Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-11T11:12:41Z No. of bitstreams: 1 Isabel Vieira Lopes.pdf: 2094304 bytes, checksum: 29c8cc00225872797fb90ab840564ac9 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-11T11:12:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Isabel Vieira Lopes.pdf: 2094304 bytes, checksum: 29c8cc00225872797fb90ab840564ac9 (MD5) Previous issue date: 2017-11-30 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / Pontifícia Universidade Católica de São Paulo - PUCSP / This research investigates the counterpoint between the social imaginary of the advertiser and the daily work narratives, starting with two questions: what is success for an advertiser? How does this capital sustain itself? To answer them, it begins with the changes that occurred in the activities of the sector after 1980, and interviews with 11 advertisers to map the attributes that build this human capital. Then, through the French semiotics of Greimas, Pottier and Zilberberg, we analyze the construction of speeches that concretize these attributes and capture the bodies in daily life, analyzing specialized media portals, awards and pages created by the advertisers themselves about their profession on Facebook. Finally, we investigate the influence of these discourses in the daily work, using the interviews conducted and an internet research organized by the advertiser Caio de Andrade with more than 1.200 advertisers, concerning the agencies in which they work. To connect this research with studies about work transformations, the imperative of happiness, the construction of its modulatory narratives and its consequences for individuals, we use theories like neoliberalism (Wendy Brown, Dardot e Laval), human capital (Lopes-Ruiz), immaterial labor (Gorz), imperative of happiness (Freire Filho), fetish (Žižek) and society of fatigue (Han) / Esta pesquisa investiga o contraponto entre o imaginário social da profissão publicitária e as narrativas do cotidiano do trabalho, partindo de duas questões: o que é sucesso para o publicitário? Como esse capital de sucesso é sustentado? Para responde-las, examinamos as mudanças ocorridas nas atividades do setor após 1980, e realizamos entrevistas com 11 publicitários para mapear os atributos que constroem esse capital humano. Em seguida, analisamos, através da semiótica francesa de Greimas, Pottier e Zilberberg, a construção de discursos que concretizam esses atributos e capturam os corpos no cotidiano, examinando portais de mídia especializada, premiações e páginas criadas pelos próprios publicitários sobre sua profissão no Facebook. Por fim, investigamos a influência desses discursos no cotidiano do trabalho, utilizando as entrevistas realizadas, bem como uma pesquisa feita pelo publicitário Caio de Andrade na internet com mais de 1.200 publicitários sobre as agências em que trabalham. Buscando conectar esta pesquisa com estudos sobre as transformações do trabalho, o imperativo da felicidade, a construção de suas narrativas moduladoras e suas consequências para os indivíduos, usamos como fundamentação teorias do neoliberalismo (Wendy Brown, Dardot e Laval), do capital humano (Lopes-Ruiz) e do trabalho imaterial (Gorz), tematizando, entre outros, o imperativo da felicidade (Freire Filho), o fetiche (Žižek), e a sociedade do cansaço (Han)

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-13T09:10:38Z No. of bitstreams: 1 Vilma Claro dos Santos.pdf: 1261089 bytes, checksum: 5f0fece0d70f8f74deb419c5429a6afd (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-13T09:10:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vilma Claro dos Santos.pdf: 1261089 bytes, checksum: 5f0fece0d70f8f74deb419c5429a6afd (MD5) Previous issue date: 2017-11-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The subject of this thesis is the monstrous body. This topic has been addressed by authors such as Jean-Jacques Courtine (2013; 2008), who explored the difficulties faced by human beings coping with (so-called) abnormal body types. However, the main goal of the present work is to analyse how a monstrous body can lead the individual to other forms of existence, over and above the stigmas that frequently paralyse the self. Based on the discussions taken up by Antonio Negri (2007, 2003) and Barbara Szaniecki (2014), the monster and the singular characteristics of monstrosity can be viewed as triggers for political and communicational processes and not merely as physical bodies which are socially excluded. In this sense, the monstrous body can be seen as a corpusmedia constituted from its co-evolutionary relations with the environment. The main hypothesis of this thesis is that artistic creations have contributed at a fundamental level to recent changes in our understanding of the monstrous body, undercutting recurrent interpretations that placed monstrous bodies solely within the scope of the exotic and led to their consistent marginalisation as an object of study. It is not merely a question of integrating a stigmatised body into society, but of analysing the power of art to reveal alternatives to our preconceptions of how to look at and represent a body that has been excluded from society. The empirical corpus of this research is derived through dance and theatrical presentations performed mainly in the 2000s, whose performers ranged from backgrounds as immigrants, foreigners and individuals of African descent to artists with physical disabilities. Among these presentations are included works by choreographers such as Jérôme Bel, Claire Cunningham, Faustin Linyekula and the theatre companies Theater Hora and Back to Back. The relevance of this thesis lies in demonstrating how these bodies can subvert stereotypes which have been rooted for centuries in social discourse and media. This work also seeks to highlight the construction of discursive practices that recognise monstrosity when compared to normal standards but which are not confined to pre-conceived interpretations, leading to new patterns of subjective analysis / O tema desta tese é o corpo monstruoso. Ele tem sido estudado por autores, como Jean-Jacques Courtine (2013; 2008), que explicitam a dificuldade em lidar com este tipo de alteridade. No entanto, o objetivo principal da pesquisa é analisar como o corpo monstruoso pode ser acionador de outros modos de vida, para além dos estigmas que o paralisam. Ao partir da discussão proposta por Antonio Negri (2007; 2003) e Barbara Szaniecki (2014), o monstro e as singularidades monstruosas são considerados acionadores de processos comunicacionais e políticos e não apenas excluídos da sociedade. Neste sentido, considera-se o corpo monstruoso como um corpomídia constituído a partir de relações co-evolutivas com seus ambientes. A hipótese principal é que alguns processos de criação artística têm colaborado de maneira fundamental com a recente mudança de entendimento do corpo monstruoso, desestabilizando as leituras recorrentes que apenas o restringiam ao âmbito do exótico e da marginalização. Não se trata de transformar o corpo estigmatizado em um corpo inserido socialmente, mas de afirmar a potência da arte para apresentar outro modo de olhar e constituir um corpo até então excluído. O corpus empírico da pesquisa são espetáculos de dança e teatro, criados especialmente a partir dos anos 2000, que apresentam em cena artistas imigrantes, estrangeiros, negros e deficientes. Entre eles, destacam-se os trabalhos dos coreógrafos Jérôme Bel, Claire Cunningham, Faustin Linyekula e das companhias Theater Hora e Back to Back. A relevância da tese está em demonstrar como é possível lidar com estes corpos de modo a subverter estereótipos arraigados durante séculos em nosso discurso (social e midiático). Busca-se evidenciar também a construção de práticas discursivas que reconhecem a sua monstruosidade em relação aos padrões considerados normais, mas não se deixam enclausurar em leituras pré-concebidas, acionando novas redes de subjetividades

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-15T11:36:55Z No. of bitstreams: 1 Lucas Carlini Lespier.pdf: 5522650 bytes, checksum: dce0684e706fb7afe698cedd76d93e9b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-15T11:36:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lucas Carlini Lespier.pdf: 5522650 bytes, checksum: dce0684e706fb7afe698cedd76d93e9b (MD5) Previous issue date: 2017-12-08 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / This research analyzes the communication process and poetic procedures of documentaries made by audiovisual production collectives in São Paulo. With this purpose, the documentaries O muro da vergonha (Moinho Vivo, Comboio e Fabcine, 2014, São Paulo, SP, 15’46”, digital, color) was chosen. The context of the audiovisual production outside the tradicional centers of production is historically placed on a process that moves it away from the sociological method of documentary realization as defined by Jean-Claude Bernardet (2009). To define what we understand by audiovisual collectives this research place them not isolated in history, but inserted in a historical process of democratization of the audiovisual production, with the starting point in the experience from Suely Rolnik and Félix Guattari – portrayed in the book Cartografias do desejo – that in 1982 traveled the just redemocratized Brazil, talking about the directions of the social movements. To understand the collective creation inside thous groups we will use the theory from Cecilia Almeida Salles (1998) that analyzes the process of network creation and we will base in the approach of the extremities from Christine Mello (2008) to approach the works by their poetic procedures, understanding that this audiovisual production happens in the extremities sign. The objetives of this research consist in build a path of reading for O muro da vergonha and its communicational process, minding the the collective creative process. This research seeks to understand what we name here poetics of meeting, that we recognize in its disruptive relations regarding political action and classical audiovisual narratives / Esta pesquisa analisa os processos comunicacionais e os procedimentos poéticos de documentários realizados por coletivos de produção audiovisual em São Paulo. Para isso, foi escolhido em especial o documentário O muro da vergonha (Moinho Vivo, Comboio e Fabcine, 2014, São Paulo, SP, 15’46”, digital, cor). O contexto atual das produções audiovisuais fora dos centros tradicionaisde produção é entendido situando-os historicamente dentro de um processo que se afasta do método sociológico de realização documentalnos moldes definidos por Jean-Claude Bernardet (2009). Para definir o que entendemos por coletivos audiovisuais,a pesquisa situa esses grupos não como isolados no tempo, mas inseridos em um processo histórico de democratização da produção audiovisual, tomando como marco inicial, tanto histórico quanto teórico, a experiência de Suely Rolnik e Félix Guattari – retratada no livro Cartografias do desejo –, que, em 1982, viajaram pelo Brasil da redemocratização discutindo os rumos dos movimentos sociais. Para entender a criação coletiva dentro desses grupos usaremos a teoria de Cecilia Almeida Salles (1998) que analisa os processos de criação em redes e nos basearemos na abordagem das extremidades de Christine Mello (2008) para uma aproximação das obras pelos seus procedimentos poéticos, por entendermos que esta produção audiovisual acontece no signo das extremidades. Os objetivos desta pesquisa consistem em, a partir da compreensão do contexto das poéticas do encontro, construir um caminho de leitura para O muro da vergonha e seus processos comunicacionais, levando em conta seus processos criativos coletivos. Esta leitura busca compreender de que modo aquilo que denominamos poéticas do encontro, que reconhecemos em suas relações disruptivas no que se refere a ação política e às narrativas audiovisuais clássicas

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-15T11:39:10Z No. of bitstreams: 1 Alexandre Manduca.pdf: 3026030 bytes, checksum: 94b697bfa164d58710ac8f4ab0b4dcf2 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-15T11:39:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alexandre Manduca.pdf: 3026030 bytes, checksum: 94b697bfa164d58710ac8f4ab0b4dcf2 (MD5) Previous issue date: 2017-12-04 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The selection presented in this thesis is the construction of a new human being by means of Biopolitics and of such discourses as the cyborg imaginary, the machine-body and the machine in the biological body. The artificially enhanced body brings life, as a biopolitical device, to a new level, fruit of a symptom of the cultural and communicational imaginary about new possibilities of body management that permeate the appropriation, manipulation and edition of life. It is believed that through a hybrid body the human being would be able to distend and expand itself in order to embrace machinic devices and to serve as an object within the capitalist logic and the consumption society. The Cyborgism in literature and in cinema contributes to this imaginary of a new human being who might be different ‒ a next human, from the classic Frankenstein’s monster to the most recent science fiction films, in which hybrid beings are patterns of overcoming a body that looks obsolete. Biopolitics reinforces this moment in a conceptual and precise way when it transfers to the human the management of one's own life, as observed both in Michel Foucault and in the studies of Giorgio Agamben, Antonio Negri and Nikolas Rose, the main guiding principle of this work. In such scenario, one sees a new journey of the next human, who, through the body, undergoes mutations and is extended by use of machinic experiments, such as grafts, prostheses, chips and silicon. These are potentialized for physically disabled people and for assistive technologies; also, in the Bioidentity phenomenon and in the quality of a body extended to all possible apparatuses, as a biopolitical element that does not cease to be biological. The trajectory of this thesis is to discuss the human as an unfinished project, not as a hybrid body or as a cyborg, but a body ready for the inclusion of the machine in the human through the interference in the DNA. It becomes thus pure information, without ceasing to be biological. The machine in the biological is the extended body, opening the possibility of adapting to the new machinic devices / O recorte apresentado nesta tese é a construção de um novo ser humano por meio da biopolítica e dos discursos do imaginário ciborgue, do corpo-máquina e da máquina no corpo biológico. O corpo artificialmente incrementado eleva a vida, enquanto dispositivo biopolítico, a um novo patamar, fruto de um sintoma do imaginário cultural e comunicacional sobre novas possibilidades de gestão do corpo, que permeiam a apropriação, manipulação e edição da vida. Acredita-se que, mediante um corpo híbrido, o ser humano possa se distender e expandir-se para abraçar aparatos maquínicos e possa servir como objeto dentro da lógica capitalista e da sociedade de consumo. O ciborguismo presente na literatura e no cinema contribui para esse imaginário de um novo ser humano que poderá ser diferente ‒ um próximo humano, desde o clássico monstro de Frankenstein, até os mais recentes filmes de ficção científica, nos quais os seres híbridos são padrões de superação de um corpo que parece obsoleto. A biopolítica reforça esse momento de forma conceitual e precisa quando transfere ao humano a administração da própria vida, o que pode ser observado tanto em Michel Foucault, como nos estudos de Giorgio Agamben, Antonio Negri e Nikolas Rose, principal norteador deste trabalho. Nesse horizonte, avista-se uma nova jornada do próximo humano, que, por meio do corpo, sofre mutações e é ampliado com experimentos maquínicos, como enxertos, próteses, chips e silício. Estes são potencializados para os deficientes físicos e para as tecnologias assistivas, no fenômeno da bioidentidade, e na qualidade de um corpo estendido a todos os aparatos possíveis, como elemento biopolítico que não deixa de ser biológico. A trajetória desta tese é a de discutir o humano como um projeto inacabado, não como um corpo híbrido ou ciborgue, mas um corpo pronto para a inclusão da máquina no humano por meio da interferência no DNA, tornando-se pura informação sem deixar de ser biológico. A máquina no biológico é o corpo estendido, abrindo a possibilidade de adaptar-se aos novos aparatos maquínicos

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-15T18:02:46Z No. of bitstreams: 1 Célia Maki Tomimatsu.pdf: 2671502 bytes, checksum: 069b8b0915e99636ba594b533d5b4186 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-15T18:02:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Célia Maki Tomimatsu.pdf: 2671502 bytes, checksum: 069b8b0915e99636ba594b533d5b4186 (MD5) Previous issue date: 2017-12-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The objective of this research is to analyze how the Japanese filmmaker Hirokazu Koreeda transforms the concept of ikigai (生 き が い) into a communicational resource that affects the Japanese and international audiences, to such an extent that it summons life in its everyday singularity and not necessarily from major events. Although ikigai is a difficult term to translate, it has been considered by researchers of diverse areas as "reason for living". The main corpus of the thesis is composed of four films: A luz da ilusão (1995), Depois da vida (1999), Tão distante (2001) and Seguindo em frente (2008). In all of them, there is an emphasis on the questions about life, death and, above all, the memory as a human interaction among the characters. This is because, in addition to the dialogues, the silence and images of the memories express the reason for living of each one of them. In regard to the theoretical framework, we have related bibliographies of Mieko Kamiya's ikigai (2004a, 2004b) with Hirokazu Koreeda's own writings (2001, 2004, 2008, 2016a, 2016d), as well as his interviews, in which the author interprets ikigai in a complex way and elucidates its insertion in contemporary Japanese cinema. In addition, we start with Christine Greiner's (2010 and 2017) research that considers the relationship between Japan and the West from perceptual and empathic chains, without neglecting the cultural singularities, but observing cultures beyond the given categories. As a methodological procedure, we will analyze the four films selected above, observing the filmmaker's script and the work developed by the characters, having as a main focus the interaction of the narration with the bodies that communicate with the external world, according to the ikigai of each one. The main hypothesis is that in the filmography of Koreeda the reason for living of an individual is not restricted to happiness, but also to an obscure and somber side that exposes ambivalences between life and death, joys and sorrows. The contribution of the thesis is to discuss this new interpretation of the concept, besides analyzing the work of a filmmaker who does not have any bibliography in Portuguese / O objetivo desta pesquisa é analisar como o cineasta japonês Hirokazu Koreeda transforma o conceito de ikigai （生きがい） em um recurso comunicacional que afeta o público japonês e as plateias internacionais, na medida em que convoca a vida na sua singularidade cotidiana e não necessariamente a partir de grandes acontecimentos. Embora ikigai seja um termo de difícil tradução, tem sido considerado por pesquisadores de áreas diversas como razão de viver. O corpus principal da tese é composto por quatro filmes: A luz da ilusão (1995), Depois da vida (1999), Tão distante (2001) e Seguindo em frente (2008). Em todos eles, há um destaque para os questionamentos sobre a vida, a morte e, sobretudo, a memória como interação humana entre dos personagens. Isso porque, além dos diálogos, o silêncio e as imagens das lembranças expressam a razão de viver de cada um deles. No que se refere ao quadro teórico, relacionamos bibliografias sobre ikigai de Mieko Kamiya (2004a, 2004b) com os escritos do próprio Hirokazu Koreeda (2001, 2004, 2008, 2016a, 2016d), bem como suas entrevistas, nas quais o autor interpreta ikigai de um modo complexo e elucida a sua inserção no cinema japonês contemporâneo. Além disso, partimos da pesquisa de Christine Greiner (2010 e 2017) que pensa a relação entre Japão e Ocidente a partir de cadeias perceptivas e empatias, sem negligenciar as singularidades culturais, mas observando as culturas para além das categorias dadas a priori. Como procedimento metodológico, analisaremos os quatro filmes acima selecionados, observando o roteiro do cineasta e o trabalho desenvolvido pelos personagens, tendo como foco principal a interação da narração com os corpos que se comunicam com o mundo externo, de acordo com o ikigai de cada um. A hipótese principal é que na filmografia de Koreeda a razão de viver de um indivíduo não se restringe à felicidade, mas também a um lado obscuro e sombrio que expõe ambivalências entre vida e morte, alegrias e tristezas. A contribuição da tese está em discutir esta nova interpretação do conceito, além de analisar a obra de um cineasta que não conta com nenhuma bibliografia em português

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-20T08:46:57Z No. of bitstreams: 1 Rafael Augusto Montassier.pdf: 5978312 bytes, checksum: 4b364534648767b26d80f96f7df3e1c2 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-20T08:46:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rafael Augusto Montassier.pdf: 5978312 bytes, checksum: 4b364534648767b26d80f96f7df3e1c2 (MD5) Previous issue date: 2017-12-15 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / The sword is usually associated with heroic narratives and, according to the anthropology of Gilbert Durand's imaginary, is linked to the diurnal regime of the images. In the context of contemporary media productions, however, it is possible to verify the presence of narratives that have expanded meanings and the sword is transfigured as a sign of complexity. In this approach, the sword is not only a tool for cutting, splitting, excluding and distinction, but it incorporates in a harmonious way opposite ideas, linked to the nocturnal regimes, composed by the mystical and synthetic systems of the images. In the nocturnal regime of images, the sword transmutes itself and connects with the idea of a blacksmith, in the art of working with fire. Thus, the research seeks to relate the importance of the craft processes that accompany the work of creating the sword and for this discussion dialogues with the idea of craftsmanship, according to Sennett's proposition. For him, the sword is a tool and the swordsman is a master craftsman in the art of handling that weapon. We understand the sword as an image of complexity from the knowledge of Japanese fencing present in works such as The Book of Five Rings and The Sword That Gives Life. The image of the sword has transcended the ages and occupies prominence in the contemporary media. The main objective of the research is to seek its presence as a complex image in the media narratives. For this, the empirical object of the research is composed by the series of Japanese animation Rurouni Kenshin, chosen for presenting the sword like something more than a instrument of combat. Imaginary is understood as the universe of symbolic configurations and socio-symbolic practices whose function is to establish the biopsychosocial balance of the human being, mainly to deal with the existential anguish linked to the fear of death. The methodological procedures adopt the perspective of the line of research in processes of creation and communication in the culture and are based on the researches of Lucia Leão, especially in the method of cartography of the imaginary. The research is inserted in the field of communication and understands the communicational processes as interactive, complex and systemic actions, experienced as a mediated experience / A espada é normalmente associada às narrativas heroicas e, segundo a antropologia do imaginário de Gilbert Durand, está vinculada ao regime diurno da imagem. No contexto das contemporâneas produções midiáticas, entretanto, é possível verificar a presença de narrativas que apresentam sentidos expandidos e a espada se transfigura em signo de complexidade. Nessa abordagem, a espada não é apenas um instrumento de corte, divisão, exclusão e distinção, mas incorpora de forma harmônica sentidos opostos, vinculados aos regimes noturno e crepuscular, compostos pelos sistemas místico e sintético das imagens. No regime noturno, a espada se transmuta e se conecta com a ideia de ferreiro, na arte do trabalho com o fogo. Assim, a pesquisa busca relacionar a importância dos processos artesanais que acompanham o trabalho de criação da espada e para essa discussão dialoga com a ideia artífice, segundo a proposição de Sennett. Para ele, a espada é uma ferramenta e o espadachim é um mestre artesão na arte de manejar essa arma. Entendemos a espada enquanto imagem de complexidade a partir do conhecimento da esgrima japonesa presente em obras como O Livro dos Cinco Anéis e A Espada que dá Vida. A imagem da espada transcendeu as eras e ocupa espaço de destaque nos meios de comunicação contemporâneos. O objetivo principal da pesquisa é buscar sua presença enquanto imagem complexa nas narrativas midiáticas. Para isso, o objeto empírico da pesquisa é composto pelas séries de animação japonesa Rurouni Kenshin, escolhida por apresentar a espada como algo mais do que um instrumento de combate. Entende-se imaginário como o universo das configurações simbólicas e das práticas sócio-simbólicas que têm por função estabelecer o equilíbrio biopsicossocial do ser humano, principalmente para lidar com a angústia existencial vinculada ao medo da morte. Os procedimentos metodológicos adotam a perspectiva da linha de pesquisa em processos de criação e comunicação na cultura e estão fundamentados nas pesquisas de Leão, em especial no método de cartografias do imaginário. A pesquisa está inserida no campo da comunicação e entende os processos comunicacionais enquanto ações interativas, complexas e sistêmicas, vivenciados como experiência mediada pelas linguagens

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-21T11:25:43Z No. of bitstreams: 1 André Luís Reis Santos.pdf: 1915872 bytes, checksum: be1e1f7aa2835ccb684a3a187fc6bf98 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-21T11:25:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 André Luís Reis Santos.pdf: 1915872 bytes, checksum: be1e1f7aa2835ccb684a3a187fc6bf98 (MD5) Previous issue date: 2017-12-12 / The aim of this thesis is to create a Design Mnemosine to analyze this practice historically, with a focus on the so-called Digital Design. For this, we will use every day experiences to create a reflection on design in contemporary society. The foundations of Peircean, Barthesian and Gestalt semiotics will be the basis for arguing the construction of a possible Design Science in the digital age. The methodology will have as support the bibliographical and documentary survey about the subject, besides field research of qualitative character to investigate the phenomena that involve the professionals of the digital design area. This study will have as objectives: 1) the analysis related to the etymology of the word Design, in addition to other words correlated to the design or elements that compose and accompany the design stages in their social and economic impacts related to Industrial Revolutions; 2) analysis of the characteristics of design in its relationship with society and with technology; 3) study the marks and technical revolutions that interfered in the production and communication of the design function; 4) to study design in the information age, so that the concepts related to the theme and its events help analyze the different ways of producing, doing, thinking and communicating design. With these objectives, it will be possible to understand the technical and projective changes in order to define what Design is in the digital age, tracing its characteristics based on the new form of collaborative and distributed power that characterizes the third Industrial Revolution / O objetivo desta tese é criar uma Mnemosine do Design a fim de analisar historicamente esta prática, com foco no chamado Design Digital. Para isso, utilizaremos as experiências do cotidiano para criar uma reflexão sobre o design na sociedade contemporânea. Os fundamentos da semiótica peirceana, barthesiana e da gestalt serão a base para argumentar a construção de uma possível Ciência do Design na era digital. A metodologia terá como apoio o levantamento bibliográfico e documental acerca do tema, além de pesquisa de campo de caráter qualitativo para investigar os fenômenos que envolvem os profissionais da área do design digital. Este estudo terá como objetivos: 1) a análise relacionada à etimologia da palavra Design, além de outras palavras correlacionadas ao design ou aos elementos que compõem e acompanham as etapas do design nos seus impactos sociais e econômicos relacionados às Revoluções Industriais; 2) análise das características do design em sua relação com a sociedade e com a técnica; 3) estudo das revoluções técnicas que interferiram na produção e na comunicação da função do design; 4) estudo do design na era da informação, para que os conceitos relacionados ao tema e seus acontecimentos auxiliem as análises dos distintos modos de produzir, fazer, pensar e comunicar design. Com estes objetivos, será possível entender as mudanças técnicas e projetivas a fim alcançar uma possível definição do Design na era digital, traçando suas características baseadas na nova forma de poder colaborativo e distribuído que caracteriza a terceira Revolução Industrial

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-21T11:26:56Z No. of bitstreams: 1 Viviana de Souza Coletty.pdf: 7506484 bytes, checksum: 9418783f66caa3f2ff5ff1cbeaf1bd1f (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-21T11:26:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Viviana de Souza Coletty.pdf: 7506484 bytes, checksum: 9418783f66caa3f2ff5ff1cbeaf1bd1f (MD5) Previous issue date: 2017-12-12 / The present study comes with the intention of deepening understandings of relations between political dynamics of territorial creation and the creation of artistic languages, from the analysis of the Tatsumi Hijikata’s work. The central question of our work come into sight through an interdisciplinary study that implicates foundations of philosophy, aesthetics, phenomenology and semiotics. Among the studied authors represent mainly Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin and Greiner. Based in concepts of deterritorialisation and reterritorialisation of Deleuze and Guattari, our hypothesis is that in front of a type of deterritorialisation, which puts a group of people in an abrupt changing contexts situation, there would be a consequent reterritorialisation. Between other forms this reterritorialisation could manifest itself through the insurrection of subjectivities towards the world. This insurrection, in certain cases, would be established through the actualisation of aesthetic territories. When these manifestations are shared with public, it would be as if the insurrection of a new aesthetic territory comes to light. This idea, of an aesthetics territory, we developed during this study, to help with our thought’s évolution. Through butô and a large written production, Hijikata questions the concept of the body, and the functions of art, in a way which seems to meet in a several ways with concepts created and/or developed by Deleuze and Guattari, relatively at the same epoch. Concepts as body without organs, devenir, and immanence plan, are brought into analysis in the course of this study, with proposals developed by Hijikata. Beyond the resonances of a period of crisis in a culture, what we want to analyse is possible resonances into political panorama in long term, provoked by aesthetics experiments. / O presente estudo surge com a intenção de aprofundar compreensões da relação entre dinâmicas de criação de territórios politicos e a criação de linguagens artísticas, à partir da análise da obra de Tatsumi Hijikata. As questões centrais deste trabalho surgem de um percurso de estudo interdisciplinar que implica fundamentos da filosofia, estética, fenomenologia e semiotica. Entre os autores estudados figuram principalmente Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin e Greiner. Baseando-se nos conceitos de desterritorialização e reterritorialização de Deleuze e Guattari, nossa hipótese é de que em frente a um tipo de déterritorialização que coloca um grupo de sujeitos em uma situação brusca da modificação de contexto, haveria uma consequente reterritorialização. Entre outras formas, essa reterritorialização pode se manifestar através de uma insurreição da subjetividade em relação ao mundo. Esta insurreição, em certos casos, seria estabelecida por meio da atualização de territórios estéticos. Uma vez ques estas manifestações são compartilhadas com o público, haveria uma insurreição de um novo território estético. Este conceito, nos o desensoveremos para nos ajudar na evolução do pensamento deste estudo. Através do butô e de uma grande produção escrita, Hijikata problematisa o conceito do corpo, e a função da arte, de uma maneira que parece confluir em vários aspectos com conceitos criados e/ou desenvolvidos por Deleuze e Guattari, relativamente à mesma época. Conceitos como o corpo sem órgãos, o devir, e plano de imanência, são colocados em análise com propostas desenvolvidas por Hijikata no decorrer deste estudo. Além das ressonâncias estéticas de um período de crise em uma cultura, o que analisamos é a possível ressonância no panorama político à longo prazo, produzida à partir de experiências estéticas / La présente étude s’établit dans le but d’approfondir compréhensions de la relation entre dynamiques de création de territoires politiques et la création de langages artistiques, à partir de l’analyse de l’oeuvre de Tatsumi Hijikata. Les questions centrales de ce travail émergent d’un parcours d’étude interdisciplinaire qu’implique fondements de la philosophie, esthétique, phénoménologie et sémiotique. Parmi les auteurs étudiés figurent principalement Bergson, Bachelard, Deleuze, Guattari, Uno, Tancelin et Greiner. Tout en se basant dans les concepts de déterritorialisation et reterritorialisation de Deleuze et Guattari, l’hypothèse est que devant un type de déterritorialisation que met un groupe de sujets dans une situation brusque de changement de contexte, il y aurait une conséquente reterritorialisation. Entre autres formes cette reterritorialisation pourrait se manifester à partir d’une insurrection des subjectivités vers le monde. Cette insurrection, dans certains cas, serait établie à travers l’actualisation de territoires esthétiques. Une fois ces manifestations partagées avec le public, il y aurait l’insurrection d’un nouveau territoire esthétique. Cette idée de territoire esthétique nous la développons pour nous aider dans l’évolution de la pensée de cette étude. A travers le butô et une vaste production écrite, Hijikata remet en question le concept du corps et la fonction de l’art, d’une manière qui semble confluer dans plusieurs aspects avec concepts crées et/ou développés par Deleuze et Guattari, relativement à la même époque. Concepts comme le corps sans organes, le devenir, et le plan d’immanence, sont mis en analyse dans le parcours de cette étude, avec les propositions développées par Hijikata. Au-delà des résonances esthétiques d’une période de crise dans une culture, ce que nous analysons sont des possibles échos dans le panorama politique à long terme, provoqués à partir d’expériences esthétiques

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-01-24T09:36:45Z No. of bitstreams: 1 Tatiana Lunardelli.pdf: 44680761 bytes, checksum: fd6524ca86505399ec8f30b561fb2600 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-01-24T09:36:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tatiana Lunardelli.pdf: 44680761 bytes, checksum: fd6524ca86505399ec8f30b561fb2600 (MD5) Previous issue date: 2017-12-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Pontifícia Universidade Católica de São Paulo - PUCSP / Between 1 984 and 2011 Catalan chef Ferran Adrià produced something around 1 0,000 documents, including sketches, texts and photos of everything that was produced in El Bulli. Since the the grand opening of the restaurant Epice in São Paulo, led by Chef Alberto Landgraf, all the dishes development, from techniques, suppliers, researches, were recorded in a notebook and posted on the Instagram app. Many other chefs record their processes and eventually post them on Instagram. All these documents are slowly being shown in specialized publications and social networks. Can the reading of these notebooks, with the revelation of all the layers of research involved in the elaboration of a dish and the critical approach of the creative process, offer new elements to the journalists, a more technical look, free from only the personal judgment that floods today’s specialized press? The purpose of this research is to investigate the communicative relation in the creative process of chefs, focusing on the work of Catalan chef Ferran Adrià and chef Alberto Landgraf and also on other chefs that adopted the same type of creative processes recording. The research proposes an understanding of creative processes, that is, how this creation takes place, from the concept of creation as a network under construction, as is presented by Cecília Salles, which has as its theoretical foundation Peircean semiotic line, the network concept of Pierre Musso, in dialogue with thinkers of culture, like Edgar Morim and Iuri Lotman. The research also intends to establish interactions with gastronomy scholars such as Massimo Montanari and Carlos Alberto Dória. As for its methodology, a four-month follow-up of chefAlberto Landgraf's process was carried out and an analysis of the documents will be made, that is, the notebooks and annotations used by the chef in his creative process; analysis of the records made by the Catalan chef during the years of existence of his restaurant El Bulli, as well as documents posted on Instagram by other chefs and interviews conducted by me during the masters degree / Entre os anos de 1 984 e 2011 o chef catalão Ferran Adrià produziu algo em torno de 1 0 mil documentos, entre esboços, textos e fotos de tudo o que foi produzido no El Bulli. Desde a inauguração do restaurante paulistano Epice, comandado pelo chef Alberto Landgraf, todos os pratos desenvolvidos, desde técnicas, fornecedores, buscas, foi registrado em um caderno e divulgado no aplicativo Instagram. Inúmeros outros chefs de cozinha registram seus processos e eventualmente publicam no aplicativo Instagram. Todos esses documentos produzidos aos poucos vem sendo mostrados em publicações especializadas e redes sociais. A leitura desses cadernos, com a revelação das inúmeras camadas de pesquisa que envolvem a elaboração de um prato e a abordagem critica do processo criativo, pode oferecer para os jornalistas de gastronomia novos elementos, um olhar mais técnico, livre de somente julgamentos pessoais que atualmente inundam a imprensa especializada? O objetivo dessa pesquisa é investigar as relações comunicativas no processo de criação dos chefs de cozinha, com foco no trabalho do chef catalão Ferran Adrià e do chef Alberto Landgraf em diálogo com outros chefs que adotam o mesmo tipo de registro de seus processos criativos. A pesquisa é uma proposta de leitura dos processos criativos, ou seja, de como se dá esse percurso de criação, a partir do conceito de criação como rede em construção, como é apresentado por Cecília Salles, entendimento que tem como fundamentação teórica a semiótica de linha peirceana, o conceito de rede de Pierre Musso, em diálogo com pensadores da cultura, como Edgar Morim e Iuri Lotman. A tese pretende também estabelecer interações com os estudiosos de gastronomia como Massimo Montanari e Carlos Alberto Dória. Quanto a metodologia, foi feito o acompanhamento durante quatro meses do processo de criação do chefAlberto Landgraf e será feita a análise dos documentos de processo, ou seja, dos cadernos produzidos pelo chef durante seu processo criativo; análise dos registros produzidos pelo chef catalão durante os anos de existência do seu restaurante El Bulli, assim como os documentos divulgados no Instagram por alguns chefs, documentários e entrevistas realizadas por mim durante o mestrado

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2018-02-05T13:33:48Z No. of bitstreams: 1 Guilherme Espíndula da Rocha.pdf: 2906550 bytes, checksum: b83558b7b166936b005a850c35377729 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-02-05T13:33:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guilherme Espíndula da Rocha.pdf: 2906550 bytes, checksum: b83558b7b166936b005a850c35377729 (MD5) Previous issue date: 2017-12-18 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / This research has the object of investigation the use of open-source programming by artists and designers in their creative processes. The research begins with the discussion about new ways of thinking about software, a proposal presented by artists and theorists of the new media and organized by Matthew Fuller (2003); accompanies the reflection of the phenomenon called by Lev Manovich (2013) as "software culture"; and delves into the particularities of the creative and collaborative universe of open-source communities. In this context, we will highlight two types of software, Blender and Processing. Blender is an open source computer program developed by the Blender Foundation in a collaborative way for modeling, animation, texturing, composing, rendering, video editing and creating interactive 3D applications such as games and presentations. Processing is an application that allows you to write, edit, compile and run the Java language, a type of interface that allows the approach of artists of the programming code to perform their works. Project started in 2001 in MIT labs by Ben Fry and Casey Reas and a group of volunteers, Processing is an open source programming language and an integrated development environment (IDE), aimed at creating in the fields of art and visual design. This platform has been used by artists from around the world and aggregates a large number of discussions in forums and other social networks. One of the most current highlights of processing is its ability to connect to free hardware tools, such as Arduino and Kinect, which work with data derived from body movements, where space is mapped and transformed into information that can be used in the generation of 3D images. This study proposes to carry out a cartography of the main types of poetic works developed in the artistic process from calculations generated in computers. The research corpus is limited to works that exclusively use open source programs in their creation, meeting the requirements of The Open Source Initiative. The research seeks to understand what characterizes the poetic production developed from the use of these programs in open source, and other tools of codification in computational language / Esta pesquisa tem como objeto de investigação o uso de programação open-source por artistas e designers em seus processos criativos. A pesquisa se inicia com a discussão a respeito de novos modos de se pensar a respeito do software, proposta apresentada por artistas e teóricos das novas mídias e organizada por Matthew Fuller (2003); acompanha a reflexão do fenômeno denominado por Lev Manovich (2013) como “cultura do software”; e se adentra nas particularidades do universo criativo e colaborativo das comunidades ligadas ao open-source. Neste contexto, iremos destacar dois tipos de software, o Blender e o Processing. O Blender é um programa de computador de código aberto, desenvolvido pela Blender Foundation, de forma colaborativa, para modelagem, animação, texturização, composição, renderização, edição de vídeo e criação de aplicativos interativos em 3D, como jogos e apresentações. O Processing é um aplicativo que permite escrever, editar, compilar e rodar a linguagem Java, um tipo de interface que permite a aproximação de artistas do código de programação para a realização de suas obras. Projeto iniciado em 2001 nos laboratórios do MIT por Ben Fry e Casey Reas e um grupo de voluntários, o Processing é uma linguagem de programação open source e um ambiente de desenvolvimento integrado (IDE), voltado para a criação nos campos da arte e design visual. Essa plataforma tem sido utilizada por artistas de todo o mundo e agrega um grande número de discussões em fóruns e outras redes sociais. Um dos destaques mais atuais em relação ao processing é sua capacidade de se ligar a ferramentas free hardware, como o Arduíno. Este estudo propõe realizar uma cartografia dos principais tipos de trabalhos poéticos desenvolvidos no processo artístico a partir de cálculos gerados em computadores. O corpus da pesquisa se limita a obras que utilizam exclusivamente programas de código aberto em sua criação, atendendo às exigências do The Open Source Initiative. A pesquisa busca compreender o que caracteriza a produção poética desenvolvida a partir do uso destes programas em código aberto, e outras ferramentas de codificação em linguagem computacional