UFPel), cuja criação remonta a 1949. A tese está assentada em diferentes pesquisas sobre trajetórias biográficas, incluindo as que abordam as fases da carreira do professor (centradas nos anos de experiência profissional), e os ciclos de vida, indicando a dimensão pessoal como fundamental no processo pelos quais os professores se constroem e dinamizam seu trabalho, deixando claro que o aperfeiçoamento profissional está associado ao desenvolvimento pessoal, ou faz parte dele. Ademais, são trazidas contribuições de autores que investigam o trabalho docente, especialmente os que tratam da profissionalização, do desenvolvimento profissional e dos saberes docentes, bem como de investigadores que analisam a escola como produtora de cultura. A abordagem metodológica é a biográfico-narrativa, que possibilita aos professores falarem sobre o que conhecem e fazem, o que faziam ou o que poderiam ou deveriam fazer, ou seja, permite a explicitação das dimensões do passado que pesam sobre as situações atuais e sua projeção em formas desejáveis de ação. Os professores que participaram da pesquisa exercem a docência na rede municipal de Pelotas e atuam na área de Artes Visuais, todos formados pelo IAD. O estudo assume um caráter quantiqualitativo, ao combinar questionário com entrevista. O questionário envolveu 40 professores e possibilitou conhecer características e expectativas formativas comuns no coletivo. A entrevista foi realizada com 7 professores, formados em diferentes etapas do curso de formação docente (conforme as mudanças da legislação educacional) e com distintos tempos de atuação no magistério, permitindo compreender aspectos relativos à escolarização; escolha da profissão com seus fatores determinantes e expectativas; trajetória acadêmica com suas influências; lembranças e formação prática de ensino; carreira docente, com seus primeiros anos; se o fato de ser mulher/homem afetou a carreira; exercício da docência, anterior e atual. Para melhor compreensão da trajetória docente, a partir da análise das entrevistas foram criados os caminhos biográficos, aqui denominados de biovias. Outro elemento usado para complementar as entrevistas e análise de dados biográficos foram Imagens Viajantes de obras de Arte solicitadas aos professores, escolhidas por eles para significar o momento atual em que estão vivendo. Para a elaboração das fases partiu-se do princípio de que os anos de carreira são significativos para definir o início da primeira fase, denominada de impacto (1-6 anos), mas não foram balizadores do seu término, porque os acontecimentos vividos pelos professores, tanto na escola quanto na vida pessoal, foram determinantes para uma mudança de fase. Já a aproximação da segunda fase, a de personalização (7-12 anos), justificou se porque os professores definiram um estilo pessoal de ensinar Artes Visuais para turmas de níveis diversificados e escolas com realidades diferentes, o que requer tempo e maturidade, sem descartar uma mudança mais rápida provocada por um ou outro tipo de acontecimento, um momento crítico enfrentado pelo professor. A fase de alternância (13-18 anos) correspondeu a um período no qual o tempo de atuação possibilitou ao professor uma maior compreensão do sistema educacional e da docência, do que pode ou não, do que quer ou não fazer, o professor permitiu-se optar. Já a proximidade com o final da carreira determinou a fase de individualização (19-25 anos), responsável pelo distanciamento do professor dos problemas educacionais e pela busca de satisfação pessoal. Deste modo, os anos de docência são considerados significativos na trajetória profissional, mas não são definidores das fases, pois as narrativas dos professores comprovam que as fases se mesclam constantemente - ou não - e uma não afasta nem elimina a possibilidade de outra. Portanto, as modificações nas fases da vida dos professores são ocasionadas pelas condições de tempo e lugar determinados, ocorreram pelas oportunidades e limitações vividas por cada um deles; o entrecruzamento das histórias pessoais e das trajetórias profissionais nesses diferentes espaços e tempos configuram uma singularidade na prática docente desses professores. Embora todos tenham passado, de um modo geral, por fases similares da carreira docente, ficou evidente que cada um tem uma história de vida e trajetória profissional singular, cada um tem uma trajetória subjetiva específica, cada um deles é único. Por fim, pode-se dizer que a compreensão dos ciclos de vida, através das fases da carreira docente, entrecruzando histórias pessoais e trajetórias profissionais em diferentes espaços e tempos da prática docente, possibilita pensar alternativas e incentivar propostas de inovação para a formação docente inicial e continuada.

O objetivo desta pesquisa é a criação de um corpo de trabalhos visuais e registro de seu processo criativo, tendo em vista desdobramentos didáticos para o ensino de linguagens visuais no campo do Design. Imagens foram geradas a partir da observação, do pensamento e do gesto, e ganharam visibilidade através de procedimentos como fotografia, escaneamento, colagem, manipulação digital, desenho e impressão. O ato criador, aliado à reflexão sobre esse fazer, permitiu a investigação sobre a gênese deste processo: a teoria é uma prática, o fazer é um pensar. A primeira parte da tese expõe sequências figurativas em simultaneidade com depoimentos, ambos produzidos pela autora, onde se apresentam as motivações e os meandros deste processo criativo, cotejados com conceitos teóricos e com a produção contemporânea da visualidade. Na segunda parte, produtos visuais realizados pelos alunos da autora, no âmbito de uma disciplina de graduação em Design, são apresentados com os relatos sobre essa experiência docente. Corpo de provas, enquanto documento dos trajetos, desvios, dificuldades e conquistas vivenciados na prática reflexiva da construção de linguagens visuais, fornece subsídios e aponta possibilidades didáticas para seu ensino. / The present research aims to create a collection of visual artworks and document its creation process, while also focusing on developments for the teaching of visual languages in the field of Design Studies. The images were created from observation, reflection, and gesture and took shape through a number of practices including photography, scanning, collage, digital manipulation, drawing, and print. An investigation into the genesis of the process was made possible through the association of the creative act and a deliberation on its praxis: theory became practice, and practice turned into reflection. The first part of this thesis offers figurative sequences and accounts by the author, which convey the motivations and meanders of her creation process. That material was subsequently confronted to theoretical concepts and contemporary visual works. The second part displays visual products created by the author\'s students in the context of an undergraduate Design class, and includes her accounts regarding this academic experience. As a document of the trajectories, detours, difficulties, and achievements experienced throughout the reflective practice in the construction of visual languages, Book of Proofs suggests options and offers support for teaching these processes.

Ce doctorat se penche sur les conditions d’émergence d’une figure de « l’artiste universitaire » aux États-Unis au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Il s’intéresse au contexte intellectuel et politique qui a accompagné ce changement radical de paradigme dans l’enseignement artistique américain et tente d’en observer les répercussions sur les modalités d’écriture d’une histoire de l’art dont les instances productrices sont elles-mêmes considérablement renouvelées. Accordant une place importante aux réformes de l’enseignement supérieur, cette thèse souligne le rôle instrumental de cette nouvelle figure dans la requalification de la recherche universitaire entre les années 1930 et 1960. Toutefois, loin d’être la simple conséquence d’aspirations politiques, l’artiste universitaire s’incarne dans des parcours hétérogènes ne partageant pas nécessairement les mêmes pratiques ou les mêmes objectifs. De manière convenue ou plus inattendue, nombre d’artistes dont le nom a été associé aux universités ont participé à une refonte des modalités de production des savoirs. Pourtant la reconnaissance de ces contributions individuelles s’est avérée beaucoup plus problématique que la célébration générique d’un nouvel art américain porté par des artistes « éduqués ». Aussi, cette thèse s’attache-t-elle à observer ces questions sous un angle épistémologique et à mettre ce déficit paradoxal de crédit académique en regard de pratiques contemporaines de l’histoire et de l’histoire de l’art. Ce dernier aspect est plus spécifiquement étudié à travers le parcours de Donald Judd et sa volonté d’opposer à l’idéalisme philosophique européen une pratique « réaliste » de l’histoire de l’art / This doctoral thesis explores the conditions in which the figure of the ‘academic artist’ emerged in the USA following World War II. The intellectual and political climate for radical change in the American visual arts educational paradigm is evidenced as are its repercussions on the profound renewal of agencies involved in art history production. Importance is given to reform in higher education and the instrumental role the academic artist played in redefining academic research between the 1930s and the 1960s. Such figures were far from being merely aspirational in political terms as is apparent in their range of trajectories, their practices and goals which did not necessarily coincide. Many artists, whose names were associated with academia, contributed – some conventionally, others less predictably – to new ways of producing knowledge. Yet recognizing such individual contributions posed many more problems than the more generic celebration of the new American art personified by “educated” artists. My dissertation therefore views these issues from an epistemological standpoint, weighing what paradoxically was an academic deficit against contemporary practices in history and art history. The latter is examined through the specific case of Donald Judd and his determined stance against European philosophical idealism via the “realistic” practice of art history

O objetivo desta pesquisa é a criação de um corpo de trabalhos visuais e registro de seu processo criativo, tendo em vista desdobramentos didáticos para o ensino de linguagens visuais no campo do Design. Imagens foram geradas a partir da observação, do pensamento e do gesto, e ganharam visibilidade através de procedimentos como fotografia, escaneamento, colagem, manipulação digital, desenho e impressão. O ato criador, aliado à reflexão sobre esse fazer, permitiu a investigação sobre a gênese deste processo: a teoria é uma prática, o fazer é um pensar. A primeira parte da tese expõe sequências figurativas em simultaneidade com depoimentos, ambos produzidos pela autora, onde se apresentam as motivações e os meandros deste processo criativo, cotejados com conceitos teóricos e com a produção contemporânea da visualidade. Na segunda parte, produtos visuais realizados pelos alunos da autora, no âmbito de uma disciplina de graduação em Design, são apresentados com os relatos sobre essa experiência docente. Corpo de provas, enquanto documento dos trajetos, desvios, dificuldades e conquistas vivenciados na prática reflexiva da construção de linguagens visuais, fornece subsídios e aponta possibilidades didáticas para seu ensino. / The present research aims to create a collection of visual artworks and document its creation process, while also focusing on developments for the teaching of visual languages in the field of Design Studies. The images were created from observation, reflection, and gesture and took shape through a number of practices including photography, scanning, collage, digital manipulation, drawing, and print. An investigation into the genesis of the process was made possible through the association of the creative act and a deliberation on its praxis: theory became practice, and practice turned into reflection. The first part of this thesis offers figurative sequences and accounts by the author, which convey the motivations and meanders of her creation process. That material was subsequently confronted to theoretical concepts and contemporary visual works. The second part displays visual products created by the author\'s students in the context of an undergraduate Design class, and includes her accounts regarding this academic experience. As a document of the trajectories, detours, difficulties, and achievements experienced throughout the reflective practice in the construction of visual languages, Book of Proofs suggests options and offers support for teaching these processes.

[pt] O presente trabalho teve por objetivo conhecer concepções e práticas voltadas para a promoção do ensino intercultural de Artes Visuais na educação escolar. Ele partiu do entendimento da ancoragem histórico-social da ideia de arte hegemônica que tem produzido a inexistência das artes dos povos subalternizados historicamente por processos de outrificação e periferização que as confina ao passado da história da arte. O referencial teórico articula os conceitos de interculturalidade crítica (WALSH, 2009, 2011), a concepção de educação intercultural crítica (CANDAU, 2006, 2009a, 2009b, 2014, 2016) e a ecologia de saberes (SANTOS, 2006, 2008, 2010) em interlocução com as concepções de ensino de Artes Visuais pós-modernista (BARBOSA, 1981, 1998, 2002, 2005), ensino intercultural de artes (RICHTER, 2002, 2003, 2008; MASON, 2000), currículo integrado e disciplina mal estruturada (PARSONS, 2005) e arte pós-autônoma (CANCLINI, 2012). Foi realizado um estudo de caso sobre a interculturalidade e o ensino de Artes Visuais no Colégio Pedro II utilizando principalmente entrevistas semi-estruturadas. Os resultados apontam para a existência de um ensino de artes out of the box, baseado nos conceitos de arte como experiência e arte em campo expandido, que vem investindo na interculturalidade como princípio epistemológico a partir da conjugação das práticas de atelier com histórias de vida dos/as alunos/as; do currículo por eixos temáticos contaminado pela arte contemporânea e a arte popular, com ênfase nas artes indígenas, africanas e afro-brasileira; da formação docente continuada em serviço com foco nas noções de professor/a-pesquisador/a e professor/a-curador/a; do ensino de Artes Visuais antirracista articulado com a identidade cultural de seus/suas praticantes. Essa perspectiva articula-se com as demandas por justiça cognitiva para uma educação digna e tem colocado em questão o conceito de qualidade do ensino de Artes Visuais presidido pela história da arte de raiz única - linear e eurocêntrica. / [en] The present paper had as main objective to gather practices and conceptions aimed at the promotion of intercultural teaching of Visual Arts in school education. Based on the understanding that the social-historical idea of hegemonic art has produced the non-existence of the arts among the subordinated people by processes of outrification and peripherization (exclusion to periphery) restricting them in the past of the history of the art. The theoretical reference articulates the concepts of critical interculturality (WALSH, 2009, 2011), the conception of intercultural critical education (CANDAU, 2006, 2009a, 2009b, 2014, 2016) and the ecology of knowledge (SANTOS, 2006, 2008, 2010) in connection with the conceptions of post-modernism visual arts teaching (BARBOSA, 1981, 1998, 2002, 2005), intercultural teaching of arts (RICHTER, 2002, 2003, 2008; MASON, 2000) integrated curriculum and poorly structured disciplines (PARSONS, 2005) and post-autonomous art (CANCLINI, 2012). A case study of the interculturality and Visual Arts at Colégio Pedro II was undertaken, mainly using semi-structured interviews. The results point out the existence of an out-of-the-box arts teaching based upon the concepts of arts as experience and art in large field which has invested in interculturality as the epistemological source of workshops where students tell their life stories; of the curriculum by thematic main points touched by contemporaneous art and pop art, with emphasis on native, African and Afro-Brazilian art; of ongoing teacher training with focus on the meaning of the relationship between teacher/researcher and teacher/curator; of antiracist visual arts teaching connected to the cultural identities of the practitioners. This perspective is in articulation with the demands for cognitive justice and a dignified education and has put forward as a critical issue the concept of quality of visual arts teaching controlled by the single root history of art - linear and Eurocentric.