Comoumsótrabalho - sobre os projetos de escala geográfica de Nelson Felix investiga um conjunto específico de obras do artista, precisamente aquelas cuja construção envolve deslocamentos geográficos extremos, uma experiência dilatada de temporalidade e a premissa do entrelaçamento contínuo entre os trabalhos. Marcada pelo rigor construtivo e por uma série de determinações simbólicas, a produção de Felix recorre a formas orgânicas, a ciclos planetários, à música, à poesia escrita, em um jogo de equivalências e rebatimentos que se manifesta em uma forma constelar, simultaneamente atenta e insubordinada aos paradigmas estéticos contemporâneos. Assim, partindo de reflexões que problematizam a relação ambivalente da obra de Nelson Felix com a tradição da escultura a pesquisa encontra, nos processos de construção dos projetos do artista, os conceitos que irão nortear a discussão em pauta. Essas reflexões se atêm, basicamente, à contiguidade entre os trabalhos, à temporalidade supra-humana a que são submetidos e à monumental invisibilidade da obra. / Comoumsótrabalho (Asasinglejob) - about the geographic scale works of Nelson Felix - investigates a specific set of works by the artist, precisely those whose construction involves extreme geographic dislocation, a dilated temporal experience and the premise of continuous interconnection between all of the artist\'s works. Marked by the constructive rigor and by a series of symbolic determinations, Felix\'s production turns to organic forms, planetary cycles, music and written poetry, in a game of equivalences and reverberation that presents itself in a stellar way, simultaneously aware of and unsubordinated to the contemporary aesthetic paradigms. Thus, starting from reflections that problematize the ambivalent relations between the work of Nelson Felix and the tradition of sculpture, the research finds, in the processes of construction of projects by the artist, the concepts that will guide this discussion. These reflexes basically rely on continuation of works, on the super-human temporality to which they are submitted and on the monumental invisibility of the work.

Este trabalho apresenta uma reflexão ensaística sobre minha produção em arte dos últimos dois anos. Os experimentos poéticos e o formato deste texto dialogam com as ideias de transparência e opacidade, expressas no campo da visualidade. Os trabalhos que aqui apresento são divididos em dois conjuntos: o primeiro deles, que se mostra desde o início desse caderno, é um ensaio visual composto pela justaposição de colagens, fotografias e desenhos. O segundo conjunto diz respeito à instalação composta por trabalhos tridimensionais. O estudo procura conjugar poética, práxis e reflexão crítica, apresentando, ao longo da escrita, o plano conceitual em que os experimentos poéticos projetam-se, refletem, e a partir do qual se desdobram / This master\'s thesis investigates, as an essay, my artwork of the last two years. The poetic experiments and the literary form of this text bring up ideas of transparency and opacity visually expressed. The works presented here are divided in two series: the first one, that appears since the beginning of this book, is a visual essay composed by juxtaposition of collages, photographies and drawings. The second of them is about the installation based on three-dimensional works. This study tries to bring together poetics, praxis and critical thinking, presenting, throughout the writings, the conceptual field to which the poetic experiments project and reflect themselves, and from which they unfold.

O presente estudo tem como eixo central as conexões entre a produção de esculturas em madeira, conhecidas como mashinamu ou arte makonde, e a história de Moçambique, pelo viés da atuação política e artística da população makonde deste país, entre 1950 e 1974. O recorte temporal abrange duas fases com marcas significativas nas dinâmicas sociais do referido grupo. A primeira de 1950 a 1959, pela valorização da arte makonde no mercado internacional da arte africana, pelo aumento do fluxo migratório para o Tanganyika, e pela formação de organizações de ajuda mútua e políticas lá instaladas. A segunda, de 1959 a 1974, pelos novos significados da arte makonde na luta pela independência de Moçambique e pelo projeto de consolidação de uma nacionalidade moçambicana. No intuito de compreender a referida produção artística em diálogo com a história política de Moçambique, o estudo elucidou, dentre outros aspectos, os sentidos dessa produção em diferentes contextos políticos e sociais e o papel da população makonde no processo de independência de Moçambique. A pesquisa se debruçou sobre fontes escritas constituídas por publicações e documentos do período colonial e sobre fontes orais, formadas, especialmente, por entrevistas realizadas com escultores atuantes nas esferas política e artística no período colonial. / This thesis focuses on the connections between the production of wooden sculptures, known as mashinamu or makonde art, and Mozambiques history under the point of view of the makonde population and its political and artistic participation in the country, from 1950 until 1974. This period comprehends two essential moments for the groups social dynamics: the first, between 1950 and 1959, is characterized by the appreciation of makonde art in international African art markets, the growth of the migration flow towards the Tanganyika and the formation of mutual assistance organizations and policies that had been created there. The second moment, between 1959 and 1974, consists in the new significance makonde art undertakes in Mozambiques independence struggle and the project for the consolidation of a Mozambican nationality. With the intent of understanding the artistic production in relation to Mozambiques political history, this thesis elicited, among other aspects, the meanings of this production under different political and social contexts and the role of the makonde population in the countrys independence process. The research has looked into written registers consisting in documents and publications from the colonial period as well as into oral accounts, formed especially by interviews with sculptors who participated in the artistic and political spheres from the colonial period.

Este trabalho apresenta uma reflexão ensaística sobre minha produção em arte dos últimos dois anos. Os experimentos poéticos e o formato deste texto dialogam com as ideias de transparência e opacidade, expressas no campo da visualidade. Os trabalhos que aqui apresento são divididos em dois conjuntos: o primeiro deles, que se mostra desde o início desse caderno, é um ensaio visual composto pela justaposição de colagens, fotografias e desenhos. O segundo conjunto diz respeito à instalação composta por trabalhos tridimensionais. O estudo procura conjugar poética, práxis e reflexão crítica, apresentando, ao longo da escrita, o plano conceitual em que os experimentos poéticos projetam-se, refletem, e a partir do qual se desdobram / This master\'s thesis investigates, as an essay, my artwork of the last two years. The poetic experiments and the literary form of this text bring up ideas of transparency and opacity visually expressed. The works presented here are divided in two series: the first one, that appears since the beginning of this book, is a visual essay composed by juxtaposition of collages, photographies and drawings. The second of them is about the installation based on three-dimensional works. This study tries to bring together poetics, praxis and critical thinking, presenting, throughout the writings, the conceptual field to which the poetic experiments project and reflect themselves, and from which they unfold.

O presente estudo tem como eixo central as conexões entre a produção de esculturas em madeira, conhecidas como mashinamu ou arte makonde, e a história de Moçambique, pelo viés da atuação política e artística da população makonde deste país, entre 1950 e 1974. O recorte temporal abrange duas fases com marcas significativas nas dinâmicas sociais do referido grupo. A primeira de 1950 a 1959, pela valorização da arte makonde no mercado internacional da arte africana, pelo aumento do fluxo migratório para o Tanganyika, e pela formação de organizações de ajuda mútua e políticas lá instaladas. A segunda, de 1959 a 1974, pelos novos significados da arte makonde na luta pela independência de Moçambique e pelo projeto de consolidação de uma nacionalidade moçambicana. No intuito de compreender a referida produção artística em diálogo com a história política de Moçambique, o estudo elucidou, dentre outros aspectos, os sentidos dessa produção em diferentes contextos políticos e sociais e o papel da população makonde no processo de independência de Moçambique. A pesquisa se debruçou sobre fontes escritas constituídas por publicações e documentos do período colonial e sobre fontes orais, formadas, especialmente, por entrevistas realizadas com escultores atuantes nas esferas política e artística no período colonial. / This thesis focuses on the connections between the production of wooden sculptures, known as mashinamu or makonde art, and Mozambiques history under the point of view of the makonde population and its political and artistic participation in the country, from 1950 until 1974. This period comprehends two essential moments for the groups social dynamics: the first, between 1950 and 1959, is characterized by the appreciation of makonde art in international African art markets, the growth of the migration flow towards the Tanganyika and the formation of mutual assistance organizations and policies that had been created there. The second moment, between 1959 and 1974, consists in the new significance makonde art undertakes in Mozambiques independence struggle and the project for the consolidation of a Mozambican nationality. With the intent of understanding the artistic production in relation to Mozambiques political history, this thesis elicited, among other aspects, the meanings of this production under different political and social contexts and the role of the makonde population in the countrys independence process. The research has looked into written registers consisting in documents and publications from the colonial period as well as into oral accounts, formed especially by interviews with sculptors who participated in the artistic and political spheres from the colonial period.

Esta tese compreende a criação de um conjunto de obras que propiciam uma experiência de deslocamento espaçotemporal no contexto da arte, a fim de aludir criticamente à experiência de passagem observada no contexto do espaço urbano contemporâneo. Essas obras, realizadas em diversos meios e materiais, foram apresentadas no período de 1995 a 2000 e visam constituir-se como elemento perturbador para desestabilizar as noções que tradicionalmente definiriam a escultura, a relação entre espectador e obra, e a própria arquitetura que lhe serve de suporte. Na reflexão sobre essas questões vários temas emergem. O primeiro é a relação entre a arte e o design, que na obra é tensa e conduz a uma experiência que na tese se denomina \"o conflito do sujeito\". O segundo é o da amplificação dos sentidos através de uma experiência sinestésica que produz modificações na paisagem do mundo (da arte) e na percepção que o sujeito tem de si mesmo quando submetido ao espaçotempo da obra. O terceiro tema consiste na contextualização da discussão do site-specific a partir do entendimento de como se organiza o espaço na vida contemporânea, conduzindo a uma nova abordagem do site que se especializa em arte --o \"cubo-branco\"--, ao qual minha produção responde através da conceituação do site-specific deslocado. Finalmente, ao tratar de uma obra de caráter ficcional --um projeto de criação de um ambiente \"desviante\" no espaço público--, a tese propõe a discussão da experiência do sujeito como navegador, baseada na análise crítica da experiência de navegação na internet, uma nova fronteira da experiência espaço-temporal que se constitui em analogia com o espaço do mundo, tal como o percebemos. / This thesis comprehends the creation of a set of works of art that allow an experience of spatio-temporal dislocation within the art context, in order to allude critically to the experience of passage observed within the context of contemporary urban space. These works, produced with different means and materials, were presented in the period spanning from 1995 to 2000 and aim at constituting themselves as disturbing elements to destabilize the notions which have traditionally defined sculpture, the relation between the work of art and the spectator and even the architecture that serves as its support. While considering these questions many themes have emerged. The first is the relation between art and design, which is tense in the works involved, and leads to an experience which is defined in the thesis as \"the subjective conflict\". The second is the theme of the amplification of the senses through a sinaesthetic experience which generates changes in the landscapes of the (art) world, and in the subject\'s perception of himself/herself when submitted to the work\'s space-time. The third theme consists of the contextualization of the discussion about the site-specific through the understanding of how the space of contemporary life is organized; this leads to a new approach of the site that specializes itself in art --the \"white cube\"--, to which my work responds through de concept of the dislocated sitespecific. Finally, while dealing with a work of fictional nature --a project for the creation of a \"deviant\" environment in public space--, this thesis brings forth a discussion of the experience of the subject as a navigator, based on a critical analysis of the experience of navigating within the internet, a new frontier for the experience of space-time, which constitutes itself as an analogue to the actual space as we perceive it.

Aquesta investigació té com objectiu l’estudi de l’obra escultòrica de Josep Granyer i Giralt (1899-1983). S'han realitzat alguns estudis breus, perfils biogràfics i catàlegs d'exposicions sobre l’artista barceloní al llarg d'aquests darrers anys. Tot i així, no tenia encara cap anàlisi, monografia ni catalogació rigorosa i en profunditat de la seva obra escultòrica. Aquesta tesi és un primer pas per recuperar, reconstruir i divulgar la figura de Josep Granyer i la seva obra escultòrica. La producció de Granyer és una obra complexa, extensa i variada, que per la seva magnitud calia acotar i limitar. Així, hem decidit d'excloure de la catalogació l'obra que té com il•lustrador, dibuixant i gravador i abordar una aproximació de Granyer, a partir del fil conductor de la seva obra escultòrica. Hem treballat en dues línies: refer la trajectòria artística i vital de l'artista barceloní i fer el catàleg raonat de l'obra escultòrica. En aquest sentit, ens ha permès revisar i transitar per un període de la nostra història de l'art català del segle XX i recuperar un espai dins la historiografia en un aspecte com és el de l'escultura. La tesi està dividida en tres blocs. La trajectòria vital, l'obra de Josep Granyer i el catàleg raonat que conforma la tercera part de l'estudi. Hem adjuntat un apèndix amb una selecció del seu diari il•lustrat, una eina peculiar que ens ha permès reconstruir i accedir a aspectes i consideracions d'un període concret del seu camí artístic i personal. El primer objectiu ha sigut la creació d'un catàleg amb un inventari de més de tres-centes peces escultòriques. El recorregut per tot aquest conjunt d'obres, no només ens ha mostrat l'evolució artística del seu creador, sinó que també ens ha proporcionat una visió global de la dimensió de la producció i una base per construir la monografia. Aquest estudi té com propòsit omplir un buit historiogràfic dins l'estudi general de l'escultura catalana. Una de les aportació és la d´intentar obrir i donar a conèixer el ventall de l'obra escultòrica i la biografia de Josep Granyer fins ara fragmentària. Aquesta recerca és un apropament des de l'òptica d'una historiadora però també d'una escultora. / This investigation has the aim of studying the sculptural work from Josep Granyer Giralt (1899-1983). We’ve worked in two lines: remake the artistic and vital trajectory of the artist from Barcelona and to make the reasonable catalogue from the sculptural work. In this sense, the investigation allowed us to go through and to go along a period from our history (from the Catalan art from XX century) and to recuperate a space in the historiography in an aspect as the one of the sculpture. The thesis is divided in three blocks: The vital trajectory from Josep Granyer, the artist work and the reasonable catalogue which adjusts the third part of the study. The first objective has been the creation of a catalogue with an inventory from more than three hundred sculpture pieces. The path for all this group of works, has not only showed us the artistic evolution from his creator, but has also proportioned a global vision of the production’s dimension and a base to build the monograph. Josep Granyer follows a singular and suggesting way, with a trajectory that is oft irregular without a continue evolution which goes along for diverging territories. We noted here another of his contributions of the artist from Barcelona, his facet as illustrator, engraver and drawer, which he assemblages with the sculpture. This study has the proposal to full a historiographical empty space in the general study of the Catalan sculpture. One of its contributions is to try to open and to give to know the range of the sculptural work and the biography of Josep Granyer fragmentary until now. This research is an approach from the optical of a historian who is also a sculptress.

1. HIPÓTESIS DEL TRABAJOEsta tesis considera el cuerpo como lugar de investigación y creatividad artística, desde un punto de vista marcado por las mujeres artistas y por la presentación y/o representación del cuerpo femenino, en términos propios o cercanos a la escultura y al Arte Público.El pretexto, para este trabajo, consiste en considerar a las mujeres artistas y a los cuerpos femeninos como identidades que actúan con creatividad, para introducirse y modificar el entorno social.El objetivo principal es determinar unas posibles definiciones de Cuerpo Público, seleccionando intervenciones creativas que permiten evidenciar cómo el cuerpo, a través del arte, se perfila como un medio colectivo socialmente útil.2. METODOLOGÍA DE INVESTIGACIÓNLa delimitación del campo de investigación se ha acotado analizando la producción artística femenina del siglo veinte, relacionando y confrontando los datos bibliográficos e iconográficos hallados.El corpus general de datos, marcado por vacíos, fragmentación y complejidad, ha sido catalogado por orden alfabético y seleccionado, restringiendo el marco de investigación a obras de arte que presentaran el tema del cuerpo o problemas de identidad femenina.3. RESULTADOSAnalizando las obras de arte, se ha definido el Cuerpo Público, explicando sus características, al desarrollar unos conceptos clave, que han evidenciado dos condiciones principales: una objetiva y otra simbólica, que permiten la recíproca interferencia y/o copresencia, que determina las caracterizaciones y coincidencias que siguen:- Cuerpo Público como corpus de conceptos y/o acciones.Corresponde a las obras de arte seleccionadas y al compromiso artístico de las mujeres. Esta primera definición puede entenderse también como Cuerpo Público "extendido". Identifica un "bien" potencialmente alcanzable por todos y ofrece un tránsito, físico o mental, que permite conocer y re-conocerse.- Cuerpo Público "plástico", asumido como material y medio y "objeto/sujeto plasmable" del arte. Esta segunda hipótesis puede equivaler a la de Cuerpo Público como "escultura viviente", patente en la performance y en el Body Art.- Cuerpo Público que atañe al Arte Público, entendido como actitud colectiva y democráctica, por implicar a más autores y al público en la configuración de la obra de arte y/o por expresarse en "espacios" de uso público. Debe considerarse la capacidad de dialogar y colaborar entre identidades. Puede corresponder a una práctica artística para los "asuntos públicos" que podría convertirse en "razón de estado". Esta tercera propuesta puede sumarse al concepto de Cuerpo Público "político", como libre presentación y/o representación del "cuerpo" y capacidad de mediar democráticamente. Implica el consenso de los interesados al lugar y la apropriación social del acontecimiento.- Cuerpo Público "autobiográfico", como explicitación pública de una mirada privada individual que puede tener resoncia en una mirada pública colectiva. Debate las necesidades relativas a una vivencia local/global y puede configurarse en "multi-identidad". Esta última consideración puede coincidir con Cuerpo Público como identidad "híbrida" interpretada como actitud sincrónica e interdisciplinar. 4. CONCLUSIONESLos resultados obtenidos se indican como parciales y revisables y no pretenden dictar pautas estrictas.En concreto, el tema del Cuerpo Público ha ofrecido la posibilidad de desarrollar con creatividad un género que atañe la investigación del Arte Público, con la intención de contribuir a llenar unos vacíos histórico-artísticos y fomentar la curiosidad de futuros investigadores.Se ha demostrado cómo es posible repensar el papel del arte, gracias a la creatividad de las artistas, y cómo se pueden insertar nuevas lecturas del arte dentro de la historiografía oficial.Se ha puesto de manifiesto, además, cómo la obra de arte puede representar una posible solución a los problemas sociales, junto a la calidad y actualidad de:- la atención siempre más frecuente hacia el Arte Público. - los temas que se ocupan de estudios de género.- la importancia del cuerpo come eje de investigación. / The basic notions in this doctoral dissertation arise from looking upon the body as the site for artistic research and creativity. Specifically, such an analysis is deduced from the point of view of female artists, and from the presentation and/or representation of the female body in terms that are peculiar or closely related to sculpture and Public Art.The pretext for this research plan comes down to considering female artists and female bodies as entities capable of behaving with creativity, in order to gain access into the social fabric and so influence society.This dissertation therefore introduces some creative works by female artists, which can be defined as "public body", and they allow demonstration of how, by means of art, the body presents itself as a collective and socially useful resource.

La investigación científico-técnica que presentamos a continuación tiene como objetivo principal la dotación de instrumentos para el conocimiento y la divulgación del patrimonio histórico-artístico del sur del Antiguo Reyno de Valencia. Ante la actual fragmentación del ecosistema, el acaparamiento de suelo y la dispersión de la oferta cultural; el estudio se sustenta en el diseño de programas didácticos para explicar los procesos de divulgación de las formas artísticas. En contraposición a los actuales modelos de difusión publicitaria, la propaganda turística y el espectáculo del museo, la tesis doctoral responde a la insuficiente gestión de las normativas de protección y conservación vigentes, para dar un valor integral a estos recursos desde una acción divulgativa. Desde una concepción holística abordamos el estudio del monumento artístico, no como un elemento aislado, sino como signo, producto de las relaciones que se establecen a través de las vías de comunicación. En un inventario-guía trataremos de dotar de valores a las antiguas rutas y su papel en la vertebración de las actividades sociales, conectando así nuestros orígenes con el mundo contemporáneo. La creación de modelos funcionales de producción cultural pasa por el desarrollo de estructuras científicas estables en cuanto a definiciones y clasificaciones, en las que se van introduciendo elementos más ambiciosos. Esta reflexión nos motiva el replanteamiento de una serie de premisas en relación con la administración de los recursos y la anticipación en el proceso de interpretación ambiental con el fin de crear instrumentos de diálogo cultural. Ante la actual dialéctica entre la cultura de la marca del museo y los modelos sociales de producción cultural, optamos por situarnos en el contexto de la educación para los valores de la naturaleza, reconociendo la cultura de un pueblo a través de los artificios que introduce cada civilización afectando a la cultura constructiva, el espacio urbano, el territorio y el paisaje. A partir de la recuperación de las vías de comunicación no sólo dotamos de valores a los recursos naturales y culturales también integramos los elementos a proteger y conservar, rentabilizando el paisaje en beneficio de las comunidades en declive. El planteamiento para la consecución de un programa interpretativo actualizado se manifiesta en las ideas de viaje espacio-temporal y la recreación panorámica de las manifestaciones culturales desde la Prehistoria hasta el s. XX. En el tránsito por los caminos entre el Júcar y el Vinalopó consideramos las características geográficas y los ecosistemas, factores que favorecen la continuidad de numerosos semblantes culturales entre los núcleos de poblaciones establecidos en la orografía montañosa, l´horta y el litoral marítimo. Los aspectos de diálogo y dialéctica cultural derivan de los conceptos de estacionalidad y frecuencia. Estas pautas continuistas vienen condicionadas por los cambios medioambientales, los procedimientos de colonización y la resistencia o asimilación de los mismos. La intensidad de los flujos culturales nos sirve para desplegar una serie de circuitos didácticos vinculados con el estudio de las vías y caminos que atraviesan la escenografía del litoral meridional. El término itinerario como recorrido o ruta lo relacionamos con la cartografía, donde el plan de viaje sigue las indicaciones del camino y las paradas, incorporando en el trayecto aquellos conjuntos y elementos a proteger, permitiéndonos la introducción en un universo de tradiciones que van más allá de localismos para participar de la historia social del arte universal. / The scientific-technical investigation that we present here, has as its objective the provision of tools for knowledge and the tranmission of historic-artistic heritage in the South of the Antiguo Reyno of Valencia. In the face of the current fragmentation of the ecosystem, the monopolization of land and the dispersion of cultural offerings, the study is based on the design of didactic programs to explain the dissemination process of artistic forms. In contrast to the current models of disseminating publicity, touristic propaganda and the spectacle of the museum, the doctoral thesis responds to insufficient management of rules for protection and conservation that are in force, using a popularising effort to help imbue these resources with integral value. Starting with a holistic conception, we broach the study of artistic monuments, not as an isolated element but rather as a signifier, a product of the relationships that are established via routes of communication. In an inventory-guide we attempt to give value to the old routes and their role in underpinning social activity, thereby connecting our origins to our contemporary world.The creation of functional models of cultural production goes through the development of stable scientific structures of classification and definition, into which more ambitious elements are then introduced. The reflection motivates us to the positing of a series of related premises concerning the administration of resources, and advance participation in the process of environmental interpretation, with the end of creating instruments of cultural dialogue. In the face of the current dialectic between the culture of the museum brand and the social models of cultural production, we choose to situate ourselves in a context of education on the values of nature, recognising the culture of a town through the artifices which each civilisation introduces in the name of cultural construction, the urban space, the territory and the landscape. From this point on, the reclaiming of the routes of communication, we are not only giving value to the natural and cultural resources, we are also introducing the elements which must be protected and conserved, making the land profitable for the benefit of communities in decline.The plan for the realisation of an working interpretative programme manifests itself in ideas of spatio-temporal journey, and the panoramic recreation of cultural manifestations from Prehistory up to the 20th Century. In transit on the roads between Jucar and Vinalopo, we consider the geographic characteristics and the local ecosystems; factors which favour the continuity of numerous cultural similarities between the nuclei of population established in the mountainous terrain, the horta and the sea coast. The features of cultural dialogue and dialectic derive from the concepts of seasonality and frequency. These constant guidelines are conditioned by environmental changes, proceeding from colonisation, and resistance or assimilation in the face of it. The intesity of cultural flows serves to unfold a series of didactic circuits linked to a study of the roads and paths that traverse the scenery of the southern coast. The final itinerary, as a crossing or a route, is conveyed with cartography, where the trip plan follows the indications of roads and rests, with those elements incorporating in the trajectory those elements and groups which need protection; allowing us to introduce a universe of traditions, going further than localisms, in order to participate in a social history of universal art.

La presente tesis doctoral se organiza en dos apartados: 1) un estudio formal de sus esculturas 2) su concepción de lo artístico. Su formación como escultora cabalga entre la recuperación del objeto y la imagen por parte de la Nueva Escultura Inglesa y el interés centroeuropeo por una escultura-arquitectónica que es "espacio poético".Iglesias investiga sobre hasta dónde podemos emplear los materiales. En cuanto a las formas, ha levantado durante toda su carrera muros-pantalla que construyen espacios. Si hay un significado general a todas las piezas es la idea de imaginar que el lugar que se mira o nos cobija, es real.Primero ver, luego imaginar. Así podría resumirse la intención de Iglesias con sus construcciones. Sus esculturas son espacios reales y representaciones al mismo tiempo. La escultura de Iglesias es un "espacio de percepciones", representaciones simbólicas de amenaza, cobijo, miedo, deseo, opresión, desorientación...como estar en un laberinto. / The present doctoral thesis is organized in two parts: 1) a formal study o her sculptures 2) the conception of Cristina Iglesias about the artistics.Her training like a sculptor was between the recovery of space and the image by the New English Sculpture and the interest Centro European by an architectural sculpture that is "poetic space".Cristina Iglesias researches on until where we can employ the materials. Regarding the forms, she has put on during her career screen- walls that build space.If there is a general meaning to all pieces is the idea to imagine that the place that look or receive us, is real.First see, afterwards imagine. Her sculptures are real spaces and representations to the same time. Iglesias´s sculpture is a "space of perceptions", symbolic representations of threat, shelter, fear, wish, oppressions, disorientation. Like being in a labyrinth