Esforzados en reproducir una realidad más real que la propia realidad, hace años que las tecnologías de la imagen emplean recursos cada vez más sofisticados con los que elaborar y construir un lenguaje propio. Resulta evidente el desarrollo en estos últimos treinta años de aplicaciones que integran la técnica de chroma-key como un elemento más de su discurso. Este recurso unido a los diferentes medios que lo emplean (Cine, Televisión,Videoarte) supone una ampliación formal y expresiva del lenguaje audiovisual. Realizar un estudio sobre las diferentes aplicaciones que se le ha dado al uso del chroma-key, intentando indagar detrás de la tecnología para ver las necesidades que ha llevado a los autores a escogerla y qué uso hacen de ella y cómo la integran en su discurso. Hemos podido observar que existen diferencias manifiestas en la manera que tienen de aplicar el Cine, la Televisión y el Videoarte estos recursos. En el caso del Cine, nos interesa por su uso casi imperceptible del chroma-key ya en la década de los sesenta. En la Televisión, observamos que en los últimos veinte años se ha incorporado una nueva forma de representación: el decorado virtual. El Videoarte desde su nacimiento (años sesenta) emplea el chroma-key de una manera mucho más evidente, priorizando lo experimental que tiene el medio frente a la ilusión de realidad propia del Cine. A partir de la revolución informática en los noventa, observamos que muchas prácticas artísticas se engloban dentro de lo que se denomina "interactivas". Aquí también hemos encontrado algún ejemplo de utilización del chroma-key, que permite esta interactividad entre los espectadores y la propia obra. El objetivo de este estudio pretende un análisis formal de estas prácticas con chroma-key, con el fin de establecer el uso expresivo que se deriva del empleo de este recurso. / Furió Vita, D. (2008). Posibilidades artísticas de la imagen electrónica: el Chroma-key [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/3343

El objetivo principal de esta tesis ha sido desarrollar un análisis de las recientes transformaciones metodológicas y conceptuales en la creación y producción en la danza contemporánea, que son debidas a la introducción de las nuevas tecnologías digitales y su relación con el contexto artístico contemporáneo. Los artistas, cada vez más, van percibiendo el paradigma cibernético que ha estado configurando la sociedad contemporánea, en la cual las transformaciones tecnológicas que se reflejan en las artes, evocan y revelan nuevos modos de trabajo y producción, resultado de la conjunción entre arte y tecnologías. El uso de softwares para crear coreografías, para promover la comunicación y la creación colaborativa a través de redes de trabajo, y para promover conceptuaciones híbridas del lenguaje de la danza y de los sistemas interactivos, son algunos ejemplos que ayudan a ilustrar las maneras por las cuales esos nuevos procesos tecnológicos están siendo empleados por los coreógrafos contemporáneos, incluyendo a la autora, que amplían los conceptos anteriores de espacio, tiempo y cuerpo en la danza. / Martinez Pimentel, LC. (2008). El cuerpo híbrido en la danza: transformaciones en el lenguaje coreográfico a partir de las tecnologías digitales. Análisis teórico y propuestas experimentales [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/3838

En esta tesis se analizan, en el contexto de distintos momentos históricos, intervenciones proactivas artísticas en los medios audiovisuales, con el fin de descubrir, comparar y comprender su papel como agitadores sociales y su contribución al desarrollo hacia la sostenibilidad, analizando especialmente: Los primeros tratamientos escultóricos de los aparatos televisivos a finales de la década 50; diversas facetas del vídeo contracultural en las décadas de los años 60 y 70; movimientos de televisiones piratas e intervenciones tácticas en los medios de información de masas que florecieron a partir de la década de los 90, y, más recientemente, la gran proliferación de redes de audiovisuales comunitarias en los diferentes ámbitos sociales y tecnológicos. En estas prácticas influye el ambiguo campo semántico que el medio televisivo ha adquirido a partir de la segunda mitad de los años 70, al cual nos referimos aquí con el concepto televisiónTM, cuyo radio de influencia se expande como hilo conductor durante todo el periodo histórico que cubre esta tesis. Así, desde la década de los 50 hasta la actualidad, se ha analizado cómo, en las relaciones que se establecen entre las tendencias del tejido social y las prácticas proactivas audiovisuales, se perfilan diversos métodos, actitudes y matizaciones que reflejan factores constantes y variables a lo largo de ese periodo. El análisis de todo ello nos conduce a un campo de actuación artístico y cultural que interviene como una forma de "media-ecología" sobre el imaginario colectivo, y que es al mismo tiempo nuestro medioambiente mental. / Bittner, G. (2011). Del Manifesto spaziale per la televisione 1952, 1 GATT.ORG, 2008 y Canal accesible, 2006: análisis de las transformaciones de las prácticas proactivas en los medios audiovisuales y su interrelación con el contexto social y mediático [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/9685

[EN] ABSTRACT Today Contemporary Art is presented to us through a multifaceted perspective where the limits between disciplines have been blurred, expanded, and altered. This Thesis, The Stamp that Occupies the Space. Multiple Art and Installation. Walking the Limits of Contemporary Graphic Art, recaps historically, conceptually, and visually how these boundaries are both fading and fusing, essentially from the multiple art and installation, to an art totally free from technical terms and formal restrictions. Throughout this study, an evolutionary and global status of Graphic Art is presented through a concept that had a restrictive start but is now allowing a substantial change to occur in the way that we understand Graphic Art today: a much more interdisciplinary, creative, and attractive media. Because of this multiple process qualities, graphic art is expanding the frontiers that once situated it as a conventional and encapsulated mean, to play an essential part in Contemporary Art. Truthfully, there are many issues and concepts that are still being revised along with many to come in order to allow multiple media to progress at the pace of its praxis. This, without a doubt, is one of the research objectives: to implement a reflection regarding the concept and practice of the art in order to amplify our focus on the matter. Multiple art expands its creations to other disciplines in order to achieve its proper place in the XXI century: a place where it finds in installation, performance, or intervention that develops its potential as a multiple, dynamic, and experimental creational mean. / [ES] RESUMEN El arte contemporáneo se nos presenta hoy día desde una perspectiva poliédrica en la que los límites entre disciplinas se ha difuminado, expandido y alterado. La tesis que aquí se presenta, La estampa que habita el espacio. Arte múltiple e instalación. Recorriendo los límites de la gráfica contemporánea. Hace un recorrido histórico, conceptual y visual de cómo esas fronteras están desapareciendo e hibridando, esencialmente desde el arte múltiple y la instalación, en pos de un arte total libre de apelativos técnicos y restricciones formales. A lo largo del estudio se presenta una evolución inicial y global del estatus de la gráfica, una concepción que comenzó como restringida está dando paso a un cambio sustancial en la forma de entender el arte gráfico como un medio mucho más interdisciplinar, creativo y por consiguiente atractivo. Es precisamente por sus cualidades en cuanto a proceso múltiple, que el arte gráfico está ampliando las fronteras que lo situaban como un medio convencional y en cierto modo encapsulado, para jugar hoy un papel esencial dentro del arte contemporáneo. Lo cierto es que hay muchas cuestiones y conceptos que están siendo revisados y muchos otros que todavía deben serlo, para que el medio múltiple avance al ritmo al que lo hace su praxis. Este es sin duda, uno de los objetivos que persigue esta investigación: plantear una reflexión sobre el concepto y la práctica de la gráfica, que nos conduzca a un enfoque mucho más amplio de la misma. Hasta el punto de ver cómo el arte múltiple expande sus creaciones a otras disciplinas, para situar y concebir una estampa propia del siglo XXI, que encuentra en la instalación, la performance o la intervención un lugar propio en el que desarrollar su potencial como medio de creación múltiple, dinámico y experimental. / [CA] RESUM L'art contemporani se'ns presenta avui dia des d'una perspectiva polièdrica en la qual els límits entre disciplines s'ha difuminat, expandit i alterat. La tesi que ací es presenta, L'estampa que habita l'espai. Art múltiple i instal·lació. Recorrent els límits de la gràfica contemporània. Fa un recorregut històric, conceptual i visual de com aquestes fronteres estan desapareixent i hibridant, essencialment des de l'art múltiple i la instal·lació, darrere d'un art total lliure d'apel·latius tècnics i restriccions formals. Al llarg de l'estudi es presenta una evolució inicial i global de l'estatus de la gràfica, una concepció que va començar com restringida està donant pas a un canvi substancial en la forma d'entendre l'art gràfic com un mitjà molt més interdisciplinari, creatiu i per tant atractiu. És precisament per les seues qualitats quant a procés múltiple, que l'art gràfic està ampliant les fronteres que ho situaven com un mitjà convencional i en certa manera encapsulat, per a jugar avui un paper essencial dins de l'art contemporani. La veritat és que hi ha moltes qüestions i conceptes que estan sent revisats i molts uns altres que encara han de ser-ho, perquè el mitjà múltiple avança al ritme al que ho fa la seua praxi. És sens dubte, un dels objectius que persegueix aquesta recerca: plantejar una reflexió sobre el concepte i la pràctica de la gràfica, que ens conduïsca a un enfocament molt més ampli de la mateixa. Fins al punt de veure com l'art múltiple expandeix les seues creacions a altres disciplines, per a situar i concebre una estampa pròpia del segle XXI, que troba en la instal·lació, la performance o la intervenció un lloc propi en el qual desenvolupar el seu potencial com a mitjà de creació múltiple, dinàmic i experimental. / Gallardo Fernández, V. (2015). LA ESTAMPA QUE HABITA EL ESPACIO. Arte múltiple e Instalación. Recorriendo los límites de la gráfica contemporánea [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/52026

[EN] This present Doctoral Thesis comes up from the personal researching necessity in the field of the sculptural reproduction in subtractive materials. Generally these materials, stones, marbles, wood, etc. have been gradually from the contemporary sculptural scene, why? The work has been outlined from the duality, the dichotomy and the concepts and techniques that are used in direct or indirect carving. Just with the purpose of justifying the objectives, it is necessary to carry out, in first place, a historical revision about the methods, procedures and direct and indirect reproduction systems in the subtractive processes. We are continually leaning on in writings and quotations, as well as on extracted conclusions from the fieldwork about pieces whose existence is not documentary written; they are even sometimes deduced or they sense certain processes that are transcribed here. The second point has been thought about under a descriptive point of view the indirect subtractive sculptural processes through mechanical measuring (in points), being able of publishing so that it can help and support the Sculpture Professionals and Fine Arts Students or the postgraduates to clarify in a technical and conceptual way the technical processes of measures transfer in substractive processes and their applications in other procedures and materials. The personal contributions become important in this section since not all the sculptors can be allowed to use the last technologies, unless it is a type of order, and form the empirical point of view of the author, it offers a series of proposals and alternative processual practices that the sculptor can tackle in his study. The last point is a way through which it is tried to demonstrate and to outline the unknown factors about the original hypothesis: is it possible to create a contemporary speech or language starting from the indirect subtractive processes?. The exposed examples leave no room for doubt that a way of experimentation and investigation in the world of indirect reproduction is opened, as in the use of traditional techniques as in the last technologies, as well as in the use of other materials, new or traditional, able to be carved. / [ES] La presente Tesis Doctoral surge de la necesidad investigadora personal en el campo de la reproducción escultórica en materiales sustractivos. Generalmente estos materiales, piedras, mármoles, maderas, etc. se han ido apartando del escenario escultórico contemporáneo, ¿POR QUÉ? Se ha planteado el trabajo desde la dualidad, la dicotomía y los conceptos y técnicas que se usan en la talla directa - talla indirecta. Con el fin de justificar los objetivos, es necesario realizar, en primer lugar, una revisión histórica sobre los métodos, procedimientos y sistemas de reproducción tanto directa como indirecta en los procesos sustractivos. Continuamente nos estamos apoyando en escritos y citas, así como en conclusiones extraídas del trabajo de campo sobre piezas de las que no existe documentación escrita; incluso, a veces, se deducen o intuyen procesos determinados, que se transcriben aquí. El segundo punto se ha planteado bajo un punto de vista descriptivo de los procesos escultóricos sustractivos indirectos por medición mecánica (por puntos), pudiendo ser susceptible de publicación que ayude y apoye a Profesionales de la Escultura y a Estudiantes de Bellas Artes, a postgrados a clarificar técnica y conceptualmente los procesos técnicos de traslado de medidas en procesos sustractivos y sus aplicaciones en otros procedimientos y materiales. Las aportaciones personales cobran importancia en este apartado dado que no todos los escultores pueden permitirse la utilización de las últimas tecnologías, a no ser que se trate de algún encargo y, bajo el punto de vista empírico del autor, ofrece una serie de propuestas y alternativas procesuales prácticas que el escultor puede abordar en su estudio. El último punto es una vía por donde se pretende llegar a demostrar y plantear las incógnitas acerca de la hipótesis primigenia: ¿se puede generar un discurso o lenguaje contemporáneo a partir de los procesos sustractivos indirectos? Con los ejemplos expuestos, no dejan ningún lugar a duda de que se abre una vía de experimentación e investigación en el mundo de la reproducción indirecta, tanto en la utilización de técnicas tradicionales como en las últimas tecnologías, así como en la utilización de otros materiales, nuevos o tradicionales, susceptibles de ser tallados. / [CA] La present Tesi Doctoral sorgeix de la necessitat investigadora personal en el camp de la reproducció escultòrica en materials sustractius. Generalment aquestos materials, pedres, marbres, fustes, etc. s'han anat apartant de l'escenari escultòric contemporani, PER QUÈ? Ha sigut plantejat el treball des de la dualitat, la dicotomia i els conceptes i tècniques que s’utilitzen en la talla directa - talla indirecta. A fi de justificar els objectius és necessari realitzar, en primer lloc, una revisió històrica sobre els mètodes, procediments i sistemes de reproducció, tant directa com indirecta, en els processos sustractius. Contínuament ens estem recolzant en escrits i cites, així com en conclusions extretes del treball de camp sobre peces de les quals no hi ha documentació escrita, fins i tot, de vegades, dedueixen o intuïxen processos determinats, que es transcriuen ací. El segon punt s'ha plantejat baix un punt de vista descriptiu dels processos escultòrics sustractius indirectes per mesura mecànica (per punts), podent ser susceptible de publicació que ajude i recolze a Professionals de l'Escultura i a Estudiants de Belles Arts, així com a postgraus a aclarir tant tècnica com conceptualment els processos tècnics de trasllat de mesures en processos sustractius i les seues aplicacions en altres procediments i materials. Les aportacions personals cobren importància en aquest apartat atés que no tots els escultors poden permetre's la utilització de les últimes tecnologies, llevat que es tracte d'algun encàrrec, i baix el punt de vista empíric de l'autor, ofereix una sèrie de propostes i alternatives procesuals pràctiques que l'escultor pot abordar en el seu estudi. L'últim punt és una via per on es pretén arribar a demostrar i plantejar les incògnites sobre la hipòtesi primigènia: es pot generar un discurs o llenguatge contemporani a partir dels processos sustractius indirectes?. Amb els exemples exposats, no deixen cap lloc a dubte que s'obri una via d'experimentació i investigació en el món de la reproducció indirecta, tant en la utilització de tècniques tradicionals com en les últimes tecnologies, així com en la utilització d'altres materials, nous o tradicionals, susceptibles de ser tallats. / Gil Igual, MJ. (2004). Procesos y procedimientos escultóricos sustractivos y su repercusión en la creación escultórica contemporánea [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/53259

[EN] Sound sculpture as object and sonic body: Creatives propositions from the "Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore" -GReSAS- Quebec, 2005 - 2011 The subject of this investigation is to deepen our understanding of the analogic equivalence between a sculptural object and sound phenomena in order to comprehend the sculptural and sonic event as a hybrid visual art phenomena, at once spatial and time based art, and in which measure the concept of sonic body integrates into this new dynamic environment. This thesis is built in three chapters: The first chapter traces the evolution of sound sculpture toward installations and sound environments. Chapter two focuses on contaminations of sculptural phenomena by disciplines foreign to the spatial arts, specifically from theater and time based art. The final chapter underscores other significant influences which have tranformed the way of producing sculpture as well as sonic sculptural events collectively, through interactive and participatory strategies. Parallel investigations analize the experimental practices of the 'Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore' (GReSAS) from Quebec between 2005 and 2011. The general motivation for this research responds to two preoccupations: The way in which one makes sculpture today, and how the contemporary artistic evento generates sense. With these points of departure, the chosen methodology favors an analogous analysis anchored in concret phenomena in order to grasp the theoretical and practical aspects of our general objetive and, simultaneously, allows the development of an experimental framework for open, creative and collective production. Three essential objectives of the present thesis are, first of all, to analyze sculpture as sound object in its various manifestations by interesting ourselves in the practical articulation of this movement of sculpture towards a sound object during the XXth century which will allow us to understand the context in which a sound object may attain the possibility of being art. Two, to further comprehend the expansion of sound sculpture towards a sonic body and its possible expressions by examining the evolution of the sculptural field, the manifestations and events where a sound component is imperative and essential to the work. Although, far from a complete inventory of the phenomenon, we have underlined works which are indicative of possible sonic bodies to better understand the binomial space - time, of the inalienable nature of both terms as they are anchored in materiality. Three, to demonstrate that a work may be dependent on its three-dimensional form and on its sound consequences because without these two components there would be no such work of art. Simultaneously, in accordance with our methodology, we apply in a creative way the double conception refered to in the previous points through collective projects realized by the GReSAS from Quebec (since its foundation in 2005 until 2011) to further understand the multiple transformations of the sculptural object toward a sound object and a possible sonic body. The results obtained demonstrate that the concept of a minimum of image is essential to the ontological condition necessary for the sculptural to appear concretely. The expansion of this 'povera' concept into the theatrical leads us to affirm a second ontological condition, that of a minimum of theatricality in action art events and art performance. Equally significant in an open search for meaning is the deleuzian concept of 'mot-valise', when applied to action and art performance, sheading light on a new unicity in art actions and daily life media. Experimentation situates the sonic body in actuality and facilitates a new understanding of this vibrant body. / [ES] El propósito de esta investigación ha sido indagar en la equivalencia analógica entre el objeto escultórico y el fenómeno sonoro para poder acceder a un entendimiento global del evento escultórico-sonoro como fenómeno híbrido de arte visual, a la vez que del espacio y del tiempo, y también en qué medida el concepto de cuerpo sónico se integra en este nuevo y cambiante entorno dinámico. Esta tesis ha sido estructurada en tres capítulos: El primero se centra en la evolución de la escultura sonora hacia las diversas formas de producir instalaciones y entornos sonoros. El segundo capítulo está enfocado en las peculiaridades de las distintas contaminaciones que sufre el fenómeno escultórico por el uso de disciplinas ajenas a las artes del espacio, es decir desde las artes del tiempo y del espectáculo. El tercer y último capítulo investiga otras muchas influencias significantes que han transformado la manera de producir tanto la escultura como los eventos escultórico-sonoros producidos colectivamente, tanto interactivos como participativos. En paralelo, asimismo hemos analizado las prácticas experimentales llevadas a cabo por el 'Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore' (GReSAS) de Quebec entre 2005 y 2011. La motivación general de la presente investigación responde a dos inquietudes actuales, a saber, la manera de hacer escultura, hoy en día, y cómo el evento artístico contemporáneo genera sentido. Con estos puntos de partida, la metodología elegida favorece un análisis analógico anclado en fenómenos concretos para profundizar en los aspectos teóricos y prácticos del objetivo general que, en paralelo, nos permite desarrollar un protocolo de creación experimental abierto y colectivo. Destacaremos, no obstante, tres objetivos primordiales. Uno: analizamos la escultura como objeto sonoro en sus diferentes manifestaciones, interesándonos sobre todo por la articulación práctica de este movimiento en particular de la escultura hacia un objeto sonoro a lo largo del siglo XX, que nos llevará a saber cuál es el contexto donde un objeto sonoro alcanza la posibilidad de ser arte. Dos: profundizamos en la expansión de la escultura sonora hacia un cuerpo sónico y, también, sus posibles expresiones examinando la evolución del campo escultórico hacia manifestaciones y eventos donde una componente sonora se impone en la esencia de la obra; aunque, lejos de intentar elaborar un inventario completo del fenómeno, hemos intentado subrayar aquellas obras que nos han servido para ejemplificar algunos fenómenos indicativos de ser posibles cuerpos sónicos y hemos tratado de llegar a una comprensión del binomio espacio-tiempo, incidiendo -asimismo- en la indisolubilidad de ambos términos, pues los dos están anclados en lo matérico. Y tres, demostramos que una obra es dependiente tanto de su forma tridimensional como de sus consecuencias sonoras, puesto que sin la una y sin la otra no habría obra de arte, y al mismo tiempo y siguiendo con el objeto de estudio, hemos aplicado de manera creativa la doble concepción a que hacíamos referencia en los puntos anteriores por medio de los proyectos realizados por el GReSAS (desde su creación en 2005 hasta 2011), indagando en las múltiples transformaciones posibles del objeto escultórico como objeto sonoro y como cuerpo sónico a la vez en los proyectos colectivos llevados a cabo por el GReSAS de Quebec. Los resultados obtenidos demuestran que el concepto mínimo de imagen es imprescindible a la condición ontológica escultórica de aparecer en concreto, con la expansión de este concepto 'poverista' hacia un mínimo de teatralización en cuanto se refiere al evento artístico. Igualmente útil, es la aportación del concepto deleuziano de 'mot-valise' que, cuando es aplicado al arte de acción o a una performance de arte, nos permite vislumbrar una nueva unicidad en la actuación artística y en el acto vivencial. La experimentación sitúa el cuerp / [CA] El propòsit d'aquesta investigació ha estat aprofundir en l'equivalència analògica entre l'objecte escultòric i el fenomen sonor per tal de poder accedir a un enteniment global de l'event escultòric-sonor com a fenomen híbrid d'art visual, a la vegada que de l'espai i del temps, i també en quina mesura el concepte de cos sònic s'integra en este nou i canviant entorn dinàmic. Esta tesis s'ha estructurat en tres capítols: El primer se centra en l'evolució de l'escultura sonora cap a les diverses formes de produir instal·lacions i entorns sonors. El segon capítol està enfocat en las peculiaritats de las distintes contaminacions que sofreix el fenomen escultòric per l'ús de disciplines alienes a les arts de l'espai, es a dir des de les arts del temps i de l'espectacle. El tercer i últim capítol investiga altres moltes influències significants que han transformat la manera de produir tant l'escultura com els esdeveniments escultòric-sonors produïts col·lectivament, tant interactius com participatius. En paral·lel, així mateix hem analitzat les pràctiques experimentals fetes pel 'Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore' (GReSAS) de Quebec entre 2005 y 2011. Aleshores, la motivació general de la present investigació respon a dues inquietuds actuals, a saber, la manera de fer escultura, avui en dia, i com l'esdeveniment artístic contemporani genera sentit. Amb aquests punts de partida, la metodologia elegida afavoreix un anàlisi analògic ancorat en fenòmens concrets per tal d'aprofundir en els aspectes teòrics i pràctics de l'objectiu general que, en paral·lel, ens permet desenrotllar un protocol de creació experimental obert i col·lectiu. Destacarem, no obstant, tres objectius primordials. Un: analitzem l'escultura com a objecte sonor en les seues diferents manifestacions, interessant-nos sobre tot per l'articulació pràctica d'aquest moviment en particular de l'escultura cap a un objecte sonor al llarg del tumultuós segle XX, que ens portarà a saber quin és el context on un objecte sonor abasta la possibilitat d'ésser art. Dos: aprofundim en l'expansió de l'escultura sonora cap a un cos sònic i, també, les seues possibles expressions examinant l'evolució del camp escultòric cap a manifestacions i esdeveniments on una component sonora s'imposa en l'essència de l'obra; encara que, lluny d'intentar elaborar un inventari complet del fenomen, hem intentat subratllar aquelles obres que ens han servit per a exemplificar alguns fenòmens indicatius de ser possibles cossos sònics i hem tractat d'arribar a una compren-sió del binomi espai-temps, tot i incidint en la indissolubilitat d'ambdós termes, puix els dos estan ancorats en allò matèric. I tres, demostrem que una obra és depenent tant de la seua forma tridimensional com de les seues conseqüències sonores, per tal com sense l'una i sense l'altra no hi hauria obra d'art, i al mateix temps i seguint amb l'objecte d'estudi, hem aplicat de manera creativa la doble concepció a la qual fèiem referència als punts anteriors mitjançant els projectes realitzats pel GReSAS (des de la seua creació al 2005 i fins 2011), indagant les múltiples transformacions possibles de l'objecte escultòric com a objecte sonor i com cos sònic a la vegada dins els projectes col·lectius portats a cap pel GReSAS de Quebec. Els resultats obtinguts demostren que el concepte de mínim d'imatge és imprescindible a la condició ontològica escultòrica de aparèixer en concret, amb l'expansió d'este concepte 'poverista' cap a un mínim de teatralització en quant es refereix a l'esde-veniment artístic. Igualment útil en una recerca de sentit obert és el concepte deleuzià de 'mot-valise' que, quan es aplicat a l'art d'acció o a una performance d'art, ens permet entreveure una nova unicitat en l'actuació artística i en l'acte vivencial. L'experimentació situa el cos sònic actual i facilita un nou enteniment d'ell mateix. / Leduc, Y. (2015). La escultura sonora como objeto y cuerpo sónico: Propuestas creativas dentro del "Groupe de Recherche en Sculpture et Art Sonore" -GReSAS- Quebec, 2005-2011 [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/58772

[EN] This research aims to study the concept of home and cabin -dweller where he became the habitat to link two possible experiential aspects : space as an ally , ally or as space, and the approach of our hypothesis is if the house has been conceived or not as allied and non-allied contemporary sculpture in space 1970 to 2015. the referents of architecture in which the research is based shall work of architects such as Mies van der Rohe , Le Corbusier , Robert Venturi or Smithson , among others; and the leaders of sculpture (which will be the working field ) , in which the research is based are works by artists such as Louise Bourgeois, Gordon Matta Clark , Leandro Erlich , Gloria Lapeña , Ilya Kabakov or Rachel Whiteread to illustrate a space no ally , and the work of Monica Alonso , Santiago Mayo, do Ho Suh or Ana Casas Broda and others to refer to allied space. To determine whether or not envision this concept in the artistic work, previously we define what we mean by two concepts: The first is erected by the inhabitants as a personal projection space that mutates and evolves with it, where the living space becomes a intimate, cozy, quiet and space saver, family and love, which can turn into a house where we talked about the link is maintained and respected, understanding this relationship as an alliance with his experiential space which is the place of events by definition of its inhabitants, who structured childhood memories and will rise as primitive stage in our unconscious space of reference for all our subsequent experiences. In the house ally endearing figure of the mother will be there to bring stability to this scheme domestic space where life flows through their stay accompanied furniture, fittings and other objects, which will populate the Allied and non-Allied house, and that the Like the concept of home, we revisit from artistic readings that we based our proposed hypothesis: partner / no partner. We try to find in all artistic proposals in this paper analogies, confluences and differences to argue and support our proposal to study characteristics that make an ally ally space and not space. Instead understand the house as space ally settle as an architecture of cold aura, the inhabitant will not care where the link to your space and where the home will become a mere recipient cabin necessary for life, more physiological than emotional where its inhabitants do not feel like the epicenter of habitability in the world, maybe it considers itself a place of survival, but not in foster care and welfare. Thus, talk of a disturbing, disturbing and hostile space. In order to realize the objectives of our research, we proceed to review descriptive work of artists of the late twentieth century to 2015. The results of this study will prove the assertion under our proposal and devoid devoid home this link with its inhabitant or not, the evidence that contemporary sculpture of 1970-2015 let us envision instances where some form of understanding space of residence of the individual in the world . / [ES] RESUMEN. La presente investigación pretende estudiar la casa como concepto de habitáculo donde deviene el vínculo hábitat-habitante hacia dos posibles vertientes experienciales: como espacio aliado, o como espacio no aliado, y el planteamiento de nuestra hipótesis será si la casa ha sido concebida o no como espacio aliado y no aliado en la escultura contemporánea de 1970 a 2015. Los referentes de arquitectura en los que se apoya la investigación serán obra de arquitectos como Mies van der Rohe, Le Corbusier, Robert Venturi o los Smithson, entre otros; y los referentes de escultura (que va a ser el campo de trabajo), en los que se apoya la investigación serán obras de artistas como Louise Bourgeois, Gordon Matta Clark, Leandro Erlich, Gloria Lapeña, Rachel Whiteread o Ilya Kabakov para ilustrar un espacio no aliado, y la obra de Mónica Alonso, Santiago Mayo, Do Ho Suh o Ana Casas Broda entre otros para hacer referencia al espacio aliado. Para determinar si vislumbramos esta concepción o no en la obra artística, definiremos previamente lo que entendemos por ambos conceptos: El primero queda erigido por el morador como un espacio de proyección personal que muta y evoluciona con él, donde el espacio habitado se convierte en un espacio íntimo, acogedor, de sosiego y protector, de familia y de amor, que puede devenir en una casa donde el vínculo del que hablamos sea cuidado y respetado, entendiendo este vínculo como una alianza con su espacio vivencial el cual es el lugar de acontecimientos por definición de su morador, el que estructurará los recuerdos de infancia y se elevará como escenario primigenio en nuestro inconsciente para ser espacio de referencia de todas nuestras vivencias posteriores. En la casa aliada la figura de la madre entrañable estará presente para aportar esquemas de estabilidad a este espacio doméstico donde la vida fluye por sus estancias acompañada de enseres, muebles y demás objetos, los cuales poblarán la casa aliada y no aliada, y que al igual que el concepto de casa, revisitaremos desde lecturas artísticas que analizaremos partiendo de nuestra hipótesis planteada: aliado/no aliado. Intentaremos encontrar en todas las propuestas artísticas recogidas en este trabajo las analogías, confluencias o diferencias para poder argumentar y respaldar nuestra propuesta de estudio, características que conforman un espacio aliado y un espacio no aliado. Entendemos por el contrario que la casa como espacio no aliado se conformará como una arquitectura de aura fría, donde el habitante no cuidará el vínculo con su espacio y donde el hogar se convertirá en un mero habitáculo receptor necesario para la vida, más fisiológica que emocional, donde su habitante no lo sentirá como el epicentro de su habitabilidad en el mundo, puede que sí lo considere un lugar de supervivencia, pero no de acogimiento y de bienestar. Así, hablaremos de un espacio desasosegante, inquietante y hostil. Con el fin de dar cuenta de los objetivos de nuestra investigación, se procede a la revisión de tipo descriptivo de obra de artistas de finales de siglo XX hasta 2015. Los resultados del estudio permitirán evidenciar la afirmación bajo nuestra propuesta de la casa carente y desprovista de este vínculo con su habitante o no, la evidencia de que la escultura contemporánea de 1970 a 2015 nos deja ejemplos donde vislumbramos una u otra forma de entender el espacio de residencia del individuo en el mundo. / [CA] La present investigació pretén estudiar la casa com a concepte d'habitacle on esdevé el vincle hàbitat - habitant cap a dues possibles vessants experiencials : com a espai aliat, o com a espai no aliat, i el plantejament de la nostra hipòtesi serà si la casa ha estat concebuda o no com espai aliat i no aliat en l'escultura contemporània de 1970 a 2015. els referents d'arquitectura en què es dóna suport a la investigació seran obra d'arquitectes com Mies van der Rohe , Le Corbusier , Robert Venturi o els Smithson , entre d'altres ; i els referents d'escultura ( que serà el camp de treball ) , en els quals es dóna suport a la investigació seran obres d'artistes com Louise Bourgeois , Gordon Matta Clark , Leandro Erlich , Glòria Lapeña , Rachel Whiteread o Ilya Kabakov per il¿lustrar un espai no aliat, i l'obra de Mónica Alonso , Santiago maig, Do Ho Suh o Ana Cases Broda entre d'altres per fer referència a l'espai aliat. Per determinar si albirem aquesta concepció o no en l'obra artística, definirem prèviament el que entenem per ambdós conceptes: El primer queda erigit pel habitant com un espai de projecció personal que muta i evoluciona amb ell, on l'espai habitat esdevé un espai íntim, acollidor, d'assossec i protector, de família i d'amor, que pot esdevenir en una casa on el vincle de què parlem sigui cuidat i respectat, entenent aquest vincle com una aliança amb el seu espai vivencial el qual és el lloc d'esdeveniments per definició del seu habitant, el que estructurarà els records d'infància i s'elevarà com a escenari primigeni en el nostre inconscient per ser espai de referència de totes les nostres vivències posteriors. A la casa aliada la figura de la mare entranyable estarà present per aportar esquemes d'estabilitat a aquest espai domèstic on la vida flueix per les seves estades acompanyada d'estris, mobles i altres objectes, els quals poblaran la casa aliada i no aliada, i que al igual que el concepte de casa, revisitaremos des lectures artístiques que analitzarem partint de la nostra hipòtesi plantejada: aliat / no aliat. Intentarem trobar a totes les propostes artístiques recollides en aquest treball les analogies, confluències o diferències per poder argumentar i donar suport la nostra proposta d'estudi, característiques que conformen un espai aliat i un espai no aliat. Entenem per contra que la casa com a espai no aliat es conformarà com una arquitectura d'aura freda, on l'habitant no cuidarà el vincle amb el seu espai i on la llar es convertirà en un mer habitacle receptor necessari per a la vida, més fisiològica que emocional , on el seu habitant no el sentirà com l'epicentre de la seva habitabilitat en el món, pot ser que sí que ho consideri un lloc de supervivència, però no d'acolliment i de benestar. Així, parlarem d'un espai inquietant, inquietant i hostil. Per tal de donar compte dels objectius de la nostra investigació, es procedeix a la revisió de tipus descriptiu d'obra d'artistes de finals de segle XX fins a 2015. Els resultats de l'estudi permetran evidenciar l'afirmació sota la nostra proposta de la casa sense i desproveïda d'aquest vincle amb el seu habitant o no, l'evidència que l'escultura contemporània de 1970-2015 ens deixa exemples on albirem una o altra forma d'entendre l'espai de residència de l'individu en el món. / Navarro Torregrosa, M. (2016). LA CASA COMO ESPACIO ALIADO Y NO ALIADO EN LA ESCULTURA CONTEMPORÁNEA DE 1970 A 2015 [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63449

Esta investigación quiere incidir en las pautas coyunturales de la práctica artística, considerando aspectos inherentes del comportamiento creativo, supeditados bajo parámetros de análisis y razonamiento. Estudio que permitirá revisar el carácter proyectual inmerso dentro de un contexto definido por disciplinas propias de discursos estéticos contemporáneos, haciendo así un intento de acercarse a planteamientos escultóricos de arte público. La posibilidad plástica de permitir la confluencia de ideas, materia y funcionalidad, quiere ser un intento de engendrar y combinar soluciones útiles y bellas, como respuesta a unos años de investigación ante una problemática en concreto: La Balaenoeptera physalus y su emplazamiento. El propósito de este trabajo es el de ofrecer una solución, técnicamente posible, a un problema estético real, en el que un objet trouvé, como es un esqueleto óseo de grandes dimensiones, pueda ser considerado como un objeto-escultura inmerso con los condicionantes propios de un espacio público. Pretensión esta última de convertir un elemento estructural, de bellísimas formas orgánicas, en la posibilidad de ser algo más que un esqueleto instalado en cualquier museo de ciencias naturales. Este estudio comprende una investigación teórica alrededor de la escultura pública, sus características, y los silogismos que permiten precisarla, así como también analizará la eterna y trascendental vinculación entre escultura y arquitectura, y el porqué ambas disciplinas, de manera axiomática, estarán supeditadas al espacio. Asimismo, esta tesis analizará ejemplos de autores y obras, íntimamente relacionados con la escultura y la arquitectura monumental contemporánea, perseverando en relaciones estratégicas de arte y ciencia, vinculadas específicamente con formas naturales orgánicas. Bajo estas investigaciones previas, de carácter vinculante con la escultura, arquitectura, espacio y naturaleza, la tesis desarrollará consideraciones proyectuales necesarias para poder / Chornet Roig, J. (2008). Consideracions projectuals aplicades a l'aspecte escultòric d'un element orgànic específic. Balaenoptera Physalus [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2282

El presente trabajo de investigación intenta dar cuerpo a una posibilidad de articulación teórico-práctica del paisaje en el campo de lo escultórico. De esta forma, se ha pretendido construir un itinerario reflexivo en torno a una serie de cuestiones ¿enunciadas por nuestras palabras clave¿, que fueron suscitadas por un conjunto de propuestas plásticas realizadas antes del inicio de este trabajo de investigación. Palabras clave: naturaleza, paisaje, ambiente, cuerpo, escultura, escultura en el campo expandido, fotografía, miniatura, mirada, deambulación, memoria, ausencia, vacío, proceso, proyecto, lenguaje, espacio, tiempo, teatro, estética y ética. Son varios los desafíos planteados. En primer lugar, el de no ceder a la tentación de que el autor hacedor se erija en comentador privilegiado de su propio trabajo. En segundo lugar el de usar un método y una estrategia que permita estar alerta en cuanto a la naturaleza muda del arte. La atención a la naturaleza muda del arte implica reconocer que el funcionamiento del lenguaje verbal es diferente al funcionamiento del lenguaje de la naturaleza muda de los materiales de la escultura. En otras palabras, no hay traducibilidad fiable entre lo que constituye el territorio de la práctica artística y lo que puede fijarse en lenguaje verbal (puesto que esta sujeta a interpretación). El reto fue emprender un método que fuera lo menos redundante posible en relación a la naturaleza propia del arte, haciendo que la propia articulación verbal de este itinerario meditativo acabase por ofrecer mejores puntos de apoyo y vectores de acción tanto para la práctica artística como académica, revelándose de este modo que en arte teoría y práctica no pueden ser consideradas en el ámbito de una investigación entidades separadas, sino, antes bien, un mismo campo que integra el hacer y el pensamiento. Los trabajos artísticos propios que motivaron la elección de las obras objeto del trabajo interpretativo fueron principalmente Vontade, 2004, (fig. 63) y Fadiga de estruturas, 2005-2006, (fig. 65). La primera fue realizada en un periodo inicial, previo a esta investigación, mientras que la segunda ya corresponde a este marco temporal, tal como Wander, 2007, (fig.66) y MAGMA, 2008, (figs. 69, 70, 71 y 72). Por último, podemos citar MEGAPARSECS 2012 (fig. 67), una obra que funciona como una suerte de corolario de nuestro itinerario meditativo, algo que se produjo naturalmente y sin que mediara ninguna acción programática previa. Todas estas propuestas fueron objeto de presentaciones públicas y recepciones por parte de la crítica especializada. En este sentido, todas las obras seleccionadas para figurar en el capítulo V tuvieron su existencia natural en el contexto nacional e internacional del circuito profesional del arte, incluyendo la participación en algunos premios internacionales, dos de los cuales precisamente en España. Por su parte, las dos obras objeto de nuestra interpretación fueron La forêt, 1950, (fig. 24) de Alberto Giacometti, y Uma Floresta para os teus sonhos, 1970, (fig. 41) de Alberto Carneiro, distantes entre sí veinte años, pero vinculadas entre sí, en la medida en que la obra de Giacometti es, asumidamente, una referencia del artista portugués. Ambos ¿bosques¿ encuentran su lugar en este trabajo al reflejar, cada uno a su modo, la transformación de las ideas de paisaje y escultura. El paisaje se presenta como algo que emana de la división dilacerante del hombre en relación a la naturaleza, expresada en la idea de paisaje ¿como vista¿, informada por la convención renacentista del espacio. El tiempo revelará que la noción de paisaje ¿como vista¿ ya no nos sirve, y en este contexto proponemos una nueva noción de paisaje basada en la deambulación. Nacida del esfuerzo moderno, a fin de relativizar la convención renacentista, y germinada por la fenomenología naciente, esta noción se mostrará útil para comprender el carácter paisajístico de La forêt y Uma floresta para os teus sonhos, respectivamente a dos niveles: el nivel del objeto esculpido en miniatura por un proceso de trabajo manual del artista y el nivel ambiental surgido de una concepción del arte como idea y de la disciplina de proyecto. De hecho, estas piezas, junto con MEGAPARSECS, funcionan como sumatorio de las ideas contenidas en La forêt y en Uma floresta para os teus sonhos, teniendo en común con ellas también el hecho de que todas han surgido de la auscultación de la memoria, que es la modalidad más creativa del pensamiento. MAGMA 2008, procuró articular de forma deliberada los campos de la estética y de la ética, proponiendo la escultura como ejercicio de regeneración de la tierra y usando en este ámbito tanto las intervenciones escultóricas tridimensionales como las intervenciones escultóricas bidimensionales. Todos estos ejemplos, tanto los que fueron objeto de nuestra interpretación como los que surgieron de una práctica artística autoral propia, testimonian la idea de que la noción de paisaje ¿como vista¿ ya no nos sirve, precisamente porque está en el origen de nuestros problemas contemporáneos. Arnold Berleant, autor traído a colación únicamente en la conclusión, nos ofrece una pista certera para la articulación entre los campos de la estética y de la ética, defendiendo que la idea de paisaje como vista ya no nos sirve, pero la estética positiva tampoco, pues se basa en la distancia del observador en reacción al paisaje observado. En vez de eso propone, como forma de religar el hombre y el medio ambiente, una estética del compromiso que plantea el paisaje como entorno y que problematiza la noción de lo ¿sublime negativo¿. En otras palabras, dado que a través de lo sublime el hombre reata reafirma su posición ética con la naturaleza, se hace urgente rehabilitar también su atención en relación a los paisajes concretos dominados por la contaminación, por el crecimiento desordenado de las ciudades, etc. Su propuesta radica en la idea de que si el hombre descubre finalmente que es responsable de las abismales transformaciones operadas en la naturaleza, se destruirá la idea de paisaje como ventana y la movilidad y el desasosiego aportados por lo sublime impelerán al hombre a actuar ante la naturaleza según un criterio estético capaz de garantizar la sostenibilidad. / Travassos Rama, SJ. (2013). Una construcción teórico-práctica del paisaje en el campo escultórico [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/30311

[EN] Our research is based on the assumption that there is a difference between the ephemeral sculptural structures of fire in Valencia (Fallas) and Alicante (Hogueras), during the first decade of XXI century. We started our work with a brief summary of the origins and evolution of the monuments in each city, and analyzed the influence and impact of new technologies and materials, that have influenced them in their structural and economic changes. During the time in which we focused our study, both festivities were notorious for ther high budget and big volumen monuments. The analysis is critical and theoretical. We carried out a search for specific content information and field work with local and foreign people, as well as interviews with artists from Valencia and Alicante. Through this study we have shown that this difference has increased throughout history and that is obvious. A monument from Valencia is more baroque and classical, while one from Alicante is more innovative and modern. Artists resort to more traditional forms and colors and elaborate in Valencia, while artista from Alicante choose pure and glossy colors. Therefore, color also plays an important and differentiating role in the composition of both temporary structures. Our conclusión confirms that the temporary structures for the fire have a different artistic potential in each city.. / [ES] Nuestra investigación está basada en la hipótesis de la existencia de una diferencia escultórica entre las estructuras efímeras para el fuego de Valencia (Fallas) y las de Alicante (Hogueras) en la primera década del siglo XXI. Comenzamos nuestro trabajo con un breve resumen de los orígenes y evolución de los monumentos en cada ciudad y analizamos la influencia y repercusión de las nuevas tecnologías y materiales que han influido en ellas, en sus cambios estructurales y económicos. En la época en la que centramos nuestro estudio, destacaron monumentos de grandes presupuestos y volúmenes. El análisis es crítico y teórico. Se realizó una búsqueda de información de contenidos específicos y un trabajo de campo con encuestas a ciudadanos locales/extranjeros y entrevistas a artistas valencianos y alicantinos. Mediante este estudio hemos demostrado que esta diferencia se ha pronunciado a lo largo de la historia y que es evidente. Un monumento valenciano es más barroco y clásico, mientras que uno alicantino es más vanguardista y moderno. Los artistas recurren a formas y colores más tradicionales y recargados en Valencia mientras que eligen colores más puros y satinados en Alicante. Por tanto, el color también ejerce un papel importante y diferenciador en la composición de ambas estructuras efímeras. Concluimos confirmando que las estructuras efímeras para el fuego poseen un potencial artístico diferente en cada ciudad. / [CA] La nostra investigació està basada en la hipòtesi de l'existència d'una diferència escultòrica entre les estructures efímeres per al foc de València (Falles) i les d'Alacant (Fogueres) en la primera década del segle XXI. Comencem el nostre treball amb un breu resum dels orígens i evolució dels monuments en cada ciutat i analitzem la influència i repercussió de les noves tecnologies i materials que han influït en elles, en els seus canvis estructurals i econòmics.En l'època en què centrem el nostre estudi, van destacar monuments de grans pressupostos i volums. L'anàlisi és crític i teòric. Es va realitzar una busca d'informació de continguts específics i un treball de camp amb enquestes a ciutadans locals/estrangers i entrevistes a artistes valencians i alacantins. Per mitjà d'aquest estudi hem demostrat que esta diferencia s'ha pronunciat al llarg de la història i que és evident. Un monument valencià és més barroc i clàssic, mentres que un alacantí és més avantguardista i modern. Els artistes recorren a formes i colors més tradicionals i recarregats a València mentres que trien colors més purs i setinats a Alacant. Per tant, el color també exercix un paper important i diferenciador en la composició d'ambdós estructures efímeres. Concloem confirmant que les estructures efímeres per al foc posseïxen un potencial artístic diferent en cada ciutat. / Martínez Albiñana, R. (2016). Estructuras escultóricas efímeras para el fuego en Valencia y Alicante, en la primera década del s. XXI [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61390