Verdades e mentiras (Verités et mensonges / F for fake, 1973), de Orson Welles, parte da história de Elmyr de Hory, um grande falsificador de obras de arte, para propor uma reflexão sobre o mercado de arte e sobre o trabalho do artista no contexto da Indústria Cultural. O filme organiza-se como uma argumentação, que disserta sobre seu contexto sócio-histórico e capta a estrutura de sentimento do período em que é produzido, podendo ser considerado um precursor do filme ensaio. Entretanto, os argumentos nem sempre confirmam as teses propostas inicialmente. Há constantes contradições entre os diferentes elementos que compõem uma mesma cena, ou entre diferentes cenas e sequências do filme, tornando necessário ao espectador realizar uma leitura a contrapelo da obra. Orson Welles incorpora aspectos da tradição cinematográfica e de sua obra e combina-os com a experimentação, que é característica de seu trabalho artístico, para investigar as relações de produção no contexto da indústria cultural e de que forma o trabalho se constitui enquanto horizonte para superação das determinantes históricas da sociedade. Ao mesmo tempo em que faz isso, o filme evidencia a si mesmo como representação, constituída a partir de um ponto de vista determinado, e assim permite que analisemos e interpretemos a verdade desse trabalho artístico, para a compreensão dos temas e aspectos da realidade que ele configura. / F for fake (Verités et mensonges, 1973), by Orson Welles, introduces the story of Elmyr de Hory, a great Art forger, in order to discuss the determinations associated to the Art Market and the work of the artist submitted to the Cultural Industry. The movie is structured as an argumentative essay, which discusses its background and captures the structure of feeling of the period. Because of the way it is organized, F for fake is sometimes referred as a predecessor of what is called nowadays essay film. However, the arguments included do not necessarily confirm the initial thesis of the film. There are numerous contradictions between different elements of a scene, and also between different scenes and sequences. It keeps the audience alert and suggests the need to interpret the story against the grain, as Walter Benjamin advocates. Orson Welles incorporates some aspects of film tradition and of his oeuvre, and associates them with the experimentation of new aesthetics, as it is characteristic of his artistic work, in order to examine the relations of production in the context of the Cultural Industry. He also analyses how labor can represent some perspective of overcoming the social and historical determinations of the society. Whilst structuring these debates, the film exposes itself as a representation of a certain point of view, and allows the audience to analyse and interpret the truth of this work of art, as well as to try to understand the association of themes and aspects of reality that it constitutes.

Identificação e reconstituição das preceptivas da prática cênica no século XVI italiano a partir da análise exegética do \"Tratado sobre as cenas\", pertencente à obra Da arquitetura e Perspectiva do arquiteto e preceptor bolonhês Sebastiano Serlio. O esquadrinhamento dos três gêneros de cenas antigos - tragédia, comédia e sátira -, normatizados por Serlio a partir do escrito vitruviano sobre arquitetura, tem em vista modificações e adequações consoantes à proposição da \"cena moderna\", cuja matéria baseia-se na pintura e na arquitetura, das quais se distingue ao compor assunto próprio às artes cênicas. A cena, perspectiva e tridimensional, ornada com relevos e materiais diversos, é caracterizada por volumes com os quais as personagens interagem, tornando-se espaço próprio à ação cênica, conveniente com o gênero e aparatos. Estendendo-se além da preceituação e confecção dos aparatos cênicos, amplia o ingenium arquitetônico, pela prescrição de ações corporais distintas na figura de personagens em movimento, qualificando matéria da representação cênica, mesmo que ainda não reconhecida como arte autônoma. / Identification and reconstitution of the precepts of stagecraft in the Italian sixteenth century, from the exegetical analysis of the \"Treaty on the scene\", belonging to the work Of architecture and perspective, of the bolognese architect and preceptor, Sebastiano Serlio. The scrutinizing of the three ancient genres of scenes - tragedy, comedy and satire - normalized by Serlio from Vitruvius writing about architecture, aim modifications and adaptations according to the proposition of the \'modern scene\', whose subject matter has its foundations in painting and architecture, from which it distinguishes itself by being proper subject to the performing arts. The scene, three-dimensional and perspective, adorned with reliefs and various materials, is characterized by volumes with which the characters interact, becoming appropriate space to stage action, convenient to the genre and apparatuses. Extending beyond the preception and confection of scenic devices, amplifies the architectural ingenium, by prescribing distinct corporal actions in the figure of characters in motion, qualifying it as matter of scenic representation, even if not yet recognized as autonomous art.

The present research objective is to verify the existence of the Transformation of the Performer’s Appearance in live spectacles. The transformation is understood as a process resulting from the continuous interchange between scene light and visual characterization of the performer (consisting of costumes, makeup, hairstyle and accessories). Spectacles from the XX century are discussed, with special attention to theatre and dance. Initially, secondary objectives were defined in order to contribute to the thesis final result. These goals helped to determine some central aspects of the thesis, and to complement knowledge related to the theme. Therefore, the research aims: to make a literature review and understand the study subjects; to acknowledge process and technologies of the scenic design (light, visual characterization, scenario) through declaration of experts of the area; to verify differences and similarities of scenic design between eastern and western cultures; to verify scenic design evolution in the time rage defined; to define method to analyze the available material. Thus, from the thoughts developed during the knowledge formation (structured in three steps), we present the following research question: Could the interchange between the scenic light and the visual characterization of the performer result in a transformation of the performer’s visual appearance to the public? In other words, this study is a theoretical research with empirical approach. Some examples of the subject of study are qualitatively analyzed using the Content Analysis method. A content analysis methodology was used as a way of exploring images and text documents. The results from these analyses are registered at the end of the three parts (who are called here Route Methodological) of the thesis: literature review; empirical analysis – part one; empirical analysis – part two. The first empirical analysis contextualises the subject; it is composed of examples of experimentation of visual transformations in spectacles, and testimonials from professional artists of scenic design. The second empirical analysis is the central focus of the study. It investigates the Transformation of the Performer’s Visual Appearance in the trajectory and work of eight western artist of the XX century (who are called here Investigators Artists). The investigated artists are: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson and Pina Bausch. The conclusion of the research indicates the existence of the Transformation of the Performer’s Visual Appearance. The transformation occurs in a predetermined short range of time, and is composed of a sequence of images in continuous transformation. This process starts in the initial appearance of the performer and ends with this appearance modified. The resulting visual characterisation of the performer, which happens in real time, may be permanent until the end of the spectacle or might come back to the original appearance. The Transformation of the Performer’s Visual Appearance, led by the light and the visual characterisation of the performer, was verified in this research mostly in the work developed by the scenic artists Loïe Fuller e Robert Wilson. The conclusion inferred in the present research is that visual changes in the performer are and have always been part of the scenic design of live spectacles during the time range studied. Nonetheless, the visual transformation of the performer has not always been a visual resource taking into account in the scenic design and plastic production. This study demonstrates that the visual appearance of the performer, influenced by the interchange between light and visual characterization, can be a live scenic element being active part of the dramatic proposal and work’s aesthetics. / Esta investigación consiste en la búsqueda para comprobar la existencia de la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete (TAVI) en espectáculos en directo. Transformación esta entendida como un proceso resultante del diálogo constante entre la luz escénica y la caracterización visual del intérprete (la CVI, compuesta por vestuario, maquillaje, peluquería y accesorios). Siendo esta búsqueda el objetivo general del estudio, sumado a la reflexión sobre el diálogo establecido entre la luz y la CVI en espectáculos del s. XX, concediendo especial atención al teatro y la danza. En este sentido, primeramente, fue necesario establecer una serie de objetivos específicos, que contribuyeron a lograr el resultado final y que, además, permitieron percibir aspectos determinados del cuerpo central de la tesis y complementar conocimientos relacionados con el tema. Por tanto, estos objetivos buscaron: alcanzar la comprensión y hacer una revisión histórica de los objetos de estudio; conocer los procesos y tecnologías del diseño escenográfico (luz, caracterización visual y decorado), por medio de la voz de los técnicos-artistas de las áreas que lo componen; verificar diferencias y similitudes del tema en las modalidades de espectáculos escénicos y entre las culturas occidental y oriental; verificar los cambios y evoluciones del tema en el espacio-temporal elegido; establecer un modo de análisis que permita lograr los resultados pretendidos. Siendo así, a partir de las reflexiones desarrolladas durante el proceso de construcción del conocimiento (estructurado en tres etapas), presentamos el siguiente cuestionamiento-hipótesis: ¿El diálogo entre la caracterización visual del intérprete y la luz escénica puede resultar en una transformación de la apariencia visual del intérprete delante del público? En términos más generales, la realización de este estudio trata de una investigación científico-teórica, amparada empíricamente en ejemplos de interés del tema estudiado, analizados con una metodología de análisis de datos cualitativos, inspirada en la metodología conocida como Análisis de Contenido. Teniendo un carácter eminentemente teórico, el presente estudio se apoya en la documentación y lectura de aquellos autores que han estudiado y trabajado sobre estos temas (y sus alrededores) desde una perspectiva teóricoimagética. Su principal procedimiento metodológico es la observación y reflexión en torno al referencial bibliográfico y de imágenes. Los contenidos analizados están compuestos por muestras intencionales y están registrados (registros a que hemos designado Recorrido Metodológico) al final de las tres partes que estructuran esta tesis: el marco teóricoconceptual, el análisis empírico uno y el análisis empírico dos. El análisis empírico uno, la contextualización del tema estudiado, está compuesta por ejemplos de experimentaciones de transformaciones visuales escénicas y por testimonios de profesionales-artistas de el área del diseño escenográfico. El análisis empírico dos, eje central del estudio, investiga la TAVI en la trayectoria y obra de ocho artistas de la escena occidental del s. XX (a los que designamos Artistas Investigadores): Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson e Pina Bausch. A final de la investigación se ha concluido por la existencia de la TAVI, que, por su vez, se produce en un espacio de tiempo corto predeterminado y es compuesta por una secuencia de imágenes en constante transformación. El proceso se inicia por una apariencia del intérprete ya existente para llegar a una etapa final con esta imagen transformada. La CVI resultante de la transformación puede se mantener hasta el final de la obra o volver a la imagen inicial que dio origen a la transformación. La TAVI, orquestada por la luz y CVI, fue verificada principalmente en el diseño escenográfico desarrollado por los artistas escénicos Loïe Fuller y Robert Wilson. De este estudio se deduce, como conclusión general, que el cambio de la apariencia visual del intérprete ha formado y forma parte del diseño escenográfico de espectáculos en vivo en el periodo estudiado. Sin embargo, la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete, como propone esta investigación, no siempre fue o es un recurso visual tenido en cuenta en los procesos de diseño y producción de la plástica escénica. Con este estudio se trata de demostrar como la transformación de la apariencia visual del intérprete, mediante el diálogo planteado entre la luz y la caracterización visual, puede ser un elemento escenográfico vivo, participando de forma activa en la propuesta dramática y estética de la obra.

Made available in DSpace on 2016-12-23T14:02:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guilherme Ferreira Santos.pdf: 1942591 bytes, checksum: ea9529b6ec26447454ef59673448a6f9 (MD5) Previous issue date: 2012-02-23 / No bojo do processo da gênese do olimpismo, um elemento chaves que surge na dinâmica do mesmo é a televisão. Um dos momentos quando esse elemento mais se explicita nos Jogos Olímpicos é justamente quando há a maior expressão dos valores do olimpismo e a maior demonstração simbólica da celebração do potencial do esporte: as cerimônias de abertura. Considera-se tal momento como integrante de um contexto social mais amplo, aqui denominado (de acordo com Bauman) de modernidade líquida, onde a forma é difícil de ser mantida e onde predominam a estética do consumo e a instantaneidade. Esta pesquisa também se ancora teoricamente nos estudos dos Jogos Olímpicos como performances culturais . De acordo com essa abordagem, o traço espetacular dos Jogos dá o seu caráter atrativo. Um dos meios de essa atração se concretizar é a imagem que se faz das cerimônias de abertura através das narrações televisivas, as quais são construções cuidadosamente criadas de um evento ao vivo, diferindo-se em sua apresentação e impacto na medida em que viajam pelo globo. Nesse contexto, é válido o estudo de uma narração televisiva brasileira contemporânea. Para tanto, coloca-se como questão principal do trabalho a seguinte pergunta: como uma rede brasileira de televisão (a Rede Globo) constrói, apresenta e traduz sentidos sobre valores no/do esporte e sobre valores olímpicos na transmissão da cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos de Pequim-2008? Desse modo, objetiva-se: identificar os valores do esporte e do olimpismo (e seus possíveis deslocamentos de sentidos) que aparecem no discurso televisivo da Rede Globo durante a cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos de Pequim-2008; compreender como os narradores/comentaristas brasileiros dessa rede de televisão constroem as narrativas sobre os valores do/no esporte e sobre os valores olímpicos no contexto da complexa oscilação social e esportiva em que vivemos hoje ao narrarem através de um elemento cotidiano sintomático da citada complexidade (a televisão) uma performance cultural não cotidiana. Metodologicamente, provem-se, aqui, do chamado método qualitativo . Os dados foram coletados a partir de fontes primárias. Tais fontes se inserem na pesquisa documental, que também é classificadora deste estudo. Compõe os dados um texto oral a narração televisiva da cerimônia de abertura dos Jogos de Pequim-2008, o qual chama-se aqui de corpus de análise, sendo este constituído da fala de narradores, repórteres e comentaristas de uma emissora de televisão brasileira.Utilizam-se como técnicas principais de abordagem a Análise Crítica do Discurso e o paradigma indiciário. Na análise dos dados foi possível identificar que a maioria dos valores olímpicos e esportivos está de algum modo presente na narração televisiva da cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos de Pequim-2008. A maneira como tais valores são referidos não abrange uma exposição textual propositiva, isto é, são poucos os momentos da narração estudada quando os narradores separam uma ocasião discursiva para falarem específica e propositalmente sobre os valores olímpicos e esportivos. Além disso, os termos identificados na narração são mais ligados ao caráter espetacular dos Jogos, especialmente quando as falas advém dos profissionais da comunicação. / In the midst of the genesis process of the Olympic spirit a key element that arises in the dynamics of it is the television. One of the moments when this element is more explicit in the Olympics is just when there is the greatest expression of the Olympic values and the most symbolic demonstration of the celebration potential of the sport: the opening ceremonies. These moment is considered as part of a broader social context, here called (according to Bauman) of liquid modernity, where the shape is difficult to maintain and where predominate the aesthetics of consumption and the instantaneousness. This research also is theoretically anchored in studies that consider the Olympic Games as cultural performances . According to this approach the spectacular feature of the Games gives his attractive character. One way of achieving this attraction is through the image that is made of the opening ceremonies by the television s narrations which are constructions carefully created for a live event, differing in their presentation and impact on the extent to which it travels the globe. In this context, the study of a narration in contemporary Brazilian television is worthy. To this end, stands as the leading question of the work the following interrogative: how a Brazilian television network (Rede Globo) builds, displays and translates meanings of sports and Olympics values in the transmission of the opening ceremony of the Beijing Olympic Games-2008? Thus, work s objective is: to identify the Olympics and the sports values (and possible shifts of meaning) that appear in the televised speech of Rede Globo during the opening ceremony of Beijing Olympics-2008; understand how the Brazilian narrators/commentators construct texts about the Olympics and sports values in the context of the complex social and sport oscillation in which we live today when they narrate through television (that is a crucial element of the quoted oscillation) a cultural performance not daily. Methodologically, it is used the so-called qualitative method . Data were collected from primary sources. Such sources are included in documentary research, which also classifies this study. An oral text compose the data the television narration of the opening ceremony of Beijing Olympics-2008, which is called analysis corpus. The analysis corpus is made up of narrators , reporters and commentators speeches of a Brazilian television station. The Critical Discourse Analysis and the evidential paradigm are used as the main approach techniques. For data analysis, we found that the majority of sports and Olympic values are somehow present in the television narration of the opening ceremony of Beijing Olympics-2008. The way these values are listed does not include a textual display purpose, that is, there are few moments when the narration studied is shown as a separate discursive occasion to speak specifically and purposefully about the sports and the Olympic values. In addition, terms identified in the narrative are more connected to the spectacular nature of the Games, especially when the speech comes from communication professionals.

Neste trabalho pretendo analisar os significados do carnaval das Escolas de Samba para os carnavalescos no sul do Brasil, com foco na organização sócio-cultural dos bastidores da festa. Com etnografia realizada a partir da produção carnavalesca em Porto Alegre e em Uruguaiana para os desfiles de 2011, pretendo demonstrar como as transformações simbólicas e materiais destes carnavais nos últimos anos podem ser entendidas como arranjos de discursos e práticas baseados num processo de construção de um modelo paradigmático de carnaval, mobilizado numa retórica em comum. São valores, noções e conceitos canalizados num projeto de carnaval ideal: o carnaval espetáculo. Analisarei o que é este projeto, e como ele era posto em perspectiva em duas Escolas de Samba de divisões hierarquicamente distintas do carnaval de Porto Alegre, na primeira e na terceira divisão respectivamente. A associação do samba como símbolo de pertencimento à identidade nacional no Rio Grande do Sul pode ser demonstrada em dois processos contrastantes. Em Uruguaiana, a possibilidade de diferenciação regional se constrói na pertença aos símbolos que denotam a “brasilidade” das mais diferentes camadas sociais promotoras da festa, em contraste aos países vizinhos e fronteiriços. E em Porto Alegre, a construção da cultura carnavalesca se distancia dos símbolos regionais e se restringe aos carnavalescos, uma parcela delimitada da população relacionada simbolicamente ao elemento étnico promotor da festa, sua população negra. Os modelos ideais divergentes de produção do carnaval, um baseado na compra de materiais e fantasias e na contratação de mão de obra do centro do país, e o outro baseado na defesa da produção local, nos darão importantes elementos para se pensar na produção das identidades, nos critérios da produção da retórica do espetáculo, dos sensos de legitimidade da festa e dos modelos de carnavais propostos. / In this paper I intend to analyze the meanings of the Samba School Carnival for the southern Brazil carnival participants, with a focus on socio-cultural organization of the party scenes. With ethnography from the carnival production in Porto Alegre and Uruguaiana for the parades of 2011, I intend to demonstrate how the material and symbolic transformations of these carnivals in recent years can be understood as arrangements of discourses and practices based on a process of building a carnival paradigmatic model, mobilized in a common rhetoric. Those are values, notions and concepts in a flowing design to an ideal carnival project: the spectacle carnival. It’s going to be examined what this project is, and how it was seen in two Samba Schools of hierarchically distinct divisions from Porto Alegre carnival, the first and third division respectively. The association of samba as a symbol of belonging to national identity Rio Grande do Sul can be demonstrated in two contrasting processes. In Uruguaiana, the possibility of regional differentiation is built on belongs to the symbols that denote the "Brazilianness" from different social strata of the party promoters, in contrast to neighboring and border countries. And in Porto Alegre, the construction of carnival culture moves away from regional symbols and is restricted to the carnival participants, a population defined portion symbolically related to the ethnic element that promotes the party, its black population. The divergent ideal models of Carnival production, one based on the purchase of materials and costumes and hiring labor from the center of the country, and the other based on the defense of local production, will give us important elements to consider in the identities production, in the spectacle rhetoric production criteria, the party legitimacy senses and the suggested carnival models.

A Festa, no Brasil, constitui uma linguagem simbólica para a qual são traduzidos valores nacionais. Ela é capaz de mediar diferenças sociais e culturais, estabelecendo pontes entre grupos e suas realidades e utopias. Baseada nestas premissas, esta investigação analisa algumas das grandes festas realizadas em cinco regiões do Brasil (Oktoberfest, no sul, Festa de N. Sra. De Achiropita e de Peão Boiadeiro, no sudeste, São João, no nordeste, Círio de Nazaré e Festa de Parintins, no norte e as Festas do Divino Espirito Santo no centro-oeste), mostrando seus múltiplos sentidos: como forma de organização popular e construção da cidadania, de expressão artística, modo de ação social, expressão de identidade cultural e afirmação de seus valores particulares no contexto nacional.

Neste trabalho pretendo analisar os significados do carnaval das Escolas de Samba para os carnavalescos no sul do Brasil, com foco na organização sócio-cultural dos bastidores da festa. Com etnografia realizada a partir da produção carnavalesca em Porto Alegre e em Uruguaiana para os desfiles de 2011, pretendo demonstrar como as transformações simbólicas e materiais destes carnavais nos últimos anos podem ser entendidas como arranjos de discursos e práticas baseados num processo de construção de um modelo paradigmático de carnaval, mobilizado numa retórica em comum. São valores, noções e conceitos canalizados num projeto de carnaval ideal: o carnaval espetáculo. Analisarei o que é este projeto, e como ele era posto em perspectiva em duas Escolas de Samba de divisões hierarquicamente distintas do carnaval de Porto Alegre, na primeira e na terceira divisão respectivamente. A associação do samba como símbolo de pertencimento à identidade nacional no Rio Grande do Sul pode ser demonstrada em dois processos contrastantes. Em Uruguaiana, a possibilidade de diferenciação regional se constrói na pertença aos símbolos que denotam a “brasilidade” das mais diferentes camadas sociais promotoras da festa, em contraste aos países vizinhos e fronteiriços. E em Porto Alegre, a construção da cultura carnavalesca se distancia dos símbolos regionais e se restringe aos carnavalescos, uma parcela delimitada da população relacionada simbolicamente ao elemento étnico promotor da festa, sua população negra. Os modelos ideais divergentes de produção do carnaval, um baseado na compra de materiais e fantasias e na contratação de mão de obra do centro do país, e o outro baseado na defesa da produção local, nos darão importantes elementos para se pensar na produção das identidades, nos critérios da produção da retórica do espetáculo, dos sensos de legitimidade da festa e dos modelos de carnavais propostos. / In this paper I intend to analyze the meanings of the Samba School Carnival for the southern Brazil carnival participants, with a focus on socio-cultural organization of the party scenes. With ethnography from the carnival production in Porto Alegre and Uruguaiana for the parades of 2011, I intend to demonstrate how the material and symbolic transformations of these carnivals in recent years can be understood as arrangements of discourses and practices based on a process of building a carnival paradigmatic model, mobilized in a common rhetoric. Those are values, notions and concepts in a flowing design to an ideal carnival project: the spectacle carnival. It’s going to be examined what this project is, and how it was seen in two Samba Schools of hierarchically distinct divisions from Porto Alegre carnival, the first and third division respectively. The association of samba as a symbol of belonging to national identity Rio Grande do Sul can be demonstrated in two contrasting processes. In Uruguaiana, the possibility of regional differentiation is built on belongs to the symbols that denote the "Brazilianness" from different social strata of the party promoters, in contrast to neighboring and border countries. And in Porto Alegre, the construction of carnival culture moves away from regional symbols and is restricted to the carnival participants, a population defined portion symbolically related to the ethnic element that promotes the party, its black population. The divergent ideal models of Carnival production, one based on the purchase of materials and costumes and hiring labor from the center of the country, and the other based on the defense of local production, will give us important elements to consider in the identities production, in the spectacle rhetoric production criteria, the party legitimacy senses and the suggested carnival models.

Made available in DSpace on 2016-08-03T12:20:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luiz Carlos Ramos.pdf: 1119426 bytes, checksum: a7edbd6bfee497e93ce7595c5260333d (MD5) Previous issue date: 2005-12-07 / Esta pesquisa trata de demostrar como el fenómeno comunicacional espectacular moderno afecta la praxis homilética contemporánea. Constata que las prácticas religiosas se vuelven cada vez más espectaculares, por cuanto influenciadas por los medios, y son reformuladas conforme las reglas propias del espectáculo y de la industria del entretenimiento. En la edad de los medios, la experiencia de la prelación en las iglesias encuentra en los medios su modus operandi (principios), su modus faciendi (métodos) y su modus vivendi (propósitos). En contrapartida, los medios de comunicación masivos se convierten en típicas agencias religiosas, entidades espirituales (virtuales) y en templos electrónicos, cuyas prácticas cúlticas y misioneras propagan buenas nuevas que deben ser creídas y imágenes que deben ser adoradas. Este análisis del fenómeno se hace basado en los referenciales ofrecidos por los historiadores de la homilética; la relectura hecha por Chaïn Perelnan de los principios aristotélicos sobre la comunicación persuasiva la Nueva Retórica ; y por el abordaje crítica de Guy Debord sobre la sociedad del espectáculo. Este estudio es realizado en tres etapas: primeramente, se busca una conceptuación de la homilética tomando en cuenta una retrospectiva histórica; en segundo lugar, formula-se una teoría de los principios, métodos y propósitos homiléticos clásicos (una teología de la proclamación); y, por último, con base en este referencial histórico y teórico, procede-se a un análisis comparativo de la práctica homilética espetacularizada en relación con la homilética clásica. El resultado será un conjunto de referenciales generales que posibiliten una mejor comprensión del fenómeno homilético contemporáneo, bien como que sirvan de fundamento para futuros análisis, de carácter más específico, tanto de la homilética convencional cuanto de la telehomilética. / Esta pesquisa propõe-se a demonstrar como o fenômeno comunicacional espetacular moderno afeta a práxis homilética contemporânea. Constata que as práticas religiosas se mostram cada vez mais espetaculares, na medida em que, influenciadas pela mídia, são reformuladas conforme as regras próprias do espetáculo (show business) e da indústria do entretenimento. Na idade mídia, a experiência da pregação nas igrejas encontra nos meios de comunicação o seu modus operandi (princípios), seu modus faciendi (métodos) e seu modus vivendi (propósitos). Enquanto isso, os meios de comunicação de massa se convertem em típicas agências religiosas, entidades espirituais (virtuais) e templos eletrônicos, cujas práticas cúlticas e missionárias propagam boas-novas que devem ser cridas e imagens que devem ser adoradas. Esta análise do fenômeno é feita com base: nos referenciais oferecidos pelos historiadores da homilética; na releitura feita por Chaïm Perelman dos princípios aristotélicos relativos à comunicação persuasiva a chamada Nova Retórica ; e pela abordagem crítica de Guy Debord sobre a sociedade do espetáculo. Este estudo é realizado em três etapas: primeiramente, busca-se uma conceituação da homilética tomando-se por base uma retrospectiva histórica; em segundo lugar, formula-se uma teoria dos princípios, métodos e propósitos homiléticos clássicos (uma teologia da proclamação); e, por último, a partir desse referencial histórico e teórico, procede-se a uma análise comparativa da prática homilética espetacularizada em relação à homilética clássica. O resultado será um conjunto de referenciais gerais que possibilitem uma melhor compreensão do fenômeno homilético contemporâneo, bem como que sirvam de fundamento para futuras análises, de caráter mais específico, tanto da homilética convencional quanto da telehomilética.

The present research objective is to verify the existence of the Transformation of the Performer’s Appearance in live spectacles. The transformation is understood as a process resulting from the continuous interchange between scene light and visual characterization of the performer (consisting of costumes, makeup, hairstyle and accessories). Spectacles from the XX century are discussed, with special attention to theatre and dance. Initially, secondary objectives were defined in order to contribute to the thesis final result. These goals helped to determine some central aspects of the thesis, and to complement knowledge related to the theme. Therefore, the research aims: to make a literature review and understand the study subjects; to acknowledge process and technologies of the scenic design (light, visual characterization, scenario) through declaration of experts of the area; to verify differences and similarities of scenic design between eastern and western cultures; to verify scenic design evolution in the time rage defined; to define method to analyze the available material. Thus, from the thoughts developed during the knowledge formation (structured in three steps), we present the following research question: Could the interchange between the scenic light and the visual characterization of the performer result in a transformation of the performer’s visual appearance to the public? In other words, this study is a theoretical research with empirical approach. Some examples of the subject of study are qualitatively analyzed using the Content Analysis method. A content analysis methodology was used as a way of exploring images and text documents. The results from these analyses are registered at the end of the three parts (who are called here Route Methodological) of the thesis: literature review; empirical analysis – part one; empirical analysis – part two. The first empirical analysis contextualises the subject; it is composed of examples of experimentation of visual transformations in spectacles, and testimonials from professional artists of scenic design. The second empirical analysis is the central focus of the study. It investigates the Transformation of the Performer’s Visual Appearance in the trajectory and work of eight western artist of the XX century (who are called here Investigators Artists). The investigated artists are: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson and Pina Bausch. The conclusion of the research indicates the existence of the Transformation of the Performer’s Visual Appearance. The transformation occurs in a predetermined short range of time, and is composed of a sequence of images in continuous transformation. This process starts in the initial appearance of the performer and ends with this appearance modified. The resulting visual characterisation of the performer, which happens in real time, may be permanent until the end of the spectacle or might come back to the original appearance. The Transformation of the Performer’s Visual Appearance, led by the light and the visual characterisation of the performer, was verified in this research mostly in the work developed by the scenic artists Loïe Fuller e Robert Wilson. The conclusion inferred in the present research is that visual changes in the performer are and have always been part of the scenic design of live spectacles during the time range studied. Nonetheless, the visual transformation of the performer has not always been a visual resource taking into account in the scenic design and plastic production. This study demonstrates that the visual appearance of the performer, influenced by the interchange between light and visual characterization, can be a live scenic element being active part of the dramatic proposal and work’s aesthetics. / Esta investigación consiste en la búsqueda para comprobar la existencia de la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete (TAVI) en espectáculos en directo. Transformación esta entendida como un proceso resultante del diálogo constante entre la luz escénica y la caracterización visual del intérprete (la CVI, compuesta por vestuario, maquillaje, peluquería y accesorios). Siendo esta búsqueda el objetivo general del estudio, sumado a la reflexión sobre el diálogo establecido entre la luz y la CVI en espectáculos del s. XX, concediendo especial atención al teatro y la danza. En este sentido, primeramente, fue necesario establecer una serie de objetivos específicos, que contribuyeron a lograr el resultado final y que, además, permitieron percibir aspectos determinados del cuerpo central de la tesis y complementar conocimientos relacionados con el tema. Por tanto, estos objetivos buscaron: alcanzar la comprensión y hacer una revisión histórica de los objetos de estudio; conocer los procesos y tecnologías del diseño escenográfico (luz, caracterización visual y decorado), por medio de la voz de los técnicos-artistas de las áreas que lo componen; verificar diferencias y similitudes del tema en las modalidades de espectáculos escénicos y entre las culturas occidental y oriental; verificar los cambios y evoluciones del tema en el espacio-temporal elegido; establecer un modo de análisis que permita lograr los resultados pretendidos. Siendo así, a partir de las reflexiones desarrolladas durante el proceso de construcción del conocimiento (estructurado en tres etapas), presentamos el siguiente cuestionamiento-hipótesis: ¿El diálogo entre la caracterización visual del intérprete y la luz escénica puede resultar en una transformación de la apariencia visual del intérprete delante del público? En términos más generales, la realización de este estudio trata de una investigación científico-teórica, amparada empíricamente en ejemplos de interés del tema estudiado, analizados con una metodología de análisis de datos cualitativos, inspirada en la metodología conocida como Análisis de Contenido. Teniendo un carácter eminentemente teórico, el presente estudio se apoya en la documentación y lectura de aquellos autores que han estudiado y trabajado sobre estos temas (y sus alrededores) desde una perspectiva teóricoimagética. Su principal procedimiento metodológico es la observación y reflexión en torno al referencial bibliográfico y de imágenes. Los contenidos analizados están compuestos por muestras intencionales y están registrados (registros a que hemos designado Recorrido Metodológico) al final de las tres partes que estructuran esta tesis: el marco teóricoconceptual, el análisis empírico uno y el análisis empírico dos. El análisis empírico uno, la contextualización del tema estudiado, está compuesta por ejemplos de experimentaciones de transformaciones visuales escénicas y por testimonios de profesionales-artistas de el área del diseño escenográfico. El análisis empírico dos, eje central del estudio, investiga la TAVI en la trayectoria y obra de ocho artistas de la escena occidental del s. XX (a los que designamos Artistas Investigadores): Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson e Pina Bausch. A final de la investigación se ha concluido por la existencia de la TAVI, que, por su vez, se produce en un espacio de tiempo corto predeterminado y es compuesta por una secuencia de imágenes en constante transformación. El proceso se inicia por una apariencia del intérprete ya existente para llegar a una etapa final con esta imagen transformada. La CVI resultante de la transformación puede se mantener hasta el final de la obra o volver a la imagen inicial que dio origen a la transformación. La TAVI, orquestada por la luz y CVI, fue verificada principalmente en el diseño escenográfico desarrollado por los artistas escénicos Loïe Fuller y Robert Wilson. De este estudio se deduce, como conclusión general, que el cambio de la apariencia visual del intérprete ha formado y forma parte del diseño escenográfico de espectáculos en vivo en el periodo estudiado. Sin embargo, la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete, como propone esta investigación, no siempre fue o es un recurso visual tenido en cuenta en los procesos de diseño y producción de la plástica escénica. Con este estudio se trata de demostrar como la transformación de la apariencia visual del intérprete, mediante el diálogo planteado entre la luz y la caracterización visual, puede ser un elemento escenográfico vivo, participando de forma activa en la propuesta dramática y estética de la obra.

The present research objective is to verify the existence of the Transformation of the Performer’s Appearance in live spectacles. The transformation is understood as a process resulting from the continuous interchange between scene light and visual characterization of the performer (consisting of costumes, makeup, hairstyle and accessories). Spectacles from the XX century are discussed, with special attention to theatre and dance. Initially, secondary objectives were defined in order to contribute to the thesis final result. These goals helped to determine some central aspects of the thesis, and to complement knowledge related to the theme. Therefore, the research aims: to make a literature review and understand the study subjects; to acknowledge process and technologies of the scenic design (light, visual characterization, scenario) through declaration of experts of the area; to verify differences and similarities of scenic design between eastern and western cultures; to verify scenic design evolution in the time rage defined; to define method to analyze the available material. Thus, from the thoughts developed during the knowledge formation (structured in three steps), we present the following research question: Could the interchange between the scenic light and the visual characterization of the performer result in a transformation of the performer’s visual appearance to the public? In other words, this study is a theoretical research with empirical approach. Some examples of the subject of study are qualitatively analyzed using the Content Analysis method. A content analysis methodology was used as a way of exploring images and text documents. The results from these analyses are registered at the end of the three parts (who are called here Route Methodological) of the thesis: literature review; empirical analysis – part one; empirical analysis – part two. The first empirical analysis contextualises the subject; it is composed of examples of experimentation of visual transformations in spectacles, and testimonials from professional artists of scenic design. The second empirical analysis is the central focus of the study. It investigates the Transformation of the Performer’s Visual Appearance in the trajectory and work of eight western artist of the XX century (who are called here Investigators Artists). The investigated artists are: Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson and Pina Bausch. The conclusion of the research indicates the existence of the Transformation of the Performer’s Visual Appearance. The transformation occurs in a predetermined short range of time, and is composed of a sequence of images in continuous transformation. This process starts in the initial appearance of the performer and ends with this appearance modified. The resulting visual characterisation of the performer, which happens in real time, may be permanent until the end of the spectacle or might come back to the original appearance. The Transformation of the Performer’s Visual Appearance, led by the light and the visual characterisation of the performer, was verified in this research mostly in the work developed by the scenic artists Loïe Fuller e Robert Wilson. The conclusion inferred in the present research is that visual changes in the performer are and have always been part of the scenic design of live spectacles during the time range studied. Nonetheless, the visual transformation of the performer has not always been a visual resource taking into account in the scenic design and plastic production. This study demonstrates that the visual appearance of the performer, influenced by the interchange between light and visual characterization, can be a live scenic element being active part of the dramatic proposal and work’s aesthetics. / Esta investigación consiste en la búsqueda para comprobar la existencia de la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete (TAVI) en espectáculos en directo. Transformación esta entendida como un proceso resultante del diálogo constante entre la luz escénica y la caracterización visual del intérprete (la CVI, compuesta por vestuario, maquillaje, peluquería y accesorios). Siendo esta búsqueda el objetivo general del estudio, sumado a la reflexión sobre el diálogo establecido entre la luz y la CVI en espectáculos del s. XX, concediendo especial atención al teatro y la danza. En este sentido, primeramente, fue necesario establecer una serie de objetivos específicos, que contribuyeron a lograr el resultado final y que, además, permitieron percibir aspectos determinados del cuerpo central de la tesis y complementar conocimientos relacionados con el tema. Por tanto, estos objetivos buscaron: alcanzar la comprensión y hacer una revisión histórica de los objetos de estudio; conocer los procesos y tecnologías del diseño escenográfico (luz, caracterización visual y decorado), por medio de la voz de los técnicos-artistas de las áreas que lo componen; verificar diferencias y similitudes del tema en las modalidades de espectáculos escénicos y entre las culturas occidental y oriental; verificar los cambios y evoluciones del tema en el espacio-temporal elegido; establecer un modo de análisis que permita lograr los resultados pretendidos. Siendo así, a partir de las reflexiones desarrolladas durante el proceso de construcción del conocimiento (estructurado en tres etapas), presentamos el siguiente cuestionamiento-hipótesis: ¿El diálogo entre la caracterización visual del intérprete y la luz escénica puede resultar en una transformación de la apariencia visual del intérprete delante del público? En términos más generales, la realización de este estudio trata de una investigación científico-teórica, amparada empíricamente en ejemplos de interés del tema estudiado, analizados con una metodología de análisis de datos cualitativos, inspirada en la metodología conocida como Análisis de Contenido. Teniendo un carácter eminentemente teórico, el presente estudio se apoya en la documentación y lectura de aquellos autores que han estudiado y trabajado sobre estos temas (y sus alrededores) desde una perspectiva teóricoimagética. Su principal procedimiento metodológico es la observación y reflexión en torno al referencial bibliográfico y de imágenes. Los contenidos analizados están compuestos por muestras intencionales y están registrados (registros a que hemos designado Recorrido Metodológico) al final de las tres partes que estructuran esta tesis: el marco teóricoconceptual, el análisis empírico uno y el análisis empírico dos. El análisis empírico uno, la contextualización del tema estudiado, está compuesta por ejemplos de experimentaciones de transformaciones visuales escénicas y por testimonios de profesionales-artistas de el área del diseño escenográfico. El análisis empírico dos, eje central del estudio, investiga la TAVI en la trayectoria y obra de ocho artistas de la escena occidental del s. XX (a los que designamos Artistas Investigadores): Adolphe Appia, Edward Gordon Craig, Loïe Fuller, Mariano Fortuny y Madrazo, Josef Svoboda, Ariane Mnouchkine, Robert Wilson e Pina Bausch. A final de la investigación se ha concluido por la existencia de la TAVI, que, por su vez, se produce en un espacio de tiempo corto predeterminado y es compuesta por una secuencia de imágenes en constante transformación. El proceso se inicia por una apariencia del intérprete ya existente para llegar a una etapa final con esta imagen transformada. La CVI resultante de la transformación puede se mantener hasta el final de la obra o volver a la imagen inicial que dio origen a la transformación. La TAVI, orquestada por la luz y CVI, fue verificada principalmente en el diseño escenográfico desarrollado por los artistas escénicos Loïe Fuller y Robert Wilson. De este estudio se deduce, como conclusión general, que el cambio de la apariencia visual del intérprete ha formado y forma parte del diseño escenográfico de espectáculos en vivo en el periodo estudiado. Sin embargo, la Transformación de la Apariencia Visual del Intérprete, como propone esta investigación, no siempre fue o es un recurso visual tenido en cuenta en los procesos de diseño y producción de la plástica escénica. Con este estudio se trata de demostrar como la transformación de la apariencia visual del intérprete, mediante el diálogo planteado entre la luz y la caracterización visual, puede ser un elemento escenográfico vivo, participando de forma activa en la propuesta dramática y estética de la obra.