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261	"Ce qui fait symptôme..." Contribution au renouvellement de l'analyse du théâtre / “When comes the symptom…” A Contribution to the Renewal of Theatre Analysis Thulard, Adeline 12 November 2015 (has links) À travers l’analyse d’œuvres de Tadeusz Kantor, Pina Bausch, Jan Lauwers, Pippo Delbono et Emma Dante, cette étude propose une ouverture des outils traditionnels des études théâtrales aux concepts de la psychanalyse et aux méthodes des études visuelles pour rendre compte de l’expérience émotionnelle intense que les créations de ces artistes induisent. La notion de symptôme, théorisée par Freud et reprise dans le champ de l’histoire de l’art par Georges Didi-Huberman, permet de dépasser une vision de la scène comme « système de signes » « à lire » – sous l’influence de la sémiologie et du structuralisme – et de penser au contraire ce qui, dans les images proposées, ne se laisse pas saisir immédiatement. Après avoir montré les limites des outils dramaturgiques, il est possible de mettre en évidence les moments d’irruption du geste-symptôme dans les œuvres, en adoptant une attitude plus phénoménologique. Le paradigme du rêve, comme modèle analogique d’une organisation-désorganisation, peut nous permettre de comprendre l’agencement des éléments scéniques. Ce qui touche le spectateur ne se situe plus au niveau de la représentation, mise en branle par la présence du symptôme, mais sous celle-ci et entre les éléments. Le rapport au réel qui s’instaure pour le spectateur relève alors plus de l’imaginable que d’une forme de mimèsis : les images ouvrent le regard et modifient la position du spectateur touché corporellement et émotionnellement. Le sujet théâtral diffracté porté par le corps de l’acteur amène le spectateur à faire l’épreuve de l’Autre en scène. Les œuvres à l’étude proposent ainsi une expérience de subjectivation et de symbolisation qui réactive les processus de la construction psychique de l’individu mise en crise dans la société contemporaine. Dans le corps-à-corps qui s’installe entre la scène et la salle, c’est à sa position de sujet face aux autres, à lui-même et au monde, que le spectateur accède. / Through an analysis of works by Tadeusz Kantor, Pina Bausch, Jan Lauwers, Pippo Delbono and Emma Dante, this thesis attempts to open up the traditional analytical tools that tend to be privileged by the discipline of theatre studies to concepts stemming from psychoanalysis or visual arts, which are more appropriate for rendering the intense emotional experience that these works induce. The notion of symptom, theorised by Freud and reappropriated by art history thanks to the work of Georges Didi-Huberman, can allow us to see the stage as more than a “system of signs”, “to be read”, under the influence of semiology and structuralism, but also to go beyond the image, towards something that is not immediately evident. Having shown the limitations of dramaturgical tools, it is possible to highlight the specific moments when a symptomatic gesture irrupts within these works by relying on a more phenomenological analysis. Dream patterns, which have the similar quality of being models of an order-disorder, are essential to our understanding of the organization of stage elements and processes. Whatever moves the spectator, is no longer strictly conditioned by representation, which is itself disrupted by the symptom, but is situated beyond it, under it, between the different scenic elements. The audience’s perception of reality becomes more reliant on imaginable rather than on some form of mimesis: images open up the gaze and alter the spectator’s stance, touching him physically and emotionally. The diffracted theatrical subject contained in the actor’s body helps the public witness Otherness onstage. The works studied here involve an experience of subjectivation and symbolisation, which activates the constitutive elements of the individual’s psyche, in crisis in contemporary society. Within the very physical relationship that is built between stage and audience, the spectator experiences his own position as a subject facing others, himself and the world. Études visuelles Études théâtrales Esthétique Phénoménologie Dramaturgie Geste Symptôme Rêve Symbolisation Subjectivation Tadeusz Kantor Pina Bausch Jan Lauwers Emma Dante Pippo Delbono Visual studies Theatre studies Aesthetics Phenomenology Dramaturgy Gesture Symptom Dream Symbolisation Subjectivation Tadeusz Kantor Pina Bausch Jan Lauwers Emma Dante Pippo Delbono
262	Machado De Assis et le théâtre / Machado De Assis and Theater / Machado De Assis e o teatro Giusti, Jean-Paul 06 December 2012 (has links) La dramaturgie fut la première des ambitions machadiennes. Une oeuvre de poète exalté s’il en est, sobrement contenue pourtant, à la fois discrète en surface et bouillonnante en sourdine. Elle s’impose ainsi harmonieusement classique dans sa facture et dans sa tenue. Sur un plateau réduit à sa plus simple expression et dans une trame débarrassée du superflu, Joaquim Maria Machado de Assis confère à la langue théâtrale de ses comédies, une prose poétique et lyrique, une charge nouvelle, faite de vertige, de nervosité, qui déroute et innove dans le paysage esthétique brésilien des années 1860-1870. Sa démarche de dramaturge ne sera guère comprise, voire méjugée, jusqu’à être réduite au silence par l’ensemble de la critique et de l’historiographie du théâtre brésilien du XIXe siècle. Le XXe siècle, à quelques exceptions près, agira de même. C’est ainsi qu’il incombe aux interprètes de porter ce théâtre à la scène, de l’ancrer physiquement et concrètement, sans phrasé affecté ou trop de lyrisme. À cette seule condition, alors, peut-être, pourront sourdre des tempêtes intérieures. Il y a chez cet écrivain, une volonté farouche et affichée de dégager, dans une démarche consciente et mesurée, une synthèse viable pour asseoir durablement la dramaturgie brésilienne de son époque. Tout à l’écriture de ses pièces, il débuta une carrière de critique théâtrale qui hisse l’exercice à un véritable magistère, tant le genre souffrait, avant son passage dans la presse carioca, d’un discrédit et d’un manque de légitimité. Le journaliste, le chroniqueur, livre un corpus hétérogène qui fait de sa critique une activité plus complexe qu’on n’a bien voulu le dire. Elle devient un lieu de tensions paradoxales pour appréhender et penser le théâtre autrement. Partant, Machado – qui n’a pas encore trente ans – conférera à la discipline une autonomie jamais démentie depuis, et confortera sa place sur la scène intellectuelle brésilienne. Cette réflexivité critique, cet engouement pour le théâtre dans toute son étendue, enfin sa maîtrise de l’art dramatique, irradient, contaminent en profondeur l’écriture de ses contes et de ses romans les plus aboutis. Son immense fortune critique, sans contredit, doit tout à l’art du romancier inclassable et indompté – le plus grand prosateur brésilien – qu’il fut et offusque donc, le dramaturge. Il reste que par le théâtre et à travers lui, l’écrivain carioca livre une matière fictionnelle incandescente, labyrinthique, en lien organique avec la matière sociale et historique, en somme, un matériau artistiquement achevé, vibrant, lucidement classique. / Machado de Assis’first ambition ever was Drama. His is the work of an exalted poet, though sober and contained, apparently discreet and inwardly irrepressible: it sets itself as harmoniously classic in facture. On stage and with effective plots, Machado de Assis provided the theatrical language, which he utterly mastered, with a new function, made of the restlessness and excitability that disturbed and renewed Brazilian theatre in the 1860s and 70s from an aesthetical point of view. His approach as a playwright would cause misunderstanding and unsettle contemporary critics of his time, to date. Interprets have to take his theatre onto the stage, to root it physically and concretely, avoiding too much affectation or lyricism. On that condition only will underlying conflicts become apparent. In Machado, there is a definite, aware restlessness in willing to make a viable sum so as to durably lay the foundations of Brazilian dramaturgy of his time. In parallel, the writer started a career as a theatre critic, hoisting the practice to a high office, as indeed the genre had, before him, been widely despised as lacking legitimacy. Here, the journalist and chronicle writer presents a more heterogeneous body of works showing a complexity still overlooked to date: it became a space of paradoxical tensions to understand and think theatre in a different way. Hence, Machado – a young man of not thirty years of age – would provide the discipline with an autonomy still standing today and comfort his own significance in the theatrical and intellectual milieu of his time. Such critical reflexivity, such passion for drama in general and, finally such mastery of dramatic art, would illuminate the writing of his most accomplished short stories and novels. His immense legacy as a critic undeniably owes everything to his talent as an original and wild, untamed novelist – the greatest Brazilian prose writer of all times. The playwright is overshadowed by the novelist. Nevertheless, through his theatre, Machado de Assis presents a live and labyrinthine matter, intimately linked with the social and historical fabric of his time: an artistically though unaccomplished, and far from consensual, material. Théâtre brésilien du XIXe siècle Critique théâtrale Dramaturgie Machado De Assis Scène machadienne Histoire culturelle brésilienne Matière historique et sociale Littérature brésilienne 19th century Brazilian theatre Theatre criticism Dramaturgy Machado De Assis Machadian stage Cultural history of Brazil History and social fabric Brazilian literature Machadian prose 869-81
263	Rayonnement de la poétique d'Otomar Krejca en Belgique francophone / Influence of Otomar Krejca's Aesthetics in French-Speaking Belgium Flock, Sarah Sylvie 03 March 2011 (has links) La thèse démontre l’impact du théâtre de Krejča sur l’évolution de l’art dramatique belge francophone. Elle scinde l’activité théâtrale de Krejča en Belgique en deux parties, chacune placée sous le sceau d’une réalité politique différente. La première correspond à un moment de détente dans le paysage politique tchécoslovaque et débute avant la création du Divadlo za branou. Assimilée à la seconde avant-garde théâtrale tchèque, elle inaugure aussi la série de succès internationaux de Krejča dans des pays non socialistes. La seconde période survient après la liquidation du Divadlo za branou par les autorités communistes tchécoslovaques et après le départ de Krejča en semi exil. Théâtralement, la Belgique francophone est alors en pleine émulation, qui s’observe notamment dans les propositions artistiques du « Jeune théâtre » (1976-1986). <p><p>L’arrivée de Krejča, dans les années 1960, sur la scène du Théâtre National de Belgique s’inscrit dans la dynamique des échanges théâtraux européens et dans une volonté diplomatique de rapprochement entre la Tchécoslovaquie et la Belgique. La thèse insiste sur ces rencontres entre les artistes belges francophones et les artistes internationaux car elles jouent un rôle fondamental, auquel prend part Krejča, dans l’histoire du théâtre belge de langue française. Fort de sa réappropriation de la tradition théâtrale tchèque et des concepts de Stanislavskij, Krejča est l’un des premiers à apporter en Belgique francophone un regard dépassant la dimension représentationnelle de la première lecture du texte et à proposer une alternative au manque laissé par le retard de l’avant-garde théâtrale belge francophone. Sa poétique, principalement influencée par le théâtre atelier d’E.F. Burian, le théâtre poétique de Frejka, le civilisme d’Hilar, les théories préfigurant la sémiologie théâtrale initiée par l’école de Prague et par les développements du « Mchat », rencontre un accueil mitigé parmi les journalistes polygraphes mais ne manque pas d’impressionner certains animateurs de la scène théâtrale belge à l’instar de Janine Patrick ou de Marc Liebens. Aussi trouve-t-elle notamment un prolongement dans le Théâtre du Parvis.<p><p>La thèse situe l’apport le plus évident de la poétique krejčaïenne en Belgique francophone dans le traitement dramaturgique, polyphonique et préfigurant le théâtre postdramatique, que le metteur en scène propose. A Louvain-la-Neuve, c’est à nouveau la puissance de la tradition tchèque et la conviction philosophique de Krejča qui impressionnent ses collaborateurs et se déclinent à travers les excroissances théâtrales francophones belges dont la plus manifeste est une expérience théâtrale, toujours en cours aujourd’hui :le théâtre de l’Éveil.<p><p>La dissertation délimite d’abord les spécificités de la poétique théâtrale de Krejča, puis, après une analyse des mises en scène de Krejča, elle retrace et détaille les diverses formes sous lesquelles son esthétique se manifeste :transmission d’un héritage théâtral (avant-garde historique tchèque, sémiologie théâtrale développée par l’Ecole de Prague) et littéraire (mise à l’honneur de Schnitzler et de Nestroy), prolongement de la recherche théâtrale jusqu’à l’approche postdramatique (révélation de la dramaticité des pièces de Tchékhov, importation du théâtre musical), regards dramaturgique et philosophique, écriture dramatique (influence sur l’écriture d'auteurs dramatiques, Krejča-personnage dans des pièces d’acteur)… <p><p>/ The thesis focuses on Czech theatre from first avant-garde to second avant-garde; mainly it is focusing on Otomar Krejča’s theatre and its relationship with Belgian theatre within the second Czech avant-garde theatre to the end of the Normalization. <p>Krejča worked an intensive part of his artistic life in Belgium. His Belgian theatrical activity can be divided into two distinct periods. The first one was coinciding with the foundation of his “Theatre Beyond the Gate” (Divadlo za branou) in Prague in 1965 and took place in the Belgian National Theatre in Brussels. Those years were squaring with Czechoslovakian destalinization and were particularly productive in the artistic field. In Brussels Krejča directed four plays: in 1965, Hamlet, in 1966, The Seagull, in 1970, Three Sisters, in 1978, Romeo and Juliet. The first three plays occurred before the Normalization and his departure in specific exile. The last one marked the beginning of his second period in Belgium, closely bound to Louvain-la-Neuve city. The two following Krejča’s productions were first created for the Festival d’Avignon: in 1978, Waiting for Godot and Lorenzaccio in 1979, before being performed at Atelier théâtral Jean Vilar in Louvain-La-Neuve. The three following plays were the last of Krejča’s Belgian works: Three Sisters in 1980, A. Schnitzler’s The Green Cockatoo in 1981 and Dostoevsky’s The Possessed adapted by Krejča himself in 1982. <p><p>In Belgium, the reception of his plays was mitigated. Duality between critics can be explained by Krejča’s new regard on plays, by Krejča’s use of dramaturgy. Krejča’s productions in Belgium were innovating because through dramaturgy they paved the way for something new :it was the end of a romantic Hamlet in the Shakespearian tradition and the end of Pitoëff’s aesthetic in Chechov’s productions. <p><p>Krejča’s work of art, impregnated by Czech tradition theatre of avant-garde, influenced his Belgian collaborators. Krejča was influenced by leaders in Czech first avant-garde theatre such as Burian, Frejka, theatrical theory of Honzl and Hilar’s theatre conception. When Krejča started to work in Belgium, the country was undergoing a theatrical revolution. At the end of the 1960s, French-speaking Belgium lived at the rhythm of its first avant-garde in staging. According to me, this fact is the main explanation to Krejča’s significance in French-speaking Belgium. Thanks to Krejča’s Belgian productions, a part of the first Czech theatrical avant-garde and the second Czech theatrical avant-garde penetrated in Belgium. <p><p>All of Krejča’s concepts (human beings, ethic of responsibility, importance of dramaturgy, personal appropriation of Stanislavski’s approach) slowly instilled French-speaking Belgian theatrical life. Sure an evident mark of continuity of his aesthetic cannot be seen in the long time, nevertheless Krejča’s influence was considerable and briefly materialized in many fields. It is obviously still vivid in the way some actors play, feel and teach theatre. <p><p><p><p><p> / Doctorat en Langues et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished Sciences humaines Langues et littératures Krejca, Otomar (1921-2009) Czech drama -- Czechoslovakia Czech drama -- Belgium Literature, Experimental -- Belgium Théâtre tchèque -- Tchécoslovaquie Théâtre tchèque -- Belgique Littérature expérimentale -- Belgique Belgian theatre Czech theatre dramaturgy contemporary history Krej& théâtre belge dramaturgie théâtre tchèque Belgique avant-garde Czechoslovakia Tchécoslovaquie histoire contemporaine Belgium
264	Dramaturgie et morale dans les comédies de Ménandre et de Plaute. La question de l'axiologie / Dramaturgy and Morals in Menander’s and Plautus’ comedies. The question of axiology Lhostis, Nathalie 29 November 2013 (has links) Notre étude intitulée « dramaturgie et morale », porte sur la mise en scène des valeurs morales dans les comédies de Ménandre et de Plaute. Notre approche consiste à repérer quelles sont les valeurs mobilisées, à étudier la manière dont elles sont exprimées et articulées entre elles. Il s’agit d’analyser leur traitement et la place qui leur est conférée : sont-elles soumises à réflexion, confirmées, mises à l’épreuve ? Ainsi l’enjeu n’est pas tant de chercher la « morale » des pièces ou le message moral qu’elles délivreraient, mais de décrire l’architectonique des valeurs dans les comédies. Nous nous sommes intéressée plus particulièrement à l’axiologie, c’est-à-dire à la forme que prend l’évaluation morale dans les comédies de Ménandre et de Plaute. Quels sont les critères qui déterminent cette évaluation ? Quel est l’enjeu de cette évaluation ? La valeur, telle qu’elle apparaît dans les comédies de Ménandre et de Plaute, est essentiellement de trois types : matérielle, symbolique et éthique. La question est de comprendre comment elles sont pensées et articulées les unes aux autres dans chacun des deux corpus. Cette perspective rejoint la question du rapport entre l’intérêt particulier et l’intérêt d’autrui, centrale dans les philosophies antiques qui posent la question de savoir dans quelle mesure il est nécessaire pour l’agent éthique de prendre en compte l’intérêt d’autrui pour atteindre son propre bonheur.Une première partie est consacrée aux notions de valeurs et d’échange, autour de deux types d’échange : l’échange marchand et l’échange social, le premier mettant en œuvre une morale de type utilitariste et le second faisant appel à des vertus coopératives. Une seconde partie étudie la notion d’infraction. Il s’agit d’examiner les modalités d’évaluation d’une action singulière. Dans une troisième partie, nous étudions la comédie comme expérimentation éthique. / This study, entitled “dramaturgy and morals”, looks at the dramatization of moral values in the comedies of Menander and Plautus. I employ an approach that identifies which values are evoked and looks at how they are conveyed and structured in relation to one another. The aim is to analyse how they are treated and the place that is accorded to them. Are they subjected to reflection, affirmed, or critiqued? Thus what is at stake is less about finding the “morals” in the plays or their supposed moral message, but rather delineating the architectonics of values in these comedies. This study will focus more specifically on axiology, that is to say the form that moral evaluation takes in the comedies of Menander and Plautus. According to which criteria is this evaluation carried out? What is at stake in this evaluation?The concept of value, as it appears in the comedies of Menander and Plautus, entails essentially three domains: the material, the symbolic, and the ethical. The issue at hand is understanding how they are conceived of and related to one another in the comedies of Menander and Plautus. Such a perspective intersects with the question of the relationship between personal interest and the interests of others, a key concern in Ancient philosophy which seeks to discover to what extent an ethical agent is obliged to take into consideration others in order to achieve happiness. The first section is concerned with the concepts of moral values and trade. It looks at two types of trade: commercial trade, which outlines the primacy of utilitarian morals, and communal trade, which is based on co-operative values. The second section deals with the idea of contravention. It examines the procedures used to judge a particular action. The third section looks at comedy as ethical experimentation. Théâtre Comédie Comique Comédie Nouvelle Néa Palliata Ménandre Plaute Dramaturgie Savoir Morale Éthique Axiologie Valeur Évaluation Échange Infraction Faute Erreur Transgression Justice Équité Juste Sujet Sujet éthique Sujet social Expérimentation Fonction morale Didactisme Édification Philosophie et littérature Theatre Comedy Comical New Comedy Nea Palliata Menander Plautus Dramaturgy Knowledge Morals Ethics Axiology Values Evaluation Trade Contravention Fault Error Transgression Justice Equity Fair Subject Ethical Subject Social Subject Experimentation Moral Function Didacticism Edification Philosophy and Literature
265	Z písaře ministerským radou: Působení Jiřího Mařánka v kinematografii čtyricátých a padesátých let / From Scribe to Ministerial Counsellor: The Involvement of Jiří Mařánek in the Cinematography of the Forties and Fifties Kupková, Marika January 2017 (has links) 1 Abstract The thesis focuses on the involvement of Jiří Mařánek in the management of the Film Department of the Ministry of Information during the years 1945 - 1948. His ministe- rial engagement is related to the contemporary strengthening of the importance of literary preparation of the film and to the associated state dramaturgical supervision. Jiří Mařánek belongs to the circle of writers connected on one hand through their affiliation with the interwar avant-garde movements, on the other hand by their postwar involve- ment in the power apparatus that ended by the political and economic changes in the late forties and fifties. His professional fate speaks about the changes of cultural policy of the state, about the institutional development of the cinema and about the relations between literary and cinematic arts. It is a testimonial of what a successful professional career meant for a man of letters and what relationship it had to the cinema. We follow therefore a relatively brief but breakthrough episode of a writer and retired officer in the position of the Ministerial Counsellor, and we try to place its course and causes into a complex network of historical and social contexts and personal motivation. Focusing on this personality unburdened neither by a historical uniqueness, fundamental role of...
266	Plotting Horror Heuer, Thomas 06 May 2019 (has links) Die Entwicklungsschübe der modernen Medien im 20. Jahrhundert haben die Wechselbeziehungen zwischen den Künsten, den Medien, den Sinnesmodalitäten, den verbalen und nonverbalen Ausdrucks- und Zeichenprozessen verstärkt und erweitert. Im Zuge dieser Entwicklungen sind Genre- und Formatfragen über das disziplinäre Interesse einzelner Kunst- und Medienwissenschaften hinaus ins Aufmerksamkeitsfeld einer vergleichenden Medienästhetik und -dramaturgie ge-rückt. Aufbauend auf den Erkenntnissen von Kalisch 2014, 2016 und den Überlegungen Gaudreaults 2009 zu einer Unterscheidung zwischen Narration und Monstration, ist es gelungen ein Modell zur Analyse von Werken unter dem Ausgangspunkt von Dramaturgie und Präsentationsstruktur herauszubilden, das für jedwedes dramaturgisch motiviertes und fiktionales Werk verwendet werden kann, unab-hängig vom Medium. Als Mittel zur Verdeutlichung der Thesen wird Horror als ästhetische Kategorie definiert, die einen direkten Einfluss auf die narrativen Strukturen eines Werkes besitzt, was den narrativ-monstrativen Doppelcharakter von Werken belegt und ferner verdeutlicht, dass Erzählung und Formung eines Werkes untrennbar verbunden sind. Die Dualität von Dramaturgie und Präsenta-tionsstruktur wird in der Formung eines Werkes offenbar. Um dies zu verdeutli-chen, werden im Verlauf der Arbeit kursorisch Beispiele von Werken mit Schre-ckensinhalten diskutiert und analysiert. Basierend auf diesem Modell wird eine Diskussion des Themenkomplexes von Intermedialität und Transmedialität im Spannungsverhältnis zur Komparistik der Künste durchgeführt. In der Folge wird eine Ästhetik des Schreckens diskutiert und anhand von ästhetischen Wertungskategorien aufgezeigt. Abschließend werden drei narrativ-motivierte Konzeptionen für dramaturgisch angetriebene Schre-ckensinszenierungen aufgeführt, die zur Kategorisierung von Werken angewendet werden können: düstere Präfiguration, düstere Konfiguration und düstere Manifestation. / The development in modern media during the 20th century (from movies over television to the hybrid forms of audiovisual and textual media in the internet) reveals interdependencies between art, media, the modalities of senses, the verbal and nonverbal dictions and semiotic processes that have evolved and expanded themselfes. According to this progress the interest in art and media studies should achive a collective interest in the changes of genre and formats, instead of a sepa-rated observation of only single disciplines. Following the Prolegomena on a comperative drama of media by Eleonore Ka-lisch (Kalisch 2014) and the thougts of André Gaudreault on Narration and Mon-stration (Gaudreault 2009) this thesis bulids a system to analyse works of fiction (e. g. movies, pictures, literature, video games). This system allows to analyse and compare works of fiction based on drama and presentation structure. The horror genre is used to show the mechanics of this system. Horror has a direct influence on the narrative structure of a work and manifests a duality of narration and mon-stration (Kalisch 2016), that binds drama and presentation to each other and shows the necessity of a separated consideration on both aspects. The duality of drama and presentation reveals itself during the modeling of a work of fiction. Build on the system the discourse is open to discuss intermetiality and transmedi-ality and their influence on the field of interest. Furthermore, an aesthetic of hor-ror is defined by evaluation categories of aesthetic indicators. In the end three types of narrativ driven concepts of horror are revealed and discussed: gloomy pre-figuaration, gloomy configuration and gloomy manifestation. Horror Alien Dramaturgie düstere Konfiguration düstere Manifestation düstere Präfiguration Erzählwelt Filmwissenschaft Game Studies Games intermedial Intermedialität Jurassic Park Medienspezifik Medienwissenschaft Monstration Motiv Narration narrativ-monstrativer Doppelcharakter Original und Remake Project Zero Präsentationsstruktur Resident Evil Silent Hill Struktur Sujet Transmedia transmedial transmediale Erzählwelt transmediales Gesamtwerk transmediales Teilwerk Transmedialität Vergleichende Mediendramaturgie Ästhetik Ästhetik des Schreckens aesthetics aesthetics of horror Alien comperative drama dramatrurgy duality of drama and presentation Fatal Frame film studies game studies Games gloomy configuration gloomy manifestation gloomy prefiguaration horror Jurassic Park media sciences media studies monstration narration narrative original and remake Resident Evil Silent Hill specific media storyworld structure transmedia transmedia storyworlds tropes 117 Struktur 306 Kultur und Institutionen 758 Andere Motive 776 Computerkunst (Digitale Kunst) 812 Amerikanische Dramen 822 Englische Dramen 832 Deutsche Dramen AP 37440 ddc:117 ddc:306 ddc:700 ddc:753 ddc:758 ddc:776 ddc:791 ddc:793 ddc:809 ddc:812 ddc:822 ddc:832 ddc:883 ddc:882

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