La investigación realiza un análisis y un recorrido histórico del término assemblage, relacionándolo con los procesos técnicos conceptuales del arte objetual como: ready-made, objet trouvé, objeto surrealista, montaje, ensamblaje y principio collage. La primera acepción sobre la concepción del objeto como arte, la genera Salvador Dalí, creando el término objeto surrealista (1935). Sin embargo, el assemblage fue acuñado por Jean Dubuffet en 1953 para referirse a su serie de collages "Butterfly wings" y, utilizado para concretar la primera exposición sobre el término "The Art of Assemblage" (1961) organizada por William Seitz para el Museum of Modern Art en Nueva York. Los artistas internacionales que trabajaron el assemblage como una manera de yuxtaponer objetos con formas híbridas y asentaron el término, son Robert Rauschenberg con su combine painting, Jasper Johns con objetos ensamblados en sus lienzos. Arman con acumulaciones de artefactos, Kurt Schwitters con su "Merz" y Edward Kienholz con escenografías objetuales. El primer argumento de la tesis lo esgrime William C. Seitz, Tom Flynn y Thomas Karin, piensan ante el assemblage que el término es genérico. Y otros como André Breton, Timothy Hilton, William Jeffett y Juan Antonio Ramírez, asumen que el assemblage sustentó las vanguardias artísticas del siglo XX. El segundo argumento de tesis lo plantea William C. Seitz, Simón Marchán Fiz, Timothy Hilton, Gerardo Estrada, José de las Casas y Octavio Paz, que ante el ensamblaje piensan que es un método técnico-conceptual. Y otros como Arthur C. Danto, Hal Foster, Francisco Javier San Martín, William Tucker, José de las Casas, Elena Blanch y Anna Maria Guasch, especulan que el ensamblaje es una propuesta vigente en el arte. El marco teórico de la tesis fundamenta el ensamblaje con la estrategia de la deconstrucción, palimpsesto, impulso alegórico, efectos del montaje y el dispositivo de apropiación. En México carecemos de una bibliografía sobre assemblag / Estévez Kubli, PJ. (2012). EL ENSAMBLAJE ESCULTÓRICO: ANÁLISIS Y TIPOLOGÍAS OBJETUALES EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO MEXICANO [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/16544

Con esta tesis buscamos establecer el mayor número de coincidencias entre lenguaje, narratología y videojuego con el fin de detectar, nuevas estructuras narrativas que puedan aplicarse a la creación artística multimedia. El objetivo principal de esta investigación es proporcionar un modelo de Narrativa lúdica que estimule a los creadores artísticos en nuevos medios, a que revaloren el lenguaje, la narración y las estrategias del juego como recursos de creación. Nuestro punto de partida fue la relación que existe entre las personas las historias y los juegos; pudimos apreciar que no sólo son herramientas de comunicación y expresión, sino que se enriquecen y complementan mutuamente. A lo largo del tiempo la herencia narrativa se ha adecuado a las condiciones culturales y tecnológicas existentes. En un segundo momento pudimos conocer algunas piezas literarias que fueron concebidas a partir de juegos y por ello designamos como narrativas lúdicas, cuyas características pueden considerarse como modelos que estimulen el trabajo profesional de escritores, guionistas o diseñadores de textos interesados en integrar relatos a sus piezas como una aportación a la narratología y a la poética digital contemporáneas. En la tercera parte exploramos las características que los videojuegos y los atributos que podemos asociar con la composición de relatos, como el sentido de vértigo y de movimiento, su formato de niveles o plataformas que muestran un modo de avance y progresión en el que además propicia el ambiente inmersivo que permite a los espectadores vivir en carne propia la experiencia. A través de este estudio mostramos un balance entre las posturas críticas que han distanciado los juegos de las narrativas; confirmando que no existe razón para tal distinción, sino al contrario, existen elementos que aseguran su mutua dependencia. Lo cual confirma nuestra tesis de utilizar ciertas cualidades de los juegos para experimentar formatos narrativos más complejos similares a la idea del palimpsesto, entendido como un texto que se desarrolla a lo largo de diversos ejes, compuesto por un sinnúmero de acciones, formando una red con múltiples posibilidades de lectura e interpretación. En el último apartado proponemos prácticas que puedan orientar tanto a profesores, estudiantes e interesados en incursionar en el mundo del diseño de textos y guiones. Que sean un laboratorio de experimentación lúdico-narrativo, el cual contribuya a formar Narrajugadores, que afloren la genialidad poética nutrida a partir del juego con propuestas que puedan revestirse con temáticas y tratamientos muy diversos. Concluimos nuestro estudio confirmando cómo el juego y el lenguaje son herramientas indispensables que los creadores artísticos pueden considerar para proponer un tipo de narrativas jugables, experimentales e innovadoras. La necesidad de replantear la importancia de relatar historias y estimular su práctica, para cualquier artista interesado en complementar sus piezas. / Tortolero Cervantes, X. (2013). ESTRUCTURAS NARRATIVAS LÚDICAS: UN RESORTE CREATIVO PARA ARTISTAS DIGITALES [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/31122

[EN] ABSTRACT(English) Cultural miscegenation and nacionalism in iberoamerican electroacustic music in the first decade of the 21th century: The case of Venezuela The cultural miscegenation is a philosophical theory of José Briceño Guerrero, which is a part of his studies about identity in Latin America. This approach is about the interaction of the three speeches of the American thought; three visions of the world that are constantly connected and confronted since the sixteenth century until today. The research of this Venezuelan philosopher agree with many similar studies in the region, mainly with the contributions of Octavio Paz and the approach about transculturation of Fernando Ortíz. The general objective of this research is to realize an aesthetic approach to music of written tradition in Latin America, in the context of recent Globalization and based on cultural miscegenation. Principally is focused on the case of electroacoustic music created by Venezuelan composers in the first decade of the 21th century. The specific objectives are: find out the relevance of musical nationalism in Latin America and its connection with the socio-political changes in the region; establish the theoretical foudations needed for the studying of national identity and the use of cultural references in the context of Globalization; enfatize the relevance and the need for make a change on the approach about esthetic studies of music of written tradition in Latin America; and realize an aesthetic approach to electroacoustic works created by Venezuelan composers in the first decade of the 21th century. The lack of previous aesthetic studies about the music of written tradition in Latin America has imposed to use a multidisciplinary methodology on this research, in order to approach the study of history and understand the socio-political context in which develop the national identities. This way we make an historical review about the evolution of musical nationalism; focused on its relationship with the socio-political processes of nationalism and Globalization. On the other hand, we have conducted a critical study around the common historical assumptions from the traditional Eurocentric musicology. In other ways, the approach of cultural miscegenation is the philosophical base of the aesthetic analysis of the chosen repertoire. Also our study of nationalism as an aesthetic choice and the development of multicultural identities in the region have been focused on this approach; in order to find the necessary theoretical bases for the study of the repertoire in its context and for discover the creative concepts developed in the works. The results achieved in this research show the presence of the three speeches of the American thought in the electroacoustic works created by Venezuelan composers, in the first decade of the 21th century. Also expose the predominance of multicultural identities as the subjectivity of cultural miscegenation in Latin America. On the other hand, we realized that the importance of nationalism as an aesthetic dilemma is because it's a product of the historical interaction of the three speeches of American culture. In parallel, we found that the musical nationalism in Latin America began in the 19th century at the same time than Europe, being from its origin an effective tool for promote the national identities by the nation states. Keywords: cultural miscegenation, identity, Latin America, electroacustic, nationalism, composition, Venezuela. / [ES] RESUMEN (Castellano) Mestizaje cultural y nacionalismo en la música electroacústica iberoamericana de la primera década del S. XXI: El caso concreto de Venezuela El mestizaje cultural es un planteamiento filosófico de José Briceño Guerrero que se enmarca dentro de los estudios en torno a la problemática de la identidad en Latinoamérica. Dicho planteamiento se entiende como la interacción de los tres discursos del pensamiento americano; tres visiones del mundo que se conectan y se enfrentan constantemente desde el siglo XVI hasta nuestros días. La visión de este filósofo venezolano está en consonancia con diversos enfoques sobre la problemática de la identidad en la región, principalmente con los aportes de Octavio Paz y la propuesta en torno a la transculturación de Fernando Ortíz. El objetivo general de la presente investigación consiste en realizar un acercamiento estético a la música de tradición escrita en Iberoamérica, dentro del marco de la reciente Globalización y en base al mestizaje cultural; enfocándonos en el caso concreto de la música electroacústica creada por compositores venezolanos en la primera década del siglo XXI. Los objetivos específicos se orientan a: determinar la relevancia del nacionalismo musical en Iberoamérica y su conexión con los cambios socio-políticos de la región; establecer las bases teóricas necesarias para el estudio de la problemática de la identidad nacional y del uso de los referentes culturales en el marco de la Globalización; resaltar la pertinencia y necesidad de un cambio de enfoque en torno a los estudios históricos y estéticos de la música de tradición escrita de Iberoamérica; y realizar un acercamiento estético a las obras electroacústicas creadas por compositores venezolanos en la primera década del siglo XXI. La carencia de estudios estéticos previos en torno a la música de tradición escrita en Iberoamérica nos ha impuesto adoptar una metodología de investigación de carácter multidisciplinar, con el fin de abordar los antecedentes y comprender el contexto socio-político donde se desarrollan las problemáticas relacionadas con la identidad nacional. De este modo, hemos realizado una revisión histórica sobre la evolución del nacionalismo musical; indagado sobre su relación con los procesos socio-políticos del nacionalismo y la Globalización. Por otro lado, hemos llevado a cabo un estudio crítico en torno a supuestos históricos heredados de la musicología tradicional de corte eurocentrista. Por su parte, el planteamiento del mestizaje cultural es el eje filosófico que sustenta los análisis estéticos del repertorio escogido. A partir de este enfoque hemos abordado el estudio del nacionalismo como disyuntiva estética y del desarrollo de las identidades de la multiculturales región; a modo de sentar las bases teóricas necesarias para abordar el repertorio dentro de su contexto y develar los conceptos creativos desarrollados en las obras. Los resultados obtenidos demuestran la presencia de los tres discursos de la cultura americana en las obras electroacústicas creadas por compositores venezolanos en la primera década del siglo XXI. Se devela así la predominancia de la identidad multicultural como subjetivación del mestizaje cultural propio de Latinoamérica. Por otro lado, hemos determinado que la importancia del nacionalismo como disyuntiva estética radica en ser producto de la interacción histórica de los tres discursos de la cultura americana. Paralelamente, hemos encontrado que el nacionalismo musical en Iberoamérica ha podido tener sus inicios en el S.XIX a la par de Europa, siendo desde su origen una herramienta eficaz de difusión de las identidades nacionales por parte de los Estados-nación. Palabras clave: Mestizaje cultural, identidad, Iberoamérica, electroacústica, nacionalismo, composición, Venezuela. / [CA] RESUM (Valencià) Mestissaje cultural i nacionalisme en la música electroacústica d'Iberoamèrica de la primera dècada del segle XXI: El cas concret de Veneçuela El mestissatge cultural és un plantejament filosòfic de José Briceño Guerrero que s'emmarca dins dels estudis entorn de la problemàtica de la identitat a Llatinoamèrica. Aquest plantejament s'entén com la interacció dels tres discursos del pensament americà; tres visions del món que es connecten i s'enfronten constantment des del segle XVI fins als nostres dies. La proposta d'aquest filòsof veneçolà està d'acord amb diversos estudis sobre la problemàtica de la identitat en la regió, principalment amb les aportacions de Octavio Paz i la proposta entorn de la transculturació de Fernando Ortíz. L'objectiu general de la present recerca consisteix a realitzar un acostament estètic a la música de tradició escrita a Iberoamèrica, dins del marc de la recent Globalització i sobre la base del mestissatge cultural; enfocant-nos en el cas concret de la música electroacústica creada per compositors veneçolans en la primera dècada del segle XXI. Els objectius específics s'orienten a: determinar la rellevància del nacionalisme musical a Iberoamèrica i la seua connexió amb els canvis soci-polítics de la regió; establir les bases teòriques necessàries per a l'estudi de la problemàtica de la identitat nacional i de l'ús dels referents culturals en el marc de la Globalització; ressaltar la pertinència i necessitat d'un canvi d'enfocament entorn dels estudis històrics i estètics de la música de tradició escrita d'Iberoamèrica; i realitzar un acostament estètic a les obres electroacústiques creades per compositors veneçolans en la primera dècada del segle XXI. La manca d'estudis estètics previs entorn de la música de tradició escrita a Iberoamèrica ens ha imposat adoptar una metodologia de recerca de caràcter multidisciplinari, amb la finalitat d'abordar els antecedents i comprendre el context soci-polític on es desenvolupen les problemàtiques relacionades amb la identitat nacional. D'aquesta manera hem realitzat una revisió històrica sobre l'evolució del nacionalisme musical i indagat sobre la seua relació amb els processos soci-politicos del nacionalisme i la Globalització. D'altra banda, hem dut a terme un estudi crític entorn de supòsits històrics heretats de la musicologia tradicional eurocentriste. Per la seua banda, el plantejament del mestissatge cultural és l'eix filosòfic que sustenta els estudis estètics del repertori escollit. A partir d'aquest enfocament hem abordat l'estudi del nacionalisme com una problemàtique estètica i del desenvolupament de les identitats multiculturals de la regió, a manera d'asseure les bases teòriques necessàries per a abordar el repertori dins del seu context i desvetllar els conceptes creatius desenvolupats en les obres. Els resultats obtinguts demostren la presència dels tres discursos de la cultura americana en les obres electroacústiques creades per compositors veneçolans en la primera dècada del segle XXI. Descobrint així la predominança de la identitat multicultural com subjetivació del mestissatge cultural propi de Llatinoamèrica. D'altra banda, hem determinat que la importància del nacionalisme com dilema estètic radica a ser producte de la interacció històrica dels tres discursos de la cultura americana. Paral·lelament, hem trobat que el nacionalisme musical a Iberoamèrica ha pogut tenir els seus inicis en el S.XIX al mateix temps que a Europa, sent des dels seus inicis una eina eficaç de difusió de les identitats nacionals per part dels Estats-nació. Paraules clau: Mestissatge cultural, identitat, Iberoamèrica, electroacústica, nacionalisme, composició, Veneçuela. / Rojas Ramírez, Y. (2015). MESTIZAJE CULTURAL Y NACIONALISMO EN LA MÚSICA ELECTROACÚSTICA IBEROAMERICANA DE LA PRIMERA DÉCADA DEL S. XXI: EL CASO CONCRETO DE VENEZUELA [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/53566 / Premios Extraordinarios de tesis doctorales

[EN] Counter-sites. Artistic heterotopias from the light and spaciality The expansion of spatialized devices of the exhibition -galleries, art centres, museums- analysed by Rosalind Krauss in 1979, has supposed an inadequacy between a model of absolute space, without fissures, and some particular artistic practices. The collision of the two aspects which José Luis Brea shows as critic legacies of the denial of the art institution, the site-specificity as long as the dematerialization of the artistic object, admits, from our point of view, one of the possible strategies for the real contestation of the space we inhabit, of the irreducible sites which define it. Together with this hypothetical collision we may add the light as constructive (in)material, as an element which is able to blur the physical and intangible boundaries of the space which is arranged in abstract, rigorously and steadily, where the context is redefined from the light and spaciality. On March 14, 1967 Michel Foucault addresses the conference "Des spaces autres". There he proposes a new spacial analysis called heterotopology, origin of the present research. The contestation of the contemporary space is explained by the heterotopic spaciality, real counter-sites, opposite to the utopic spaciality, spaces "without a real site". The utopic spaciality crisis, developed as much by the "futuristic utopias" as by the "self-contained building", was evidenced on March 16, 1972 when Minoru Yamasaki's Pruitt Igoe residential complex project started being demolished, where the utopia turned into distopia. The contestation through the heterotopic spaciality, as well as its genuine chance, place us in the artistic practices developed since the site-specifity and the dematerialization of the artistic object during the second half of the twentieth century and the beginning of the twenty-first century. The display and systematic approach to the practices have been taken under consideration by means of a timeline. These artistic practices, regarded as effective heterotopic counter-sites, allow, in the words of Deleuze and Guattari, the opening of "smooth" spaces formed by events in the urban space, the most "striated" space of all. For that reason, we have intended to question the light and spaciality in suggested artistic interventions as elements which enable the production of space-time experiences "others". These allow tactics of resistance, suspension or/and contestation of the hidden presence of the sacred contemporary space. Nowadays some of the analysed artistic interventions, such as "City Slivers" (1976) or "Untitled Cutting-Claraboya" (1971) by Gordon Matta-Clark, have become negative deterritorializations, heterotopic counter-sites of compensation, effective reterritorializations defenders of "lost territories", for the reason that, such as Deleuze and Guattari warned us, never believe that a smooth space will suffice to save us. / [ES] Contraemplazamientos. Heterotopías artísticas desde la luz y la espacialidad La expansión de los dispositivos espaciales de exposición -galerías, centros de arte, museos-, analizada por Rosalind Krauss en 1979, ha supuesto una inadecuación entre un modelo de espacio absoluto, sin fisuras, y ciertas prácticas artísticas. Las dos vertientes que señala José Luis Brea como herencias críticas de la negación de la institución arte, la especificidad de ubicación y la desmaterialización del objeto artístico, su colisión admite, desde nuestro punto de vista, una de las estrategias posibles para la impugnación real del espacio que habitamos, de la irreductibilidad de emplazamientos que lo define. Junto a esta hipotética colisión cabe añadir la luz como (in)material constructivo, como elemento capaz de desdibujar los límites físicos e intangibles del espacio que lo organizan de forma abstracta, rígida y estable, donde el contexto queda redefinido desde la luz y la espacialidad. El 14 de marzo de 1967 Michel Foucault pronuncia la conferencia "Des espaces autres". En ella propuso un nuevo análisis espacial el cual denominó "heterotopología", génesis de la presente investigación. La impugnación del espacio contemporáneo se ha articulado desde la espacialidad heterotópica, contraemplazamientos reales, frente a la espacialidad utópica, espacios "sin lugar real". La crisis de la espacialidad utópica, desarrollada tanto por las "utopías porveniristas" como por el "edificio autosuficiente", quedó evidenciada el 16 de marzo de 1972 mediante el inicio de la demolición del complejo residencial de Pruitt Igoe proyectado por Minoru Yamasaki, donde la utopía se convirtió en distopía. La impugnación a través de la espacialidad heterotópica, así como sus condiciones de posibilidad, nos sitúan en las prácticas artísticas desarrolladas desde la especificidad de la ubicación y la desmaterialización del objeto artístico en la segunda mitad del siglo XX e inicios del siglo XXI. La visualización y sistematización de las prácticas estudiadas se ha llevado a cabo mediante un timeline. Dichas prácticas artísticas, entendidas como efectivos contraemplazamientos heterotópicos, permiten, en palabras de Deleuze y Guattari, la apertura de espacios "lisos" formados por acontecimientos en el espacio de la urbe, espacio "estriado" por excelencia. Por ello, hemos pretendido cuestionar la luz y la espacialidad en propuestas de intervenciones artísticas como elementos posibilitadores de generar experiencias espacio-temporales "otras" que permiten tácticas de resistencia, suspensión y/o impugnación de la sorda sacralización del espacio contemporáneo. En la actualidad, algunas de las intervenciones artísticas analizadas, como "City Slivers" (1976) o "Untitled Cutting-Claraboya" (1971) de Gordon Matta-Clark, han devenido desterritorializaciones negativas, contraemplazamientos heterotópicos de compensación, efectivas reterritorializaciones valedoras de "territorios perdidos", ya que, como bien nos advirtieron Deleuze y Guattari, nunca hay que pensar que para salvarnos basta con un espacio liso. / [CA] Contraemplaçaments. Heterotopies artístiques des de la llum i l'espacialitat L'expansió dels dispositius espacials d'exposició -galeries, centres d'art, museus-, analitzada per Rosalind Krauss en 1979, ha suposat una inadequació entre un model d'espai absolut, sense fissures, i certes pràctiques artístiques. Els dos vessants que assenyala José Luis Brea com a herències crítiques de la negació de la institució art, l'especificitat d'ubicació i la desmaterialització de l'objecte artístic, la seua col¿lisió admet, des del nostre punt de vista, una de les estratègies possibles per a la impugnació real de l'espai que habitem, de la irreductibilitat d'emplaçaments que ho defineix. Al costat d'aquesta hipotètica col¿lisió cal afegir la llum com (in)material constructiu, com a element capaç de desdibuixar els límits físics i intangibles de l'espai que ho organitzen de forma abstracta, rígida i estable, on el context queda redefinit des de la llum i l'espacialitat. El 14 de març de 1967 Michel Foucault pronuncia la conferència "Des espaces autres". En ella va proposar una nova anàlisi espacial la qual va denominar "heterotopologia", gènesi de la present investigació. La impugnació de l'espai contemporani s'ha articulat des de l'espacialitat heterotòpica, contraemplaçaments reals, enfront de l'espacialitat utòpica, espais "sense lloc real". La crisi de l'espacialitat utòpica, desenvolupada tant per les "utopies esdevenidores" com per el "edifici autosuficient", va quedar evidenciada el 16 de març de 1972 mitjançant l'inici de la demolició del complex residencial de Pruitt Igoe projectat per Minoru Yamasaki, on la utopia es va convertir en distopia. La impugnació a través de l'espacialitat heterotòpica, així com les seues condicions de possibilitat, ens situen en les pràctiques artístiques desenvolupades des de l'especificitat de la ubicació i la desmaterialització de l'objecte artístic en la segona meitat del segle XX i inicis del segle XXI. La visualització i sistematització de les pràctiques estudiades s'ha dut a terme mitjançant un timeline. Aquestes pràctiques artístiques, enteses com a efectius contraemplaçaments heterotòpics, permeten, en paraules de Deleuze i Guattari, l'obertura d'espais "llisos" formats per esdeveniments en l'espai de la urbs, espai "estriat" per excel¿lència. Per això, hem pretès qüestionar la llum i l'espacialitat en propostes d'intervencions artístiques com a elements possibilitadors de generar experiències espai-temporals "altres" que permeten tàctiques de resistència, suspensió i/o impugnació de la sorda sacralització de l'espai contemporani. En l'actualitat, algunes de les intervencions artístiques analitzades, com "City Slivers" (1976) o "Untitled Cutting-Claraboya" (1971) de Gordon Matta-Clark, han esdevingut desterritorialitzacions negatives, contraemplaçaments heterotòpics de compensació, efectives reterritorialitzacions valedores de "territoris perduts", ja que, com bé ens van advertir Deleuze i Guattari, mai cal pensar que per a salvar-nos n'hi ha suficient amb un espai llis. / Guillén Guillamón, LM. (2015). Contraemplazamientos. Heterotopías artísticas desde la luz y la espacialidad [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59249

[ES] Esta investigación aborda la contemplación como un proceso experiencial de transformación y busca estudiar su presencia en algunas prácticas artísticas contemporáneas como forma de vínculo entre cuerpo y naturaleza. Para ello trata de establecer un marco interpretativo posible para algunas formas de contemplación naturalista potencialmente útiles para un contexto europeo postsecular marcado por la globalización y la hibridación cultural. De este modo se centra en tres aspectos fundamentales de la contemplación: la conciencia del cuerpo en el presente, el distanciamiento de la egocentricidad y la conciencia de vínculo. El objetivo último es reivindicar la importancia de la contemplación deconstruyendo muchos de los estereotipos asociados a la espiritualidad. Se pone así en valor la potencialidad de ciertas prácticas artísticas vinculadas a la naturaleza para visibilizar y construir nuevos planteamientos identitarios frente a la crisis ecológica global. / [EN] This research approaches contemplation as an experiential transformation process and aims to study its role in some contemporary artistic practices as a form of connection between the human body and nature. To do so, it attempts to establish a possible interpretative framework for some potentially useful forms of naturalistic contemplation within a post-secular European context marked by globalization and cultural hybridization. In this way, the study focuses on three fundamental aspects of contemplation: body awareness in the present moment, detachment from egocentricity and sense of bonding. The ultimate goal is to reclaim the importance of contemplation by deconstructing many of the stereotypes associated with spirituality. Thus, the potential of certain artistic practices linked to nature is highlighted in order to build and make visible new identity approaches to the global ecological crisis. / [CA] Aquesta investigació aborda la contemplació com un procés experiencial de transformació i cerca estudiar la seua presència en algunes pràctiques artístiques contemporànies com a forma de vincle entre cos i naturalesa. Per a això tracta d'establir un marc interpretatiu possible per a algunes formes de contemplació naturalista potencialment útils per a un context europeu postsecular marcat per la globalització i la hibridació cultural. D'aquesta manera se centra en tres aspectes fonamentals de la contemplació: la consciència del cos en el present, el distanciament de la egocentricitat i la consciència de vincle. L'objectiu últim és reivindicar la importància de la contemplació desconstruint molts dels estereotips associats a l'espiritualitat. Es posa així en valor la potencialitat de certes pràctiques artístiques vinculades a la naturalesa per a visibilitzar i construir nous plantejaments identitaris enfront de la crisi ecològica global. / López De Frutos, E. (2020). La experiencia contemplativa en las prácticas artísticas contemporáneas. Estrategias de vínculo entre cuerpo y naturaleza desde un enfoque ecológico [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/151459

[ES] La concepción de "dramaturgia basada en la transmedialidad", surge de la reflexión teórica alrededor de los vínculos entre la dramaturgia y la transmedialidad, intensificados durante el último siglo, a partir del cual se plantea las nociones de "transmedialidad interna" , "transmedialidad externa" y "esperiencia sensible ampliada". En base a estas nociones, se interroga obras de teatro contemporáneo puntuales provenientes de varias capitales de habla hispana, en busca de recursos de significación cuyos lenguajes estén inmersos en la "transmedialidad interna", para que sean utilizados como elementos que generen una "experiencia sensible aplicada" en el marco de la "transmedialidad externa"; actividad que permite también perfilar un proyecto práctico. / [EN] The conception "transmedia based dramaturgy" arises from theoretical reflection on the links between transmediality and dramaturgy. These links have been intensified during the last century. From wich, the notions of "internal transmediality", "external transmediality", and "expanded sensitive experience" can be raise. Based in these notions, specific contemporary theater works from various Spanish-speaking capitals are questioned. In this way, meaning resources are established in relations with the languages that are immersed in the "internal transmediality". Then, they are use as elements that generate an "applied sensory experience" within the framework of "external transmediality". This activity allows the outline of a practical project. / [CA] La concepció de la dramaturgia basada en la "transmedialitat" sorgeix de la reflexió teórica al voltant dels vincles entre la dramaturgia i la transmedialitat, intensificats durant l'últim segle, a partir del qual es planteja les nocions de "transmedialidat interna" i "transmedialitat externa" i "experiencia sensible ampliada". Basant-se en aquestes nocions, s'interroguen obres de teatre contemporàni puntuals provinents de diverses capitals de llengua hispana, a la recerca de recursos de significació i que aquests llenguatges estiguen inmersos en la "transmedialitat interna", per a que siguen utilitzats como elements que generen una "experiència sensible aplicada", en el marc de la "transmedialitat externa"; activitat que permeteix també perfilar un projecte pràctic. / Jijón De La Torre, CE. (2020). "Dramaturgia basada en la transmedialidad": reflexión teórica, devenir escénico y propuesta práctica [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/157655

[EN] SUMMARY (English) THE TRANSFORMATION OF THE TIMBRE OF PIANO: SINCE ITS MECHANICAL EVOLUTION TO EXTENDED TECHNIQUES, THROUGH INTERNAL, EXTERNAL AND ELECTRONIC ELEMENTS. This research deals with the study of piano timbre throughout its historical evolution from organological, artistic, social and technological perspectives. Since its genesis, the piano has been of interest to musicians, fans, artists, artistic movements, etc., who in one way or another have shaped the instrument and sound depending on the use and needs, identifying areas domestic, professional, creative and artistic they demanded. Considering these reasons, this thesis analyzes and explains the contexts and situations that have led to the constant changes of the instrument, both form and sound: the demand for more expressive qualities of sound and flow that originated the fortepiano; the growth of the bourgeoisie led to an expansion of the music on the piano found its means of dissemination; composers found in it a powerful tool for creating, generating a nutritious and constant relationship of mutual growth between instrument and work; the Industrial Revolution was a technological leap that made affordable the piano, bringing it closer to the homes; automation tools paved the way for record systems and reproduction of music without an performer; its peak during Romanticism led it to be subjected to hostilities by the plastic art of later centuries, as Fluxus; and the emergence of electronics and computers has created new evolutions of the instrument, giving it unlikely sonic possibilities. All these processes did not happen in a linear fashion or were subject to a single reason, but contributed to the evolution of the piano timbre, enriching its nuances and transforming through unorthodox procedures in the production of sound, such as extended techniques. This thesis describes, explores and analyzes the extended processing techniques ringer from different angles, exposing the product of his study. One goal of this research is to demonstrate, through the study of the evolution of the piano from its beginnings to the present, that unlike other orchestral instruments, processing continues and remains a source of inspiration for the development of future systems based on its philosophy and technology. Another objective is to deepen the knowledge of their timbral complexity, through its harmonic spectrum analysis and knowledge of new sonic possibilities derived from its evolution and manipulation techniques timbre. For this purpose, the methodology used in this thesis has developed both the theoretical and experimental level, from various perspectives: firstly, by the historical study of the origin and evolution of the piano as an instrument designed for use purely musical; secondly, from the analysis of noise, ringing and the evolution of the parameters in the construction of the instrument; and finally, by investigating changes in the acoustic piano through the use and experimentation with extended techniques; also considering the study of it as an art object, due to its attraction, visual and performative use exerted on contemporary art movements. In addition, a comprehensive study on the growing evolutionary path included piano, from its automation and incorporation of digital and computer systems that have served as a point of inspiration for developing new instruments (synthesizer and related devices, MIDI systems, etc.) and forms of composition related to them. / [ES] RESUMEN (Castellano) LA TRANSFORMACIÓN DEL TIMBRE DEL PIANO: DESDE SU EVOLUCIÓN MECÁNICA HASTA LAS TÉCNICAS EXTENDIDAS, MEDIANTE ELEMENTOS INTERNOS, EXTERNOS Y ELECTRÓNICOS. La presente investigación aborda el estudio del timbre del piano a lo largo de su evolución histórica, desde perspectivas organológicas, artísticas, sociales y tecnológicas. Desde su génesis, el piano ha sido objeto de interés de músicos, aficionados, creadores, movimientos artísticos, etc., quienes de un modo u otro han ido dando forma al instrumento y a su sonido en función del uso y las necesidades, que los ámbitos domésticos, profesionales, creativos y artísticos demandaban. Considerando estos motivos, la presente tesis analiza y expone los contextos y las situaciones que han propiciado las constantes transformaciones del instrumento, en su forma y sonido: la demanda de mayores calidades expresivas y del caudal sonoro que dio origen al fortepiano; el crecimiento de la burguesía propició una expansión de la música que encontró en el piano su medio de difusión; los compositores encontraron en él una poderosa herramienta para la creación, generando una nutritiva y constante relación de crecimiento mutuo entre instrumento y obra; la revolución industrial supuso un salto tecnológico que hizo asequible el piano, acercándolo a los hogares; la automatización del instrumento abrió el camino a los sistemas de registro y a la reproducción de la música sin intérprete; su auge durante el Romanticismo le llevó a ser objeto de hostilidades por parte de la vanguardia plástica de siglos posteriores, como Fluxus; y la irrupción de la electrónica y la computación ha generado nuevas evoluciones del instrumento, dotándolo de posibilidades sonoras inverosímiles. Todos estos procesos no sucedieron de forma lineal ni estaban sujetas a una única razón, pero contribuyeron a la evolución del timbre del piano, enriqueciéndolo, matizándolo y transformándolo a través de procedimientos poco ortodoxos en la producción del sonido como son las técnicas extendidas. Esta tesis describe, explora y analiza las técnicas de transformación del timbre desde diferentes ángulos, exponiendo el resultado de su estudio. Uno de los objetivos de esta investigación es demostrar, mediante el estudio de la evolución del piano desde sus antecedentes hasta la actualidad, que al contrario que otros instrumentos orquestales, su transformación continúa, y sigue siendo una fuente de inspiración para el desarrollo de sistemas futuros, basados en su filosofía y su tecnología. Y otro objetivo es profundizar en el conocimiento de su complejidad tímbrica, por medio del análisis de su espectro armónico y el conocimiento de las nuevas posibilidades sonoras derivadas de su evolución y las técnicas de manipulación de su timbre. Para ello, la metodología empleada en esta tesis se ha desarrollado tanto a nivel teórico como experimental, desde varias perspectivas: en primer lugar, mediante el estudio histórico del origen y la evolución del piano como instrumento pensado para un uso meramente musical; en segundo lugar, desde el análisis de la acústica, el timbre y la evolución de los parámetros en la construcción del instrumento; y por último, mediante la investigación de las transformaciones acústicas del piano a través del uso y la experimentación con técnicas extendidas; considerando también el estudio del mismo como objeto artístico, por la atracción, uso visual y performático que ejerció sobre los movimientos artísticos contemporáneos. Además, se incluye un amplio estudio sobre la creciente vía evolutiva del piano, a partir de su automatización y la incorporación de sistemas digitales e informáticos, que han servido como punto de inspiración para el desarrollo nuevos instrumentos (sintetizador y dispositivos afines, sistemas MIDI, etc.) y las formas de composición relacionadas con ellos. / [CA] RESUM (Català) LA TRANSFORMACIÓ DEL TIMBRE DEL PIANO: DES DE LA SEVA EVOLUCIÓ MECÀNICA FINS A LES TÈCNIQUES ESTESES, MITJANÇANT ELEMENTS INTERNS, EXTERNS I ELECTRÒNICS. La present recerca aborda l'estudi del timbre del piano al llarg de la seva evolució històrica, des de perspectives organològiques, artístiques, socials i tecnològiques. Des del seu gènesi, el piano ha estat objecte d'interès de músics, aficionats, creadors, moviments artístics, etc., els qui d'una manera o altra han anat donant forma a l'instrument i al seu so en funció de l'ús i les necessitats, que els àmbits domèstics, professionals, creatius i artístics demandaven. Considerant aquests motius, la present tesi analitza i exposa els contextos i les situacions que han propiciat les constants transformacions de l'instrument, en la seva forma i so: la demanda de majors qualitats expressives i del cabal sonor que va donar origen al fortepiano; el creixement de la burgesia va propiciar una expansió de la música que va trobar en el piano el seu mitjà de difusió; els compositors van trobar en ell una poderosa eina per a la creació, generant una nutritiva i constant relació de creixement mutu entre instrument i obra; la revolució industrial va suposar un salt tecnològic que va fer assequible el piano, apropant-ho a les llars; l'automatització de l'instrument va obrir el camí als sistemes de registre i a la reproducció de la música sense intèrpret; el seu auge durant el Romanticisme li va portar a ser objecte d'hostilitats per part de l'avantguarda plàstica de segles posteriors, com Fluxus; i la irrupció de l'electrònica i la computació ha generat noves evolucions de l'instrument, dotant-ho de possibilitats sonores inversemblants. Tots aquests processos no van succeir de forma lineal ni estaven subjectes a una única raó, però van contribuir a l'evolució del timbre del piano, enriquint-ho, matisant-ho i transformant-ho a través de procediments poc ortodoxos en la producció del so com són les tècniques esteses. Aquesta tesi descriu, explora i analitza les tècniques esteses de transformació del timbre des de diferents angles, exposant el producte del seu estudi. Un dels objectius d'aquesta recerca és demostrar, mitjançant l'estudi de l'evolució del piano des dels seus antecedents fins a l'actualitat, que al contrari que altres instruments orquestrals, la seva transformació continua, i segueix sent una font d'inspiració per al desenvolupament de sistemes futurs, basats en la seva filosofia i la seva tecnologia. I un altre objectiu és aprofundir en el coneixement de la seva complexitat tímbrica, per mitjà de l'anàlisi del seu espectre harmònic i el coneixement de les noves possibilitats sonores derivades de la seva evolució i les tècniques de manipulació del seu timbre. Per a això, la metodologia emprada en aquesta tesi s'ha desenvolupat tant a nivell teòric com experimental, des de diverses perspectives: en primer lloc, mitjançant l'estudi històric de l'origen i l'evolució del piano com a instrument pensat per a un ús merament musical; en segon lloc, des de l'anàlisi de l'acústica, el timbre i l'evolució dels paràmetres en la construcció de l'instrument; i finalment, mitjançant la recerca de les transformacions acústiques del piano a través de l'ús i l'experimentació amb tècniques esteses; considerant també l'estudi del mateix com a objecte artístic, per l'atracció, ús visual i performàtica que va exercir sobre els moviments artístics contemporanis. A més, s'inclou un ampli estudi sobre la creixent via evolutiva del piano, a partir de la seva automatització i la incorporació de sistemes digitals i informàtics, que han servit com a punt d'inspiració per al desenvolupament nous instruments (sintetitzador i dispositius afins, sistemes MIDI, etc.) i les formes de composició relacionades amb ells. / Pérez Hernández, P. (2016). LA TRANSFORMACIÓN DEL TIMBRE DEL PIANO: DESDE SU EVOLUCIÓN MECÁNICA HASTA LAS TÉCNICAS EXTENDIDAS, MEDIANTE ELEMENTOS INTERNOS, EXTERNOS Y ELECTRÓNICOS [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63260

Contemporary Jewellery is an artistic movement that developed from the 70s, when several European and American galleries and institutions related to the field of jewelry, begin to give visibility to research projects on the communicative potential jewel as significant object seeking new formal and sensory relationship with the body, experimenting with new materials. In a relatively short period of time they led jewelry to those extreme conclusions reached by the visual arts, abstracting the jewel object of his pragmatic context to insert it into self-referential conceptual speeches. According to our hypothesis Contemporary Jewellery can be, though involuntarily, an aspect of the prevailing cultural homologation which tends to overcome and undermine cultural diversity. On the other hand we also find in it the possibilities of revalidation of the arts and local crafts, the possibility from "peripheral" countries assert paradigm shifts within the hegemonic culture. Based on these premises, we affirm that the overall objective of this thesis is to contribute to the provision of data for knowledge of Mexican art jewelry, a study area still unexplored. This information is intended to be necessary for objective analysis of the Contemporary Jewellery in confrontation with its current international and Mexican cultural base scenario. What we present is the result of extensive fieldwork in Mexico that aims to analyze the recent history of Mexican art jewelry from the experiments of Victor Fosado in the 70s to the most recent demonstrations properly considered Contemporary Jewelry under international model. Atreves of qualitative methodology, we reconstructed the emergence and development of this phenomenon mainly thanks to the information resulting from interviews with artists jewelers who carried out the idea of jewelry as a personal artistic expression during the last decades. Bibliographic research also allowed us to find unpublished brochures and catalogs of exhibitions held in Mexican public and private institutions, which allowed us to accurately substantiate the history of this new artistic phenomenon. We have considered crucial point of our research symposium Gray Area, the first event that set confrontation Latin America and Europe on this subject, held in Mexico City in 2010. This event has definitely strengthened the influence of Jewelry contemporary in Mexico, creating a strong feedback among jewelers artists from both continents, leading to other projects and collaborations, that definitely changed the physiognomy of this type of jewelry in Mexico. / La Joyería Contemporánea es un movimiento artístico que se desarrolla a partir de los años 70 cuando varias galerías e instituciones relacionadas con el ámbito de la joyería, europea y estadounidense, comienzan a dar visibilidad a proyectos de investigación sobre los potenciales comunicativos de la joya como objeto significante, buscando nuevas relaciones formales y sensoriales con el cuerpo, experimentando nuevos materiales. En un lapso de tiempo relativamente breve la joyería alcanzó aquellas extremas conclusiones alcanzadas por las artes plásticas, abstrayendo el objeto joya de su contexto pragmático para insertarlo en discursos conceptuales autorreferenciales. Según nuestra hipótesis, la Joyería Contemporánea puede resultar, aunque involuntariamente, un aspecto de la homologación cultural imperante que tiende a superar y desvirtuar las diversidades culturales, y al mismo tiempo plantea la revalidación de las artes y artesanías locales, la posibilidad desde países "periféricos" de afirmar cambios de paradigma dentro de la cultura hegemónica. Basándonos en estas premisas, afirmamos que el objetivo general de esta tesis es contribuir a la aportación de datos para el conocimiento de la joyería artística mexicana, ámbito de estudio hasta ahora no explorado. Esta información pretende ser la base cultural necesaria para un análisis objetivo de la Joyería Contemporánea en confrontación con su actual escenario internacional y mexicano, resultado de un extenso trabajo de campo en México que analiza la historia reciente de la joyería artística mexicana desde las experimentaciones de Víctor Fosado en los años 70 hasta las más recientes manifestaciones propiamente consideradas como Joyería Contemporánea según el modelo internacional. A través de la metodología cualitativa, hemos reconstruido el surgir y el desarrollo de este fenómeno principalmente gracias a la información obtenida de las entrevistas a los artistas joyeros que llevaron adelante la idea de una joyería como una personal expresión artística durante las últimas décadas. Asimismo la investigación bibliográfica nos permitió el hallazgo de folletos y catálogos inéditos de las exposiciones realizadas en instituciones publicas y privadas mexicanas, que nos permitieron fundamentar con exactitud la historia de este nuevo fenómeno artístico. Hemos considerado como punto crucial de nuestra investigación el simposio Área Gris, el primer acontecimiento que puso en confrontación América Latina y Europa sobre este tema, que tuvo lugar en la Ciudad de México en 2010. Este evento ha consolidado definitivamente la influencia de la Joyería Contemporánea en México, creando un fuerte feedback entre los artistas joyeros de ambos continentes, dando lugar a otros proyectos y colaboraciones, que cambiaron definitivamente la fisionomía de este tipo de joyería en México. / La Joieria Contemporània és un moviment artístic que es desenvolupa a partir dels anys 70 quan diverses galeries i institucions relacionades amb l'àmbit de la joieria, europea i nord-americana, comencen a donar visibilitat a projectes d'investigació sobre els potencials comunicatius de la joia com a objecte significant, buscant noves relacions formals i sensorials amb el cos, experimentant nous materials. En un lapse de temps relativament breu la joieria va aconseguir aquelles extremes conclusions aconseguides per les arts plàstiques, abstraient l'objecte joia del seu context pragmàtic per inserir-lo en discursos conceptuals autoreferencials. Segons la nostra hipòtesi, la Joieria Contemporània pot resultar, encara que involuntàriament, un aspecte de l'homologació cultural imperant que tendeix a superar i desvirtuar les diversitats culturals, i al mateix temps planteja la revalidació de les arts i artesanies locals, la possibilitat des de països "perifèrics" d'afirmar canvis de paradigma dins de la cultura hegemònica. Basant-nos en aquestes premisses, afirmem que l'objectiu general d'aquesta tesi és contribuir a l'aportació de dades per al coneixement de la joieria artística mexicana, àmbit d'estudi fins ara no explorat. Aquesta informació pretén ser la base cultural necessària per a una anàlisi objectiva de la Joieria Contemporània en confrontació amb el seu actual escenari internacional i mexicà, resultat d'un extens treball de camp a Mèxic que analitza la història recent de la joieria artística mexicana des de les experimentacions de Víctor fossat en els anys 70 fins a les més recents manifestacions pròpiament considerades com Joieria Contemporània segons el model internacional. A través de la metodologia qualitativa, hem reconstruït el sorgir i el desenvolupament d'aquest fenomen principalment gràcies a la informació obtinguda de les entrevistes als artistes joiers que van portar endavant la idea d'una joieria com una personal expressió artística durant les últimes dècades. Així mateix la recerca bibliogràfica ens va permetre la troballa de fullets i catàlegs inèdits de les exposicions realitzades en institucions publiques i privades mexicanes, que ens van permetre fonamentar amb exactitud la història d'aquest nou fenomen artístic. Hem considerat com a punt crucial de la nostra investigació el simposi Àrea Gris, el primer esdeveniment que va posar en confrontació Amèrica Llatina i Europa sobre aquest tema, que va tenir lloc a la Ciutat de Mèxic en 2010. Aquest esdeveniment s'ha consolidat definitivament la influència de la Joieria Contemporània a Mèxic, creant un fort feedback entre els artistes joiers de tots dos continents, donant lloc a altres projectes i col·laboracions, que van canviar definitivament la fesomia d'aquest tipus de joieria a Mèxic. / Pignotti Ramaccini, C. (2016). Joyería Contemporánea, un nuevo fenómeno artístico. Análisis de las relaciones entre la joyería europea y mexicana en la actualidad [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/75945

This research is a theoretical and practical study about interactive documentaries used as educational tools for the broadcasting of Colombian cultural heritage. It is comprised of three parts, that range from the theoretical to its applied uses. The first part is an analytical corpus, a contextualization under two perspectives: One starting from the connotations of heritage education, digitalization, and information and communication technology usage in cultural heritage digital broadcasting; and the other one starting from the analysis of the relationship between knowledge and new technologies in cyberculture, and the investigation about the teaching functions of multimedia and the teaching implications of technology usage, all within this research's theoretical framework. To accomplish the latter, a brief classification is elaborated and trends and differentiated methods of teaching materials and MOOC (Massive Open Online Course) courses about cultural heritage are established. The focus of the second part of this study is the interactive documentary, highlighting its audiovisual, narrative and stylistics particularities: Role reconsideration of directors and spectators within nonlinear narratives and technical tools that determine its development; exclusive software usage in this type of work and script elaboration as a mind map; and the outlining of browsing and possible interactions in interactive documentaries within multimodal education. Some referent interactive documentaries are analyzed and proposals about this genre made in Colombia from 2012 to 2016 are established, highlighting related proposals to cultural heritage. Lastly, coproduction, promotion, broadcasting, and debate spaces exclusive to interactive audiovisual work in Colombia are defined. In the third part of this study, two examples of interactive documentaries about Colombian cultural heritage are introduced. These are the result and consequence of the theoretical study project, referent analysis, and conceptual outlining. One of the documentaries tends more to multimedia and tangible heritage broadcasting; the other to hypermedia and intangible heritage broadcasting. As a result, two models that contribute to the broadcasting of cultural heritage have been obtained, as well as tools for heritage education directed to new audiences. This demonstrates that in the designing and making of nonlinear documentaries on the Web, different digital art resources can be used, such as video creation, expository documentary, 360° images, two-dimensional animation, and multimedial photography banks and infographics. Digital art tools contribute to enrich the esthetic, teaching, and ludic experience of people approaching cultural heritage. / La investigación es un estudio teórico práctico sobre el documental interactivo como un instrumento educativo para la difusión del patrimonio cultural colombiano. El estudio se compone de tres partes que van de lo teórico a lo aplicado. La primera parte es el corpus teórico, una contextualización desde dos perspectivas: por un lado desde las connotaciones de la educación patrimonial, la digitalización y el empleo de las tecnologías de la información y la comunicación en la difusión digital del patrimonio cultural. Por otro lado, dentro del marco teórico se analiza la relación entre el conocimiento y las nuevas tecnologías en la cibercultura, se indaga sobre la función pedagógica de los multimedia y sobre la implicación didáctica del uso de las tecnologías, para esto se hace una breve clasificación y se establecen las tendencias y métodos diferenciados del material educativo y de los cursos MOOC (Massive Open Online Course) sobre patrimonio cultural. La segunda parte del estudio se enfoca en el documental interactivo, señalando sus particularidades audiovisuales, narrativas y estilísticas: el replanteamiento de los roles del director y del espectador dentro de las narraciones no lineales y las herramientas técnicas que determinan su desarrollo; el uso de software exclusivos en este tipo de obras y la elaboración del guion como un mapa mental; se plantean las posibilidades de interacción y navegación del documental interactivo dentro de la educación multimodal; se analizan algunos referentes de documental interactivo y se establecen las propuestas que sobre este género se han realizado en Colombia entre 2012 al 2016, enfatizando en las propuestas relacionadas con patrimonio cultural; por último, se determinan los espacios de coproducción, promoción, difusión y discusión dirigidos exclusivamente a audiovisuales interactivos en Colombia. En la tercera parte de la investigación se presentan dos ejemplos prácticos de documental interactivo sobre patrimonio cultural colombiano, como resultado y consecuencia del proyecto teórico de estudio, del análisis de referentes y de los conceptos planteados. Uno de los documentales interactivos está más enfocado al multimedia y a la difusión del patrimonio material, mientras que el otro modelo, tiende más hacia el hipermedia y a la difusión del patrimonio inmaterial. Como resultado se han obtenido dos modelos que contribuyen a difundir el patrimonio cultural, herramientas para la educación patrimonial dirigida sobre todo a nuevos públicos. Se demuestra que en el diseño y elaboración de los documentales no lineales en la Web se pueden emplear distintos recursos del arte digital, como video creación, documental expositivo, imágenes 360º, animaciones en 2 dimensiones, banco de fotografías multimedia e infografías. Las herramientas del arte digital contribuyen a enriquecer la experiencia estética, pedagógica y lúdica de las personas que se acercan al patrimonio cultural. / Aquesta investigació és un estudi teòric pràctic sobre el documental interactiu com un instrument educatiu per a la difusió del patrimoni cultural colombià. L'estudi consta de tres parts que van dels aspectes teòrics a la materialització pràctica. La primera part és el corpus teòric, una contextualització des de dues perspectives: per una banda des de les connotacions de l'educació patrimonial, la digitalització i l'ús de tecnologies de la informació i la comunicació en la difusió digital del patrimoni cultural. D'altra banda, la relació entre coneixement i noves tecnologies en la Cibercultura s'analitza des del marc teòric, així com es pregunta sobre la funció pedagògica dels multimèdia i la implicació didàctica en l'ús de les tecnologies, per això es fa una breu classificació i s'estableixen les tendències i mètodes diferenciats del material educatiu i dels cursos MOOC (Massive Open Online Course) sobre patrimoni cultural. La segona part de l'estudi se centra en el documental interactiu, assenyalant les particularitats audiovisuals, narratives i estilístiques: cal apuntar el replantejament de les funcions del director i de l'espectador dins de les narracions no lineals i les eines tècniques que determinen el seu desenvolupament; l'ús de software exclusiu en aquest tipus d'obres i l'elaboració del guió com un mapa mental; es plantegen possibilitats d'interacció i navegació del documental interactiu dins l'educació multimodal; s'analitzen algunes referències del documental interactiu i s'estableixen les propostes que en aquest gènere s'han fet a Colòmbia entre 2012 al 2016, destacant les propostes relacionades amb el patrimoni cultural. Llavors es determinen els espais de coproducció, promoció, difusió i debat dirigit exclusivament a l'audiovisual interactiu en Colòmbia. A la tercera part de la recerca es presenta dos exemples pràctics del documental interactiu sobre patrimoni cultural colombià, resultat i conseqüència del projecte teòric d'estudi, de l'anàlisi de referents i dels conceptes plantejats. Un dels documentals interactius està més centrat a la multimèdia i a la difusió del patrimoni material, mentre l'altre model, tendeix més cap a conceptes d'hipermèdia i a la difusió del patrimoni immaterial. El resultat d'aquest treball ha sigut l'obtenció de dos models que contribueixen a difondre el patrimoni cultural, eines per a l'educació patrimonial dirigit majoritàriament a públic nou. Es mostra que en el disseny i desenvolupament dels documentals no lineals a la Web es poden utilitzar diferents recursos de l'art digital, com vídeo creació, documental expositiva, imatges de 360º, animacions en 2 dimensions, banc de fotografies multimèdia i infografies. Les eines de l'art digital contribueixen a enriquir l'experiència estètica, pedagògica i lúdica de les persones que s'apropen al patrimoni cultural. / Arciniegas Martínez, AT. (2016). El documental interactivo como un instrumento educativo. Propuesta teórico práctica para la difusión digital del patrimonio cultural colombiano [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/76732

ABSTRACT (English) The staging as a device in contemporary artistic practice: actions made between 2003 and 2016 by Paula Valero. As the title of the thesis indicates, this is based on the study of the forms of production (staging) of scenic actions that bring life to the stage. Our thesis have two parts. The first one is a theoretical analysis on theatre and the forms of action in relation to the subject. Here we introduce references of artistic and theoretical proposals that are related or have influenced our artistic production, analyzed in the second part of the thesis. In the second part we analyze our practice and show the different proposals made during the PhD as an experiment that affirms our hypothesis: a scenic action can put us in contact with the power that inhabits in us, the necessary to transform our reality. The main objective has been to create a methodological analysis that allows us to analyze the scope of the different ways of staging an action. This analysis has been based on studying the composition and form of actions in five aspects: Putting inaction, Putting in practice, Putting in place, Putting in motion, Putting in question. Each of them, bring about several internal aspects of this process: 1º- Putting in action: Description of the action, concept of the proposal, device, script, actors / public, artistic direction, valuation. 2º-Putting in practice: Workshops, preparation of the action. 3º- Putting in place: Space, scenery, lighting, costumes, sound, make-up. 4º-Putting in motion: Production, assembly, equipment, final realization. 5º-Putting in question: Conclusions of the results (strengths and weaknesses). This methodology has allowed us to delve into one of the key points of the thesis: how putting in situation can facilitate the formation of more powerful collective bodies, in the challenge of constructing other forms of synchronizing and orchestrating bodies and rhythms, other incarnated logics and practices, others forms of cultural productions with proposals that value the lives of people who participate through personal and collective affective valuation. The general methodology, from which our personal methodology has emerged, has been based on theoretical-practical strategies: the theory about staging, theatrical semiotics analysis, expanded theatricality, performance, artivism, experimental ethnographies in various artists (Living Theater, Map Theater / Colombia, Tino Seghal), the use of self-representation as a scenic methodology for political subjectivity (Jérôme Bel) and my personal artistic practice between 2003-2013. As for the results achieved, thanks to this analysis we were able to find the constitutive force of citizenship potential, through artistic practice as a policy, which is capable of: showing how we can transform our reality, affirming subjectivities, recognizing the value of a person that is unique and the strength of the collaborative complicities. / La puesta en situación como dispositivo en la práctica artística contemporánea: propuestas realizadas entre 2003-2016 por Paula Valero. Como indica el título de la tesis, ésta se basa en un estudio de las formas de producción (puesta en situación) de acciones escénicas que irrumpen en lo real y llevan la vida a escena. Nuestra tesis se compone de dos bloques: el primero, es un análisis teórico sobre la teatralidad y las formas de acción en cuanto al tema que nos ocupa. En éste se introducen referencias de propuestas artísticas y teóricas que se relacionan o han influido en nuestra producción artística. En el segundo analizamos nuestra práctica y exponemos las diferentes propuestas realizadas durante el doctorado como experimentación que afirme nuestra hipótesis: Una acción escénica puede visibilizar, convocar, o ponernos en contacto con la potencia que nos habita, la que es necesaria para transformar nuestra realidad. El objetivo principal ha sido crear un análisis metodológico que permite analizar el alcance de las diferentes maneras de poner en escena una acción, bien para las teatralidades, bien para los artistas de la performance o para nuestra propia producción artística. Este análisis, se ha basado en estudiar la composición y forma de activación en la puesta en situación de una acción según los siguientes apartados: Puesta en acción, Puesta en práctica, Puesta en lugar, Puesta en marcha, Puesta en cuestión. Cada uno de ellos, acogen varios aspectos internos de este proceso de Puesta en situación: 1º-Puesta en acción: Descripción de la acción, concepto de la propuesta, dispositivo, guión, actores/ público, dirección artística. 2º-Puesta en práctica: Talleres de preparación de la acción. 3º- Puesta en lugar: Espacio, escenografía, iluminación, vestuario, sonido, maquillista. 4º-Puesta en marcha: Producción, montaje, equipo, ficha técnica, realización final. 5º-Puesta en cuestión: Conclusiones de los resultados (fortalezas y debilidades). Esta metodología nos ha permitido profundizar en una de las claves de la tesis: Una puesta en situación puede facilitar la formación de cuerpos colectivos, construir otras formas de sincronizar y orquestar cuerpos y ritmos, otras lógicas y prácticas encarnadas, otras formas de producción cultural con propuestas que pongan en valor la dignidad de la vida de la gente que participa por medio de una valoración afectiva personal y colectiva. Para la metodología general, de la que ha surgido la nuestra personal, hemos recurrido a estrategias teórico-prácticas: la teoría sobre la puesta en escena, análisis de la semiótica teatral, teatralidad expandida, la performance, artivismo, etnografías experimentales en diversos artistas (Living Theater, Mapa Teatro, Tino Seghal), el uso de la autorepresentación como estrategia escénica para activar la subjetividad política (Jerôme Bel) y la propia práctica artística personal realizada entre 2003-2016. Nuestro análisis nos ha permitido valorar la fuerza constitutiva de la potencialidad de la ciudadanía a través de la práctica artística como política, mostrar como podemos transformar nuestra realidad, afirmar subjetividades, estudiar procesos de dignificación centrados en reconocer que toda persona es única, explorando las complicidades colaborativas y procesos de escucha que configuran estas acciones. / RESUM (Valencià) La posada en situació com dispositiu a la pràctica artística contemporània: propostes realitzades entre 2003-2016 per Paula Valero. Com indica el títol de la tesi, aquesta es basa en un estudi de les formes de producció (posada en situació) d'accions escèniques que irrompen amb el real i porten la vida a escena. La nostra tesi es compon de dos blocs. El primer, és una anàlisi teóric de la teatralitat i les formes d'acció pel que fa al tema que ens ocupa. En aquest s'introdueixen referències de propostes artístiques i teòriques que es relacionen o han influït en la nostra producció artística, analitzada en el segon bloc de la tesi. En el segon bloc analitzem la nostra pràctica i exposem les diferents propostes realitzades durant el doctorat com a experimentació que afirme la nostra hipòtesi: Una acció escènica pot visibilitzar, convocar, o posar-nos en contacte amb la potència que ens habita, la necessària per a transformar la nostra realitat. L'objectiu principal ha estat crear una anàlisi metodològic que permet analitzar l'abast de les diferents maneres de posar en escena una acció, siga per a les teatralitats, per als artistes de la performance, per a la nostra pròpia producció artística. Aquesta anàlisi, s'ha basat en estudiar la composició i forma d'activació en la posada en situació d'una acció amb els cinc apartats: Posada en acció, Posada en pràctica, Posada en lloc, Posada en marxa, Posada en qüestió. Cada un d'ells, acullen diversos aspectes interns d'aquest procés de Posada en situació: 1-Posada en acció: Descripció de l'acció, concepte de la proposta, dispositiu, guió, actors / públic, direcció artística. 2-Posada en pràctica: Tallers de preparació de l'acció. 3- Posada en lloc: Espai, escenografia, il·luminació, vestuari, so, maquillista. 4-Posada en marxa: Producció, muntatge, equip, fitxa tècnica, realització final. 5-Posada en qüestió: Conclusions dels resultats (fortaleses i debilitats). Aquesta metodologia ens ha permès aprofundir en una de les claus de la tesi: com la posada en situació pot facilitar formar cossos col·lectius més potents, en el desafiament de construir altres formes de sincronitzar i orquestrar cossos i ritmes, altres lògiques i pràctiques encarnades, altres formes de producció cultural amb propostes que posin en valor la dignitat de les vides de la gent que participa per mitjà de la valoració afectiva personal i col·lectiva. Per a la metodologia general, de la qual ha sorgit la nostra metodologia personal, s'ha fonamentat en estratègies teorico-pràctiques: la teoria sota la posada en escena, anàlisi de la semiòtica teatral, teatralitat expandida, la performance, artivisme, etnografies experimentals en diversos artistes (Living theater, Mapa Teatre, Tino Seghal), l'ús de l'autorepresentació com a metodologia escènica per a la subjectivitat política (Jérôme Bel) i la pròpia pràctica artística personal realitzada entre 2003-2016. Pel que fa als resultats assolits, gràcies a aquesta anàlisi vam poder trobar la força constitutiva de la potencialitat de la ciutadania a través de la pràctica artística com política, la qual és capaç de: mostrar com podem transformar la nostra realitat, afirmar subjectivitats, processos de dignificació centrats en reconèixer la vàlua que una persona és única, explorant la força de les complicitats col·laboratives i processos d'escolta que configuren aquestes accions. / Valero Comín, P. (2017). La puesta en situación como dispositivo en la práctica artística contemporánea: propuestas realizadas entre 2003-2016 por Paula Valero [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/89092