Dans la foulée des récents travaux sur les transferts culturels, Robert Dion a consacré un ouvrage (L’Allemagne de Liberté : sur la germanophilie des intellectuels québécois, 2007) au rapport de fascination « à distance » entretenu avec l’Allemagne par plusieurs collaborateurs regroupés autour de la revue Liberté. Se situant dans le prolongement de l’étude de Dion, ce mémoire propose des analyses de nouvelles et de romans québécois écrits par trois collaborateurs de la revue : Diane-Monique Daviau, Yvon Rivard et Pierre Turgeon. Comportant des références plutôt étoffées à l’Allemagne, leurs textes offrent une perception de l’Autre que l’on peut, suivant la perspective des études interculturelles, examiner sous l’angle d’une « rencontre » entre les cultures. C’est donc à la relation avec la langue, avec les lieux, avec l’histoire et la littérature allemands que nous nous intéressons, cherchant non seulement à qualifier le rapport à l’altérité allemande qu’introduisent les textes, mais aussi à identifier certaines conséquences formelles d’une mise en scène littéraire de l’Autre – pratiques polyphoniques, types de procédés intertextuels, etc. Ce travail, qui a également pour objectif de présenter une réflexion novatrice sur l’inscription des thèmes de l’exil, du décentrement et de la migration dans la littérature québécoise contemporaine, lie la référence allemande à l’« enquête sur soi » qu’accomplissent les personnages de Daviau, de Rivard et de Turgeon, révélant que dans leur quête, ces protagonistes prennent souvent la mesure de leur propre « précarité », et, dans certains cas, d’un « héritage de la pauvreté » (Yvon Rivard) qui serait leur – deux motifs majeurs de la littérature québécoise. / Within the scope of recent work on cultural transfer, Robert Dion devoted a book (L’Allemagne de Liberté: sur la germanophilie des intellectuels québécois, 2007) observing that several contributors of Quebec journal Liberté expressed a perception of Germany mostly tinged with the concept of fascination. In the wake of this study which focuses on articles and essays published in Liberté and concerning Germany, the present thesis provides an in depth analysis of short stories and novels, written by three collaborators from the journal: Diane-Monique Daviau, Yvon Rivard and Pierre Turgeon. Featuring rather extensive references to Germany, their texts offer a perception of the “Other” which can, from the point of view of intercultural studies, be considered in the perspective of an “encounter” between cultures. It is therefore the relationship with the German language, geographical territory, history and literature which we endeavour to characterize, seeking not only to appreciate and describe the nature of the relationship to “otherness”, but also to briefly discuss the formal consequences of a literary staging of the “Other” – polyphonic practices, types of intertextual processes, etc. This thesis presents innovative thinking on the themes of exile, decentring and migration in contemporary Quebec literature. It links the German framework to the self-investigation performed by the Daviau, Rivard and Turgeon protagonists, revealing that in their personal search, these characters acknowledge their own precariousness, and, in certain cases, a “legacy of poverty” (Yvon Rivard) – two omnipresent themes in Quebec literature.

Dans une société qui assiste à la confusion des territoires du privé et du public, le culte du corps et la valorisation de normes esthétiques féminines semblent littéralement envahir l’espace narratif et magnifier le dualisme entre l’être et le paraître. Il va sans dire que cette nouvelle façon de penser et de concevoir le corps, notamment le corps féminin, a une incidence sur l’écriture des femmes contemporaines. Intimement lié à la construction identitaire du sujet, le corps incarne dans les oeuvres littéraires une nouvelle « féminité » dont le présent mémoire vise à explorer les paramètres littéraires, psychanalytiques et sociologiques. C’est dans le contexte d’une corporalité reconfigurée que l’inscription de la triade corps/identité/féminité dans les textes littéraires de Nelly Arcan et de Marie-Sissi Labrèche sera étudiée par l’analyse d’oeuvres significatives publiées au début de ce troisième millénaire : Putain et À ciel ouvert, d’une part, Borderline et La Brèche, d’autre part. Le corps est au coeur de la quête identitaire des protagonistes présentées dans ces récits. Mais ce corps s’érigeant souvent en obstacle devient le lieu d’une difficile image de soi et contribue à renforcer l’agentivité négative, soit cette incapacité du sujet à tracer son avenir de manière positive, contre laquelle se battent les personnages féminins tout au long de la narration. C’est à ce propos que la position ambivalente des deux auteures est représentative des questions de filiation qui marquent la littérature contemporaine. / In a society in which boundaries between the private and the public are confused, body worship and the prizing of women’s beauty standards seem to pervade fiction and magnify the dualism between being and appearing. The new way of thinking about and conceiving the body, the female body in particular, has certainly had an effect on contemporary women’s writing. Inasmuch as the body is entwined with the formation of the protagonist’s identity, it embodies a new femininity in literary works, of which this master’s thesis strives to explore the literary, psychoanalytical and sociological parameters. In the context of a remapped corporality, this thesis studies the body, identity and femininity in four contemporary novels: Putain and À ciel ouvert by Nelly Arcan, and Borderline and La Brèche by Marie-Sissi Labrèche. Although the body is at the heart of the protagonists’ search for identity, it also often constitutes a hurdle for them, resulting in a bad self-image and reinforcing the protagonists’ negative agency against which all the female characters are struggling. The authors’ ambivalent positions on this matter are representative of the filiation issues characterizing contemporary fiction.

La production littéraire de Claude Mathieu, s’étalant de 1957 à 1965, tranche avec les oeuvres de ses contemporains. Le plus souvent, ces derniers défendent un nationalisme moderne et mettent à l’avant-plan le territoire et la société québécoise. De son côté, Mathieu aborde des thèmes plus généraux, par exemple le temps, l’art ou l’érotisme, qui trahissent ses sources d’inspiration issues de la littérature française et des littératures étrangères. Cet aspect est plutôt inusité chez les écrivains québécois de la décennie 1960. Dans cette analyse intertextuelle, nous cherchons à montrer la singularité de l’écriture de Claude Mathieu. Nous exposons ses principales sources et influences littéraires afin de comprendre comment il s’en inspire et comment elles orientent sa poétique où domine le fantastique teintée d’images surréalistes. L’analyse est constituée de deux chapitres. Le premier est consacré au recueil Vingt petits écrits ou le mirliton rococo. Les textes étudiés sont regroupés en trois sections, selon l’époque des références qui les appuient, soit les littératures hellénique, classique et moderne. Le second chapitre traite de La mort exquise, l’oeuvre la plus importante de Claude Mathieu. En analysant les principaux textes de ce recueil, nous montrons comment l’influence d’André Pieyre de Mandiargues et de Jorge Luis Borges s’impose face à la multitude de références diverses convoquées dans le premier recueil de nouvelles de Mathieu. Nous montrons également comment ces influences sont absorbées et transformées pour créer une écriture originale. / Claude Mathieu’s literary production, spanning from 1957 to 1965, differs quite a lot from the work of his contemporaries. Most often, they defend a modern nationalism and bring to the forefront Quebec’s society and territory. For his part, Mathieu discusses more general topics, such as time, art or erotism, inspired by French and foreign literature. This is rather original among Quebec writers of the 1960s. With this intertextual analysis, we seek to show the singularity of Claude Mathieu’s writing. We outline its main literary sources and influences in order to understand how he is inspired and how they guide his poetics. The analysis consists of two chapters. The first is devoted to the collection Vingt petits écrits ou le mirliton rococo. The texts studied are grouped into three sections, depending on the time of the references that support them, either Hellenic, classical or modern literature. The second chapter deals with La mort exquise, the most important work of Claude Mathieu. By analyzing the main pieces of this collection, we show how the influence of André Pieyre de Mandiargues and Jorge Luis Borges became larger than all the various references convened in the first collection of Mathieu’s short stories. We also show how these influences are absorbed and transformed to create an original writing.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Le stéréotype, représentation caricaturale sur un groupe social, est dénoncé tout le temps mais présent partout. Les diverses productions culturelles auxquelles nous sommes quotidiennement confrontés, des émissions télévisées aux articles politiques, du discours quotidien aux films hollywoodiens, participent à reproduire ces représentations caricaturales. La persistance de certaines représentations, non perçues comme stéréotypées, participent à des processus de stéréotypification : par leur récurrence et leur évidence, elles sont posées comme allant de soi, comme le reflet objectif d’une réalité tangible. Sous cette catégorisation qui est parfois questionnée dans la sphère publique, ce n’est pas la validité d’existence de ce classement qui est remise en cause mais la volonté d’appréhender le caractère véritable des qualités essentialistes de ce que l’on regroupe sous une étiquette. Or, le stéréotype, malgré sa capacité à revendiquer une universalité, est le fruit d’un travail culturel, historiquement et politiquement construit. De fait, le stéréotype est un vecteur hégémonique qui peut traduire des tendances idéologiques dominantes sous-jacentes à son expression : il incarne la façon dont sont légitimées et naturalisées ces représentations à un moment donné et dans une conjoncture particulière. Je tenterai de définir théoriquement dans ce mémoire le stéréotype au sein du discours social et plus particulièrement au sein des mediacultures. J’investiguerai sa circulation, son caractère politique, son incidence normative et, par corrolaire, sa fonction hégémonique. Puis, à l’aide d’une analyse intertextuelle critique, je tenterai empiriquement de discerner les stéréotypes et les idéologies qui les sous-tendent au sein de trois comédies romantiques hollywoodiennes. A partir de l’observation de ces productions culturelles de divertissement, ce travail m’amènera à dégager deux idéologies prégnantes - l’idéologie capitaliste et l’idéologie patriarcale -; sous-tendues par un ensemble d’autres idéologies qui, d’une façon ou d’une autre, rejoignent les principales : idéologie de la masculinité, de l’hétérosexualité, d’un idéal socio-économique, etc. / Stereotypes, caricatural representions about social groups, are always denounced, still present everywhere. The diverse cultural productions surrounding us everyday, from tv shows to politic articles, from everyday life discourse to hollywood movies, contribute to reproduce these caricatural representations. This persistence of certain representations – unperceived as stereotypical – participate in stereotypical process : by their recurrence and supposedly evident nature, they seem taken-for-granted, as an objective mirror of a tangible reality. Even if this categorisation is sometimes questionned, it is not the nature of this classification that is called into question but which essentialist qualities, which true inherent characteristics, should be enumerate under this label. Yet, the characteristics presented by the stereotype are not universal : this is the work of an ongoing, historical, cultural and political construction. Thus, the stereotype is an hegemonic vehicule which translates ideological trends underlying its expression : it embodies the ways by which are legitimized and naturalized these representations in a specific context. In this paper, I shall define theoretically the stereotypes and probe how function their underlying ideologies within social discourse, and more precisely within mediacultures. I shall investigate their political nature, normative impacts and ideological functions. Then, using a critical intertextual approach, I will try to detect empirically which stereotypes and ideologies are pregnant in three hollywood romantic comedies. From the observation of this cultural prouctions of entertainment, I will extricate two main ideologies : one capitalistic and one patriarchal; which will lead to underline other underneath but linked ideologies of heterosexuality, masculinity, socio-economic ideal, etc.

Ce mémoire en recherche-création explore l’hybridation identitaire et le désir d’échapper aux attentes normatives. Dans le récit Ce ne sont que des corps, deux étrangers attendent le train en se racontant, en alternance, les événements qui ont marqué les derniers mois de leur vie. Emmanuel, âgé de vingt-cinq ans, s’éprend de Michelle, une femme de tête quinquagénaire rencontrée dans un bar. Cette femme rêve de réaliser certains fantasmes et Emmanuel accepte de se plier au jeu jusqu’à ce que les choses s’enveniment. Quant à Alex, jeune femme dans la vingtaine, elle quitte son village natal pour étudier à Montréal et succombe au charme de Gabriel, un aspirant musicien pour qui elle est prête à tout abandonner. Chacun des personnages de ce roman brouille les identités sexuées et sexuelles. Pour ce qui est de l’essai, il explore la manière dont Nelly Kaplan manipule le sexe et le gender de ses protagonistes pour postuler une « poétique de l’androgynie » dans certaines nouvelles du recueil Le réservoir des sens. L’essai mobilise les ressources des études consacrées à l’ironie, à la poétique surréaliste, au gender ainsi qu’à l’intertextualité pour mettre en évidence la façon dont l’auteure brouille les identités sexuées et sexuelles. / This M.A. thesis combining research and creative writing explores the concepts of hybrid identity and the desire to escape standard expectations. In the novel Ce ne sont que des corps, two strangers are alternately sharing significant events of the past few months, while waiting for the train. Emmanuel, twenty-five, fall in love for Michelle, a strong-minded woman in her fifties, which he met in a bar. Michelle wants to fulfill some of her fantasies and Emmanuel decides to play along with the game until it turns sour. As for Alex, a young twenty something woman who left her village to study in Montreal, she falls in love with Gabriel, an aspiring musician for whom she is ready to give everything up. Each of the characters in this novel blurs sexual identities and gender. Furthermore, the essay explores the way Nelly Kaplan manipulates the sexuality and gender of her protagonists to suggest an “androgynous poetry” in some of the compendium’s Le reservoir des sens short stories. The essay bring forth knowledge from studies on irony, surrealist poetic, gender as well as intertextuality to underline how the author blurs sexual identity and gender.

Ce mémoire interroge la posture d'adaptateur de Boris Vian, encore fort méconnue. En 1953, il a repris à son compte la littérature arthurienne afin d'écrire – en réponse à une commande de la part du Festival dramatique de Caen – une pièce de théâtre, Le Chevalier de Neige. Par la suite, cette pièce est devenue un opéra, produit à Nancy en 1957. Malgré le succès de ces deux spectacles, le souvenir de cette œuvre n'a pas dépassé la mort de son auteur. Il n'en reste aujourd'hui que les textes et les partitions musicales, puisqu'aucun des spectacles n'a été enregistré. L'objectif de ce mémoire est de mettre en lumière ce travail d'adaptation et de réécriture d'un auteur phare du XXème siècle, connu principalement pour ses romans et ses chansons, et qui a consacré ses dernières années à la création d'une œuvre globale alliant texte, musique et art de la scène. Qu'est-il possible de savoir sur l'entreprise du Chevalier de Neige? Quel est le poids de l'intertexte médiéval et contemporain dans ces deux réécritures? Quels furent les procédés d'adaptation mis en œuvre dans l'élaboration de cette pièce, puis de cet opéra? C'est à toutes ces questions que nous nous proposons de répondre, afin de découvrir l'importance et l'intérêt du Chevalier de Neige dans le parcours littéraire de Boris Vian. / This masters thesis questions Boris Vian's unknown role of adapter. In 1953, he wrote a play – Le Chevalier de Neige – based on Arthurian literature, at the request of the organizers of Le Festival dramatique de Caen. This play later became an opera, performed in Nancy in 1957. In spite of the success of both shows, the memory of Le Chevalier de Neige did not last. Only the texts and music scores remain because none of the performances have been recorded. Thus, the main objective of this dissertation is to highlight the adapting and rewriting process of this well known author of the XXth century, mostly famous for his novels and songs, who furthermore dedicated his last years to a total work combining text, music and staging. A few questions need to be asked. What can be known of the elaboration of Le Chevalier de Neige? What is the importance of the medieval and contemporary intertext in both rewritings? And what are the adaptation processes implemented in each of these texts, the play and the opera? This thesis attemps to answer all of these questions, so as to discover the importance as well as the interest of Le Chevalier de Neige in Boris Vian's literary life.

Genus claudicans ou genre de 'travers', la comédie plautinienne est à la fois dérivé négatif ou forme inversée des grands genres et le lieu d'une actualité politique voilée qui lui donnent, ensemble, toute sa spécificité. Inscrite, sans discussion, dans une tradition gréco-hellénistique héritée, elle est l'objet de choix personnels et d'une originalité créatrice chargée d'intentions. Plus exactement, l'interprétation et l'adaptation des modèles induisent des moments de réflexion critique sur le rapport de l'oeuvre avec le pouvoir. Politique et poétique sont donc au centre d'une réécriture auctoriale où le senex ridiculus a aussi sa place. Dans sa lecture des sources et du monde, Plaute privilégie donc les laissés pour compte, notamment une figure parentale déviante, le vieillard souvent lubrique, capable de susciter, non seulement une satire critique, mais aussi une lecture politique en texte caché. A la polémique diffamante de son ami Naeuius, il substitue la dénonciation d'un défaut reconnu selon les règles du blâme épidictique. Mieux encore, il use d'une 'manière' cynique et d'une plaisanterie urbaine et raffinée, le lepos, qui sont les fondements mêmes d'un art poétique. Celui-ci est complété par une traversée et un mélange des genres où Aristophane et Naeuius apparaissent. Au total, parce qu'elle amuse et réclame un spectateur intelligent et perspicace, qui comprend les sens cachés, la comédie plautinienne est un théâtre complexe et intellectuel en réception spectaculaire. / Genus claudicans or 'lame' genre, Plautus' comedy bears both the inverted form or negative image of predominant genres and topical political hints which together provide its genuineness. Undisputedly embedded in the Greco-hellenistic heritage, it becomes the subject of personal choices and a creative originality laden with intention. More accurately, the interpretation and adaptation of the models induce moments of critical thinking toward the link between the work of art and power. Politics and poetic art thus lay at the core of authorial rewriting in which the senex ridiculus is awarded pride of place. Throughout his study of sources and the world, Plautus sides with the left-behinds, among others the deviant father figure of a more than often lustful old man, who has a knack into initiating not only scathing satire, but also political insight woven inside the text. Contrary to his friend Naevius' prone inclination to tackle bones of contention, he levels veiled accusations against well-known faults according to the rules of epidictic blame. Better still, he uses the lepos, urbane and refined puns, albeit in a 'cynical' way, as the very basis for poetic art. The latter being supplemented by a crossing and blending of genres out of which Aristophanes and Naeuius emerge.All in all, because it amuses and calls for an acute and discerning audience, in full awareness of hidden meanings, Plautine comedy is manifold and intellectual, it's theater given spectacular reception.

De son premier film, Mala Noche (1985) jusqu’à Paranoid Park (2007), Gus Van Sant, cinéaste américain, propose une oeuvre protéiforme se divisant en trois périodes. Passant sans transition d’un cinéma foncièrement indépendant à des films de studios hollywoodiens, le cinéaste investit des systèmes de production opposés où il développe différentes approches de l’art cinématographique. Ses premiers films indépendants se caractérisent par une liberté et une prodigalité formelles, notamment portées par un brassage de références artistiques multiples (des auteurs de la contre-culture à Orson Welles en passant par Jean Genet). A cela s’oppose le classicisme de sa deuxième période, induit par le recours à des genres hollywoodiens canoniques, mais cependant troublé par l’étrange remake du Psychose d’Alfred Hitchcock. Après quoi le cinéaste renoue avec le circuit indépendant via des oeuvres proches de l’expérimentation en allant vers une épure de l’expression cinématographique. L’hétérogénéité esthétique de l’oeuvre de Gus Van Sant trouve néanmoins unecohérence grâce à une série de motifs iconographiques récurrents et à un axe thématique fort qui la traverse de bout en bout : l’individu, souvent marginal, dans son rapport aux autres et au monde, troublé par des crises identitaires, une quête des origines et un devenir incertain. Cette problématique s’exprime à travers un cinéma humaniste, entièrement voué auxpersonnages, au point de faire de leur seule présence sa matière même, sa condition d’existence – ou quand Gus Van Sant rejoint le « cinéma des corps » défini par Gilles Deleuze. Tous ses films apparaissent alors comme des variations esthétiques sur le même thème, et sont autant de questions posées au cinéma et par le cinéma, explorant sans cesse ses diverses potentialités. / From his first movie, Mala Noche (1985), until Paranoid Park (2007), Gus Van Sant, American film director, offers a protean body of work which can be divided into three phases. As a director, he gets himself into opposite production systems, smoothly alternating between fundamentally independent productions and Hollywood studios movies, and in doing sodevelops different approaches of the film art. His first independent movies are characterized by formal freedom and abundance which can notably be brought about by the mingling of so many artistic references (from counter-culture authors, to Orson Welles or Jean Genet). To this can be opposed his second phase classicism, consecutive of his resorting to canonic Hollywood genres, but somehow blurred by his strange Alfred Hitchcock’s Psycho remake.After that, the director comes back to the independent circuit via close to experimentation works, going towards an uncluttered film expression. There is however coherence in Gus Van Sant’s aesthetics of heterogeneity through aseries of recurring iconographic patterns and a strong thematic axis : the individual in his relations with other people and the world, often a dropout troubled by identity crisis, a quest for his origins and an uncertain becoming. This issue is expressed through a humanistic cinema, entirely devoted to the characters, to the point of making their mere presence its very substance, its condition of existence – Gus Van Sant catches up the “cinéma des corps” that Gilles Deleuze helped define. All of his movies then appear as aesthetic variations on the same theme and they are just as many questions asked to the cinema by itself, unceasingly exploring its various potentialities.