Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2015-01-22T19:38:25Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Fátima Raquel Ferreira Costa - 2014.pdf: 6823323 bytes, checksum: 10abe9672487b926694f1a0e1bad3771 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2015-01-22T19:39:29Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Fátima Raquel Ferreira Costa - 2014.pdf: 6823323 bytes, checksum: 10abe9672487b926694f1a0e1bad3771 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-01-22T19:39:29Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Fátima Raquel Ferreira Costa - 2014.pdf: 6823323 bytes, checksum: 10abe9672487b926694f1a0e1bad3771 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2014-08-27 / This research has its focus on a discussion about “Gibis”, Artist Books by Raymundo Colares. It study examines aspects of his life history, his fragmented urban visualities and a dynamic group of images that compose, transform and decompose. The “ Gibis” make evolve geometric forms in multiple narratives of time, space and movement in an interaction between constructivism and pop art. The investigation analyses poetic appropriations of space, which demand touch and manipulation, necessary conditions for dilution of boundaries between subject and object, author and observer. It seeks to understand aspects of the pedagogical process in the construction of these artistic artifacts. Moved by the curiosity to understand and explore pedagogically the Gibis, I developed creative practices of productions of Gibis with students from the Visual Arts Course at the University of Montes Claros – UNIMONTES. I expanded this universe through the workshop “ Artesania dos Gibis” offered to art teachers and students. Additionally I interviewed two groups of collaborators. The first, subjec ts that did not know Ray Colares‟ Gibis and, the second, included family members, friends and persons that knew and/or worked with the artist. The investigation traces and weaves a profile of the artist, raises pedagogical possibilities related to his work and discusses questions that trouble me as researcher. / Esta pesquisa tem como foco uma discussão sobre os “Gibis”, Livros de Artista de Raymundo Colares. O estudo examina aspectos de sua história de vida, suas visualidades urbanas fragmentadas e um conjunto dinâmico de imagens que se compõem, se transformam e se decompõem. Os Gibis fazem emergir formas geométricas em múltiplas narrativas de tempo, espaço e movimento numa confluência entre construtivismo e arte pop. A investigação analisa apropriações poéticas do espaço que demandam toque e manuseio, condição necessária para a diluição das fronteiras entre sujeito e objeto, autor e observador. Busca compreender aspectos do processo pedagógico na construção desses artefatos artísticos. Motivada pela curiosidade de compreender e explorar pedagogicamente os “Gibis” realizei práticas criativas de produção de Gibis com acadêmicos do Curso de Artes Visuais da Universidade Estadual de Montes Claros (UNIMONTES). Expandi este universo através da oficina “Artesania dos Gibis”, oferecida para professores e acadêmicos de arte. Adicionalmente, realizei entrevistas com dois grupos de colaboradores. O primeiro incluiu sujeitos que não conheciam os Gibis de Ray Colares e, o segundo, familiares, amigos e pessoas que conheceram e/ou trabalharam com o artista. A investigação tece e traça um perfil do artista, levanta possibilidades pedagógicas relacionadas ao seu trabalho e discute questões que me inquietam como pesquisadora.

Submitted by SBI Biblioteca Digital (sbi.bibliotecadigital@puc-campinas.edu.br) on 2018-03-22T13:48:11Z No. of bitstreams: 1 MATHEUS REIS.pdf: 9573689 bytes, checksum: 131ba12f90e28aafb67423d293a83aa8 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-22T13:48:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MATHEUS REIS.pdf: 9573689 bytes, checksum: 131ba12f90e28aafb67423d293a83aa8 (MD5) Previous issue date: 2017-12-14 / With the intensive consumption of natural resources that we have achieved in the 21st century and the recognition of human actions as drivers of socio-environmental exhaustion, it is imperative to investigate ways of interfering in the environments through interaction and transforming these relationships into potentiality. Through this, we search through cartography a relational enunciation approaching of artistic processes and eco-logical practices developed in the Atelier Contagio. From this mapping, are presented fascicles that contribute with a theoretical / conceptual effort to approach some senses present in these practices. / Com o consumo intensivo dos recursos naturais que alcan?amos no s?culo XXI e o reconhecimento das a??es humanas como condutoras do esgotamento socioambiental, ? imprescind?vel investigar modos de interfer?ncia nos ambientes por meio da intera??o e de transformar essas rela??es em pot?ncia. Com isso, busca-se atrav?s da cartogr?fia uma enuncia??o relacional aproximando processos art?sticos e pr?ticas eco-l?gicas desenvolvidas no Atelier Cont?gio. A partir desse mapeamento, apresentam-se fasc?culos que contribuem com um esfor?o te?rico/conceitual para abordar alguns sentidos presentes nessas pr?ticas.

Submitted by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-04-12T22:44:30Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_TeiaPykatoti.pdf: 7596700 bytes, checksum: ae6d53edd120bbcd68a73a55a53eae1e (MD5) / Approved for entry into archive by Larissa Silva (larissasilva@ufpa.br) on 2018-04-13T13:33:15Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_TeiaPykatoti.pdf: 7596700 bytes, checksum: ae6d53edd120bbcd68a73a55a53eae1e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-13T13:33:15Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_TeiaPykatoti.pdf: 7596700 bytes, checksum: ae6d53edd120bbcd68a73a55a53eae1e (MD5) Previous issue date: 2017-06-26 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O Povo Mẽbêngôkré-Kayapó vivia em uma grande aldeia denominada Pykatôti. Na contemporaneidade, as aldeias Mẽbêngôkré estão localizadas no Norte do Mato Grosso, e, Sul do Estado do Pará nas margens do Rio Fresco e do Rio Xingu. Este trabalho tem como objetivo realizar um estudo da corpografia do Povo Mẽbêngôkré a partir da experiência corporal vivenciada ao longo do trabalho de campo-vida para fins de atividade artística. A metodologia desta pesquisa, denominada teia da aranha, é tecida por meio da ética - kumerex e estética -mej nas relações míticas em kapran ok. Como artista-etno-pesquisador, o autor experimenta corporeidades no trabalho criativo em processo, Círculo de Pykatôti. Na tessitura das tramas estão amarrações entre a Etnocenologia, Antropologia Estética, Sociologia Compreensiva, a partir do perspectivismo indígena Mẽbêngôkré. Os resultados são contribuições às PCHEO – Práticas e Comportamentos Humanos Espetaculares Organizados no entendimento de relações não apenas humano-humano, mas nas relações humano-bicho como proposição fundante do termo Kukradjá para o Povo Mẽbêngôkré. / The Mẽbêngôkré-Kayapó People lived in a great village called Pykatôti. In contemporary times, the Mẽbêngôkré villages are located in the north of Mato Grosso, and in the south of the state of Pará, on the banks of the Rio Fresco and the Xingu River. This work aims to perform a study of the corpography of the Mẽbêngôkré People from the corporal experience lived through the work of field-life for artistic activity purposes. The methodology of this research, called spider web, is woven through ethics - kumerex and aesthetics - mej from the myth kapran ok. As an artist-ethno-researcher, the author experiences corporealities in the creative work in process, Pykatôti Circle. In the fabric of the plots are ties between ethnocenology, aesthetic Anthropology, Comprehensive Sociology, from indiginous perspectivism. The results are contributions to the PCHEO - Organized Practices and Human Behavior Organized in the understanding of relations not only human-human, but in human-animal relations as the founding proposition of the term Kukradjá for the Mẽbêngôkré People.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:18:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roberto Paiva.pdf: 1131662 bytes, checksum: 6963ca144b3e7d6cc90928b957d0b02f (MD5) Previous issue date: 2005-06-03 / Pontificia Universidade de São Paulo / This work consists of a semiotics of objects found inconcentration Camps as they were mentioned in a testimonial book by Primo Levi. It is an analysis whose main theoretical basis is in the Freud s trauma theory as it is depicted in many essays on war neurosis: Beyond the Pleasure Principle (1920) , Psycho-alasysis and the War Neuroses (1919) , Neuroses and Psychoses (1923 [1924]) , The Loss of Reallty in Neuroses and Psychosis (1924) , Inhibotion, Sympton and Anguish (1926) . This thesis on its first part thoroughly presents the book written by Primo Levi, If This is a Man? , and on its second part goes further into determining a list os objects that stand out for this great author from a Camp experience. On a first list of objects they are divided into those related and the prisioners insignificant personal life. We have diaries, photos, letters, musical instruments, office supplies, glasses, bags, pipes, clothes, blankets and, in another order of classification, food supplies that are recurrently part of this traumatic scene. More specifically it is about a semiotics of traumatic objects as they are listed in three different figure cases. It is meant to give Lager ¾ what Germans call a camp ¾ a face, for it appears to be abstract and in a certain way idealized in most of the texts on this topic. / O presente trabalho constitui-se numa semiótica dos objetos do Campo de Concentração tal como evocados na obra testemunhal de Primo Levi. Trata-se de uma análise cujo fundamento teórico principal é a teoria freudiana do trauma, tal como exposta em vários ensaios sobre a neurose de guerra: Para Além do Princípio de Prazer (1920) , A Psicanálise e as Neuroses de Guerra (1919) , Neurose e Psicose (1923 [1924]) , A perda da realidade na neurose e na psicose (1924) , Inibição, Sintoma e Angústia (1926) A tese apresenta detidamente, na primeira parte, a obra de Primo Levi, É Isto um Homem? e avança, na segunda parte para o apontamento do rol de objetos que marcam, para este grande autor, a experiência do Campo. Uma primeira relação desses objetos os distribui entre aqueles relativos à alimentação, ao vestuário, ao trabalho e, se é possível dizê-lo, a um certo lazer e a uma vida pessoal mínima dos prisioneiros. Temos assim, diários, fotografias, cartas, instrumentos musicais, instrumentos de trabalho, óculos, bolsas, cachimbos, roupas, cobertas e, numa outra ordem de classificação, reservas de comida, que fazem, insistentemente, parte deste cenário traumático. Trata-se, mais especificamente, de uma semiótica dos objetos traumáticos, tal como se perfilam nesses três casos de figura. Ela tem por objetivo dar rosto, por assim dizer, ao Lager ¾ como os alemães denominavam o campo ¾, já que ele surge abstrato, e assim, de algum modo, idealizado na maior parte dos textos que focalizam o tema.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao historias do grafite.pdf: 2906171 bytes, checksum: 5592640fa19239849a82fd98b42ba58b (MD5) Previous issue date: 2010-07-02 / This research, linked to the research line Theory, History and Criticism of Art and the Image of the Graduate Program in Visual Culture, is based on proposals of the Image of History to discuss the graphite in Goiânia nowadays. It is a job search support in post-modern theorys, adopting a qualitative research methodology as effected through interviews with social actors participating in the Goiânias s 2000 graffiti scene. Based on the Social History, which allows other versions of the facts that not only the official version, it brings an explanation about the history of graffiti showing that several political constructions, social and cultural rights were erected to their surroundings, since its inception until his passer contemporary according to changing interests. The history of contemporary image goianiense graphite itself consists of speeches from supporters of the practice. At its meetings, the interviewees discussed the meanings they attach to the images they produce, revealed positions, motivations, expectations and reflections. The statements were the raw material for discussions about the social role of graphite, its dialogue with the market and what lies behind the images produced. This work is thus a version of history composed by the opinions of each participant interwoven to show not only one truth, but the possibility of multiple viewpoints on the subject. / Esta pesquisa, ligada à linha de pesquisa Teoria, História e Crítica da Arte e da Imagem do Programa de Pós-Graduação em Cultura Visual, se baseia nas propostas de História da Imagem para discutir o grafite goianiense na contemporaneidade. É um trabalho que busca sustentação nas teorias pós-modernas, adotando como metodologia a pesquisa qualitativa efetivada por meio de entrevistas com atores sociais participantes da cena grafiteira em Goiânia nos anos 2000. Baseada na História Social, que admite versões outras para os fatos que não só a versão oficial, trago uma explanação sobre a trajetória do grafite mostrando que várias construções políticas, sociais e culturais foram erguidas ao seu entorno, desde seu surgimento até seus trânsitos contemporâneos, de acordo com os interesses mutáveis. A História da Imagem do grafite goianiense contemporâneo propriamente dita é composta a partir falas de adeptos da prática. Nos encontros realizados, os entrevistados discutiram sobre os sentidos que atribuem às imagens que produzem, revelaram posicionamentos, motivações, expectativas e reflexões. Os depoimentos foram a matéria prima para discussões sobre o papel social do grafite, seu diálogo com o mercado e o que está por atrás das imagens produzidas. Esse trabalho é, portanto, uma versão de história composta pelas opiniões de cada participante entretecidas a fim de mostrar não uma só verdade, mas a possibilidade de múltiplos pontos de vista sobre o assunto.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao vini 2012.pdf: 3824461 bytes, checksum: 023f3507a28add67d8c4d18217983c82 (MD5) Previous issue date: 2012-02-28 / This research aims to analyze the artistic creation of visual artist Fernanda Magalhães (1962 -) from Paraná, Brazil, who contemplate the limits and potential of body representations in art, especially large bodies or plus size bodys. The series of works "The representation of naked fat woman in the photograph" is emphasized in intention to discuss and problematize the visual and the prevailing patterns of embodiment, as well as control devices that regulate bodies and agencies who manage and stocks all those bodys in esthetics hierarchies, and docile the existences. To catch the meaning, the series of photographs chosen for this research and presents transgressive and unholy powers from the idealized thin body. The artistic production of Fernanda Magalhães is inserted in the of contemporary scene of Brazilian art, where the body becomes central in the construction of masterpieces made from different types of languages. From the top, we investigate at first, the relationship between body, transgression and profanity in line with the theoretical articulations of the feminist movement, then the transgression and profanity in some studies in contemporary Brazilian art, culminating in the analysis of series of Magellan. The references and theoretical contributions focus on the History, Theory and Criticism of Art and Visual Culture Studies in dialogue with the Anthropology of the Body. / Esta pesquisa visa analisar as obras da artista visual paranaense Fernanda Magalhães (1962-) que tencionam os limites e potencialidades de representações do corpo na arte, em especial corpos volumosos. A série de trabalhos A representação da mulher gorda nua na fotografia é enfatizada com o objetivo de discutir e problematizar as visualidades e os padrões de corporeidades vigentes, assim como os dispositivos de controle e agenciamentos que normatizam corpos, gerenciam hierarquias estéticas e docilizam as existências. Nesse sentido, a série de fotografias eleitas para essa investigação apresenta potências transgressoras e profanadoras do corpo magro idealizado. A produção artística de Fernanda Magalhães insere-se em um panorama da arte contemporânea brasileira onde o corpo torna-se central na construção de obras realizadas a partir de diferentes linguagens. Dessa maneira, investiga-se em um primeiro momento a relação entre corpo, transgressão e profanação em consonância com as articulações teóricas do movimento feminista; em seguida, a transgressão e profanação em alguns trabalhos na arte contemporânea brasileira, culminando na análise da série de Magalhães. As referências bibliográficas e os aportes teóricos concentram-se na História, Teoria e Crítica da Arte e nos Estudos de Cultura Visual em diálogo com a Antropologia do Corpo.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Glayce - Dissertacao PDF.pdf: 3767144 bytes, checksum: 1dff151e3e2af4861f6ac69fdbf0c798 (MD5) Previous issue date: 2012-06-20 / The purpose of this dissertation was to study the possible dialogue between art and literature because of the literary work of João Cabral de Melo Neto, Morte e vida severina and painter production of Candido Portinari, in particular the series of 1944 called: Retirantes, Criança morte e Enterro na rede, which the content that unites them is an expression of how the northeastern refugees dealt with death, indicate that Melo Neto and Portinari the migration process and the flight of the misfortunes experienced in the northeastern backlands seems to represent the possible output. Through a literature review and analysis of the poem and the works of Portinari, we conclude that to represent the drama experienced by these refugees, Portinari used expressionist aesthetic resources and the deformation and Melo Neto sought through the Pernambuco Regionalism and folklore, elements to portray the same situation painted by Portinari. Art and literature dialogue situations in common: the desire to express the way that these Brazilians were reluctant because of the difficulties caused by drought / O objetivo desta dissertação foi estudar o diálogo possível entre a arte e a literatura em razão da obra literária de João Cabral de Melo Neto, Morte e vida severina e a produção do pintor Cândido Portinari, nomeadamente da série Retirantes do ano de 1944, Criança morta, Enterro na rede e Retirantes, cujo conteúdo que as une, a expressão de como os retirantes nordestinos lidavam com a morte, indicam que tanto em Melo Neto como em Portinari, o processo migratório e a fuga dos infortúnios vividos no sertão nordestino parece representar a saída provável. Por meio de um levantamento bibliográfico e análise do poema e das obras de Portinari, concluímos que, para representar o drama vivenciado por esses retirantes, Portinari usou recursos estéticos e a deformação expressionista e Melo Neto buscou por meio do Regionalismo e do folclore pernambucano, elementos para retratar a mesma situação pintada por Portinari. A arte e a literatura dialogam situações em comum: o desejo de expressar o modo com que esses brasileiros relutavam contra as dificuldades causadas pela seca.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LIDIA LOBATO LEAL.pdf: 3656431 bytes, checksum: 82598cc03422d61798754e8cb8117e84 (MD5) Previous issue date: 2009-10-23 / The attempt to understand how the construction of identity in the state of Amapá from, the institutional campaign for the feeling of Amapalidade, guides this work. The government acts (2009) of the State of Amapá have taken his first term in 2002, his tonic and slogan were turned to entrepreneurship in order to enhance public-private initiative by the Federal Government. In this sense, there is a strong institutional intention to generate economic dividends from the holding of local cultural issues. Within this context, from 2006 images of ceramics and Maraca Cunani "reappear" as local elements with the prospect of market, because the Brazilian Service of Support to Micro and Small Enterprises (SEBRAE), with the intention of providing technical support to collaborate with the success of micro and small enterprises, has launched a training program for entrepreneurs of small-scale sector, with the holding of several workshops, encouraging them to promote the construction of spreads not only add value to their economic or products and services, such as enabled the construction of an identity for your products and or companies. Through analysis of the publication of SEBRAE / AP, 2006, The Journal A Gazeta and the exhibition of items produced by craftsmen who participated in the workshops of SEBRAE. The goal is to understand the use of these images in their historiographic context (XV to XVII) and also in its contemporary context and reflect on the institutional discourse on such images produced by correlating them with the concepts of identity, language and visual culture / A tentativa de entender como ocorre a construção da identidade no estado do Amapá a partir, da campanha institucional pelo sentimento de amapalidade, orienta este trabalho. O governo atual (2009) do estado do Amapá assumiu seu primeiro mandato em 2002, sua tônica e slogan estavam voltados ao empreendedorismo, no intuito de valorizar as parcerias público-privadas, por iniciativa do Governo Federal. Neste sentido, observa-se uma forte intenção institucional a fim de gerar dividendos econômicos a partir da exploração de aspectos culturais locais. Dentro deste contexto, a partir de 2006 as imagens das cerâmicas Maracá e Cunani ressurgem como elementos locais com perspectivas mercadológicas, pois o Serviço Brasileiro de Apoio às Micro e Pequenas Empresas (SEBRAE), com a intenção de fornecer subsídios técnicos que colaborassem com o sucesso das micro e pequenas empresas, iniciou um programa de capacitação para os empresários do setor artesanal, com a realização de diversas oficinas, incentivando-os a promover a construção de diferenciais que não só agregassem valor econômico a seus produtos e/ou serviços, como possibilitassem a construção de uma identidade para seus produtos e/ou empresas. Através da análise da publicação do SEBRAE/AP, 2006, do jornal A Gazeta e das exposições das peças produzidas pelos artesãos que participaram das oficinas do SEBRAE, o objetivo é compreender a utilização destas imagens em seu contexto historiográfico (séc. XV a XVII) e também em seu contexto contemporâneo; bem como refletir a respeito do discurso institucional produzido sobre tais imagens, correlacionando-as com os conceitos de identidade, linguagem e cultura visual

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 halima alves de lima elusta.pdf: 1141981 bytes, checksum: 3fc923943a823b53e913c3c488dc6e1b (MD5) Previous issue date: 2008-11-04 / The Saudade Cemetery, in Campinas, Brazil, is considered na open-sky museum for burial monuments that represents and materialize the relation man death in this city. The main goal of the present research is to show the transformations after the death secularization in the city, since 1881, when the cemetery was founded till the 1950 s decade. The transformations occurred during this period are here represented by statuary, tombs and monuments elaborated by Giuoseppe Tomagnini, Vélez Family, V. Lazzeri, Rosada Family, Coluccini Brothers and Camillo dos Santos. Those artist-artisans responsible for that buildings were influenced by stylistic of the European funerary art, such as neoclassic and eclectic architecture, art nouveau, art déco and modern to attend to the local citizen needs in order to preserve their memory. The burial buildings found in the Saudade Cemitery, besides a local for reflection and memory, can be considered significant part of Historical and Cultural Patrimony of Campinas / O Cemitério da Saudade é considerado um museu a céu aberto por abrigar túmulos que representam e materializam a relação do homem com a morte na cidade de Campinas. Esta dissertação tem por objetivo mostrar as transformações após a secularização da morte na cidade, que se inicia em 1881 com a fundação desse primeiro cemitério público, até a década de 1950. As transformações ocorridas durante esse período são aqui apresentadas por meio das construções de Giuoseppe Tomagnini, Família Vélez, V. Lazzeri, Família Rosada, Irmãos Coluccini, Irmão Zarattinni e Camillo dos Santos. Esses artistas-artesãos, responsáveis pelas construções, apropriaram-se de referências estilísticas da arte funerária européia como o neoclássico, eclético, art nouveau, art deco e moderno para atender as necessidades dos cidadãos campineiros de perpetuar sua memória. Essas construções fazem do Cemitério da Saudade, além de local de reflexão e memória, parte significativa do Patrimônio Histórico e Cultural da cidade de Campinas

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Etson Delega.pdf: 10544660 bytes, checksum: c0bb8e101a4e2c91808a5aca5fb30c74 (MD5) Previous issue date: 2012-12-10 / This paper deals with the analysis of the satirical weekly O Polichinelo, published in the city of São Paulo, in 1876. From the study of the publication itself, its editorial staff, the style and the theme of its cartoons, as well as the context of the historical moment, this text seeks the relations between the weekly and that time of great political turmoil in Brazil, and, in particular, the province of São Paulo. In those days in the Second Empire, Abolition and Republican causes gained strength and became manifest through the press. The cartoon illustrated periodicals used the critical mood to spread opinions about these topics. O Polichinello, as an exponent from this press, would not be different. But what was the stance of the journal? What causes it defended? The articles and, in particular, the cartoons contained in its pages, give clues for understanding the intentions and influences behind the weekly and how it manifested in its language. / Esta dissertação trata da análise do semanário satírico ilustrado O Polichinelo, publicado na cidade de São Paulo, em 1876. A partir do estudo da publicação em si, de seu corpo editorial, do traço e da temática de suas charges, bem como a contextualização do momento histórico retratado nelas, este texto busca situar as relações do periódico com o momento de grande agitação política em que vivia o Brasil, e em especial a então província de São Paulo. Naqueles dias do Segundo Reinado, a Abolição e a causa republicana eram movimentos que ganhavam força e se manifestavam através da imprensa. A caricatura e a charge nos periódicos ilustrados utilizavam o humor crítico para destilar suas opiniões a respeito desses temas; com O Polichinello, não seria diferente. Qual seria então o posicionamento do periódico? Que causas ele defendia? Os textos e, em especial, as charges contidas em suas páginas, dão as pistas para a compreensão das intenções e influências por trás do semanário e de como isso se manifestava em sua linguagem.