[EN] This thesis titled "The Textile: from the Myth of Origin to Multimedia Era", focuses on the issue of weaving as a distinctive activity of humans and as an always present metaphor throughout our evolution in this planet we inhabit. The thesis approaches this development by means of metaphors we always use as a tool to explain the world around us. Spoken language has limitations to explain some areas of human knowledge, and consequently, people have built new languages throughout history, languages more appropriate for these fields. An example of that are metaphors contained into myths elaborated by ancient cultures to explain the origin of the universe and behaviors of people. Another example could be the mathematical language used by science for understanding of specific fields of knowledge. Mysticism, science and art use metaphors to communicate. These three fields are basic along the conceptualization made by humankind in its history, though individually each one is inclined to one or more of these fields. Over time, metaphors endure and are still present in contemporary explanation of origin, and the act of weaving emerges as a possibility in that connection. In these pages, we first discuss myths belonging to the two main ancient Mexican cultures, because these two, like many other archaic conceptions of cosmos, figured into their mythologies the activity of weaving as one gods taught directly to humans; and that teaching contained the mystery of creation. From that point, we made a brief review over some of most important cultures that use metaphor of weaving as a representation of the original frame of universe, in order to realize how important it is. At last, we explore the possibilities opened by technology and science in the field of threads and fabrics to build contemporary expressions. / [ES] Esta tesis cuyo título es "El textil: del mito del origen a la era multimedia", aborda el tema del tejido y su pertenencia al ser humano como metáfora siempre presente a lo largo de su evolución en el planeta que habitamos. Se hace un acercamiento a ese desarrollo a través de las metáforas que siempre utilizamos como instrumento para explicar el mundo que nos rodea. El lenguaje tiene limitaciones para explicar algunos de los sectores del conocimiento humano, por lo que se han construido a lo largo de la historia, lenguajes apropiados a dichos campos: un ejemplo son las metáforas contenidas en los mitos que los seres humanos antiguos construyeron para explicar el origen del universo y la actividad de las personas, y otro podría ser el del lenguaje matemático que la ciencia utiliza para llegar al entendimiento de campos específicos del saber. Misticismo, ciencia y arte utilizan metáforas para comunicarse. Son tres campos que innegablemente conforman el pensamiento de la humanidad, aunque individualmente cada quien se incline por alguno o varios de esos campos. A través del tiempo las metáforas perduran y siguen presentes en la explicación contemporánea del origen y la actividad del tejido se presenta como una posibilidad de relacionar. En este trabajo se analizan primero los mitos pertenecientes a las dos principales culturas mexicanas, pues ellas, como muchas otras concepciones arcaicas, representaron en su mitología la actividad de tejer como una de las actividades que fueron enseñadas a los humanos directamente por los dioses y que contenía el misterio de la creación. Luego se hace un breve recorrido por algunas de las culturas más importantes que utilizan la metáfora del tejido como forma de construcción del universo, para darnos cuenta de su importancia y finalmente se exploran las posibilidades que la tecnología y la ciencia han proporcionado en el campo de los hilos y las telas para construir la expresión contemporánea. El papel de la mujer en estas metáforas es predominante, pues el elemento femenino como productor de vida, como creador, es primordial en la construcción de dichos mitos. La función de los textiles y el tejido en la cultura contemporánea mantienen su significado de unión, relación y construcción de algo nuevo por la unión de los elementos. El arte contemporáneo también ha incluido la metáfora y los materiales del tejido que manifiestan esa pertenencia del textil a la expresión del ser humano. / [CA] Aquesta tesi té com a títol: "El tèxtil: del mite de l'origen a l'era multimèdia", aborda el tema del teixit i la seva pertinença a l'ésser humà com a metàfora sempre present al llarg de la seva evolució al planeta que habitem. Es fa un apropament a aquest desenvolupament a través de les metàfores que sempre utilitzem com a instrument per explicar el món que ens envolta. El llenguatge té limitacions per a explicar alguns dels sectors del coneixement humà, de manera que s'han construït al llarg de la història, llenguatges apropiats a aquests camps: un exemple són les metàfores contingudes en els mites que els éssers humans antics van construir per explicar l'origen de l'univers i l'activitat de les persones, i un altre podria ser el del llenguatge matemàtic que la ciència utilitza per arribar a l'enteniment de camps específics del saber. Misticisme, ciència i art, fan servir metàfores per comunicar-se. Són tres camps que innegablement conformen el pensament de la humanitat, encara que individualment cadascú s'incline per algun o diversos d'aquests camps. A través del temps, les metàfores perduren i segueixen presents en l'explicació contemporània de l'origen, i l'activitat del teixit es presenta com una possibilitat de relacionar. En aquest treball, s'analitzen primer els mites pertanyents a les dues principals cultures mexicanes, doncs elles, com moltes altres concepcions arcaiques, van representar en la seva mitologia l'activitat de teixir com una de les activitats que van ser ensenyades als humans directament pels déus i que contenia el misteri de la creació. Després es fa un breu recorregut per algunes de les cultures més importants que utilitzen la metàfora del teixit com a forma de construcció de l'univers, per adonar-nos de la seva importància i finalment s'exploren les possibilitats de la tecnologia i la ciència han proporcionat en el camp dels fils i les teles per construir l'expressió contemporània. El paper de la dona en aquestes metàfores és predominant, ja que l'element femení com productor de vida, com a creador, és primordial en la construcció d'aquests mites. La funció dels tèxtils i el teixit en la cultura contemporània mantenen el seu significat d'unió, relació i construcció d'una cosa nova per la unió dels elements. L'Art contemporani també ha inclòs la metàfora i els materials del teixit que manifesten aquesta pertinença del tèxtil a l'expressió de l'ésser humà. / Yllades Nieto, ME. (2015). El textil: del mito del origen a la era multimedia [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57488

[EN] Taquigrafonías is a neologism created to enhance the sound identity of the typewriter in our creative work. The term was originated with the aim of highlighting the typewriter ability to access our memory, through your structural and sonic potential, and remembrances produces. When we say Taquigrafonías, we make reference to the sound action of typing typist using the typewriter in a sound and artistic context, with the feature to produce personal, collective, emotional and historical remembrances. For this work our main objective was to explore the typewriter development, in different contexts, to updating your use in a sound artistic environment. Like specifics objectives: understand how the typewriter was able to become a modernity symbol. Analyze, following its creation, the social imaginary impact, finding out how It have been used on visual and sound art works productions, and also develop a personal artwork using the typewrite and your original sound as central elements. To achieve the objectives we elaborate a transdisciplinary and applied methodology that favored a comprehensive approach to the importance, evolution and disuse of the typewriter in society. In our research we face studies of sociology and economy areas by the authors Boaventura Souza Santos and Ray Debraj, also figured how the typewriter influenced the middle-class women entry in the labor market offices, by Christopher Mantenga y Paul Robert studies. Methodological level also deepen our work in the field of art, finding out the use of the typewriter in the visual arts, cinema, sound art, music and new media. For this, we worked in collaboration with the research group Laboratório de Creaciones Intermedia (Universidad Politecnica de Valencia) and Poéticas Digitais group (Universidade de São Paulo), exploring the vanguard artistic works in sound art and new media art. An another important aspect was the interviews made with people from different professions and nationalities about their personal experiences of typewriter remembrances. We also developed an authorial creative work as a methodological strategy from our own practice, using the typewriter and sound as central elements of the work. As results, we highlight the understanding of the typewriter impacts caused in society and its influence on changes in laborare structures, in addition to the cultural imagination restructuring of the late XIX century. We also judge as extremely relevant the legacy of our research in the typewriter art area. For this, we developed a significant collection of typewriter art apart from visual, sculptural, sound, music and films released works, presented in a chronological scheme. As a last significant results, we can mention the authorial artwork serie developed with typewrite and Its own sound, split in three groups: taquigráficos exercises, historical vanguard recoveries, and sound actions or audioperformances. These artworks were produced in a research context of authors, composers and artists that related themes like your internal experiences, remembrances, territory and subjectivity, discussed topics on the chapter dedicated to our creative work. / [ES] Taquigrafonías es un neologismo propio creado para reforzar la identidad sonora de la máquina de escribir en nuestro trabajo creativo. El término, fue originado con la finalidad de destacar la capacidad de la máquina de escribir que, a partir de sus potencialidades estructurales y sonoras, permite acceder a nuestra memoria, produciendo recuerdos. Al decir Taquigrafonías, hacemos alusión a la acción sonora de teclear del mecanógrafo utilizando la máquina de escribir en un contexto de reflexión sonora y artística con la función de producir recuerdos personales, colectivos, afectivos e históricos. Para el desarrollo de este trabajo tuvimos como objetivo general el investigar el desenvolvimiento de la máquina de escribir, en distintos contextos, para actualizar su uso en un entorno artístico sonoro. Como objetivos específicos: comprender cómo la máquina de escribir fue capaz de convertirse en un símbolo de la modernidad. Analizar el impacto, posterior a su creación, en el imaginario social, averiguando cómo se ha utilizado para la producción de obras artísticas visuales y sonoras, además de elaborar una obra personal creativa utilizando la máquina de escribir y el sonido como elementos centrales de las piezas. Para alcanzar los objetivos establecidos elaboramos una metodología transdisciplinar y aplicada que favoreció un abordaje más completo sobre la importancia, evolución y desuso de la máquina de escribir en la sociedad. En nuestra investigación afrontamos estudios ligados a la sociología y economía a través de los autores Boaventura Souza Santos y Ray Debraj, igualmente averiguamos cómo la máquina de escribir influyó en la entrada de las mujeres de clase media en el mercado laboral de las oficinas, a partir de estudios de Christopher Mantenga y Paul Robert. También a nivel metodológico profundizamos nuestro quehacer en el campo del arte, averiguando el uso de la máquina de escribir en las artes visuales, en el cine, en el arte sonoro, en la música y en los nuevos medios. Para esto trabajamos en colaboración con el grupo de investigación del Laboratorio de Creaciones Intermedia (Universitat Politècnica de València) y con el grupo Poéticas Digitais (Universidade de São Paulo), explorando obras relacionadas con las vanguardias artísticas, el arte sonoro y del arte con los nuevos medios. Otro aspecto a destacar fue la realización de entrevistas con personas de diversas profesiones y distintas nacionalidades sobre sus experiencias personales y recuerdos de la máquina de escribir. Elaboramos también una obra personal creativa como estrategia metodológica desde nuestra propia práctica, utilizando la máquina de escribir y el sonido como elementos centrales del trabajo. Como resultados obtenidos, podemos destacar la comprensión del impacto causado por la máquina de escribir en la sociedad y su influencia en los cambios de las estructuras laborares, además de la reestructuración del imaginario cultural de finales del siglo XIX. También juzgamos de extrema relevancia el legado dejado por nuestro trabajo de investigación en el campo del llamado typewriter art ("arte de la máquina de escribir"). Para esto elaboramos una significante recopilación y comentarios sobre el uso de la máquina de escribir en el arte, separando por obras visuales, escultóricas, sonoras, musicales y filmográficas, presentados en un esquema cronológico. El último punto significativo a destacar de los resultados, está en la obra personal creativa que hace uso de la máquina de escribir y del sonido, para el cual hemos elaborado una serie de piezas que están divididas en tres grupos: ejercicios taquigráficos, restituciones de las vanguardias históricas y acciones sonoras o audioperformances. Estas piezas fueron producidas bajo un contexto de investigación de autores, compositores y artistas que relacionaron la experiencia interna, la memoria, el territorio y la subjetividad, temas que han / [CA] taquigrafonies és un neologisme propi creat per a reforçar la identitat sonora de la màquina d'escriure en el nostre treball creatiu. El terme, va ser originat amb la finalitat de destacar la capacitat de la màquina d'escriure que, a partir de les seues potencialitats estructurals i sonores, permet accedir a la nostra memòria, produint records. Al dir Taquigrafonies, fem al·lusió a l'acció sonora de teclejar del mecanògraf utilitzant la màquina d'escriure en un context de reflexió sonora i artística amb la funció de produir records personals, col·lectius, afectius i històrics. Per al desenrotllament d'este treball vam tindre com a objectiu general l'investigar el desenvolupament de la màquina d'escriure, en distints contextos, per a actualitzar el seu ús en un entorn artístic sonor. Com a objectius específics: comprendre com la màquina d'escriure va ser capaç de convertir-se en un símbol de la modernitat. Analitzar l'impacte, posterior a la seua creació, en l'imaginari social, esbrinant com li han utilitzat per a la producció d'obres artístiques visuals i sonores, a més d'elaborar una obra personal creativa utilitzant la màquina d'escriure i el so com a elements centrals de les peces. Per assolir els objectius establerts elaborem una metodologia transdiciplinar i aplicada que va afavorir un abordatge més complet sobre la importància, evolució i desús de la màquina d'escriure en la societat. En la nostra investigació afrontem estudis lligats a la sociologia i economia a través dels autors Boaventura Souza Santos i Ray Debraj, igualment esbrinem com la màquina d'escriure va influir en l'entrada de les dones de classe mitjana en el mercat laboral de les oficines, a partir d'estudis de Christopher Mantinga i Paul Robert. També a nivell metodològic aprofundim el nostre treball en el camp de l'art, esbrinant l'ús de la màquina d'escriure en les arts visuals, en el cine, en l'art sonor, en la música i en els nous mitjans. Per a açò treballem en col·laboració amb el grup d'investigació del Laboratori de Creacions Intermèdia (Universitat Politècnica de València), explorant obres relacionades amb les avantguardes artístiques, l'art sonor i de l'art amb els nous mitjans. Un altre aspecte a destacar va ser la realització d'entrevistes amb persones de diverses professions i distintes nacionalitats sobre les seues experiències personals i records de la màquina d'escriure. Elaborem també una obra personal creativa com a estratègia metodològica des de la nostra pròpia pràctica, utilitzant la màquina d'escriure i el so com a elements centrals del treball. Com resultats obtinguts, podem destacar la comprensió de l'impacte causat per la màquina d'escriure en la societat i la seua influència en els canvis de les estructures laborares, a més de la reestructuració de l'imaginari cultural de finals del segle XIX. També jutgem d'extrema rellevància el llegat deixat pel nostre treball d'investigació en el camp del cridat typewriter art ("art de la màquina d'escriure"). Per a açò elaborem una significant recopilació i comentaris sobre l'ús de la màquina d'escriure en l'art, separant per obres visuals, escultòriques, sonores, musicals i filmográfiques, presentats en un esquema cronològic. Com últim punt significatiu a destacar dels resultats, està en l'obra personal creativa que fa ús de la màquina d'escriure i del so, per a la qual hem elaborat una sèrie de peces que estan dividides en tres grups: exercicis taquigràfics, restitucions de les avantguardes històriques i accions sonores o audioactuacions. Estes peces van ser produïdes davall un context d'investigació d'autors, compositors i artistes que van relacionar l'experiència interna, la memòria, el territori i la subjectivitat, temes que han sigut discutits en l'apartat de la producció creativa personal. / Do Nascimento, AR. (2015). TAQUIGRAFONÍAS: LA MÁQUINA DE ESCRIBIR EN EL ARTE Y SU APLICACIÓN EN DIFERENTES PROPUESTAS DE CREACIÓN SONORA [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57956

[EN] PIXEL PATTERNS: Aesthetic and technical barriers in video games (1972 - 2000) Video games are inherently technological and, therefore, are subject to an evolution of the technology. However, the creative process is not governed by technical limitations of any kind. That is why, throughout history have emerged a series of designers who have managed to develop a wide range of technical approaches in order to ensure aesthetic over technology. This doctoral thesis objective is to study and analyze the different processes developed in video games in order to overcome any technical impediment. It was necessary to study each of these processes in relation to their historical context, so we analyzed the chronological development of the video game industry. We've structured the thesis following a theoretical methodology of analysis and synthesis, applying a historical documentation, and proposing a chronological study of the evolution through the three great systems of visual representation in the history of video games: illustration, sprites and polygons. Each of these parts is organized in chapters structured to turn into three parts: historiographical analysis, analysis of the developed technique and analysis of the subsequent impact of the process. One of the main contributions of this research has been the finding that the creative process is capable of overcoming even the technical impossibilities. As a result, this study has produced full documentation, not only of the architects and creators of these processes, but also of the main visual tricks that emerged in the history of video games. / [ES] PIXEL PATTERNS: Estética y barreras técnicas en los videojuegos (1972 - 2000) Los videojuegos son un medio inherentemente tecnológico y, por lo tanto, se encuentran sujetos a una evolución de la técnica. Sin embargo, el proceso creativo no se rige por limitaciones técnicas de ningún tipo. Por ello, a lo largo de la historia han surgido una serie de diseñadores que han conseguido desarrollar toda una gama de planteamientos destinados a que la técnica reine sobre la estética. Esta Tesis Doctoral tiene como objetivo general estudiar y analizar los diferentes procesos que se han desarrollado en los videojuegos con el fin de superar cualquier tipo de impedimento técnico. Para lograr este objetivo ha sido necesario estudiar cada uno de estos procesos en relación con su contexto histórico, por lo que hemos realizado una revisión del desarrollo cronológico de la industria del videojuego. Hemos estructurado la tesis siguiendo una metodología teórica de análisis y síntesis, aplicando una documentación histórica y planteando un estudio cronológico de la evolución a través de los tres grandes sistemas de representación visual en la historia de los videojuegos: Ilustración, Sprites y Polígonos. Cada una de estas partes se organiza en capítulos estructurados a su vez en tres partes: análisis historiográfico, análisis de la técnica desarrollada y análisis de las repercusiones posteriores de la misma. Una de las aportaciones principales de esta investigación ha sido la constatación de que el proceso creativo es capaz de superar las imposibilidades técnicas. Como resultado de este estudio se ha elaborado una completa documentación, no solo de los artífices y creadores de estos procesos, sino también de los principales artificios visuales surgidos en el medio de los videojuegos. / [CA] PÍXEL PATTERNS: Estètica i barreres tècniques en els videojocs (1972 - 2000) Els videojocs són un mitjà inherentment tecnològic i, per tant, es troben subjectes a una evolució de la tècnica. No obstant això, el procés creatiu no es regix per limitacions tècniques de cap tipus. Per això, al llarg de la història han sorgit una sèrie de dissenyadors que han aconseguit crear tota una gamma de plantejaments destinats a què la tècnica regne sobre l'estètica. Esta Tesi Doctoral té com a objectiu general estudiar i analitzar els diferents processos que s'han desenrotllat en els videojocs a fi de superar qualsevol tipus d'impediment tècnic. Per a aconseguir este objectiu ha sigut necessari estudiar cada un d'estos processos en relació amb el seu context històric, per la qual cosa hem realitzat una revisió del desenvolupament cronològic de la indústria del videojoc. Hem estructurat la tesi seguint una metodologia teòrica d'anàlisi i síntesi, aplicant una documentació històrica i plantejant un estudi cronològic de l'evolució a través dels tres grans sistemes de representació visual en la història dels videojocs: Il·lustració, Sprites i Polígons. Cada una d'estes parts s'organitza en capítols estructurats al seu torn en tres parts: anàlisi historiogràfica, anàlisi de la tècnica i anàlisi de les repercussions posteriors de la mateixa. Una de les aportacions principals d'esta investigació ha sigut la constatació que el procés creatiu és capaç de superar inclús les impossibilitats tècniques. Com resultat d'este estudi s'ha elaborat una completa documentació, no sols dels artífexs i creadors d'estos processos, sinó també dels principals artificis visuals sorgits en el mig dels videojocs. / Cabrera Carbonell, J. (2015). PIXEL PATTERNS: ESTÉTICA Y BARRERAS TÉCNICAS EN LOS VIDEOJUEGOS (1972 - 2000) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59224

[ES] El presente trabajo consta de cuatro apartados: en el primero donde se realiza un estudio diacrónico y sincrónico de los vocablos trompa y trompador, revisando su origen y los cambios estructurales sufridos hasta alcanzar el significado que tuvieron a lo largo de la Edad Media; esta fase ha constituido el punto de partida del resto de la tesis. El segundo apartado se ha dedicado a la catalogación y revisión pertinente de las distintas tipologías organológicas que presenta la trompa en el periodo medieval, prestando especial énfasis a los testimonios procedentes de la Corona de Aragón. En el tercer apartado se examina la función musical de los buccinatores-trompatores en las actuaciones públicas, civiles o militares, y celebraciones litúrgicas en las que actuaron. El cuarto apartado recoge las diversas fuentes que se han utilizado complementando la documentación de carácter administrativo, tales como la iconografía (miniatura, pintura, escultura) y la literatura. El trabajo se concluye con un apéndice de testimonios gráficos, en el que se recoge una selección representativa de los utilizados para la elaboración de esta tesis. / [CA] El present treball consta de quatre apartats: en el primer on es realitza un estudi diacrònic i sincrònic dels vocables trompa i trompador, revisant el seu origen i els canvis estructurals soferts fins a arribar al significat que van tenir al llarg de l'Edat Mitjana; aquesta fase ha constituït el punt de partida de la resta de la tesi. El segon apartat s'ha dedicat a la catalogació i revisió pertinent de les diferents tipologies organològiques que presenta la trompa al període medieval, fent especial èmfasi als testimonis procedents de la Corona d'Aragó. En el tercer apartat s'examina la funció musical dels buccinatores-trompatores a les actuacions públiques, civils o militars, i celebracions litúrgiques en què van actuar. El quart apartat recull les diverses fonts que s'han utilitzat complementant la documentació de caràcter administratiu, com ara la iconografia (miniatura, pintura, escultura) i la literatura. El treball es conclou amb un apèndix de testimonis gràfics, en el qual es recull una selecció representativa dels utilitzats per a l'elaboració d'aquesta tesi. / [EN] The present work consists of four sections: in the first where a diachronic and synchronic study of the words horn and trompador is carried out, reviewing its origin and the structural changes suffered until reaching the meaning they had throughout the Middle Ages; this phase has constituted the starting point of the rest of the thesis. The second section has been devoted to the cataloging and pertinent revision of the different organological typologies that the horn presents in the medieval period, paying special emphasis to the testimonies coming from the Crown of Aragon. In the third section we examine the musical function of the buccinatores-trompatores in public, civil or military performances, and liturgical celebrations in which they acted. The fourth section includes the various sources that have been used complementing the administrative documentation, such as iconography (miniature, painting, sculpture) and literature. The work concludes with an appendix of graphic testimonies, in which a representative selection of those used for the elaboration of this thesis is collected. / Llimerá Dus, JJ. (2019). TROMPES Y TROMPADORS EN LA CORONA DE ARAGÓN (SS. XII-XVI) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/124814

Orientador: Maria Lucia Bueno / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-26T07:59:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lucas_RenatadeAlmeida_M.pdf: 2867986 bytes, checksum: 67b7c57952ffad2a271e510dd02f7f05 (MD5) Previous issue date: 1999 / Resumo: O objeto de estudo desta dissertação são as variações entre conteúdo, contenção e dispersão em arte. O primeiro argumento parte da verificaçãode procedimentos oriundos da pintura na prática escultórica contemporânea, mais precisamente em algumas obras do artista Tunga. Num conjunto de esculturas em que homenageia Morandi, o artista esculpe urnas e cálice sem bronze e depois os recobre com maquiagem. Astrês operações envolvidasna sua produção carregariam uma enorme carga simbólica,agindo, ao mesmo tempo, como uma espécie de metáfora dos procedimentos pictóricos. O elemento "gordura", então representado como unificador entre os vazios e cheios da escultura, estaria presente em toda a obra do artista, assim como nas obras de outros artistas contemporâneos que fazem uso das massas moles como veículo expressivo em seus trabalhos. Essaprocura por materiais moles,tratadas neste texto como procura pictórica, revelaria a busca de um espaço "pleno", em que os volumes se mantêm conectados, abdicando da presença de vazio na escultura. Por outro lado,são analisadasas inversões provocadas por presenças negativas. Esse conceito amplo de intervenção negativaé aqui abordado a partir das construções metafisicas de De Chirico, onde volumes tomam forma para indicar o local de sua ausência. São analisados alguns procedimentos de Marcel Duchamp, concebidos para desestruturar os códigos de representação, e, no âmbito da arte brasileira,o artista Carlos Fajar do estaria aqui relacionado a esta atitude. Num segundo capítulo,apresento algumas obras por mim produzidas / Abstract: The object of study of this dissertation are the variations among contento contention, and dispersion in art. The first argument comes from the verification of producedures stemming from painting being used in contemporary sculptural practices, more precisely, in some works by the Brazilian artist Tunga. In a set of sculptures that pays homage to Morandi, the artist sculpts urns and calices in bronze and then coats them with make-up.The three operations involvedin production carry a huge symbolic charge, acting, at the same time, as a sort of pictural procedures metaphor. The "fat" element, thus represented as the bond betwen the full and the empty in the sculpture, is to be found present in ali the artist's work, as well as in those of other contemporary artists who use soft masses as an expressive means in their works.Thissearch for soft masses,denominated as pictorial search in this text, reveals the quest for a "plain" space in wich the volumes remain connected, thus abdicating the presence of emptiness in the work. On the other hand, inversions provoked by negative presences are also analysed. The wide concept of negative intervention is dealt with in the text as of metaphysical constructions by De Chirico, where volumes take shape to show the place of its absence. Some of Marcel Duchamp's procedures are also analysed, conceived to destructuralize codes of representation and, in the area of brazilian art, Carlos Fajardo's attitude to the above is considered as well. In the second chapter, some of my own work is presented. / Mestrado / Mestre em Artes

En la tesi Històries de paraula plàstica, intentem fer una incursió sobre la utilització del llenguatge escrit i de la narració d'històries en el camp de les arts visuals. En aquest sentit, la incorporació del registre verbal en el discurs artístic va implicar un gir ja en les primeres avantguardes i, des d'aleshores, la paraula s'ha convertit en un recurs més dels processos plàstics de creació actual. D'aquesta manera i prenent com a punt de partida una revisió històrica sobre la imbricació del llenguatge en l'objecte artístic, descobrirem cóm el cartell publicitari va ser el gran iniciador d'aquesta relació. Assenyalar que al llarg del treball citarem un conjunt d'artistes que desenvolupen la seua concepció de l'art com un sistema de comunicació, deixant de banda el discurs purament objectual i formalista. Repassarem cóm la tipografia, els suports, l'escriptura a mà o la composició i la disposició del text han afectat a les possibilitats creatives. Acabant aquest apartat amb el repàs de dos artistes que fan ús de l'escriptura en les seues obres: Robert Frank i Shirin Neshat. Seguint amb un recull de creadors que aprofiten les tècniques publicitàries per enviar missatges. Frases plenes de contingut i dissenyades per a l'espai públic com les de Guerrilla Girls, Bàrbara Kruger o Jenny Holzer. Es tracta d'artistes que per mitjà de les estratègies del món publicitari, la cultura de masses, el cartellisme, etcètera, han utilitzat el llenguatge com a instrument de mediació, per tal de transformar l'art en un signe social i qüestionar valors establerts sobre la identitat ètnica, sexual o la diversitat cultural. Poc a poc, les paraules han anat estenent-se i convertint-se en frases més llargues, per aquest motiu estudiarem la lectura com a vehicle per a entendre i el text com a element facilitador de la comprensió i del gaudiment d'una obra. El camí seguit fins ara, ens fa necessari introduir el segon element que per a nosaltres ajudarà en la comprensió de les històrie / Vilar García, S. (2007). Històries de paraula plàstica. Contar històries mitjançant la imatge i el text en el discurs artístic contemporani [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/1903

Félix González Torres (1957-1996) fue un artista de origen cubano que pasó su adolescencia en Puerto Rico y se mudó al finalizar la década de los 70 hacia Nueva York, donde desarrollaría en pocos años una estelar trayectoria artística, antes de morir bajo las secuelas de una infección de VIH. Entre las características más sobresalientes de su obra, la crítica ha destacado su capacidad para enlazar claves formales del discurso artístico dominante (procedentes por ejemplo del minimalismo y del arte conceptual) a intereses vinculados con experiencias cotidianas de orden personal. La Tesis Doctoral toma como enclave la relación que éste mantiene con su pareja sentimental, Ross Laycock, para analizar cómo en sus fotografías sobre papel, fotografías sobre rompecabezas y fotografías sobre acetato (también conocidas como fotostatos) se plantea ese delicado registro en un contexto conservador y plagado de incertidumbre. En el transcurso del trabajo salen a relucir preocupaciones temáticas como el SIDA, la relación entre lo privado y lo público y la dificultad de elaborar un marco pertinente y adecuado desde el cual llegar a contar de forma relevante las experiencias del artista que resultan marginales bajo el periodo de tiempo en cuestión. Esta última consideración plantea a su vez una serie de interrogantes en torno a ciertas normas sociales, como la elaboración de la masculinidad y la concepción de la familia, y a ciertos valores de juicio, como lo que estimamos ser familiar y extraño (es decir, temas que corresponden a esa dificultad de construir un sentido de lo personal bajo un periodo de tiempo altamente mediatizado, regido por la sobreproducción de información). Nuestra investigación aborda la compleja relación que en torno a estos temas elaboran las piezas en cuestión para comprender cómo negocian estratégicamente la agenda del artista y esclarecer las reglas del juego que éste establece y redefine para constituir el proceso de producción de sentido que le interesa. / Badías Mangual, A. (2005). Del sentido particular a la información compartida: la producción fotográfica de Félix González Torres sobre ejemplares limitados (fotografías sobre papel, rompecabezas y acetato) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/7585

Escultora / El trabajo que se presenta a continuación no corresponde al sustento escrito habitual que producen los estudiantes egresados de Artes Visuales para obtener su título, sino a un trabajo de escritura sui géneris, en el que Alejandra confió sus ideas y reflexiones a Claudia Alzamora, su intérprete y contraparte en el mundo de los oyentes. Ella, a su vez, me tradujo e interpretó cada pensamiento y abstracción expresada para poder ser escrita. Así, se me invitó a trabajar con una dupla que llevaba tiempo lidiando con las exigencias y desafíos que se presentan a lo largo de la carrera y que triunfalmente, ya se encontraba en la fase final del pregrado, antes de la titulación

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A presente dissertação de mestrado traz como foco a questão da escala em obras de arte, arquitetura e design. Está estruturada em três partes principais. Na primeira parte são apresentadas abordagens teóricas sobre o conceito de escala, percorrendo estudos sobre seus principais significados e aplicações nestes campos do conhecimento, a relação do corpo humano como parâmetro dimensional e os conceitos de massa, volume e espaço, além de abordar a teoria do estranhamento, idealizada por Chklóvski e o conflito entre conhecimento e experiência, proposto por Maderuelo. Na segunda parte, são expostas obras de arte, arquitetura e design que evidenciam algumas das possibilidades fornecidas pela manipulação da escala. Na terceira e última parte foram destacadas três obras de arte cuja forma é um cubo, sendo elas; Die (1962), de Tony Smith; a obra sem título (quatro cubos espelhados, 1965), de Robert Morris e Cruzeiro do Sul (1969-1970), de Cildo Meireles. A partir desta seleção sugeriu-se a sistematização das ideias apresentadas anteriormente como ferramentas de análise e reflexão aplicáveis a processos criativos. / This dissertation brings focus on the issue of scale in works of art, architecture and design. Is structured into three main parts. In the first part theoretical approaches to the concept of scale are presented, covering studies on its main meanings and applications in these fields of knowledge, the relation of the human body as a dimensional parameter and the concepts of mass, volume and space, in addition, presents the theory of estrangement, idealized by Chklóvski and the conflict between knowledge and experience, proposed by Maderuelo. In the second part are exhibited works of art, architecture and design which highlight some of the possibilities provided by the manipulation of scale. In the third and final part, three works of art whose form is a cube are shown, they are Die (1962), of Tony Smith, the Untitled work (Four mirrored cubes, 1965) of Robert Morris and Cruzeiro do Sul (1969- 1970), of Cildo Meireles, and from this selection suggest the systematization of ideas previously presented as tools for analysis and reflection applicable in creative processes.