[EN] This thesis provides an analysis of the different graphic art production areas in Spain, in 2014. Firstly, we review the concept of graphic work, multiplicity, and editing, as well as the role of responsible individuals involved in the production of graphic art: editor, technical printer and artist, through the study of remarkable personalities. Secondly, we explore the different graphic works workshop production classifications, as well as their design and structure, according to their specialization process. This thesis follows with a panoramic and historical view of graphic art creation and production establishments, analyzing international draft reference spaces, finishing with the study of different models of workshop in Spain, today. These workshops are sorted into the following categories: training, new technologies research workshop, development projects in residence workshop, creation and artistic experimentation workshop, desktop publishing workshop, prints by custom production workshop, edition of artists workshop and workshop as a multipurpose space. This work is complemented by a updatable directory of graphic art's creation, education, production and editing spaces in Spain, a practical guide for artists, printers, publishers, students, teachers, and anyone interested in graphic art. / [ES] La presente tesis ofrece un análisis de los diferentes modelos de espacios de producción de arte gráfico en España, en 2014. En primer lugar, se revisa el concepto de obra gráfica, multiplicidad y edición, así como el papel de las figuras responsables que intervienen en la producción de arte gráfico: editor, técnico impresor y artista, a través del estudio de personalidades destacadas. En segundo lugar, se exploran las diferentes clasificaciones del taller de producción de obra gráfica, así como el diseño y estructura del mismo, de acuerdo a su especialización procesual. A continuación, se presenta una visión panorámica e histórica de los establecimientos de creación y producción de arte gráfico, analizando espacios de referencia de calado internacional, concluyendo con el estudio de los diferentes modelos de taller presentes en España, en la actualidad. Éstos se ordenan en torno a las siguientes categorías: el taller de formación, el taller de investigación de nuevas tecnologías, el taller de desarrollo de proyectos en residencia, el taller de creación y experimentación artística, el taller de autoedición, el taller de producción de obra gráfica por encargo, el taller de edición de artistas y el taller como espacio polivalente. Este trabajo se complementa con un directorio de los espacios dedicados a la creación, enseñanza, producción y edición de arte gráfico en nuestro país, una guía práctica para artistas, impresores, editores, estudiantes, docentes, y todo aquel interesado en arte gráfico, abierta a futuras actualizaciones. / [CA] Aquesta tesi ofereix una anàlisi de les diferents zones de producció d'art gràfic a Espanya, el 2014. En primer lloc, podem revisar el concepte d'obra gràfica i multiplicitat, edició, així com el paper d'encarregat figures que intervenen en la producció de arts gràfiques: editor, impressora tècnic i artista, mitjançant l'estudi de la personalitat. En segon lloc, podem explorar les diferents classificacions de dramatitzada d'obres gràfiques, així com el disseny i estructura, segons el seu procés d'especialització. A continuació, és una visió panoràmica i històric de creació i producció d'establiments d'arts gràfiques, analitzar espais de referència de calat internacional, concloent amb l'estudi de diferents models de taller d'Espanya, avui. Aquests es classifiquen en les categories següents: formació, investigació de noves tecnologies taller, taller de projectes de desenvolupament en residència, taller de creació i experimentació artística, autoedició taller, taller de producció de gravats de costum, edició del taller d'artistes i taller com a espai polivalent. Aquest treball es complementa amb una guia dels espais dedicats a la creació, formació, producció i edició d'art gràfic en el nostre país, una guia pràctica per a artistes, impressores, editors, estudiants, professors, i qualsevol persona interessada en l'obra gràfica, obert a futures actualitzacions. / Matute Marín, J. (2016). El taller de arte gráfico. Modelos de producción de arte gráfico en España 2014 [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61767

[EN] The "Navarro Cabanes Collection" consists largely of single issues of all kinds of local newspapers and magazines, and out of Valencia. Few complete series that are in it, however, continues to be high, since it contains some unreleased titles, whose knowledge of its existence, it is because they are part of the donation and thanks to the zeal were preserved throughout concerning the press that José Navarro Cabanes maintained throughout his life. This thesis deals with a study on the plastic graphic content Navarro Cabanes Collection materialized only in those publications held in the Valencia region and adhered to the time parameters that defines the same collection delimits. A period in which historical events of great importance for the country occur. With regard to the printing industry, the technology also influenced the media that would modernize gradually, as new discoveries were introduced from Europe and later even from the United States. By the end of the century the new photomechanical techniques begin to be applied in the industrial press, which will gradually spread and taking into smaller presses. This research was developed from an observational study that identifies the characters local roots and mainly from European aesthetic influences or national type, from foreign publications and edits made in cosmopolitan cities such as Madrid or Barcelona respectively, which they serve us as a reference. The state of the Valencian press within the time segment occupied we analyzed, taking as its starting point the publishers and printers located in the provinces of the east region, giving particular attention to the most industrialized localities or who enjoyed an emerging economy, including as presumably the towns of Castellon, Valencia and Alicante, in order to meet the development and expansion of print shops along of the last two centuries. It has also sought to make some inquiries concerning the illustrators who populated the pages of those publications that do not offer a particular graphic interest according to the criteria that we will mention will be alluded to in the catalog belong to the donation but without going into an exhaustive formal description about them. The uniqueness of this work, responds to a concern facing the analysis of the transformation processes of the graphic image and not a mere bibliographic cataloguing, since cataloguing developed, says the formal and artistic aspects of those individuals who manifest special interest and provide elements that allow us to develop post consequent conclusions. He joined the historical value of the substantial press collected by this intellectual, aesthetic and artistic value, the product of evolution of the graphics, technology, taste and prevailing trends of the time is added. Once collected the titles of separate collection and print production belonging to the Valencian Community that was printed in other provinces and even other countries , I proceeded to catalogue it into subgroups to thereby facilitate a more objective analysis . / [ES] El fondo "Navarro Cabanes", se encuentra en la Hemeroteca Municipal de Valencia y constituye uno de los dos grandes bloques de los fondos conservados en ella. Se compone de 1845 títulos, de los que 1744 son publicaciones periódicas y de otros cien títulos, que por su heterogeneidad y por no tener carácter de periodicidad, se han separado en el Anexo Varia. La colección reunida por el periodista, tiene un valor extraordinario. Tras su muerte, pasaría a ser propiedad del Ayuntamiento de Valencia. La Colección Navarro Cabanes está constituida en gran parte por números sueltos de todo tipo de periódicos y revistas locales y de fuera de Valencia y continua suscitando un gran interés, puesto que contiene algunos títulos, cuyo conocimiento de su existencia, se debe a que forman parte de la donación. Esta tesis aborda un estudio sobre el contenido gráfico plástico de la Colección Navarro Cabanes, concretado exclusivamente en aquellas publicaciones pertenecientes a la Comunidad Valenciana y ceñido a los parámetros temporales que la misma colección delimita. Un espacio de tiempo en que se suceden acontecimientos históricos de gran relevancia para el país. En lo concerniente a la industria de la imprenta, la tecnología también influyó en los medios de impresión que irían modernizándose paulatinamente, conforme los nuevos descubrimientos fueran introduciéndose desde Europa y más tarde incluso desde Estados Unidos. Ya a finales de siglo comienzan a aplicarse las nuevas técnicas fotomecánicas en la prensa industrial, que poco a poco irán extendiéndose y adoptándose en imprentas menores. Esta investigación se ha desarrollado a partir de un estudio observacional que permite identificar los caracteres de raigambre local y los procedentes de influencias estéticas principalmente europeas o de tipo nacional, a partir de publicaciones extranjeras y de ediciones realizadas en ciudades cosmopolitas, tales como Madrid o Barcelona, que nos sirven como referente. Se analizó el estado de la prensa valenciana dentro del segmento cronológico que nos ocupaba, tomando como punto de partida las editoriales e imprentas localizadas en las provincias de la región levantina, atendiendo en especial a las localidades más industrializadas o que gozaban de una economía emergente, incluyendo como es de suponer los núcleos urbanos de Castellón, Valencia y Alicante, con el fin de conocer el desarrollo y la expansión de los talleres de impresión a lo largo de estos dos últimos siglos. Se ha procurado realizar también algunas averiguaciones concernientes a los ilustradores que poblaron las páginas de aquellas publicaciones y aparecen identificados, lamentablemente muchas son anónimas. La singularidad de este trabajo, responde a una inquietud dirigida hacia el análisis de los procesos transformadores de la imagen gráfica y no al de una mera catalogación bibliográfica, dado que la catalogación desarrollada, comenta los aspectos formales y artísticos de aquellos ejemplares que manifiestan un interés especial y que proporcionan unos elementos que a posteriori nos permitirán elaborar las consecuentes conclusiones. Sumado al valor histórico de la cuantiosa prensa recabada por este intelectual, se añade un valor estético y artístico, producto de la evolución de la gráfica, la tecnología, del gusto y las tendencias predominantes de la época. En torno la figura de Josep Navarro Cabanes, se ha desarrollado una labor monográfica que contribuye a comprender el sentido y trascendencia de su colección y su profundo arraigo por lo valenciano. Una vez recogidos los títulos de la colección y separada la producción impresa perteneciente a la Comunidad Valenciana de aquella que se imprimió en otras provincias e incluso otros países, he procedido a catalogarla en subgrupos para facilitar de este modo un análisis más objetivo. / [CA] El fons "Navarro Cabanes", es troba a l'Hemeroteca Municipal de València i constitueix un dels dos grans blocs dels fons conservats en ella. Es composa de 1845 títols, dels que 1744 són publicacions periòdiques i d'altres cent títols, que per la seva heterogeneïtat i per no tindre caràcter de periodicitat, s'han separat en l'Annex Varia. La col·lecció reunida pel periodista, té un valor extraordinari. Darrera la seva mort, passaria a ser propietat del Ajuntament de València. La Col·lecció Navarro Cabanes està constituïda en gran mesura per nombres solts de tot tipus de periòdics i revistes locals i de fora de València i continua suscitant un gran interès ja que conté alguns títols dels que coneixem la seua existència perquè formen part de la donació. Esta tesi aborda un estudi relacionat amb el contingut gràfic plàstic de la Col·lecció Navarro Cabanes concretat exclusivament en aquelles publicacions pertanyents a la Comunitat Valenciana y restringit als paràmetres temporals que la mateixa delimita. Un espai temporal en que succeeixen esdeveniments històrics de gran rellevància per al país. Pel que fa a la industria de la impremta, la tecnologia, també va influir en els mitjans de impressió, que anirien modernitzant-se progressivament, conforme els nous descobriments, anaren introduint-se des d'Europa i més endavant inclús des dels Estats Units. Ja a finals de segle comencen a aplicar-se les noves tècniques fotomecàniques en la premsa industrial, que poc a poc, aniran estenent-se i adoptant-ne en impremtes menors. Aquesta investigació s'ha desenvolupat a partir d'un estudi observacional, que ens permet identificar els caràcters d'arrelament local i els procedents d'influències estètiques principalment europees o de tipus nacional, a partir de publicacions estrangeres i d'edicions realitzades en ciutats cosmopolites tals com Madrid i Barcelona de que ens valem com referents. Es va analitzar l'estat de la premsa valenciana dins del segment cronològic que ens ocupava, tenint com punt de partida, les editorials i les impremtes localitzades en les províncies de la regió llevantina, atenent en especial a les localitats més industrialitzades o que gaudeixen d'una economia emergent, incloent com és de suposar els nuclis urbans de Castelló, València i Alacant, amb el fi de conèixer el desenvolupament i l'expansió dels tallers d'impressió al llarg d'aquests dos últims segles. S'ha procurat realitzar també alguns esbrinaments concernents als il·lustradors que poblaren les pàgines d'aquelles publicacions que estan identificades, malgrat moltes són anònimes. La singularitat d'aquest treball respon a una inquietud dirigida cap l'anàlisi dels processos transformadors de la imatge gràfica i no al d'una mera catalogació bibliogràfica, ja que la catalogació desenrotllada comenta els aspectes formals i artístics d'aquells exemplars que manifesten un interès especial i que proporcionen uns elements que a posteriori ens permetran elaborar les conseqüents conclusions. Al valor històric de la premsa recavada per aquest intel·lectual, li sumem un valor estètic i artístic, producte de l'evolució de la gràfica, la tecnologia, del gust i les tendències predominants de l'època. Al voltant de la figura de Navarro Cabanes s'ha desenrotllat una labor monogràfica que contribueix a comprendre el sentit i transcendència de la seva col·lecció i el seu profund arrelament per lo valencià. Una vegada recollits els títols de la col·lecció i separada la producció impresa pertanyent a la Comunitat Valenciana d'aquella que es va imprimir en altres províncies inclòs altres països, he procedit a classificar-la en subgrups per a facilitar d'esta manera un anàlisi més objectiu. / Alberto Homs, MC. (2016). CABECERAS E IMÁGENES GRÁFICAS APARECIDAS EN LAS PUBLICACIONES PERIÓDICAS VALENCIANAS PERTENECIENTES A LA COLECCIÓN NAVARRO CABANES. SU ESTUDIO Y EVOLUCIÓN GRÁFICA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63247

El enfoque del presente informe se centra en utilizar al Dibujo como una herramienta colaborativa y social. Una disciplina que por su misma instantaneidad puede crear relaciones positivas o saludables dentro de instituciones como hogares de ancianos y prisiones. Se emplearon técnicas no invasivas, según las categorizadas por Goffman (1990), para tratar con personas en condiciones estigmatizantes en el contexto de una prisión. Descifrar la relación entre el espacio autocontenido y el vacío es mi principal interés. Familiarizarme con mi práctica creativa para poder representarlo fue todo un reto; por lo que, explorar la historia y psicología del vacío incrementó mi atención por descubrir estudios previos para entender la complejidad de mi tema: Arnheim y Derrida. El lenguaje visual que decidí emplear es el retrato. Desarrollé la idea de percibirlo como una forma de recordar a mis modelos, ya que, me siento en deuda con ellos por permitirme dibujarlos. Es importante recalcar que estos retratos están cubiertos por una bruma. Esta representa los recuerdos difusos del artista que encarna a sus modelos con ayuda de la memoria y desde la memoria. Examinar la estética contemporánea fue necesario para comprender el contenido estético y las normas que van más allá de la fisicalidad del retrato; siendo su importancia la que se encuentra considerada en la parte posterior; es decir, nuestro soporte. Es por ello que mi obra se encarga de encontrar un proceso de continuidad entre figura y fondo.

La presente investigación tiene por objeto entonces realizar un seguimiento a la forma en que el dibujo ha llegado a ser entendido en las artes visuales como un medio más, y no uno menor, por lo que se ha centrado en recorrer algunos aspectos de su historia en el arte occidental, con sus posteriores consecuencias en nuestro contexto inmediato. Respecto del dibujo como una elección genuina de ciertos artistas, mi premisa es que el dibujo permite resolver ideas específicas para aquellos que deciden hablar con referencias explícitas de su entorno. Al entender este nuevo status del dibujo como un momento distinto dentro de la Historia del arte reciente, reconozco que del mismo modo es un momento nuevo para el arte peruano. Por esto, he prescindido de señalar casos de dibujantes destacados a lo largo de nuestra historia, por no haber sido representativos de un hecho como este, sino más bien, haber sido excepciones. Y también por el hecho de que el dibujo siempre ha sido un medio auxiliar y subalterno del sistema artístico convencional. Creo que aunque es necesario el reconocimiento de situaciones insulares pero emblemáticas, y por lo tanto asumidas ya como referentes ineludibles de nuestra historia (como en Guamán Poma de Ayala por ejemplo o algunos pintores que además han sido dibujantes durante el siglo XX), la discontinuidad de sus apariciones es de un grado tal, que tratar de establecer en ellas un camino que pueda ser entendido como antecedente a la coyuntura actual sería forzado y contraproducente. Considero que resulta más productivo tratar de comprender los factores externos que han facilitado este viraje hacia una mayor amplitud de formas de creación en nuestro medio, un medio cuyas características propias tienen cada vez más que ver con la atención al arte contemporáneo internacional a través de medios impresos y de Internet, así como con el desplazamiento causado por la gran cantidad de artistas que emigran y se encuentran actualmente en un constante ir y venir que diversifica nuestra escena. Este interés por entender este devenir, está indudablemente influenciado por la forma que han tomado mis últimos proyectos, que han encontrado en el dibujo, la herramienta para explotar al máximo los elementos que han motivado mi quehacer reciente

En el ámbito laboral, hemos constatado personalmente que en el planteamiento de personajes se produce una influencia proveniente de los lineamientos específicos de una campaña. Aun cuando el diseñador tiene un estilo propio, entra a calar la opinión del cliente o las exigencias del mercado. Por ello, nos preguntamos qué sucedería si el diseñador decidiera plantear una propuesta personal distinta en función del diseño de personajes. Obtuvimos respuesta a tal cuestionamiento en la Internet, donde se hallaron varios proyectos fuera del ámbito comercial, con una diversidad de estilos en campos como el arte, el diseño y la animación. Este hecho sembraría nuestro interés inicial en el que se denominaría contemporary character design e iniciaría nuestra exploración en diversos medios artísticos más allá del software de diseño digital. El resultado sería la creación de una serie de personajes que conformarían parte de un imaginario y estarían construidos con un lenguaje visual propio. El contemporary character design, término que en español significa “diseño de personajes contemporáneo”, convive con otras maneras de construir personajes como los que podemos apreciar en la animación en general, el cómic y el diseño de mascotas publicitarias. Sobrepasando tales parámetros comerciales, el contemporary character design ha llegado a desarrollarse y expandirse artísticamente demostrando su potencial creativo y manifestando rasgos característicos que lo diferencian de las otras expresiones artísticas mencionadas. Es importante aclarar que los proyectos vinculados al contemporary character design, si bien parten del entorno del diseño, nacen de proyectos libres en donde un diseñador o artista gráfico parodia o explora de manera lúdica los comportamientos y percepciones de la sociedad moderna en diversos ámbitos. Para ello, uno de los recursos más utilizados es el intertexto que toma como referencia la globalización de la imagen. No obstante, esta superposición de información podría tomar nuevas fuentes que no sólo se basen en el mass media y cuyo propósito sea más introspectivo, lo que abre las posibilidades de elaborar una propuesta artística en un nivel plástico y conceptual.

[EN] We research the possible relationships between the arts of movement, animation and dance. During our speech we will understand those processes and techniques in this way, by animation we focus in the traditional animation, motion graphics and video postproduction.The dance we attent corresponds to the contemporary discipline in the term close to body expression or body composition, characterized by respect to all body complexions. The possible relationships between animation and dance appear in his alternating practice, by the same person, who is at time, student, practitioner and researcher. This research applies the techniques of animation and video to record and amplify the two-dimensional movement from dance. The dance techniques will serve to experience movement in the three spatial dimensions. In this alternation's technique we see the conceptions of the time dimension that phenomenology makes through the 'duration' concept . This concept is discussed in the second chapter of the second part of this thesis. A priori, work in animation corresponds to the chronological idea of 'Duration' by Bergson. The dance we understand is related to a global temporary organization in which energies are modulated, without forms draw, by the idea of 'Rhythms' by Bachelard. Our task is to combine each temporal conception, to get born a technique with both durations-disciplines included. Getting this integrated technique we realize that representation processes occurs beyond the visual understanding. The dance gives us skills in the energy control, achieving representation from internal perception. We will see how to make formal representations in which energy and durations ideas are cohabiting, that is, integrate external and internal perceptions. We get separate and specialized training in each discipline; the doctorate course 'Expressive - Formal and Temporal - Spacial Components in Animation' at the Fine Arts School from the (U.P.V.) Polyvalent Valencia University and the official Master degree in 'Dance and Movement Arts' at the Faculty of Sports Science of Murcia. Animation practice or dance are not the same occupation, without missing this difference our task is to promote contact points between them. These points or approaching places are fixed in the design of teaching practices, workshops and courses, such as the ' 1st. course in video postproduction: V. J. video jockey and videoclip' under the program of the Graduate School of the University of Málaga that we impart in 2014 at the Fine Arts School from the same city. This course begins with the nickname 'expanded training' terms that were part of the first thesis title. This concepts combination is abandoned coinciding with the return to training in contemporary dance through intensive workshops organized by 'La Buena Aventura' in the Dance Conservatory of Málaga. Attention is now directed towards the body and its internal representations against digital representations proposed by the term 'expanded'. It is then that the proposal of the current title 'Reversible Representation. Animation and dance: Audiovisual productions & teaching transfers' in which there is not an emphasis on digital but yes an agreement with it. In the experiments proposed on our conclusion block we see how the dance and body composition is filtered through the graphic expression and vice versa. From the two video camera places, in front and behind it, we go towards paper and drawing, in a process of dissolution of the human figure, of his contact and support surface. / [ES] Investigamos las posibles relaciones entre las disciplinas artísticas del movimiento, la animación y la danza. A lo largo de este discurso vamos a entender por animación aquellos procesos y técnicas creativas de animación tradicional más la postproducción e infografía de video. La danza a la que nos aproximamos corresponde a la disciplina contemporánea en sus estadios próximos a la expresión-composición corporal, caracterizados por el respeto por cualquier condición física. Las posibles relaciones entre la animación y la danza aparecen en la práctica y alternancia de ambas por el mismo sujeto que es, a su vez, estudiante, practicante e investigador. Desde este estudio se aplicarán las técnicas de la animación y el video para registrar y amplificar el movimiento en danza en el plano bidimensional. Las técnicas de la danza van a servir para experimentar el movimiento en las tres dimensiones espaciales. Encontramos que implícita en esta alternancia están las concepciones de la dimensión temporal que hace la fenomenología a través del concepto de duración. Este concepto queda expuesto en el capítulo segundo del segundo bloque de esta tesis. A priori, el trabajo en animación corresponde a un minucioso orden cronológico y formal ('Durée' de Bergson) y el trabajo en danza se relaciona con una organización temporal global en el que se modulan energías y no formas ('Ritmos' de Bachelard). Nuestra tarea es otorgar el turno a cada concepción temporal, confiando en que la técnica integradora de ambas (duraciones-disciplinas) aparezca. Con la adquisición de esta técnica integradora notamos que los procesos de representación se producen más allá de lo visual. La danza confiere habilidades en el control duracional de lo energético logrando la representación de procesos cognitivos internos. Veremos cómo lograr representaciones en las que duraciones formales y energéticas cohabitan, esto es, integrar percepciones externas e internas. Para llegar a este punto integrador han sido necesarias formaciones separadas y especializadas en cada disciplina; concretamente el curso de doctorado Componentes expresivo formales y espacio-temporales en la animación en la Facultad de BB. AA. de Valencia y el Máster oficial Danza y Artes del Movimiento en la Facultad de Ciencias del Deporte de Murcia. Practicar animación o danza no son la misma ocupación, nuestrao objetivo es diferenciarlas sin dejar de detectar y propiciar lugares de contacto entre ellas. Estos lugares de aproximación quedan fijados con el diseño de prácticas docentes por medio de talleres y cursos, como por ejemplo el I curso de especialización en postproducción de video: VJ video jockey y videoclip bajo el programa de la Escuela de postgrado de la Universidad de Málaga que imparto en 2014 en la Facultad de Bellas Artes de la misma ciudad. Este curso se inicia con el sobrenombre de 'entrenamiento expandido' términos que formaban parte del título de esta tesis en su periodo inicial. Esta combinación de conceptos se abandona coincidiendo con la vuelta a la formación en danza contemporánea a través de los talleres intensivos organizados por La Buena Aventura en el Conservatorio de Danza también de Málaga. La atención se dirige ahora hacia el cuerpo y sus representaciones internas frente a las representaciones digitales propuestas por el término 'expandido'. Es en ese momento cuando surge la propuesta del actual título 'Representación reversible. Animación y danza: Colaboraciones audiovisuales y transferencias docentes' en el que no existe un énfasis por lo digital pero si acuerdo. En las experiencias propuestas en nuestro bloque de conclusiones observamos cómo la 'expresión corporal' es filtrada a través de la expresión gráfica y viceversa. De los dos lugares a cámara de video, delante y tras ellas, pasamos al papel y al dibujo, en un proceso de disolución de la figura humana, su superficie de contacto y apoyo. / [CA] Estudiem les possibles relacions entre les disciplines artístiques del moviment, l'animació i la dansa. Al llarg d'aquest discurs entendrem per animació aquells processos i tècniques creatives d'animació tradicional a més de la postproducció i infografia de vídeo. La dansa a la qual ens aproximem correspon a la disciplina contemporània en els seus estadis propers a l'expressió-composició corporal, caracteritzats pel respecte per qualsevol condició física. Les possibles relacions entre l'animació i la dansa alternen en la pràctica d'ambdues pel mateix subjecte, que és, al seu torn, estudiant, practicant i investigador. Des d'aquest estudi s'aplicaran les tècniques de l'animació i el vídeo per registrar i amplificar el moviment en dansa en el plànol bidimensional. Les tècniques de la dansa van a servir per a experimentar el moviment en les tres dimensions espacials. Trobem que, implícita en aquesta alternança, estan les concepcions de la dimensió temporal que fa la fenomenologia a través del concepte de durada. Aquest concepte queda exposat en el capítol segon del segon bloc d'aquesta tesi. A priori, el treball en animació correspon a un minuciós ordre cronològic i formal (la 'Durée' de Bergson) i el treball en dansa es relaciona amb una organització temporal global en el qual es modulen energies i no formes ('Ritmes', en Bachelard). La nostra tasca és atorgar el torn a cada concepció temporal, confiant que la tècnica integradora d'ambdues (durades-disciplines) aparega quan siguem capaces de generar intervals d'alternança cada vegada més curts. En el domini d'aquesta tècnica integral notem que els processos de representació es produeixen més enllà del visual. La dansa confereix habilitats en el control de duració de l'energètic aconseguint la representació de processos cognitius interns. Veurem com aconseguir representacions en les quals durades formals i energètiques cohabiten, això és, integrar percepcions externes i internes. Per arribar a aquest punt integrador han estat necessàries formacions separades i especialitzades en cada disciplina; concretament el curs de doctorat Components expressiu formals i espai-temporals en l'animació en la Facultat de BB.AA. de València i el Màster oficial Dansa i Arts del Moviment en la Facultat de Ciències de l'Esport de Múrcia. Practicar animació o dansa no són la mateixa ocupació, diferenciar-les sense deixar de detectar i propiciar llocs de contacte és la tasca descrita al llarg d'aquestes pàgines. Aquests llocs d'aproximació queden fixats amb el disseny de pràctiques docents per mitjà de tallers i cursos, com per exemple l'I curs d'especialització en postproducció de vídeo: VJ vídeo jockey i videoclip sota el programa de l'Escola de postgrau de la Universitat de Màlaga que vaig impartir el 2014 en la Facultat de Belles arts de la mateixa ciutat. Aquest curs s'inicia amb l'àlies de 'entrenament expandit' termes que formaven part del títol d'aquesta tesi en el seu període inicial. Aquesta combinació de conceptes s'abandona coincidint amb la volta a la formació en dansa contemporània a través dels tallers intensius organitzats per la Bona Aventura en el Conservatori de Dansa també de Màlaga. L'atenció es dirigeix ara cap al cos i les seues representacions internes enfront de les representacions digitals propostes pel terme 'expandit'. És en aquest moment quan sorgeix la proposta de l'actual títol 'Representació reversible. Animació i dansa: Col·laboracions audiovisuals i transferències docents' en el qual no existeix una èmfasi pel digital però si acord. En aquestes experiències podem observar com la 'expressió corporal' filtrada a través de l'expressió gràfica i viceversa, en un primer moment, troben en la càmera de vídeo i en la taula d'edició la seua superfície de contacte, posteriorment, en un procés de dissolució de la superfície de contacte passa a ser el paper i el dibuix. / Mesa García, S. (2016). Representación reversible. Animación y danza: producciones audiovisuales y transferencias docentes [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62828 / TESIS

[ES] La representación de un proyecto arquitectónico tiene diferentes finalidades, una de las más relevantes es su visualización. El tema de esta tesis es la relación entre el diseñador, su actividad cerebral durante la fase creativa, el proyecto representado y la mente del observador. La pregunta, planteada por arquitectos, diseñadores y académicos en los años ochenta y aún abierta a soluciones estimulantes, es una pregunta bien conocida sobre si la creciente digitalización puede ser perjudicial o beneficiosa para esta relación. Después de un análisis de la imagen en la arquitectura a partir del Renacimiento, informado en la Parte 1, se revisan y discuten las técnicas actuales de representación. La primera pregunta, abordada en la Parte 2, fue si la simulación de la realidad con renderizado de calidad fotográfica garantiza una visualización mejor o peor que una imagen tradicionalmente dibujada a mano. Se elaboró un cuestionario para verificar las características de comunicación y representación de las imágenes producidas con las dos técnicas. Los resultados mostraron que estas dos cualidades estaban más presentes en el caso del dibujo a mano alzada que en los renders fotorrealistas. La Parte 3 se centró en el diseñador y utilizó las herramientas proporcionadas por la neurociencia, a saber, el EEG y las 'respuestas evocadas', para cuantificar la actividad cerebral de alguien que hace un dibujo a mano alzada con respecto a CAD. Dado que la tecnología utilizada nunca antes se había aplicado a un sujeto al realizar un diseño, la investigación se dividió en tres experimentos separados. El primero se dedicó a encontrar una forma confiable de realizar registros durante el movimiento del miembro superior en la ejecución del dibujo; los experimentos segundo y tercero tenían como objetivo el análisis específico de la actividad cerebral que precede y sigue a los movimientos individuales de los signos trazados. Los resultados mostraron que la actividad motora relacionada con el dibujo a mano alzada estuvo acompañada por un aumento en la amplitud de las respuestas electroencefalográficas en comparación con el dibujo con CAD. Este dato es probablemente un importante paso adelante a favor de la hipótesis de que la creatividad también puede mejorarse mediante el movimiento en el dibujo a mano alzada. La conclusión es que las imágenes así dibujadas crean una mejor correspondencia entre el autor y el observador, y que el movimiento y la percepción sensorial de la mano pueden fomentar la creatividad. Recientemente, los avances en la técnica de las tabletas de dibujo han proporcionado una nueva técnica para el dibujo a mano alzada, donde se combina la capacidad de gestión de datos del ordenador con los gestos naturales tradicionalmente ligados al uso del papel y el lápiz. de la tecnología moderna puede fusionar el factor humano junto con las nuevas tecnologías digitales. / [CA] La representació d'un projecte arquitectònic té diferents finalitats, una de les més rellevants és la seva visualització. El tema d'aquesta tesi és la relació entre el dissenyador, la seva activitat cerebral durant la fase creativa, el projecte representat i la ment de l'observador. La pregunta, plantejada per arquitectes, dissenyadors i estudiosos als anys vuitanta i encara oberta a solucions estimulants, és una qüestió ben coneguda si augmentar la digitalització pot ser perjudicial o beneficiós per a aquesta relació. Després d'una anàlisi de la imatge en arquitectura a partir del període renaixentista, informada a la part 1, es revisen i discuteixen les tècniques de representació actuals. La primera pregunta, abordada a la part 2, va ser si la simulació de la realitat amb renderització de qualitat fotogràfica garanteix una visualització millor o pitjor que una imatge tradicionalment dibuixada a mà. Es va elaborar un qüestionari per comprovar les característiques de comunicació i representació de les imatges produïdes amb les dues tècniques. Els resultats van mostrar que aquestes dues qualitats estaven més presents en el cas del dibuix a mà alçada que en els renders fotorealistes. La part 3 es va centrar en el dissenyador i va utilitzar les eines proporcionades per la neurociència, és a dir, l'EEG i les 'respostes evocades', per quantificar l'activitat cerebral d'algú que realitza un dibuix a mà alçada respecte al CAD. Com que la tecnologia utilitzada mai abans s'havia aplicat a un tema mentre es feia un disseny, la investigació es va dividir en tres experiments separats. El primer es va dedicar a trobar una manera fiable de fer enregistraments durant el moviment de l'extremitat superior en l'execució del dibuix; el segon i el tercer experiment estaven dirigits a l'anàlisi específica de l'activitat cerebral que precedeix i segueix els moviments individuals dels signes traçats. Els resultats van mostrar que l'activitat motora relacionada amb el dibuix a mà alçada va anar acompanyada d'un augment de l'amplitud de les respostes electroencefalogràfiques en comparació amb el dibuix amb CAD. Aquesta dada és probablement un pas endavant significatiu a favor de la hipòtesi que la creativitat també es pot millorar amb el moviment en el dibuix a mà alçada. La conclusió és que les imatges dibuixades d'aquesta manera creen una millor correspondència entre autor i observador, i que el moviment i la percepció sensorial de la mà poden fomentar la creativitat. Recentment, els avenços en la tècnica de dibuix a tauletes han aportat una nova tècnica de dibuix a mà alçada, on la capacitat de gestió de dades de l'ordinador es combina amb els gestos naturals tradicionalment vinculats a l'ús del paper i el llapis. de la tecnologia moderna pot fusionar el factor humà amb les noves tecnologies digitals. / [EN] The representation of an architectural project aims at several intents, one of the most relevant being the visualisation of a design. The subject of this dissertation is therefore the relationship between the draftsman, the creativity of his brain, the represented design, and the mind of the observer. Since the Eighties, architects, designers and scholars wondered whether the current habit of an ever increasing digitalisation could be detrimental or advantageous to such relationship. After an analysis of architectural imaging since the Renaissance, as reported in Part 1, the current techniques are reviewed and discussed. The first question, addressed in Part 2, has been whether the simulation of reality with renders of photographic quality, would relate to the observer better or worse than a traditionally hand drawn image. A questionnaire has been constructed to probe the communication and representation qualities of the images. The results suggested that these two qualities were best represented in the case of freehand drawing compared to photorealistic renders. Part 3 was focused on the designer and used the instruments provided by neuroscience, i.e. the EEG and 'evoked responses', to quantify the brain activity in connection with freehand and CAD drawing. Because the involved technology had never been applied before to a drawing subject, the investigation had to be divided into three separate experiments. The first one was dedicated to finding a reliable way to perform the recordings in subjects who freely moved their arm and hand while drawing. The second and third experiments were aimed at analysing the cerebral activity occurring before and after each drawing movement. All results demonstrated that a larger cerebral activity preceded and followed each movement in freehand drawing compared to CAD design. This finding may be considered a robust step towards the notion that also creativity may consequently be improved. The final conclusion is that the freehand drawn images make a better link between author and observer, and at the same time the very movement and haptic perception of the hand elicit creativity. Indeed, the most recent advances in technology of drawing tablets have provided a new medium for freehand drawing, which can exploit the capacity of data handling of computers with the natural movement of using pencil and paper, ending up in a traditional hand made product. A wise usage of modern technology can therefore merge the human factor with the digital world. / Leandri, G. (2022). Freehand Digital Drawing: a Boost to Creative Design. The Observer's Eye and the Draftsman Brain [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/188091 / TESIS

La presente tesis busca, a partir de un análisis fenomenológico de la primera infancia, explicar la génesis del individuo humano en el pensamiento de Merleau-Ponty. Sostenemos que el individuo se origina a partir de la organización de los movimientos que realiza su cuerpo, oscilando entre el anonimato brindado por el mundo natural y el anonimato del mundo cultural, sin los cuales no podría existir. Analizaremos cómo se va instituyendo esta “oscilación” del cuerpo en el recién nacido y le va dando un estilo particular de relacionarse con el mundo, pero que solo puede darse si entendemos la génesis de la individualidad como una relación intersubjetiva. Para ello, hemos dividido la tesis en tres capítulos. En el primero describimos cómo Merleau-Ponty sitúa al cuerpo como ser al mundo proponiendo, a través de los movimientos que son estimulados por la madre, que el niño vaya adquiriendo su propia manera de relacionarse con las cosas y consigo mismo. En el segundo capítulo analizamos la adquisición del lenguaje a través de los movimientos propiciados por el cuerpo del niño en el proceso de separación madre-hijo, y que van creando gestos y palabras de diferentes grados de complejidad. En el tercer capítulo, analizamos la dialéctica entre lo sedimentado y lo instituyente, dentro del contexto de la reflexión del fenomenólogo sobre la historicidad y su vinculación con la naturaleza en la que retoma ideas planteadas por el materialismo histórico. Estos tres capítulos han sido planteados como ejes (cuerpo, expresión, historicidad) de una reflexión sobre la génesis del individuo descrita en la etapa infantil y puesta bajo la noción de Fundierung / Tesis

Objetivo general • Definir y explicar los fenómenos de Narrativa cross-media a escala global, en especial, aquellos relacionados con la industria japonesa del entretenimiento y sus principales productos: manga, anime y videojuegos. La relación entre estos productos y su expansión mediática en forma de media-mixes será estudiada a través de diferentes herramientas teóricas y su aplicación a casos específicos de la industria cultural japonesa. METODOLOGÍA • Revisión histórica de los principales autores e investigadores sobre Narrativa, Transmedia Storytelling, Manga, Anime y cultura japonesa desde diferentes perspectivas teóricas (Teoría literaria y de géneros, sociología política, historia del arte, film studies, etc.). • Caso de estudio con aplicación del marco teórico desarrollado RESULTADOS / CONCLUSIONES Para el análisis del macro-relato de Full Metal Alchemist (Square Enix, 2001-2011) se ha desarrollado una metodología fundamentada en varios ejes de análisis. • En la primera de ellas se ha caracterizado la NC de la franquicia como una arquitectura reticular centralizada que sigue la tradición de otras franquicias del manganime japonés. Se analizan así mismo otras características de la intertextualidad del macro-relato, en función de su relación con los géneros shōnen y CF. • Seguidamente, se ha utilizado el concepto de Estructura Profunda para definir qué elementos son imprescindibles en la construcción de mundos narrativos. En ese sentido se ha adoptado una visión desestructurada –ecléctica si se prefiere- de la narrativa. La narrativa es por tanto no una cualidad monolítica sino un prototipo por cuya aproximación definimos diferentes actos como poseedores o no, de cierto grado de narratividad. • Una vez definidas aquellas cualidades que consideramos esenciales de la narrativa, según los diferentes marcos teóricos y adaptados al contexto de las franquicias cross-media japonesas, hemos incorporado a nuestro análisis otras herramientas narratológicas con el propósito de relacionar el producto narrativo con una estructura superior de comunicación. / OBJECTIVES To define and explain the phenomena of Cross-Media Narrative on a global scale, particularly those related to the Japanese entertainment industry and its main products: manga, anime and videogames. The relationship between these products and their diffusion through media in the form of media-mixes will be studied by means of different theoretical tools and their application to specific cases in the Japanese cultural industry. METHODOLOGY • Historical review of main studies about Transmedia Storytelling, Manga, Anime and Japanese Culture from different perspectives (Literature and genre Theories, political sociology, Art and Film Studies, etc.). • Case of study as an implementation of a theoretical framework MAIN RESULTS For the analysis of the macro-tale of Full Metal Alchemist Franchise (Square Enix, 2001-2011) a methodology has been developed founded on some central areas of analysis. • In the first of these the Cross-Media Narrative of the franchise has been characterized as a reticular centered architecture that follows the traditions of other franchises of Japanese manganime. In this way other characteristics of intertextuality of the macro-tale are analyzed, based on their relationship with shōnen and SF genres. • Next, the concept of “Deep Structures” has been used to define the elements as indispensable in the construction of “storyworlds”. In this sense, an unstructured vision has been adopted –eclectic if preferable– of the narrative. The narrative is not, therefore, a monolithic quality but a prototype for whose approximation we define different acts as possessor or no, of a certain “degree of narrativity”. • Once these qualities that we consider essential of narrative are defined, following the different theoretical frameworks and adapted to the context of the Japanese cross-media franchise, we have incorporated in our analysis other narrative tools with the purpose of relating the narrative product with a higher communication structure

La investigación se realiza dentro de los campos, estrechamente relacionados, de la historia de las disciplinas escolares y de los libros de texto. Por lo que respecta a la manualística escolar, esta tesis se inserta en los trabajos llevados a cabo en el Centro de Investigación MANES, con sede en el Departamento de Historia de la Educación y Educación Comparada de la Universidad Nacional de Educación a Distancia. El Centro de Investigación MANES, “tiene como objetivo principal la investigación de los manuales escolares producidos en España, Portugal y América Latina durante el período 1808-1990”. El cumplimiento de dicho objetivo implica la realización de varias tareas: • Elaborar un censo lo más completo posible de los libros de texto publicados en el periodo indicado. • Recoger y analizar toda la legislación producida acerca de los libros escolares. • Reconstruir la historia de las principales editoriales escolares. • Realizar el estudio bibliométrico de la producción editorial. • Examinar las características pedagógicas, políticas e ideológicas de dichos manuales, de acuerdo con diversos cortes temáticos y cronológicos. En relación con los objetivos o tareas mencionadas del proyecto MANES, esta tesis pretende constituir una aportación en el campo de la enseñanza del Dibujo en la Segunda Enseñanza, Bachillerato o Enseñanza Media desde 1936 hasta 1990 por lo que respecta a la confección de un censo y catalogación de los libros de texto de dicha disciplina ―con tal fin, se incluirá una ficha de catalogación de todos los manuales analizados en la base de datos correspondiente, y aquellos más significativos se escanearan en su totalidad con el fin de que estén disponibles para su consulta―, la recopilación y estudio de la legislación sobre los contenidos de la materia y la metodología a seguir en su enseñanza, y el examen de las características materiales de los libros mencionados. En estrecha conexión con el campo de la manualística escolar, esta tesis se inserta asimismo en el de la historia de las disciplinas escolares. La materia en este caso estudiada ha recibido en los planes de estudio de la educación secundaria distintas denominaciones. La más usual ―planes de 1821, 1847, 1850, 1858, 1873, 1894, 1895, 1898, 1899, 1900, 1901, 1903, 1931, 1932, 1934, 1953, 1957, 1967, 1975, 1976 y 1988― ha sido simplemente la de Dibujo, y esta es la que vamos a utilizar en este trabajo. Otras denominaciones utilizadas, como las de Principios de Dibujo (1826), Dibujo natural y lineal (1836), Geometría aplicada al dibujo lineal (Arreglo de 1836), Dibujo natural (Arreglo de 1836), Dibujo lineal (1845), Dibujo de figura (1845), Dibujo lineal, de adorno y de figura (1880), Dibujo y modelado (1938), Dibujo artístico (1991), Dibujo técnico (1991), Volumen (1991), Fundamentos del diseño y técnicas de expresión gráfico-plástica (1991) o Educación plástica y visual (1990), nos indican la existencia en su seno de dos campos relacionados pero con una relativa autonomía: el del dibujo llamado natural o artístico y el lineal o técnico. Asimismo, reflejan la tendencia reciente a aproximarla o conectarla con actividades en auge como el diseño o las nuevas técnicas gráfico-plásticas. En síntesis, esta tesis supone una aportación al conocimiento de aquella parte del código disciplinar de la materia de Dibujo durante el período indicado (1936-1990), relativa a su posición y presencia en los planes de estudio de la Segunda Enseñanza, Bachillerato o Enseñanza Media de 1934, 1936, 1938, 1953, 1957, 1967 y 1975, a la determinación de sus contenidos a través de los libros de texto y de los materiales o textos de apoyo ―un aspecto clave en la enseñanza del Dibujo―, y a la formación y selección del profesorado responsable de impartirla. / The current research has been carried out taking into account two closely related areas of knowledge, which are the history of school subjects and the text book production. With regard to school mannuals, this thesis follows the traditional research carried out in the MANES Research Center, set in the Faculty of History of Educationand Comparative Education at the Spanish Open University. MANES Research Center has the aim of investigating school books published in Spain, Portugal and Latin America from 1808 to 1990. The achievement of this objetive involves performing several tasks: -To state a full and complete census of published school books at that time -To collect and analyze legislation concerning school books during that period -To revise the history of the main school publishers -To perform biblimetric study of publishing -To examine the educational, political and ideological features of those mannuals , according to several thematic and chronological sections. With regard to the aims and tasks mentioned of MANES research, this thesis is aimed as a contribution to the study of Drawing Teaching History in Secondary Education in High Schools from 1936 to 1990 focusing in the creation of a census and clasifying school books on that discipline- in order to perform this, a full dated list of every manual will be included in the database and the most relevant of them will be scanned so as to make them available for being looked up-also compiling and studying legislation on the contents of the discipline as well as the apropriate pedagogical methodology and finally checking the material aspects of the books listed. In close connection with the field of manualistic school, this thesis also deals with with the history of school disciplines.The subject has been named in different ways in the second education curricula along the different periods.The most common- according to the educationl policies in 1821, 1847, 1850, 1858, 1873, 1894, 1895,1898, 1899, 1900, 1901, 1903, 1931, 1932, 1934, 1953, 1957, 1967, 1975, 1976 and 1988 has been simply Drawing and this the one to be used in the current research. There are also other other names such as Principles of Drawing (1826), Natural and Line Drawing (1836), Applied Geometry to line drawing (1836 agreement), Natural Drawing (1836 agreement), Line Drawing (1845), Figure Drawing (1845), Line Drawing, Ornaments and figures (1880), Drawing and Modeling (1938), Figure Drawing (1991), Technical Drawing (1991), Volume (1991), Fundamental of graphic design and technical artistic expression (1991) or Visual Arts Education (1990), show the inherited existence of two related fields but with a relative autonomy: the so- called natural or artistic drawing and linear or technical. They also show the current trend to booming activities such as design or the new graphic art techniques. In short, this thesis should be a contribution to the knowledge of that part of the disciplinary code of the subject of drawing during the stated period (1936-1990) concerning its position and presence in the Secondary Education Curricula during 1934, 1936, 1938, 1953, 1957, 1967, and 1975, the determination of contents through school books and supplies for the subject- a key aspect in teaching and training a selection of teachers to be in charge of teaching the issue.