Mediante esta investigación se demuestra el nexo de unión entre la música culta y el jazz dentro del repertorio clásico de saxofón más representativo del siglo XX y se pone de manifiesto una metodología en la cual se pueden vincular ambos mundos sin ningún prejuicio. Para conseguir cada uno de los objetivos planteados, se ha efectuado un desarrollo metodológico dividido en dos partes: una analítica-comparativa y otra de aplicación docente (experimentación en el aula y creación). La parte analítica-comparativa es la parte principal y está organizada en dos capítulos trazando una síntesis de las décadas que han ido aconteciendo durante el siglo XX. El primer capítulo (repertorio tradicional), abarca obras desde comienzo del siglo XX hasta 1950, y el segundo (repertorio de vanguardia) desde 1950 hasta la actualidad. Los apartados y subapartados que constituyen ambos capítulos, se concretan mediante numerosos ejemplos musicales de obras maestras del repertorio de saxofón exponiendo la transición y evolución que ha experimentado gran parte de este repertorio con estas características. El análisis efectuado, muestra una visión general de las diferentes épocas que han ido surgiendo, tratando, entre otros aspectos, todos los elementos determinantes de las diversas corrientes aparecidas a lo largo de este periodo. Asimismo, cada capítulo versa sobre un tema distinto, donde se relacionan y comparan los elementos principales de las obras más representativas con el mundo del jazz. La segunda parte, aplicaciones docentes, constituye un aporte experimental práctico de índole creativo que consiste en la realización de diversos ejercicios incorporando de forma progresiva la práctica de la improvisación y creación dentro de un contexto educativo. Este capítulo, principalmente se fundamenta en la composición de piezas, ejemplos jazzísticos, e incorporación de conceptos y recursos para la improvisación y creación, aplicando algunas de las conclusiones más im / Pérez Ruiz, A. (2009). Influencia del Jazz dentro del repertorio clásico de Saxofón más representativo del siglo XX [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4337

El diseño en una empresa es una actividad suscitada a partir de la toma de decisiones estratégicas. La estratégia es, en efecto, una secuencia de elecciones finalizada en un objetivo orientado por un argumento impredecible, el cual, a su vez, está determinado por el entorno que rodea a la empresa y que es en el que se mueve el proyecto de diseño. El entorno influye y determina la línea argumental para el planteamiento de partida de cualquier proyecto de diseño de una empresa. Toda estrategia de diseño puede partir de la decisión de lanzamiento de un producto nuevo, con un objetivo claro: Competir ventajosamente, en un entorno con el que la empresa tiene que interaccionar para sobrevivir o crecer. Pero en muchas ocasiones, el contexto en el que se desenvuelve el proyecto de diseño es cambiante, incierto y a veces imprevisible, como lo es el entorno que lo envuelve. Parte de la incertidumbre que encierra el nuevo contexto global se debe a la transformación que ha experimentado el consumidor en las últimas décadas y su nueva óptica hacia el consumo. Efectivamente, la creciente tendencia hacia la globalización, el aumento del poder del consumidor y la evolución continuada de la TIC, constituyen una serie de factores que suponen un aumento de incertidumbre, con más agentes actuando cómo competidores y operando en un campo cada vez más global y abierto. El desafío clave es construir un entendimiento sobre el entorno emergente y a partir de la identificación de sus variables, iniciar una mirada diferente hacia el futuro con la que orientar el proceso de conceptualización creativa de productos innovadores. Dicho proceso se plantea como la cuestión principal sobre la cual se articula la estrategia de la empresa. Una cuestión vital que en estos momentos toda empresa industrial debe plantearse y resolver a través de uso de nuevos métodos de análisis y síntesis de la información, actualizadas y adecuadas a la naturaleza global y cambiente de nuestro actual marco competitivo. / Colomer Ramos, J. (2012). APLICACIÓN DEL MÉTODO DE ESCENARIOS PARA LA CONCEPTUALIZACIÓN CREATIVA DE PRODUCTOS INNOVADORES EN EL SECTOR ESPAÑOL DE BALDOSAS CERÁMICAS [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/14722

El objetivo principal de este trabajo es investigar acerca de las razones que generaron una estrecha vinculación plástica entre la Pintura y la Caligrafía de China en su vertiente tradicional. A partir de este objetivo se plantea la hipótesis de que dicha vincuylación es una consecuencia de los máximos Niveles de Abstracción alcanzados por ambas disciplinas, dentro de un proceso que afectaría las calidades plásticas del Trazo y del Vacío en el dibujo de las imágenes. Dichas calidades acabarían conformando el soporte plástico aglutinante de las dos artes. Para la demostración de esta hipótesis se efectúa primero un análisis detallado de todas las modalidades plásticas adoptadas por el trazo y los espacios vacíos dentro de cada disciplina, destacando asimismo las posibilidades expresivas derivads de esas variantes. Se analizan también las influencias ejercidas por el Budismo T'Chan y por el Taoísmo en la elaboración de las imágenes pictóricas y caligráficas. Se reconocen asimismo las variadas técnicas del pincel en la Pintura y los distintos estilos de escrituras en la Caligrafía, con sus peculiares manejos del Trazo y del Vacío. Este análisis nos permite establecer los diferentes Niveles de Abstracción alcanzados en ambas disciplinas. Constatamos finalmente que la mayor Vinculación estética entre la Pintura y la Caligrafía se establece a partir de sus máximos Niveles de Abstracción. Dicha vinculación se hace manifiesta a través de las calidades plásticas alcanzadas por el Trazo y el Vacío, las que acaban así conformando el sustrato esencial de la imagen en las dos artes. Todo ello merced a la concurrencia de tres factores esenciales: la afinidad plástica básica, la afinidad plástica compositiva y la afinidad plástica suprema. / Tegaldo Muñoz, O. (2013). EL TRAZO CHINO Y EL VACÍO QUE LO ANIMA. El dibujo como soporte aglutinante de la caligrafía y la pintura china tradicional [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/28936

La presente investigación está dedicada al estudio monográfico de la actividad del artista multidisciplinar Paul Guilherme D'Eça Leal (1932-2010), una personalidad polifacética que realizó una obra enorme, diversa y que constituye un importante legado para patrimonio artístico-cultural de los portugueses. El trabajo de campo, con la recopilación, inventario y estudio de los trabajos que constituyen el conjunto de su obra, permite dar a conocer su personalidad y evaluar sus aportaciones desde las influencias, experiencias, tendencias, métodos y limitaciones, así como analizar críticamente los aspectos más relevantes de su producción en las diferentes áreas artísticas a las que este versátil autor se dedicó durante seis décadas. Este estudio pone en valor la obra de este artista en el contexto del panorama artístico portugués del siglo XX, y la proyecta al XXI revelando informaciones inéditas de un autor cuyo trabajo no es lo suficientemente reconocido, ya que una parte significativa del mismo, nunca fue adecuadamente difundida. De este modo, tratamos de contribuir a la difusión de su obra, recopilándola y analizando su cuerpo principal, y defendiendo su consecuente preservación. Una parte importante de la investigación observa y analiza la interdisciplinariedad y transversalidad de los trabajos de Paul Guilherme D'Eça Leal, promoviendo la comprensión e interés de su producción en el contexto del panorama artístico de su época, evaluando su contribución y aportación a la cultura visual portuguesa del siglo XX. Examinar y advertir los aspectos claves de los proyectos y trabajos de este artista que se convirtieron en factores determinantes en la evolución de la imaginería moderna portuguesa, así como detectar los momentos y las obras principales donde se operaron sus cambios de estilo y sus procesos evolutivos. / Pereira Bastardo-Pinto, RS. (2013). Paulo Guilherme D'Eça Leal: reflejos en la cultura visual portuguesa [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/29535

Roberto Sebastian Matta Echaurren, artista chileno surrealista, se conoce principalmente por su trabajo pictórico. Hoy, con la presente tesis se desea mostrar, explorar, investigar y deducir cómo este artista plástico principalmente pictórico, encuentra en el grabado un camino paralelo en el desarrollo de su obra, un camino bastante desconocido hasta este momento. La tesis que se presenta parte desde los inicios de su vida y relata el transcurso en ella. Ya que todos estos factores históricos y personales son los que nos ayudarán a conocer y comprender quién es Roberto Sebastian Matta Echaurren, un artista que nunca se consideró chileno, un artista universal y un pintor al que nunca se le consideró grabador, a pesar de la cantidad y calidad de su obra gráfica. Estas últimas ideas se expresan y se exponen en profundidad posteriormente dentro de la presente tesis. Luego, la investigación presenta una explicación del por qué es el título "Visiones e influencias de un grabador desconocido" para así poder vislumbrar cómo Matta entiende y vive el arte. Y lo más relevante cómo Matta descubre el grabado, dónde, cómo, cuándo, y por qué desea expresarse en esta área artística. Y se enuncia algo muy relevante que son los reconocidos ¿atelieres¿ de grabado en los que Matta eligió trabajar. Posteriormente se indican los dos atelieres más significativos donde trabajó Matta que son: Atelier George Visat - Albert Dupont y Atelier Fernand Mourlot ¿ Frank Bordas, haciendo un énfasis en la relación de Roberto Matta y Frank Bordas ya que es a partir de esta relación y los datos que nos entregaron las fuentes directas que podremos entender y comprender cómo Matta ve el grabado. Todo lo descrito son las bases que nos guiarán a un segmento esencial de esta tesis que es el capítulo titulado ¿Pintura y Grabado". Dentro de este capítulo veremos la pintura de Matta, su obra finalizada y su proceso dentro de ella. Con el resultado de toda esta información, hacemos un paralelo pictórico y gráfico, siendo lo fundamental establecer y esclarecer si existe o no una relación entre la pintura y el grabado de Roberto Matta. La catalogación de los grabados es el núcleo de la presente tesis, siendo el primer catálogo técnico de la obra de Matta, a pesar de que esta tesis se comenzó hace mas de 5 años, aún no existe un catálogo técnico y razonado completo de su obra. Hoy se presenta un catálogo más completo que los existentes aunque no se posee aún la totalidad de su obra. Posteriormente a la catalogación de sus grabados se presenta un análisis y comentarios para comprender la obra gráfica de este artista, en ella se eligen por grado de relevancia, a nivel histórico, personal o plástico seis obras gráficas, que son: The New School, Hom¿mere, El verbo hommerica, El gran Burundi-burunda ha muerto, Don Q y Ubu Roi. Para finalizar se ha considerado interesante presentar una cronología de la vida y obra de Roberto Matta que estarán unidas a los hechos históricos chilenos y mundiales para darnos un contexto político y social importante que se ve reflejado en las obras plásticas del artista. Deseo mencionar que las ¿Visiones e influencias de un grabador desconocido¿ no es una investigación completa ni acabada, ya que, la finalización de este trabajo fue truncado por una integrante relevante de la familia del artista, no obstante se logra presentar casi un 80% de su trabajo gráfico. Siendo esta tesis el destape hacia esa parte que el artista escondía y protegía como un secreto y de la cual actualmente solo conocemos fragmentos para su comercialización. Posteriormente a la primera revision de la presente tesis por los investigadores externos, se han realizado ciertos cambios, uno es sobre la presentacion del grafico familiar y de la presentacion de las fichas, todos los cambios son a nivel grafico de la presente tesis. Finalmente aquí esta!, se la presento hoy ¿Visiones e influencias para un grabador desconocido¿ un trabajo contra el miedo, contra el olvido, contra el secreto. / Moreno Campos, AG. (2014). Roberto Matta: Visiones e influencias de un grabador desconocido [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/36739

El tema de esta investigación se centra en la iconografía visual que representa un producto natural y universal como el Vino de Oporto. La contextualización geográfica, histórica, socio-económica, tecnológica y estética fundamenta la proyección universal de este producto portugués, único en el mundo. Nuestro propósito ha sido investigar desde el punto de vista del diseño centrando el enfoque en el consumidor de este vino, reconociendo la importancia y notoriedad de este producto en la economía y la cultura portuguesas. Por un lado, hemos puesto en práctica una innovadora metodología analítica de documentos gráficos (las marcas o las identidades visuales y las etiquetas), basada en premisas estilísticas como el color, la composición y la tipografía; materializando los resultados de este análisis en el mapeo de la identidad visual y gráfica de la tipología de Vino de Oporto, de un modo holístico. Con este fin, se seleccionó la compañía Wiese & Krohn (1865–2010) porque cumplía con el requisito fundamental para las intenciones de esta investigación: disponer de un archivo documental que incorpora, correspondencia administrativa, registros de marcas, etiquetas, modelos y otros materiales gráficos en buen estado y disponibles, para que, después de su catalogación y organización, se aplicara la metodología de análisis diseñada. Con el fin de corroborar los resultados obtenidos, se extendió este análisis a marcas o empresas pertenecientes al sector del Vino de Oporto y sus identidades visuales y etiquetas. De este modo, se pretende contribuir a la construcción de un enfoque profundo, transformador y sin precedentes de las fuentes de conocimiento, basado en documentos, en su mayoría, de carácter efímero, que constituyen este tipo de soportes gráficos, así como el mayor propósito de reconocimiento científico de la importancia del diseño y los diseñadores en la construcción de la memoria y la cultura visual de este producto único portugués, y también global. / Pinho Machado Lobo, HSD. (2014). Identidade Visual e Tipologia Gráfica do Vinho do Porto: Wiese & Krohn (1865-2010) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/48475

Este trabajo investigativo analiza la documentación relacionada con la historia de las universidades destacando la razón de la existencia de objetos, especímenes e instrumentos en los métodos de enseñanza y de investigación. Se divide en dos partes, primeramente se presentan las problemáticas que han llevado a muchas colecciones a un estado de abandono y las propuestas que se han generado para mitigar la situación. En segundo lugar se realiza un estudio sobre el caso particular del Museo de Farmacia y Plantas Medicinales de la Universidad de Puerto Rico. Se desarrolla un diagnóstico de toda su estructura, pasando a la implantación de estrategias museológicas vigentes para medir su efectividad en el entorno universitario. Lo que comprueba que el plan museológico establecido se mantuvo por décadas al margen de la misión institucional, provocando incomprensión y falta de interés de su comunidad universitaria. Para corregirlo se utilizan estrategias inclusivas reconociendo al museo como una herramienta curricular para fomentar la participación activa de estudiantes, profesores y empleados. Se concluye que el museo universitario debe reconocerse como un componente instrumental donde la enseñanza, la investigación y el compromiso social sean prioritarios para generar experiencias significativas a través de su patrimonio y así justificar su sitial dentro de la institución universitaria. / Coll Martínez, N. (2015). EL MUSEO UNIVERSITARIO: UN MODELO PARTICIPATIVO PARA LA INTEGRACIÓN DE LA COMUNIDAD UNIVERSITARIA [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/48530

[EN] Throughout the recent history of Spanish Industrial Design, exhibitions it has been a reflection of society, economy, industry and consumption habits, but also the evolution of the discipline itself, which has been documented in catalogs and press reviews that now allow us to know the projects of hundreds of designers and companies. In this sense, an objective of this thesis was to perform the first chronological study that gathers and analyzes the most important exhibitions in its historical, political, social and techno-logical context to understand the reasons why they occurred. Moreover, for professional curating and organizing exhibitions of Industrial Design exercise, we have a doctrinal vacuum, almost complete. This situation defines the second aim of the thesis: to provide a range of knowledge and personal experiences to develop a methodology that can be applied in management, and communication curated an exhibition. But also the curators, as designers, need to look to the future, so act as seismographs that detect the most subtle changes that occur in society, and for this they need tools that reduce the high degree of uncertainty. The third aim of the thesis has been to use a scientific methodology to define a number of trends and possible scenarios in which society and the profession will move over the next 25 years. There are many conclusions we have reached after years work, the most obvious is that exposures of Industrial Design are necessary and will continue to exist, because society needs to understand what happened, to interpret what happens at present and to imagine the future to come. They are the subject might be. The design objective is to improve the quality of life of people; the exhibitions record it and help understand the function of the design, it is what the hundreds of samples that can be seen in museums around the world, online and on new platforms that are revolutionizing the exhibition concept. / [ES] A lo largo de la reciente historia del Diseño Industrial Español, las exposiciones han sido un reflejo de la sociedad, de su economía, industria y hábitos de consumo, pero también de la evolución de la propia disciplina, que ha quedado documentada en catálogos y reseñas de prensa que ahora nos permiten conocer los proyectos de cientos de diseñadores y empresas. En este sentido, un objetivo de esta tesis doctoral ha sido realizar el primer estudio cronológico que reúne y analiza las exposiciones más importantes en su contexto histórico, político, social y tecnológico, para entender las razones por las que se produjeron. Por otra parte, para el ejercicio profesional del comisariado y organización de exposiciones de Diseño Industrial, nos encontramos con un vacío doctrinal, prácticamente total. Esta situación define el segundo objetivo de la tesis: aportar una serie de conocimientos y experiencias personales para desarrollar una metodología que se pueda aplicar en la gestión, comisariado y comunicación de una exposición. Pero además los comisarios -como los diseñadores- necesitan mirar al futuro, por eso actúan como sismógrafos que detectan los más sutiles cambios que se producen en la sociedad, y para ello necesitan herramientas que reduzcan el alto grado de incertidumbre. El tercer objetivo de la tesis ha sido utilizar una metodología científica para definir una serie de tendencias y posibles escenarios en los que se moverá la sociedad y la profesión durante los próximos 25 años. Son muchas las conclusiones a las que hemos llegado tras estos años de trabajo, la más evidente es que las exposiciones de Diseño Industrial son necesarias y van a seguir existiendo, porque la sociedad las necesita para entender lo que ha pasado, para interpretar lo que sucede en la actualidad y para imaginarse el futuro que vendrá. Sean del tema que sean. La finalidad del diseño es mejorar la calidad de vida de las personas; la de las exposiciones dejar constancia de ello y ayudar a comprender la función del diseño, es lo que hacen cientos de muestras que pueden verse en museos de todo el mundo, on line y en nuevas plataformas que están revolucionando el concepto expositivo. / [CA] Al llarg de la recent història del Disseny Industrial Espanyol, les exposicions han sigut un reflex de la societat, de la seua economia, indústria i hàbits de consum, però també de l'evolució de la pròpia disciplina, que ha quedat documentada en catàlegs i ressenyes de premsa que ara ens permeten conéixer els projectes de centenars de dissenyadors i empreses. En este sentit, un objectiu d'esta tesi doctoral ha sigut realitzar el primer estudi cronològic que reunix i analitza les exposicions més importants en el seu context històric, polític, social i tecnològic, per a entendre les raons per les quals es van produir. D'altra banda, per a l'exercici professional del comissariat i organi-tzació d'exposicions de Disseny Industrial, ens trobem amb un buit doctrinal, pràcticament total. Esta situació definix el segon objectiu de la tesi: aportar una sèrie de coneixements i experiències personals per a desenrotllar una metodologia que es puga aplicar en la gestió, comissariat i comunicació d'una exposició. Però a més, els comissaris -com els dissenyadors- necessiten mirar al futur, per això actuen com a sismògrafs que detecten els més subtils can-vis que es produïxen en la societat, i per a això necessiten ferramentes que reduïsquen l'alt grau d'incertesa. El tercer objectiu de la tesi ha sigut utilitzar una metodologia científica per a definir una sèrie de tendències i possibles escenaris en què es mourà la societat i la professió durant els pròxims 25 anys. Són moltes les conclusions a què hem arribat després d'estos anys de treball, la més evident és que les exposicions de Disseny Industrial són necessàries i continuaran existint, perquè la societat les necessita per a entendre el que ha passat, per a interpretar el que succeïx en l'actualitat i per a imaginar-se el futur que vindrà. Siguen del tema que siguen. La finalitat del disseny és millorar la qualitat de vida de les perso-nes; la de les exposicions deixar constància d'això i ajudar a comprendre la funció del disseny, és el que fan els centenars de mostres que poden veure's en museus de tot el món, on line i en noves plataformes que estan revolucio-nant el concepte expositiu. / Leslabay Martinez, MJ. (2015). EXPOSICIONES DE DISEÑO INDUSTRIAL EN ESPAÑA (1960-2010). TENDENCIAS Y POSIBLES ESCENARIOS [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/58267

[EN] During most of the XXth century, while animation only told its story, classified artists and at most described their techniques, the film built one of the most brilliant intellectuals corpus of art history. With few exceptions, there was no animation theory; film theory did not included it in their case studies, relegating animation to a totally irrelevant plane. In recent years all this has changed, because it also changed the dimension of what we understand as animation. This new theory, reflects on the fact of animate expansion, since it occupies a privileged place within contemporary visual production. Today we have to resize a set of knowledge and processes that in the XXth century was mostly centered on a specific type of production, which currently involves almost all moving images produced. Obviously, this is a product of social needs, economic determinants, ideological constraints and technological possibilities: the change that the introduction of digital technologies meant at all levels. So animation resignified their role in this new audiovisual universe, using digital technology. The ways of doing animation changed and new ones emerged. In this expansion, the use of these specific knowledge of animation in the media art unveiled an exciting new landscape: a discipline always dependent on its technical artifact, which achieves to be involved in the convergence of art and technology providing specific concepts and issues. Animation, in turn, could incorporate computer cultural forms and techniques. For this and paraphrasing the concept that once inspired talking of Expanded Cinema, we propose Expanded Animation, referring to all animation that exceeds the precepts of what is commonly known as animation. This is a theoretical and practical thesis, where the latter served as generator of theoretical reflection through a creative and intellectual process that lasted the recent years. The experimental practice is used too as a case study for the construction of an argument that finally proposes a series of elements, applications and tools, from the general to suggest a new horizon in the field of animation as part the current audiovisual universe, and from the particular, to analyze the representation of movement that uses databases and fragmentary and spatial narratives. / [ES] Durante gran parte del siglo XX, mientras la animación solo contó su historia, clasificó sus artistas y a lo sumo describió sus técnicas, el cine constituía uno de los más brillantes corpus intelectuales de la historia del arte. Salvo honrosas excepciones, no hubo teoría sobre la animación, y la teoría cinematográfica no la incluyó entre sus casos de estudio, relegándola a un plano totalmente irrelevante. En los últimos años todo esto cambió, porque cambió también la dimensión de lo que entendemos por animación. Esta nueva teoría, reflexiona sobre el hecho de la expansión de lo animado, dado que ocupa un lugar privilegiado dentro de la producción audiovisual contemporánea. Hoy toca redimensionar un conjunto de saberes y procesos que durante el siglo XX se centró mayoritariamente en un tipo específico de producción y que actualmente involucra a la casi totalidad de la imagen en movimiento producida. Evidentemente, esto es producto de necesidades sociales, determinantes económicos, condicionantes ideológicos y una posibilidad tecnológica: el cambio que significó a todos los niveles la introducción de las tecnologías digitales. Así la animación resignificó su papel en este nuevo universo audiovisual, a caballo de las tecnología digitales. Las formas de hacer animación cambiaron y otras nuevas surgieron. Dentro de esa expansión, la utilización de los saberes propios de la animación en el media art desveló un interesante nuevo paisaje, el de una disciplina siempre dependiente de su artefacto técnico, que logra involucrarse en la confluencia entre arte y tecnología aportando problemáticas y conceptos específicos. A su vez la animación pudo incorporar formas culturales y técnicas propias del ordenador. Por esto y parafraseando el concepto que en su momento inspiró el de Expanded Cinema, proponemos hablar de Animación Expandida, refiriéndonos a toda aquella animación que se sale de los preceptos de lo que habitualmente se conoce como animación. Es esta una tesis teórico-práctica, donde este último elemento sirve como generador de la reflexión teórica a través de un proceso creativo e intelectual que abarca los últimos años. También la práctica experimental es utilizada como caso de estudio para la construcción de una argumentación que propone finalmente una serie de elementos, usos y herramientas que, desde lo general, pretenden sugerir un nuevo horizonte en el campo de la animación como parte del audiovisual actual, y, desde lo particular, analizar la representación del movimiento con bases de datos y narrativas fragmentarias y espaciales. / [CA] Durant gran part del segle XX, mentre l'animació sol va contar la seva història, va classificar els seus artistes i a tot estirar va descriure les seves tècniques, el cinema constituïa un dels més brillants corpus intel·lectuals de la història de l'art. Excepte excepcions, no va haver teoria sobre l'animació, i la teoria cinematogràfica no la va incloure entre els seus casos d'estudi, relegant-la a un plànol totalment irrellevant. En els últims anys tot això va canviar, perquè va canviar també la dimensió del que entenem per animació. Aquesta nova teoria, reflexiona sbre el fet de l'expansió de l'animació, atès que ocupa un lloc privilegiat dintre de la producció audiovisual contemporània. Avui toca redimensionar un conjunt de sabers i processos que durant el segle XX es va centrar majoritàriament en un tipus específic de producció i que actualment involucra a la gairebé totalitat de la imatge en moviment produïda. Evidentment, això és producte de necessitats socials, determinants econòmics, condicionaments ideològics i una possibilitat tecnològica: el canvi que va significar a tots els nivells la introducció de les tecnologies digitals. D'aquesta manera, l'animació va canviar el seu paper, en aquest nou univers audiovisual, a partir de les tecnologies digitals. Les formes de fer animació van canviar i altres noves van sorgir. Dintre d'aquesta expansió, la utilització dels sabers propis de l'animació en el media-art va desvetllar un interessant nou paisatge, el d'una disciplina sempre depenent del seu artefacte tècnic, que assoleix involucrar-se en la confluència entre art i tecnologia aportant problemàtiques i conceptes específics. Al seu torn l'animació va poder incorporar formes culturals i tècniques pròpies de l'ordinador. Per això i parafrasejant el concepte que en el seu moment va inspirar el de Expanded Cinema, proposem parlar d'Animació Expandida, referint-nos a tota aquella animació que se surt dels preceptes del que habitualment es coneix com animació. És aquesta una tesi teòric-pràctica, on aquest últim element serveix com generador de la reflexió teòrica a través d'un procés creatiu i intel·lectual que abasta els últims anys. Tambéla pràctica experimental és utilitzada com cas d'estudi per a la construcció d'una argumentació que proposa finalment una sèrie d'elements, usos i eines que, des del general, pretenen suggerir un nou horitzó en el camp de l'animació com part de l'audiovisual actual, i, des del particular, analitzar la representació del moviment amb bases de dades i narratives fragmentarias i espacials. / Dematei, MA. (2016). La animación expandida. Repesentación del movimiento en el media-art y el audiovisual contemporáneo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61437

[EN] The issue of the primacy of the visual perception of new technologies and the role of the haptic perception, through the intensification of sensory stimulation of digital culture, constitute a landmark reference in analysis and critical reflection in the field of aesthetics. A large part of the contemporary artistic discourses operates on the body, in search of new dimensions through the senses, promoting a cognitive agency out of the interstices of the rational-mediation logic. This research assumes that the digital image leaves the Cartesian tradition and demand a response in which the phenomenological technological images find their primary sense in the body. In this way, the body appears as a center of the most avant-garde arrangements of artistic objects in the video art and contemporary visual arts. Of the time-image, image-body, fluid and interactive. It is in this framework that the concepts linked to the speech has undergone a profound Visual recontextualization in contemporary art and that new approaches claim in rupture with the models of representation based on realism of the image. Thus, video art has questioned the perception of reality through sensory consciousness and is a preferred mean of exploration of the new regime of haptic Visuality, as a ultimate symbol of the apotheosis of postmodernism. Emerges from the metamorphosis of the body and of the visual objects a proposition video-body, which integrates the experiences of transgressive haptic arrangements of the new media. The video- haptic arises, in this context, as promoter of the perceptive interweaving of synesthetic intertranslations of the sensory modalities within the contemporary art. The haptic territories of the video are therefore seen as instances that establish their own construction video processing. This research focuses on the current scenario of haptic perception in contemporary art and the new fields of action on the border of the video-haptics and outlines the relocation to a haptic aesthetics in contemporary art. / [ES] La cuestión de la primacía de la percepción visual con las nuevas tecnologías y el papel de la percepción háptica mediante la intensificación de los estímulos sensoriales de la cultura digital, se constituyen como un marco referencial en análisis y reflexiones críticas en el ámbito de la estética. Gran parte de los discursos artísticos contemporáneos trabajan sobre el cuerpo, en busca de nuevas dimensiones a través de los sentidos, promoviendo una apropiación cognitiva fuera de los límites de la mediación racional-lógica. Esta investigación parte de ese presupuesto, de que la imagen digital abandona la tradición cartesiana y busca una respuesta fenomenológica en la cual las imágenes tecnológicas encuentran su sentido primario en el cuerpo. De este modo, el cuerpo se nos aparece como el centro de los logros más vanguardistas en prácticas artísticas, tanto en los discursos del videoarte como en las artes visuales contemporáneas. De la imagen-tiempo pasamos a la imagen-interfaz, una imagen-cuerpo, fluida e interactiva. Es en este marco, donde los conceptos vinculados al discurso videográfico han sufrido una profunda recontextualización en el arte contemporáneo y donde las nuevas propuestas se plantean como forma de ruptura con los modelos de representación basados en el no-realismo de la imagen. Así, el videoarte ha cuestionado la percepción de la realidad a través de la consciencia sensorial y se constituye como un medio privilegiado de exploración del nuevo régimen de visualidad háptica, como un símbolo máximo de apoteosis del pos-modernismo. Emerge de la metamorfosis del cuerpo y de los objetos virtuales una proposición de video-cuerpo que integra las experiencias transgresivas de la potencialidad háptica de los nuevos media. Lo video-háptico surge, en este contexto, como promotor del cruce perceptivo y de las inter-traducciones sinestésicas de las modalidades sensoriales en el seno del arte contemporáneo. Los territorios hápticos del video son, por tanto, vistos como instancias que se establecen en el procesamiento de la propia construcción videográfica. Esta investigación incide sobre el actual escenario de la percepción háptica en el arte contemporáneo y los nuevos campos de actuación en la frontera de lo video-háptico y anuncia la deslocalización para una estética háptica en el arte contemporáneo. / [CA] La qüestió de la primacia de la percepció visual amb les noves tecnologies i el paper de la percepció hàptica mitjançant la intensificació dels estímuls sensorials de la cultura digital, es constitueixen com un marc referencial en anàlisi i reflexions crítiques en l'àmbit de l'estètica. Gran part dels discursos artístics contemporanis treballen sobre el cos, a la recerca de noves dimensions a través dels sentits, promovent una apropiació cognitiva fos dels límits de la mediació racional-lògica. Aquesta recerca parteix d'aquest pressupost, que la imatge digital abandona la tradició cartesiana i busca una resposta fenomenològica en la qual les imatges tecnològiques troben el seu sentit primari en el cos. D'aquesta manera, el cos se'ns apareix com el centre dels assoliments més avantguardistes en pràctiques artístiques, tant en els discursos del videoart com en les arts visuals contemporànies. De la imatge-temps passem a la imatge-interfície, una imatge-cos, fluïda i interactiva. És en aquest marc, on els conceptes vinculats al discurs videogràfic han sofert una profunda recontextualització en l'art contemporani i on les noves propostes es plantegen com a forma de ruptura amb els models de representació basats en el no-realisme de la imatge. Així, el videoart ha qüestionat la percepció de la realitat a través de la consciència sensorial i es constitueix com un mitjà privilegiat d'exploració del nou règim de visualitat hàptica, com un símbol màxim d'apoteosi del postmodernisme. Emergeix de la metamorfosi del cos i dels objectes virtuals una proposició de video-cos que integra les experiències transgressives de la potencialitat hàptica dels nous mitjans. El video-hàptic sorgeix, en aquest context, com a promotor de l'encreuament perceptiu i de les inter-traduccions sinestésiques de les modalitats sensorials en el si de l'art contemporani. Els territoris hàptics del video són, per tant, vists com a instàncies que s'estableixen en el processament de la pròpia construcció videogràfica Aquesta recerca incideix sobre l'actual escenari de la percepció hàptica en l'art contemporani i els nous camps d'actuació a la frontera del video-hàptic i anuncia la deslocalització per a una estètica hàptica en l'art contemporani. / Aguês Da Cruz Silva, SD. (2016). DO PARADIGMA DO VER AO DO TOCAR. O DEVIR HÁPTICO NA CRIAÇÃO ARTÍSTICA CONTEMPORÂNEA [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61441