Les liens entre politique et littérature africaine semblent si tenus, si forts qu’ils cristallisent les problématiques et les évolutions du champ artistique. Pour Mongo Beti, le rapport est essentiel ; selon Alain Mabanckou, cette proximité relève d’une possibilité. Entre ces générations, se joue le passage d’une esthétique de la déconnexion à un régime de l’interdépendance ; les prosateurs se concentrant sur l’utilité de la forme au profit du sens. La politique de la littérature épouse ainsi les contours du monde, et son entrée dans l’ère de la Relation. / The links between literature and african politic seem to be so close that they concentrated the problematics and the evolutions of artistic field. According to Mongo Beti, the relation is preponderant, whereas Alain Mabanckou asserts that this closeness is a possibility. Between these generations, it exists both an esthetical and ideological change: the crossing from delinking to an interdependant regime. The writers focus on the useful of the form in ordrer to underline the meaning. The politic of literature follows the contours of the world and its entrance in the era of the Poetic of Relation.

L’innovation du lieu hospitalier intéresse le domaine de conception et de création dans une lecture et une démarche esthétique et poïétique. Cette recherche vise à alimenter des réflexions en esthétique et en poïétique, par le biais des interrogations sur la couleur et la lumière. La démarche conceptuelle s’achève par un va-et-vient entre pratique et théorie, entre sensibilité et système nerveux, entre complexité et simplicité. Je cherche à travers cette recherche, à trouver une autre identité aux espaces sanitaires en Tunisie, respectant à la fois, les exigences technico médicales et l’identité patrimoniale. Je pose les problématiques de la démarche et de la méthodologie, de la réflexion et de la lecture, du théorique et d’empirique. Les différentes parties de cette recherche doctorale portent sur la relation entre conceptions couleur et lumière et certaines interrogations en matière de poïétique et d’esthétique. / Innovation hospital design interested field and creation in reading and aesthetic and poietic approach. This research aims to contribute to reflections on aesthetics and poietics, through questions about color and light. The conceptual approach ends with a back and forth between theory and practice, between sensitivity and nervous system, between complexity and simplicity. I'm looking through this research, to find another identity sanitary spaces Tunisia, respecting both the technical requirements and medical heritage identity. I put the problems of the approach and methodology, reflection and reading, the theoretical and empirical. The different parts of this doctoral research focuses on the relationship between color and light designs and some questions for poietic and aesthetic.

La peinture de Rubens est hantée par la mythologie, et parmi les légendes les plus récurrentes figurent celles qui mêlent l'œil au désir, à la jouissance. Alors la peinture propose au spectateur, avec la puissance de l'esthétique baroque et les reliquats de la renaissance italienne, une image qui relève de la pulsion scopique, c'est-à-dire une image forte et séductrice, dans laquelle le regard du peintre et celui du spectateur sont habilement mis en abîme par les récits, et absorbés par les dispositifs picturaux. Les regards, dont il est question dans le mythe comme face au tableau, se posent toujours sur des corps nus ou interdits, comme attirés sans pouvoir résister à l'appel érotique. Et cet appel érotique du corps joue dans les sphères baroques, oscillant toujours entre la jouissance de voir l'interdit et le prix à payer pour cette transgression cannibale. Tous les tableaux mythologiques de Rubens parlent de cette ambivalence du regard: Narcisse, Vénus, Méduse, Orphée, Psyché, Actéon entre autres, métaphorisent la pulsion scopique dans ses différentes modalités, pulsion ressentie par tout être fait de chair et de sang dont font partie, bien sûr, Rubens et le spectateur de son œuvre. C'est le principe de sa peinture: montrer, voiler, métamorphoser et susciter la curiosité érotico-esthétique. Alors les pôles du baroque se définissent entre Eros et Thanatos, entre pulsion de vie et de mort: tout concourt à exalter la puissance du regard désirant, la force érotique et picturale d'un corps, ses effluves funèbres ou lumineux, à l'image d'Apollon et Dionysos. L'analyse esthétique de ces questions se fait sous l'éclairage de l'observation plastique des toiles de Rubens, de l'apport littéraire, poétique, psychanalytique, sous le regard d'auteurs, d'artistes classiques et contemporains qui portent ou préfigurent les traces subtiles de la peinture scopique de Rubens. / The Rubens’s paintings are haunted by myths and allegories linked with the eye and the urge. In all these fantastical stories, the male desiring eye is a recurrent motif ; the woman’s nudity is most of the time the main actress, exuberant or hidden, made of light or dark side. Authorized women or forbidden fantasy, sister of Apollon or Dionysos. The baroque eye fathers that kind of look, between these two poles, two twin visions, hesitating between an extreme pleasure to see and an extreme pain to have seen. Yes the erotic is often a secret body, sweet, quiet or a forbidden sight which teach us that the death is prowling around the voyeurs. Narcissus and his reflection ; Orpheus in the darkness of the underworld, desperatly looking for Eurydice ; Venus, Diana or Bethseba and their cohort of lovers ; Acteon, his erotic vision and his macabre metamorphosis ; Medusa, the horrifying goddess and her petrifying eye ; Pan, Cyclope and their cannibal look ; the satyr and his eye full of concupiscence ; Psyche and her sweet vision ; the quiet and nude nymph, watched by her timid lover… All those myths incarnate the ambivalence of the eye, the metamorphosis of the artist’s look, the ambiguity of your own eye, of course, in front of the painted image. The aesthetic analysis of the desiring eye in Rubens’s works needs differents approaches, like complementary visions : pictorial, historic, poetic, literary, psychoanalytical, with, when it is powerfull and fertile, the intrusions of others painters and poets, from the italian renaissance to the modern and contemporary aesthetic.

Se composant au croisement de la philosophie et de la dramaturgie, cette thèse vise à mettre en tension les modes d'inscriptions de la politique contemporaine ainsi que les régimes de perception qui s'y lient. De la représentation et des techniques de gouvernement à l'occupation telle qu'ont pu l'incarner les récents mouvements de protestation en Europe (place Syntagma, Athènes 2011 ; Taksim, Istanbul 2013 ; 15 M en Espagne...), une recomposition du sens et des formes de la politique se met en jeu tout en imposant un changement dans les grilles de l'analyse politique. Là où la critériologie de la science politique ou de la théorie économique établit le constat de l'échec ou de l'impuissance de ces mouvements, une approche expérimentale peut percevoir des commencements et des transformations. Il ne s'agit pas de réduire l'événement aux expériences et aux vécus cernés dans un temps défini et passé mais plutôt d'interroger l'événement depuis l'expérience d'un après, là où de tels moments politiques protestataires et inventifs deviennent « durée ». Le premier souci de cette thèse est de scruter les manières de percevoir ce qui s'est prolongé, ce qui a été modifié mais aussi ce qui, au moment où l'on établit le drame de notre « crise européenne », recompose une politique des peuples en Europe à partir de dramaturgies « obliques » dessinant un plateau cosmopolitique. Ces mouvements récents se singularisent par une redistribution des coordonnées de l'action (drama) politique dans une dimension d'emblée transfrontalière, « post-nationales » qui fait (ergon) monde. Au moment où les diagnostics de « fin » du projet européen se doublent de ceux du « retour » (au national, au foyer après avoir vécu sur la place ; aux préoccupations individuelles après avoir tenté un engagement commun), il a semblé nécessaire de tenir sur ces dramaturgies alternatives et de faire pleine place à ce qui se « voit » depuis les places et les plateaux qu'elles recomposent. / Crossing dramaturgical and philosophical approaches, this thesis tries to underline the tension in between different modalities of inscribing contemporary politics and of proposing different regimes of its perception. From representation and its technics of governmentality to occupation as it has been embodied by contemporary protests in Europe ( Syntagma square, Athens 2011; 15 M in Spain ; Taksim, Istanbul 2013;...) : a recomposition of meaning and forms of politics is at work and asks for a change in regard to the traditional way of reading politics.At the very moment when the criteriology of political science and economical theory mainly notice a failure and an impotency of these movements, an experimental approach can perceive the situation differently. This approach is based on “experience” but this does not mean that ittrusts only the narrative and testimonies of those who were on the square, who “participated” in it. It means that this thesis will develop an approach based on an “intelligence of transformations” in order to resist to the “dramaturgy of the end and the return” (Jacques Rancière) with which the “drama” of our european crisis is inscribed. It will not focus on what has been done and lived before, but it will concentrate, with the memory of such a past, to what lasts and what comes.

Cette thèse explore les nombreux changements nés de la Révolution Numérique à travers l'esthétique. Elle aborde les questions essentielles en trois étapes: le discours, la création et la réception. La première partie rassemble les courants et les mots-clefs qui reflètent le discours principal dans son actualité et son historique. Une étude comparative analyse les approches esthétiques typiques. Que l'on étudie les nouveaux médias, l'art visuel, l'art numérique, le « computer art », l'art de l'information ou l'art du code: on cherche tous à définir les nouvelles qualités spécifiques du médium numérique. La deuxième partie se concentre sur les arts sonores et les drames audio en particulier, mais aborde également la musique assistée par ordinateur. L'attention portée au genre du Hörspiel permet de démontrer comment espace et temps évoluent dans le détail. La mise en place d'une hypothèse de travail portant sur les Sonarios - installations sonores spatiales à interactivité scénique - permet de comparer directement 1'« ancien» genre du Hörspiel au « nouveau» genre des Sonarios, en se fondant sur trois études de cas et un état des lieux de l'art. En outre, elle propose un modèle d'interactivité quantitatif et qualitatif. La troisième partie présente les courants prédominants en philosophie. Elle construit un modèle herméneutique à l'aide de l'ontologie, en commençant par la virtualisation et l'actualisation. Abordant philosophiquement des catégories esthétiques, elle affine ce modèle en y incorporant les découvertes de la deuxième partie. Un modèle graphique de signes algorithmiques, développé en sémiotique et en phénoménologie, est alors intégré au domaine de l'esthétique. / This dissertation explores the numerous changes arising from the Digital Revolution through aesthetics. It takes on the essential issues in three steps, tackling discourse, creation and reception. The first part assembles trends and keywords that reflect the main discourse, covering both the present and the past. A comparative study analyzes typical aesthetic approaches: whether considering new media art, virtual art, digital art, computer art, information art or code art, it becomes apparent that almost ail approaches seek the specific new qualities of the digital medium. The second part concentrates on sound arts and on audio dramas in particular, but also tackles computer music. The focus on the genre Hörspiel allows demonstration of how space and time change in detail. The setting up of a working hypothesis of Sonarios, defining interactive scenic spatial sound installations, allows the direct comparison of the 'old' genre Hörspiel and the 'new' genre Sonario on the basis of three case studies and a consideration of the state of the art. It, moreover, suggests a qualitative and quantitative model of interactivity. The third part introduces the prominent research sectors of philosophy. Step by step, it constructs a hermeneutic model with the aid of ontology, starting with the processes of virtualization and actualization. Selected philosophical approaches on important aesthetic categories are presented in order to refine and discuss the model, together with an analysis of findings from the second part. A graphical model of algorithmic signs, developed in the context of semiotics and phenomenology, allows the analysis to be embedded in the context of aesthetics.

La période fin de siècle est considérée comme une époque de grands changements sociaux, philosophiques et artistiques. On oublie alors que la notion de fin de siècle n’apparaît pas ex nihilo et participe à un mouvement bien plus étendu, que retrace un siècle entier de changements, de découvertes et de questionnements. Dans ce travail de recherche, nous avons choisi de montrer que certains victoriens ont lutté pour donner à la littérature un statut plus complexe que de n’être que la simple représentation de la réalité. Cette vision réductrice, qui fait de l’art le miroir de la société, est contredite, in fine, par Walter Pater et Oscar Wilde. À travers ce refus d’un art-artisanat, c’est la question du moi qui surgit. Depuis le héros carlylien jusqu’au Christ individualiste de Wilde, les manifestations du moi prennent une ampleur nouvelle et insoupçonnée dans la littérature victorienne. La vérité, que Wilde rejette dans « Le Déclin du mensonge », devient obsolète et laisse place au « faux ». Loin d’être universelle et une, la vérité se trouve dans le mensonge, car c’est l’âme et le désir de l’homme en tant qu’individu qu’elle traduit. En redéfinissant l’art comme une forme d’expression personnelle, indépendante et « sans fin », pour reprendre le terme kantien, les artistes victoriens mettent un terme au long cycle historique qui avait négligé l’individu et se fondait sur la notion de vérité absolue. Au terme de nombreuses hésitations et remises en question, c’est la diversité de la vérité, portée par l’individu, qui semble triompher. Nous proposons alors de comprendre l’origine de ce changement vis-à-vis du moi – qu’il soit évolution ou rupture – et découvrir comment la vérité est devenue relative. / The fin de siècle period is regarded as an era of great social, philosophical and artistic change. Hence our tendency to forget that the fin de siècle notion was not born out of nothing and is part of a much larger movement developing through an entire century of change, discoveries and questioning. In this study, we have chosen to examine how some Victorian artists have fought for a re-evaluation of art, far from a mere representation of reality. Indeed, this simplistic analysis which makes art the mirror of society is rejected by artists such as Walter Pater and Oscar Wilde. The question of the self springs from this rejection of an art limited to crafts. From the Carlylean hero to Wilde’s Individualistic Christ, the various appearances of the self have acquired an unexpected dimension in Victorian literature. Truth – rejected in Wilde’s “Decay of Lying”, turned out to be obsolete and gave way to fiction. Far from being one and unique, the truth is to be found in the lie, because the latter is the mirror of man’s soul and desire. By defining art as a form of expression that is altogether personal, independent and “without a definite purpose”, in the Kantian sense of the word, Victorian artists put an end to the long historical cycle that had neglected the individual and had headed for an absolute truth. At the end of much hesitation and questioning, falsehood seemed to triumph, supported by the individual. Therefore, we offer to understand the origins of that change of mind, towards the self – whether it results from evolution or division – and to discover how truth has turned plural.

Qu’est-ce que le curating ? Quel ensemble de pratiques et de représentations ce terme évoque-t-il ? Cette thèse se propose de répondre à ces questions en envisageant la pratique curatoriale sous l’angle du design, entendu ici comme discipline du projet. Face à la confusion des termes pour qualifier les acteurs du curating, il convient d’abord d’en préciser la définition en observant les différentes acceptions favorisées par la discipline et leurs effets. C’est pourquoi la première partie propose une archéologie de la pratique curatoriale en analysant la variété des dispositifs et des acteurs animés par le souci de l’art. Cette approche transhistorique permet de mettre en évidence la complexité des enjeux que soulève l’exposition à l’heure de la cohabitation des conservateurs, commissaires et curateurs. En s’appuyant sur une expérience de terrain en médiation, la seconde partie aborde la mise en œuvre de l’exposition comme une activité de projets portée de main de maître par la figure du curator. Occupé à proposer des bouquets d’œuvres aux couleurs variées selon les cahiers des charges et les contextes dans lesquels il intervient, ce dernier se comporte in fine comme un designer capable de proposer des réponses aux problèmes de l’hypermodernité. En tant que discipline, le design est ici d’un double secours : De la conception à la réception d’une exposition, il permet de mesurer le dessein essentiel à tout projet ; et dans un second temps, il permet de dessiner des portraits que ces acteurs véhiculent en variant les poses et les postures. La troisième partie propose enfin de comprendre le curating à travers le prisme du dispositif oraculaire delphique. Son but est d’élargir la réflexion en opérant un recul plus à même d’éclairer la problématique contemporaine de l’autorité curatoriale. Cette relecture à partir de l’oracle antique initie une nouvelle compréhension des expositions et des plis de la création contemporaine, en interrogeant le processus de transformation d'un display en produit touristique séduisant, capable de mobiliser des foules aux quatre coins de la planète autour de visions enjouées, pour un temps de l’art qui semble passé de la contemplation béate à une attention distraite. / What is curating? What kind of practices and representations does it bring up? This PHD propose to answer those questions by imagining curatorial practise under design perspective. Curating actors being hard to name from each others, a definition must be given while observing names used by different discipline and their effects. That is why the first part propose an archeology of curatorial practice analysing the diversity of displays and of caregivers. This transhistorical approach underlines the complexity of what's at stake in exhibition nowadays. As for the second part, a field work in museum public relations helps to analyse the set up ofan exhibition from a project point of view, the curator being the conductor. Busy proposing sets of pieces of art responding to contexts and shaped by constraints of the field in which he works, he finally behave just like a designer able to answer the different questions of an hypermodern world. As a study subject, design here can help in two different ways : From conception to final installment of an exhibition, it helps understand what lies beneath the very beginning of the project and draws portraits of curatorial actors. Finally the third part propose to understand curating through the lens of delphic oracular practices. It aims at widening the perpectives of study to better understand curatorial problematics. This reinterpretation from antic oracle perspective allows a new understanding of contemporary exhibition and creation and questions transformation processes that turns an exhibition into an appealing touristic product, in a time where art seems gone from mute contemplation to a zapping attitude.

Cette thèse interroge ce en quoi le musée constitue une clef de développement de la fabrique & de la communication de l'histoire. Nous observons que l'historien-ne se confronte à des dilemmes communicationnels: retranscrire l'insaisissable passé au monde présent ; résoudre le paradoxe historiographique de la mise en relation du réel & du discours. Notre proposition consiste à transposer au musée ces problématiques communicationnelles historiennes. Voici le troisième dilemme : faire de l'histoire renvoie à l’écriture tandis que dans la société postmoderne où nous vivons, les images ont de plus en plus remplacé les textes écrits comme forme culturelle dominante.Le musée pose la question de la représentation du passé. Nous présentons un travail de modélisation muséale de l'opération historiographique. Les mouvements de production & de communication de l'histoire au musée nous orientent vers les principes de l'histoire publique & vers des questions esthétiques. Nous explorons l'hypothèse conceptuelle d'une esthétique de l'histoire, dispositif sensible, social & agissant dont le musée d'histoire participe. Après des démarches exploratoires d'observation participante, nous entreprenions une enquête qualitative. Suite à cette campagne de témoignages, nous avons développé sous LaTeX un programme de moissonnage thématique des données. Les résultats abordent : 1) les dispositifs, fonctionnements & vies des musées visités ; 2) l'histoire des musées d'histoire ; 3) une stylistique de l'histoire ; 4) l'idée d'esthétique de l'histoire. La principale originalité de cette thèse vient des jalons qu'elle pose à une réflexion sur le concept nouveau d'esthétique de l'histoire. / This thesis interrogates the key role of museums in the development of the fabrics of history and in his communication. We make the observation that the historian is subjected to communicational dilemmas: to retranscribe the imperceptible past to the contemporary world; to solve the historiographic paradox linkage of the actual and the discourse. Our suggestion consists in moving the historical communication problems to the museum. Here the third dilemma: to make history sends one back to writing, whereas in the postmodern society in which we live, images have increasingly been replaced by the written word as a dominant cultural form.The museum rises the issue of the representation of the past. Thus, we present a work of museum modelling of the historiographical operation. The production and communication movements of history in a museum orients us towards the principles of public history and towards æsthetic questions. Hence, we explore the conceptual hypothesis of an historical æsthetics, a sensitive, social and active system in which a museum can participate. Following the exploratory process of participative observation, we initiated a qualitative survey. After this extensive data acquisition campaign, we developed a programme based on the LaTeX type setting system, for sorting data by topics. The results enabling us to develop: 1) the systems, the functioning and the operation of the museums visited; 2) the history of museums of history; 3) the stylistics of history; and 4) the idea of æsthetics of history.The originality of this thesis gains its interest to establishing a foundation for a reflection about the new concepts of the æsthetics of history.

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Outils dominants de représentation du monde social, les statistiques publiques jouent en France un rôledéterminant dans la revendication actuelle de rationalisation de l’action de l’Etat. A partir de l’étude dumode de publicité des statistiques de la délinquance et de la criminalité, ce travail analyse la place de cesdonnées chiffrées dans les stratégies de communication publique. Il apparaît ainsi que cetteprééminence tient à la fois au régime sémiotique spécifique des chiffres, à l’importance du quantitatifdans l’imaginaire individuel et collectif, autant qu’à une combinaison de légitimations (historiques,éthiques, politiques, scientifiques). Mais les rapports de pouvoir en jeu se définissent également par lamanipulation des signes en vue d’imposer un système de valeurs. Ils se distinguent par la force d’uneesthétique qui parvient à concilier complexité du savoir et apparente évidence de l’information,objectivité et subjectivité, opacité des instances auctoriales et transparence revendiquée. / As the prevailing tools of the representation of the social world, official statistics in France play akey role in the current claim to rationalise government actions. Studying the communicationalchoices concerning criminal statistics in France, this work emphasizes the role of statistics in thestrategies of public communication: their importance lies in the semiotic nature of figures, theinfluence of quantitative matters in the individual and collective imagination, as well as acombination of legitimacy (historical, ethical, political, scientific). But the balance of powersinvolved is also defined by the manipulation of signs in order to establish a system of values. Theseare distinguished by the strength of an aesthetic, which strikes a balance between complexity ofknowledge and apparent evidence of information, objectivity and subjectivity, opacity of auctorialauthorities and claimed transparency.