Texte remanié de: Diss.--Philosophische Fakultät--Bonn--Rheinische Friedrich-Wilhelms-Universität, 1989/90.

Thèse--École du Louvre. / Includes indexes.

L’objet de notre recherche touche à la période la plus intéressante de toute l'histoire de l'art arménien, une période où le royaume arménien, créé à la fin du XIIe siècle, était au carrefour de très importants empires. La prospérité politique s’est alors accompagnée d’une prospérité économique, fondée sur l'abondance des ressources naturelles, et par un niveau élevé pour ce qui concerne l'artisanat pour lequel les Arméniens ont toujours été réputés. Ce fut un âge de renouveau complet de l'art du livre sur le plan de la qualité. La peinture, les miniatures sont devenues un symbole indissociable du royaume arménien de Cilicie.La situation géopolitique du royaume arménien de Cilicie nous permet de mettre en évidence les différentes influences artistiques que les miniatures ont reçues. C’est pour cette raison-là qu’elles doivent être discutées d’une manière complexe, comprenant des analyses théologiques historiques et artistiques.Dans mon travail j’ai étudié la majorité des manuscrits ciliciens du XIIIe siècle. J’ai décidé d’établir un corpus de manuscrits en les regroupant sous les noms de leurs commanditaires. Mon étude a commencé par les manuscrits peints par T‘oros Ṙoslin- le plus éminent des enlumineurs arméniens du Moyen Âge classique qui travaillait au scriptorium de Hṙomkla, principalement au service du Catholicos Constantin Ier et du roi Hét‘um Ier.Les manuscrits créés dans la seconde moitié du XIIIe siècle se singularisent par leur style, avec une dramatisation des expressions, l’allongement des corps, les compositions un peu surchargées. Tout cela s’oppose à l’art tout en retenue de Ṙoslin. Les noms des peintres de ces manuscrits sont inconnus, mais nous sommes sûrs qu'il y avait au moins 4 artistes principaux par lesquels ces œuvres ont été créées. / He subject of my PHD is “The iconographic, historic andtheological analysis of the royal manuscripts of the first three kings of theHetoumid dynasty of the Armenian Kingdom of Cilicia” (13th century). I can saywith confidence that it’s the most interesting period in the whole Armenian arthistory, a period when Armenian Kingdom was on the crossroads of hugeempires. Political prosperity was accompanied by economic flourishing, based onthe abundance of natural resources, by high standards in handicrafts for whichthe Armenians have always been famous. This was an age of completely newquality in the book art. The miniature painting became inseparable symbol of theArmenian Kingdom of Cilicia. In flourishing of Cilician painting an important rolewas played by the commissioners, as it was usual for Middle Ages: kings andprinces, among which the most educated were especially distinguished HetumianPrinces who have commissioned the most magnificent Armenian manuscripts.King Levon II and his elder son Hetoum II were probably most educated Ciliciankings and delicate connoisseurs of art. They possessed a rich library where acollection of manuscripts, decorated with miniature paintings, existed. Three ofthem of high artistic quality now are in Mahstots Matenadaran: the MalatiaGospel of 1268, copied and adorned by Toros Roslin by the order of Kostandin I,who intended the manuscript as a gift for, at that time, four-year-old Hetoum II,the Lectionary of 1286 commissioned by future king Hetoum II, and the Bibleordered already by the king Hetoum II in 1295.One of the most elegant and dramatic illuminated manuscripts of that period isthe Gospel of Queen Keran; it was commissioned by the Queen at Sis, Cilicia, in1272 after the ascension of her husband, Levon II to the throne. The Queen isrepresented in one of the last leaves, together with her husband, King Levon IIand their three children - kneeling piously in front of a "Deisis".Cilicia had been on the crossroads of the merchant routes between the East andthe West and the artists who had worked on these manuscripts had travelledmuch and had seen the works of the Italian, Greek and even Persian artists andminiaturists. Perhaps this is the explaination of the stylistic diversity that we findin these manuscripts. We know that Hetoum II made his sister Rita marry theByzantine Emperor Michael Paleolog and may suppose that byzantinemanuscripts had been given as wedding gifts and so became known in the ciliciancourt.Being strongly influenced by Byzantine art and iconography and taking intoconsideration the style of representation of the features of the faces of characterswe may call the style of the manuscripts of this group Italo-Byzantine. AnyhowArmenian manuscripts of this period have always attracted scholars and arthistorians all over the world and the style in which these miniature paintings arerepresented has been called Armeno-Byzantine.The profound research on this subject reveals the most mysterious parts aboutthese manuscripts: I am speaking about the most unbelievable details that onecan find in their decorations. The majority of the elements integrated in thedecorations of the title pages are adopted from Romanesque, Italian, Mongol andeven Chinese art. We can see here three-headed creatures, human-headedplants, Chinese lions and dragons, phoenixes and many more fantastic elements.These manuscripts fascinate with their texts written in fine 'Bolorgir' script inblack ink with colored capitals and much more fascinating content which has asignificant meaning connected with the decorations of the pages on which theyare written. To understand the meaning of these texts we need to consult thewritings of medieval theologians, to understand the period the people creating itlived in and the believes they had.

Comme toute civilisation, l'Occident médiéval confère au tombeau un sens particulier. Basée sur les dessins de la collection Gaignières, l'étude sérielle de plus de 1500 monuments funéraires permet d'explorer la construction et les usages de cette image-objet entre le XIIe et le XVe siècle. En combinant les méthodes quantitative et qualitative, l'analyse fait ressortir de ce corpus hétérogène des structures et des dynamiques qui opposent deux approches monumentales du tombeau : une approche verticale qui implique l'usage de structures en élévation et de la statuaire, et une approche horizontale qui concerne spécifiquement les dalles funéraires. Cette bipolarisation est socialement déterminée. Les tombeaux verticaux sont privilégiés par la haute hiérarchie ecclésiastique et laïque et les tombeaux horizontaux par le reste des clercs et des aristocrates, ainsi que par les bourgeois. En plus de refléter et de reproduire la hiérarchie sociale, une telle répartition des tombeaux renvoie à deux types de constructions mémorielles. En s'imposant physiquement dans l'espace ecclésial et en refoulant les références à la mort, les tombeaux verticaux participent surtout à une commémoration rétrospective du défunt dont les finalités sont temporelles (identité et légitimation sociale). En entretenant avec le lieu de la tombe un rapport direct et évocateur, les tombeaux horizontaux répondent davantage aux besoins d'une commémoration prospective, orientée vers le salut de l'âme. Ces tendances commémoratives ne s'excluent pas mutuellement mais constituent, en définitive, les deux pôles entre lesquels se développe la variété formelle et iconographique des tombeaux. / As with all civilizations, the Medieval West gave a specific meaning to the funeral monument. Based on drawings from the Gaignières Collection, the serial study of over 1500 tombs helps to explore the construction and uses of this particular « image-object » between the 12th and 15th century. By combining quantitative and qualitative methods which help reveal the structures and dynamics of the documents, the analysis identifies two ways of approaching the tomb as monument : a vertical approach characterized by the use of elevated structures and statues, and a horizontal approach entirely associated with funeral slabs. The bipolarization is socially determined. Vertical tombs are favored by the upper echelons of the religious and lay hierarchies, while horizontal tombs are used by the remaining clerics and aristocrats as well as by the burghers. In addition to reflecting and reproducing the social hierarchy, these tendencies express two types of memorial constructions. By physically imposing themselves in church space et by avoiding direct references to death, vertical monuments mostly answer to a retrospective commemoration by which the glorified memory of the deceased serves temporal ends (i.e. social identity and legitimacy). By maintaining a close and suggestive relation with the site and content of the tomb, horizontal monuments favor a prospective commemoration orientated towards the soul's salvation. Far from being mutually exclusive, these two types of commemoration rather constitute the poles between which the Medieval tomb expresses its formal and iconographic diversity.

Aux époques ptolémaïque et impériale, les représentations de cavaliers se multiplient et de nouveaux motifs apparaissent en Égypte. Des divinités du panthéonpharaonique peuvent être dotées d’un cheval et d’attributs militaires. Des dieux étrangers font leur apparition ainsi que des personnages cuirassés et armés dont lanature divine n’est pas avérée. Le présent travail constitue une première monographie sur l’ensemble de ces représentations. Le catalogue comporte cent quarante‐huit objets et présente une hétérogénéité importante, tant du point de vue des supports que des sites d’où proviennent les sources. Axée sur l’interdisciplinarité, la thèse repose sur deux approches, technique et iconographique. L’étude du mode de fabrication des figurines en terre cuite et les réflexions sur la question de la mise en série des objets constituent le premier champ de recherches. L’axe iconographique repose sur la comparaison systématique des motifs iconographiques avec les emblèmes visibles dans le reste du pourtour du bassin méditerranéen et traite de la signification des représentations. La confrontation des données a permis d’établir des hypothèses sur l’origine et la fonction des terres cuites et sur les raisons qui ont mené à la production des objets du corpus.Des critères de datation nouveaux ont été définis pour tenter de pallier les lacunes dues à l’absence de contexte de la majorité des sources du catalogue. Les travaux effectués dans les musées ont permis de publier des reproductions de qualité pour des objets qui pour certains n’avaient plus été observés depuis 1915. Ils ont également donné lieu à la découverte d’inédits. / During the Ptolemaic and Imperial times in Egypt we find increasing representations of horsemen, and new emblems start to appear. Divinities of the Pharaonic pantheon are sometimes endowed with a horse and military attributes. Foreign gods also begin to appear, as do cuirassed and armed characters, whose divinity is unproven. This study is a first attempt to produce a monograph encompassing all of these representations. The catalogue contains 148 objects and has a significant degree of heterogeneity, both with regard to the items themselves and to the sites from which they come from. With a strongly interdisciplinary approach, the thesis is based on two methods of investigation: the technical and the iconographic. The first area of researches comprises an examination of the method of manufacture of the terracotta figurines and some thoughts regarding the series production of the objects. The iconographic approach is based on a systematic comparison of the iconographic attributes with the emblems that can be seen around the rest of the Mediterranean, and considers the significance of these representations. By comparing data, it has been possible to make assumptions regarding the origin and purpose of the terracotta figurines, and the reasons which led to the production of the objects comprising the study. New dating criteria have been defined in an effort to bridge the gaps caused by the lack of context for the majority of sources listed in the catalogue. Work done in the museums has allowed the creation of high‐quality reproductions of the objects, some of which were last examined in 1915; it has also resulted in the discovery of previously unpublished material.

La fin du Moyen Âge est le théâtre de l'apparition et de la diffusion d'images singulières : celles d'hommes et de femmes intégralement couverts de poils. Attribut de l'homme sauvage, mais également de personnages ensauvagés et notamment d'ermites et de saints, le corps velu fait figure de véritable motif iconographique aux deux derniers siècles du Moyen Âge. Cette thèse, s'appuyant sur la méthode de l'analyse sérielle et s'inscrivant dans les problématiques de l'anthropologie historique, propose l'étude du motif à travers un corpus de 940 images. Il s'agit de comprendre à travers une collection représentative de sources (tendant à l'exhaustivité), comment le corps velu, à priori laid et bestial, est associé à la fin de la période à un ensemble de personnages tout à fait positifs, voire admirables. Une première partie, organisée autour du rapport entre texte et image, cherche à définir clairement les rapports entre l'iconographie du motif et les représentations littéraires et carnavalesques de l'homme sauvage. La question des emprunts mutuels entre la culture courtoise et la culture dite « folklorique » sous-Tend ce premier temps de l'analyse. Y sont également abordées les pratiques médiévales de la pilosité et la place occupée par le poil et la nudité dans l'art de cette période. Dans une seconde partie sont étudiés les éléments constitutifs de « l'être sauvage ». La relation entre le corps velu, le bestial et le démoniaque est abordée à travers l'iconographie d'Ésaü, de Merlin et d'Ursus, le roi mythique des Belges. La réflexion sur le rapport entre l'homme, la bête et l'espace sauvage est ensuite déplacée dans le champ des représentations de l'Orient, et dans celui de l'érotique courtoise faisant du sauvage une antithèse du chevalier. En dernier lieu, la troisième partie s'intéresse à la conception dynamique de la sauvagerie à travers le concept « d'ensauvagement ». L'analyse de la villosité comme conséquence du recours à la forêt permet de comparer l'iconographie de l'homme sauvage et celle des ermites et des pénitentes velus. L'excès de poil, davantage qu'un attribut bestial et dégradant, y apparaît alors très largement comme une manifestation du merveilleux ou du miraculeux. Parce qu'il n'altère pas le corps humain, il fait tour à tour figure de défaut d'humanité (laideur, animalité) ou de surplus héroïque (force, détachement du corps ou résistance à la souffrance). En conclusion, ce travail met en valeur le rôle de l'aristocratie dans la promotion de la figure de l'homme sauvage, qui constitue un moyen pour cette dernière d'affirmer son contrôle symbolique sur l'espace forestier. Le succès du personnage, également porté par le renouveau de l'érémitisme, entretien un rapport étroit avec celui d'autres figures comme les ermites velus, emblématiques du recours à la forêt et du renoncement au monde. Ces derniers trouvent une traduction iconographique particulière à travers les images de Marie-Madeleine, dont la diffusion dans l'espace germanique s'explique en partie par l'influence de la mystique rhénane. / The end of the Middle Ages saw the apparition and diffusion of rather peculiar images: those of men and women entirely covered in hair. An attribute of the wild man, but also of individuals who took to the wild -Notably hermits and saints, the hirsute body became a veritable iconographic motif during the final two centuries of the Middle Ages. Adopting the methodology of serial analysis and drawing on the approach of historical anthropology, this thesis examines this motif through a body of 940 images. Drawing upon a representative collection of sources (verging on the exhaustive), the central research question is how the haircovered body, a priori ugly and bestial, came to be associated at the end of this period with a series of positive, at times revered, figures. Part one addresses the relation between text and image. It aims to clearly define the relationships between the iconography of the motif on the one hand, and literary and carnivalesque representations of the wild man on the other. The question of mutual borrowings between courtly culture and ‘folkloric' culture is central to this analysis. Medieval practices with regard to hairiness, and the place that hair and nudity occupied in the art of the period, will also be considered. Part two addresses those elements which constituted the ‘wild being'. The relationship between the hair-Covered body, the bestial, and the demonic are explored through the iconography of Ésaü, Merlin and the mythical Belgian king Ursus. This reflection on the interstices of man, beast and wild spaces then shifts to representations of the Orient, and to a courtly eroticism in which the savage was the antithesis of the chivalrous knight. Finally, Part three considers the constitution of wildness over time, drawing upon the concept of ‘ensauvagement'. Analyzing villosity as a consequence of recourse to the forest points to a comparison between the iconography of the wild man and that of hair-Covered hermits and penitents. An excess of hair, rather than being a bestial or debased condition, is thus transformed into a manifestation of the marvellous or miraculous. Because it does not alter the human body itself, it is by turns perceived as a lack of humanity (ugliness, animality) or as a heroic supplement (strength, detachment from the corporal, or resistance to suffering). In conclusion, this study underlines the role of the aristocracy in the promotion of the figure of the wild man, which offered a means of asserting symbolic control over forested spaces. The success of this figure, also assisted by the renewal of eremitism, is closely related to that of others, such as the hirsute hermit, similarly emblematic of an embrace of the forest and withdrawal from the world. These themes find particular iconographic expression in images of Marie-Madeleine, the diffusion of which across the Germanic lands can partly be explained by the influence of Rhinish mysticism.

Les relations des sociétés préhistoriques à leur environnement constituent un aspect essentiel à leur compréhension. Cet engagement envers le monde s’exprime au travers des pratiques rituelles qui en dévoilent des accès autrement inaccessibles. Les Alpes centrales du IIIe millénaire av.n.è., insérées dans une Europe en mutation (traction animale et métallurgie du cuivre), ont livré un nombre considérable d’artefacts cognitifs. Stèles, blocs d’effondrement et parois gravés s’associent, au sein de sites cérémoniels à des dépôts de pierres aux formes allusives et lithologies particulières, à des dépôts d’objets, ainsi qu’aux résidus de l’activité métallurgique. L’iconographie gravée associe images d’objets nouveaux (poignards et haches en cuivre, hallebardes en silex ou en cuivre, objets textiles), d’ornements corporels, d’action aratoire et d’un nombre considérable de figurations animales. Les usages de la pierre, du métal, de l’araire et les interactions entretenues avec les espèces animales offrent différents canaux d’investigation des relations au monde des communautés chalcolithiques centre-alpines.L’objectif énoncé nécessite l’usage d’une analyse structurale des images seule à même de révéler des articulations essentielles des systèmes graphiques dont certains aspects sont ensuite interrogés à la lumière d’autres données archéologiques. L’image qui résulte de cette étude est celle de communautés pour lesquelles l’environnement ne semble pas constituer une réalité objectivée mais apparaît partie prenante des réalités sociales. / The study of interactions between prehistoric human societies and their environments is a key area of research. This engagement with the world is expressed through ritual practices that provide access to otherwise inaccessible aspects of human culture. The Central Alps of the third millennium BC, situated within a European context that was undergoing important changes (animal traction and copper metallurgy) produced a significant number of cognitive artifacts. On ceremonial sites, engraved steles, rock faces and erratic blocs were associated with deposits of stones with allusive forms and specific lithologies together with objects. Some of these ceremonial site have also produced residues of the metallurgical activity.The engraved iconography combines images of new objects (copper daggers and axes, flint or copper halberds, textiles), body ornaments, plouging, and a considerable number of animal figures. The use of stone, metal, ploughs, and interactions with animals offer different means to access to relationships between alpine chalcolithic communities and their environment.The cited goal requires the use of a structural analysis of the images in order to reveal the essential aspects of the graphic systems. The Results are then compared with other archaeological data. The picture resulting from this study reveals communities in which the environment does not seem to be an objectified reality but an element that intersects with social realities.

Cette thèse porte sur la signification du paon et du phénix dans des contextes cultuels et funéraires, autour du Bassin méditerranéen entre le IVe et le XIIe siècle. L’étude est basée sur un corpus de 490 documents dans lesquels apparaissent un ou plusieurs paons, mis en parallèle avec 68 témoignages figurés du phénix. Ces oiseaux ont été mis en image de différentes manières et selon différents contextes, aussi bien sur des pièces de monnaie, des fresques catacombales, des sarcophages, des décors mosaïqués (pavements, coupoles, absides, …), des manuscrits ou bien encore sur des clôtures de chœur. L’observation des documents révèle que des liens ont été tissés entre les deux oiseaux associés tous deux à l’idée de renaissance bien avant le IVe siècle. En effet, la notion de renaissance est transversale dans l’étude de la figuration du paon et du phénix entre Antiquité et Moyen Âge, et entre paganisme et christianisme. Les premières références à ces deux oiseaux, connues dans les textes et l’iconographie antiques, ont été analysées afin de réfléchir sur l’imaginaire construit autour du paon et du phénix, liés aux rythmes cycliques, à la mort et à la résurrection. La fonction du paon comme psychopompe et plus largement comme intermédiaire entre terre et ciel et entre l’humain et le divin, s’affirme progressivement. Entre le IIIe et le IVe siècle, le paon et le phénix entrent dans le répertoire visuel funéraire des premiers chrétiens et commencent à être mis en relation avec la conception du baptême comme une renaissance. Entre le IVe et le VIe siècle, ils sont introduits dans l’espace ecclésial et resserrent leurs liens avec le Christ et le baptisé. Les deux oiseaux offrent au fidèle un espoir de salut en témoignant du triomphe du Christ sur la mort et en annonçant la résurrection des Élus. Entre le VIIe et le IXe siècle, la figuration du paon est notamment étudiée sur des clôtures de chœur et d’autres éléments de décors sculptés, en lien avec le rituel eucharistique, avec l’idée de passage entre charnel et spirituel. Le corpus réuni met en évidence le rôle du paon comme gardien du seuil, d’un point de vue matériel et spirituel. La présence récurrente du paon et du phénix entre le VIe et le IXe siècle dans des espaces ecclésiaux romains est également mise en perspective vis-à-vis des réalisations papales et selon des enjeux liés à la mémoire des saints et de l’Église. L’étude s’ouvre au XIIe siècle avec le décor monumental de Saint-Clément à Rome comme un témoignage charnière dans la signification du paon. / This dissertation deals with the meaning of the peacock and the phoenix within contexts of worship and funerary contexts in the Mediterranean area, between the IVth and the XIIth centuries. The study is based on an iconographic documentation meeting 490 items of the peacock and 68 items of the phoenix. These birds were imaged in various ways as well as coins, paintings of catacombs, sarcophagi, mosaics (pavements, domes, apses, …), manuscripts, and even chancel screens. The analysis of the documentation indicates that links were weaved between both birds associated with the idea of revival long before the IVth century. The idea of revival, indeed, is a cross-cutting concept in the study of the iconography of the peacock and the phoenix between Antiquity and Middle Ages, between paganism and christianity. The first references to the these birds in the antique texts and the iconography are studied in order to reflect on the imagination about the peacock and the phoenix, both associated with cyclic rhythms, death and resurrection. The peacock was seen as a psychopomp, more generally like an intermediary between earth and sky, as well as between the human and the divine. Between the IIIth and the IVth centuries, the peacock and the phoenix were inserted into the funerary iconography of the first Christians and begin to be linked with the conception of the baptism as a revival. Between the IVth and the VIth centuries, they were inserted into the ecclesial space and they tightened their links with the Christ and the baptized. The peacock and the phoenix offer to the believer a hope of being healed. They show the triumph of the Risen Christ and announce the resurrection of the dead at the end of days. Between the VIIth and the IXth centuries, the iconography of the peacock is studied in particular on chancel screens and on the other sculptures linked with the eucharistic rite and with the idea of a connection between caro and spiritus. The documentation highlights the role of the peacock as the guard of the threshold, from a material and spiritual point of view. The recurring presence of these birds between the VIth and the IXth centuries in Roman ecclesial spaces was also put in perspective towards the papal realizations and according to stakes strongly bound to the memory of the saints and the Church. The study opens to the XIIth century with San Clement’s monumental decoration in Rome as a pivotal testimony in the evolution of the meaning of the peacock.

Des origines de l'Histoire au lieu commun qu'il est aujourd'hui devenu, le mythe de l'Âge d'Or occupe une place singulière dans l'imaginaire collectif. Sans héros ni intrigue, synonyme d'une existence idéalisée, d'un état de plénitude, tout à la fois ancré dans le passé et l'avenir, il fournit à la littérature, à la poésie, à la philosophie, la possibilité de maintes réflexions sur l'humaine condition. Pourtant, dans le domaine des arts figurés, rares en sont les expressions avant les premiers soubresauts de la pensée moderne. La Renaissance – dont la dénomination même prend alors tout son sens – s'attachera à fixer des codes iconographiques toujours en vigueur. Les représentations d'une humanité insouciante, s'égayant par la nature ou festoyant, n'en recèlent pas moins toute la richesse de leurs pendants littéraires, de Virgile et d'Ovide notamment. Ainsi, l'Âge d'Or mis en images, sous couvert d'apparente simplicité, renvoie à des significations souvent mêlées qui ont trait à la politique, à la religion et à la morale. Considérées dans la sphère européenne, entre le XVème et le XVIIIème siècle, ces interprétations révèlent cependant des approches quelque peu différentes, qui reflètent peut-être des dissensions plus profondes. / From the origins of history to the commonplaces it has become today, the myth of the Golden Age takes up a peculiar place in the collective psyche. Without a hero or a plot ; synonymous with an idealized life and a plenitude state, deep-rooted in the past and the future at the same time, it provides literature, poetry and philosophy with umpteen thoughts about the Human Condition. Yet in the field of the figurative arts, the expressions of the first starts of the modern thought are scarce. The Renaissance – whose very denomination make sense then – will pay a particular attention to set iconographic codes which are still in force. The representations of a cheering up or entertaining careless mankind show all the richness of their literary counterparts, from Virgil to Ovid in particular. Thus, under the cover of a conspicuous easiness, the pictured Golden Age send back to often mixed significations wich refer to politicics, religion and morals. However, if considered in the European sphere between 15th and the 18th century, these interpretations show some slightly different approaches which may reflect some deeper dissentions.

Entre 1820 et 1870, l’État et les villes françaises mettent en œuvre, à grands renforts budgétaires, une commande massive destinée à pourvoir les lieux de culte d’une statuaire monumentale à vocation liturgique et didactique. Une première partie est consacrée à l'approche synoptique de la sculpture religieuse du XIXe siècle, par l'entremise des grands programmes. Celle-ci permet de porter un regard d'ensemble sur une évolution chronologique rendue complexe par la variation des attentes et des ambitions, et ainsi de prendre conscience du statut de frontispices culturels qu'acquièrent, grâce à la sculpture, les édifices religieux. Cette étude montre d’ailleurs les places éminentes qu’occupent généralement au sein de ces ensembles sculptés le Christ, la Vierge et leur association dans la Pietà, auxquels est consacrée la deuxième partie. L'espace liturgique qu'initie la Restauration hérite de la Révolution et de l'Empire d'une dimension expiatoire. C'est cette douleur mêlée de foi et d'espérance qui guide l'exécution des Vierges à l'Enfant, des Christs crucifiés et des Pietà, leur attribuant une fonction de pôles liturgiques déterminant. La période connaît enfin, en terme de représentation hagiographique, un foisonnement étonnant. La troisième partie étudie l'importance numérique des saints comme le moyen dont use la restauration du culte pour favoriser une relation intercessionnelle de tout temps forte en France. Un triple dialogue est alors mis en évidence : celui des artistes dans le temps, celui des sujets dans l’imaginaire théologique et théocratique, et celui des formes dans les recoupements parfois surprenants des généalogies stylistiques. / Between 1820 and 1870, the State and the French cities are implementing - using a great budget - a massive order to fill the churches with monumental sculptures to serve a liturgical and educational purpose. The first part of this study examines the synoptic approach to religious sculpture of the nineteenth century, through the major programs. This leads to an overall view of a chronological evolution complicated by changes in expectations and ambitions and therefore to be aware of the status of cultural frontispieces that churches had acquired trough sculpture. This study also shows the prominent places that Christ and the Virgin generally occupy within these carved sets. The liturgical space initiated by the Restauration inherits expiatory dimension from the Revolution and the Empire. This pain mixed with hope and faith guided the execution of the Virgin and Child, crucified Christs and Pieta, giving them a decisive liturgical function. The period finally knows, in terms of hagiographic representation, a surprising abundance. The third part examines the numerous representations of the saints as a mean used by the restoration of religion to foster an intercessional relationship that has always been strong in France. Hence, a triple dialogue is highlighted: one between artists in time, one between subjects in the theological and theocratic imaginary, and one between forms in the overlaps - sometimes surprising - of stylistic genealogies.