Submitted by Ricardo Cedraz Duque Moliterno (ricardo.moliterno@uefs.br) on 2016-01-27T00:08:14Z No. of bitstreams: 1 DISSERTA??O_GEDALVA_NERES.pdf: 5598893 bytes, checksum: 7e5f525fae2a255624284010a8ff3409 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-27T00:08:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTA??O_GEDALVA_NERES.pdf: 5598893 bytes, checksum: 7e5f525fae2a255624284010a8ff3409 (MD5) Previous issue date: 2015-09-23 / El disserta??o parte de esta suposici?n de que los dise?os de los movimientos del cuerpo implican los profesores en la ense?anza y el aprendizaje de su / wo alumnos / as. Estos movimientos son parte de las historias de vida de los maestros que se pueden observar a trav?s de dibujos corporales, lugar en el que se registran las marcas de identidad que interfieren con el aprendizaje de los / las alumnos / las ense?adas por estos maestros. Este estudio representa un proceso de investigaci?n sobre la conciencia de los dibujos de los movimientos corporales de los profesores que hacen y que no proceso de auto, la terapia. La terapia que se ha elegido es el an?lisis Bioenerg?tica aproximaci?n cuerpo. Para esto, busqu? a la investigaci?n sobre la importancia de incluir dise?os de carrocer?as en Continuar la formaci?n de docentes, inversi?n personal en el propio cuerpo y los resultados de la reflexi?n sobre sus alumnos y no alumnos. La metodolog?a de investigaci?n se enfoque metodol?gico cualitativo estaba anclado en el an?lisis e identificaci?n de los datos que se consideran no medible relacionada con el comportamiento de los maestros con respecto a los sentimientos, sensaciones y motivaciones, movimientos corporales y dibujos realizados por los profesores tambi?n se observaron entrevistado. La investigaci?n demostr? lo valioso que es estar al tanto de los procesos vividos a lo largo de la historia de la vida a trav?s de la conciencia corporal. Esta investigaci?n contribuir? a la reflexi?n sobre la educaci?n continua para los grupos de profesores / es en cuanto a la pertinencia de la comprensi?n de las marcas de identificaci?n, dolores y alegr?as, y tambi?n de los suyos y superposiciones en el cuerpo del otro. / A presente disserta??o parte do pressuposto de que os desenhos dos movimentos corporais das professoras implicam no processo de ensino e de aprendizagem de seus/uas alunos/as. Esses movimentos fazem parte das hist?rias de vida das professoras os quais podem ser observados atrav?s dos desenhos corporais, lugar que est?o registrados as marcas identit?rias que interferem no aprender dos/as alunos/as que s?o ensinados por essas professoras. Este estudo traduz um processo de investiga??o sobre a consci?ncia dos desenhos dos movimentos corporais das professoras que fazem e que n?o fazem processo de autoconhecimento, terapia. A terapia que foi escolhida ? a abordagem corporal de an?lise Bioenerg?tica. Para isso, busquei pesquisar sobre a import?ncia da inclus?o dos desenhos corporais na Forma??o Continuada de Professores, investimento pessoal no pr?prio corpo e os resultados desses como reflexo nos seus aprendentes e n?o aprendentes. A metodologia da pesquisa foi qualitativa, e esteve ancorada na an?lise e na identifica??o de dados considerados n?o mensur?veis relacionados ao comportamento das professoras no tocante aos sentimentos, ?s sensa??es e ?s motiva??es, foram tamb?m observados os movimentos corporais e os desenhos realizados pelas professoras entrevistadas. A pesquisa evidenciou o quanto valioso ? ter consci?ncia dos processos vividos ao longo da hist?ria de vida atrav?s da consci?ncia corporal. Esta investiga??o contribuir? para as reflex?es em grupos de forma??o continuada de professoras/es ? respeito da relev?ncia da compreens?o das marcas identit?rias, das dores e das alegrias, e tamb?m do que ? seu e imbrica no corpo do outro.

La tesis tratará de ahondar en los procesos proyectuales a través del dibujo. A partir de mi propia experiencia, propongo una investigación personal basada en mis dibujos donde irán apareciendo diferentes relaciones entre mis dibujos y mis arquitecturas. La investigación se desarrollará mediante dos vías: aprendiendo de lo ya dibujado: revisando mi trabajo desde 1996 a 2016 y aprendiendo mientras dibujamos: a través de una serie de experiencias dibujadas. Dibujos, pinturas, instalaciones, proyectos, arquitecturas, paisajes… Diversos formatos: cuadernos, pizarras, manteles, paredes, suelos, fachadas, … 20 años de procesos intuitivos 20 años de intencionada distancia. Coreografías redibujadas es una continua construcción de un paisaje sobre las antiguas capas de dibujos registrados. Coreografías redibujadas es un laboratorio creado ex proceso para esta investigación. Se desarrollará durante el primer semestre de 2014. Esta primera experiencia dibujada fue generando diversas réplicas cada vez más participativas que supondrían un regular punto de encuentro con dibujantes de todas las edades donde se terminará de construir el discurso de la tesis. La investigación genera un cuerpo propio dibujado. Nuevos dibujos, nuevas rutinas, nuevos formatos, nuevas representaciones públicas, … No es solo una tesis sobre el dibujo es una tesis dibujando.

Este proyecto artístico se inicia con cuestionamientos acerca del estado inconsciente, repetitivo y mecánico del trabajo humano. Vivimos en una actualidad donde la competencia, a través del sistema económico, es el carbón que prende la máquina de crear ilusiones a costa de la sensibilidad humana, con el fin de que la máquina se mueva a través del consumo y el valor económico. Por ello, existe la importancia de relacionar la dinámica del fin (ya sea material o inmaterial) con su carente falta de sentido; ya que, la promesa de felicidad que emite el sistema neoliberalista se comporta como un sistema paradójico que, contrario a su discurso, revela ser un lugar vacío e irracional. En ese sentido, el objetivo de esta tesis implica volver a revisar la cotidianidad a partir de un contexto neoliberal y problematizarlo con el fin de develar su sentido más profundo; al mismo tiempo, revelar o sacar a la luz implica rebelarse contra el sistema. Una batalla que no tiene fin. Los supuestos teóricos como artísticos de esta tesis nacen de una reflexión en su mayoría contemporánea y multidisciplinaria. Los argumentos y posturas refuerzan la problemática situación tanto social, política y filosófica frente a los efectos de la ilusión neoliberal. Finalmente, volver a mirar nuestro quehacer diario nos confronta con una serie de preguntas y reflexiones que invitan a alejar la mirada de la inmersión cotidiana, para así tomar conciencia y acción de nuestra experiencia con el mundo. / This artistic projects starts from the questionings regarding the unconscious, repetitive and mechanical states of the human work. We live in an actuality where the competition, throughout the economic system, is the coal that fuels the ilusiónmaking machine in expense of the human sensibility, being the ultimate goal that the machine moves across consumption and economic value. That is why the importance of relating the dynamic of the purpose (being material or inmaterial) with its lack of sense exists, that being because the promise of happiness that is given by the neoliberal system behaves like a paradoxical system that, contrary to its discourse, it reveals itself as an empty and irrational place.In that sense, the 4 objective of this thesis begins from going over again the everyday parting from a neoliberal context and problematize it with the objective of reveling its most profound meaning; at the same time, revealing or enlightening implies rebelling against the system, a battle with no end. The theory and artistic assumptions of this thesis part from a reflexion made mostly from a contemporary and multidisciplinary setting. The arguments and stances strengthen the problematic situation, that being social, politic and philosophical in front of the neoliberal delusion. Finally, looking back to out daily tasks confronts us with a series of questions and reflexions that invite us to move away our sight of our everyday immersion, to be able to take consciousness and action of our own experience with the world.

Actualmente hay numerosas investigaciones sobre las dificultades del dibujo infantil en niños de cinco años y es importante desarrollar la creatividad porque se encuentran en una edad precisa para que tengan una buena imaginación y en la cual les va ayudar a tener más confianza en sí mismo y a expresar sus sentimientos y su vez desarrollar la escritura y la lectura. Por ello se propone el programa de técnicas grafo plásticas para mejorar la creatividad en niños de cinco años de una Institución Educativa Inicial Cuna Jardín 052 “Santa Ana” - Tumán, dicha trabajo de investigación pertenece a un enfoque cuantitativo, utilizando el diseño cuasi experimental, a una población de 59 niños teniendo como muestra 30 niños del aula Laboriosos. Como resultado se obtuvo en un nivel bajo en el test de Torrance con respecto a sus dimensiones. Por ello se propone diseñar un programa de actividades técnicas grafo plásticas para desarrollar la creatividad en niños de cinco años de manera lúdica, concluyendo que el programa contribuirá significativamente en el desarrollo creativo.

Cuando se efectúan las técnicas grafoplásticas, se hace referencia, directamente a la creatividad en los niños, ya que se genera un espacio, donde pueden plasmar su ingenio. En tal sentido, se realizará un estudio cuyo objetivo es diseñar actividades GRAP-REDIDI para fortalecer la capacidad creativa de los niños de cuatro años en entornos virtuales. Para ello, se utilizará un diseño descriptivo-propositivo, con una muestra de 31 estudiantes de la Institución Educativa Inicial N°047 “Capullitos de María”, seleccionada por medio de un muestreo no probabilístico por conveniencia. Los resultados esperados de los niños y niñas obtengan notablemente una mejora con el desarrollo del programa de actividades grafoplásticas para el fortalecimiento de su capacidad creativa, trabajando las dimensiones de Fluidez, flexibilidad, originalidad y elaboración. Por tanto, la investigación sobre las técnicas grafoplásticas es de gran impacto, pues brindará oportunidad a los niños de expresarse abiertamente y promover el desarrollo de habilidades cognitivas siendo una de estas la creatividad.

El enfoque del presente informe se centra en utilizar al Dibujo como una herramienta colaborativa y social. Una disciplina que por su misma instantaneidad puede crear relaciones positivas o saludables dentro de instituciones como hogares de ancianos y prisiones. Se emplearon técnicas no invasivas, según las categorizadas por Goffman (1990), para tratar con personas en condiciones estigmatizantes en el contexto de una prisión. Descifrar la relación entre el espacio autocontenido y el vacío es mi principal interés. Familiarizarme con mi práctica creativa para poder representarlo fue todo un reto; por lo que, explorar la historia y psicología del vacío incrementó mi atención por descubrir estudios previos para entender la complejidad de mi tema: Arnheim y Derrida. El lenguaje visual que decidí emplear es el retrato. Desarrollé la idea de percibirlo como una forma de recordar a mis modelos, ya que, me siento en deuda con ellos por permitirme dibujarlos. Es importante recalcar que estos retratos están cubiertos por una bruma. Esta representa los recuerdos difusos del artista que encarna a sus modelos con ayuda de la memoria y desde la memoria. Examinar la estética contemporánea fue necesario para comprender el contenido estético y las normas que van más allá de la fisicalidad del retrato; siendo su importancia la que se encuentra considerada en la parte posterior; es decir, nuestro soporte. Es por ello que mi obra se encarga de encontrar un proceso de continuidad entre figura y fondo.

La presente investigación tiene por objeto entonces realizar un seguimiento a la forma en que el dibujo ha llegado a ser entendido en las artes visuales como un medio más, y no uno menor, por lo que se ha centrado en recorrer algunos aspectos de su historia en el arte occidental, con sus posteriores consecuencias en nuestro contexto inmediato. Respecto del dibujo como una elección genuina de ciertos artistas, mi premisa es que el dibujo permite resolver ideas específicas para aquellos que deciden hablar con referencias explícitas de su entorno. Al entender este nuevo status del dibujo como un momento distinto dentro de la Historia del arte reciente, reconozco que del mismo modo es un momento nuevo para el arte peruano. Por esto, he prescindido de señalar casos de dibujantes destacados a lo largo de nuestra historia, por no haber sido representativos de un hecho como este, sino más bien, haber sido excepciones. Y también por el hecho de que el dibujo siempre ha sido un medio auxiliar y subalterno del sistema artístico convencional. Creo que aunque es necesario el reconocimiento de situaciones insulares pero emblemáticas, y por lo tanto asumidas ya como referentes ineludibles de nuestra historia (como en Guamán Poma de Ayala por ejemplo o algunos pintores que además han sido dibujantes durante el siglo XX), la discontinuidad de sus apariciones es de un grado tal, que tratar de establecer en ellas un camino que pueda ser entendido como antecedente a la coyuntura actual sería forzado y contraproducente. Considero que resulta más productivo tratar de comprender los factores externos que han facilitado este viraje hacia una mayor amplitud de formas de creación en nuestro medio, un medio cuyas características propias tienen cada vez más que ver con la atención al arte contemporáneo internacional a través de medios impresos y de Internet, así como con el desplazamiento causado por la gran cantidad de artistas que emigran y se encuentran actualmente en un constante ir y venir que diversifica nuestra escena. Este interés por entender este devenir, está indudablemente influenciado por la forma que han tomado mis últimos proyectos, que han encontrado en el dibujo, la herramienta para explotar al máximo los elementos que han motivado mi quehacer reciente

En el ámbito laboral, hemos constatado personalmente que en el planteamiento de personajes se produce una influencia proveniente de los lineamientos específicos de una campaña. Aun cuando el diseñador tiene un estilo propio, entra a calar la opinión del cliente o las exigencias del mercado. Por ello, nos preguntamos qué sucedería si el diseñador decidiera plantear una propuesta personal distinta en función del diseño de personajes. Obtuvimos respuesta a tal cuestionamiento en la Internet, donde se hallaron varios proyectos fuera del ámbito comercial, con una diversidad de estilos en campos como el arte, el diseño y la animación. Este hecho sembraría nuestro interés inicial en el que se denominaría contemporary character design e iniciaría nuestra exploración en diversos medios artísticos más allá del software de diseño digital. El resultado sería la creación de una serie de personajes que conformarían parte de un imaginario y estarían construidos con un lenguaje visual propio. El contemporary character design, término que en español significa “diseño de personajes contemporáneo”, convive con otras maneras de construir personajes como los que podemos apreciar en la animación en general, el cómic y el diseño de mascotas publicitarias. Sobrepasando tales parámetros comerciales, el contemporary character design ha llegado a desarrollarse y expandirse artísticamente demostrando su potencial creativo y manifestando rasgos característicos que lo diferencian de las otras expresiones artísticas mencionadas. Es importante aclarar que los proyectos vinculados al contemporary character design, si bien parten del entorno del diseño, nacen de proyectos libres en donde un diseñador o artista gráfico parodia o explora de manera lúdica los comportamientos y percepciones de la sociedad moderna en diversos ámbitos. Para ello, uno de los recursos más utilizados es el intertexto que toma como referencia la globalización de la imagen. No obstante, esta superposición de información podría tomar nuevas fuentes que no sólo se basen en el mass media y cuyo propósito sea más introspectivo, lo que abre las posibilidades de elaborar una propuesta artística en un nivel plástico y conceptual.

La investigación se aboca al trabajo paisajista del pintor chileno Agustín Abarca, especificando la importancia del género del paisaje en Chile, y la incidencia de Abarca al interior de esta temática, considerada como una caracterlstica nacional. Se justifica la pertinencia de la investigación sobre este pintor, en tanto no existía un estudio metódico hasta la fecha. El lapso de tiempo definido para la investigación se especifica desde 1904 (inicio de la actividad artística del pintor) hasta 1953, año de su fallecimiento. La metodología de trabajo en la investigación obedece a diferentes perspectivas, iniciándose con una labor exploratoria y de indagación, desarrollándose luego un acercamiento histórico- en la medida de lo necesario- para concluir con lecturas interpretativas de orientación simbolista. Las hipótesis que enmarcan el trabajo son: a) la obra de Abarca constituyó un aporte significativo a la pintura paisajista en Chile; y b) la obra de Abarca es testimonio de la implantación en Chile de movimientos pictóricos europeos, pero con la consecuente transformación que las nuevas condiciones contextuales efectuaron, modificando así sus características originales, y llegando a configurar en la obra de Abarca algo distinto. Se analizan las determinantes de la pintura en Chile desde el siglo XIX importadas del referente europeo: el neoclasicismo y el romanticismo, poniendo énfasis en los conceptos románticos que son reconocidos como fundamentales en la impronta del trabajo de Abarca y de su propia postura como artista. El paisajismo es comprendido al interior de esta dinámica, y se detallan las influencias que recibe el artista del medio, tanto en su formación de las corrientes tradicionales de la pintura del paisaje en Chile-, como en su madurez, donde Abarca se diferencia de las corrientes renovadoras de la plástica en el país, con su insistencia en la temática paisajista sin renunciar a un lenguaje pictórico vinculado al romanticismo y al realismo en la rep / Telias Gutiérrez, EA. (2009). Los paisajes de Agustín Abarca: aportaciones a la pintura chilena [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4332

Mediante esta investigación se demuestra el nexo de unión entre la música culta y el jazz dentro del repertorio clásico de saxofón más representativo del siglo XX y se pone de manifiesto una metodología en la cual se pueden vincular ambos mundos sin ningún prejuicio. Para conseguir cada uno de los objetivos planteados, se ha efectuado un desarrollo metodológico dividido en dos partes: una analítica-comparativa y otra de aplicación docente (experimentación en el aula y creación). La parte analítica-comparativa es la parte principal y está organizada en dos capítulos trazando una síntesis de las décadas que han ido aconteciendo durante el siglo XX. El primer capítulo (repertorio tradicional), abarca obras desde comienzo del siglo XX hasta 1950, y el segundo (repertorio de vanguardia) desde 1950 hasta la actualidad. Los apartados y subapartados que constituyen ambos capítulos, se concretan mediante numerosos ejemplos musicales de obras maestras del repertorio de saxofón exponiendo la transición y evolución que ha experimentado gran parte de este repertorio con estas características. El análisis efectuado, muestra una visión general de las diferentes épocas que han ido surgiendo, tratando, entre otros aspectos, todos los elementos determinantes de las diversas corrientes aparecidas a lo largo de este periodo. Asimismo, cada capítulo versa sobre un tema distinto, donde se relacionan y comparan los elementos principales de las obras más representativas con el mundo del jazz. La segunda parte, aplicaciones docentes, constituye un aporte experimental práctico de índole creativo que consiste en la realización de diversos ejercicios incorporando de forma progresiva la práctica de la improvisación y creación dentro de un contexto educativo. Este capítulo, principalmente se fundamenta en la composición de piezas, ejemplos jazzísticos, e incorporación de conceptos y recursos para la improvisación y creación, aplicando algunas de las conclusiones más im / Pérez Ruiz, A. (2009). Influencia del Jazz dentro del repertorio clásico de Saxofón más representativo del siglo XX [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4337