Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2016-04-18T18:19:48Z No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2016-04-18T18:24:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2016-04-18T18:50:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-18T18:50:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) Previous issue date: 2014-02-25 / This research presents an investigation of some Design’s fields and Contemporary Art, as well, through a look at Infinitely Kusama collection – created by Louis Vuitton’s fashion designer Marc Jacobs, in collaboration with the artist Yayoi Kusama - focusing on her career, her poetics and her installation art. Approaches experience design, which emphasizes affective aspects, symbolic functions and subjective components to delineate appropriations of art forms practiced by Design. Our journey is permeated by the concept of aesthetics experience and leads joints concerning the aesthetics in life, the reproduction, the fetishism of objects and brands, and some of the paradoxes that pervade fashion, such as standardization and differentiation. / Esta pesquisa apresenta uma investigação acerca dos campos do Design e da Arte contemporâneos por meio de um olhar sobre a coleção Infinitely Kusama - projeto da marca Louis Vuitton desenvolvido pelo designer de moda Marc Jacobs em colaboração com a artista Yayoi Kusama - bem como sobre a obra desta artista, enfocando sua trajetória, sua poética e seu trabalho com instalações. Aborda a linha de ação denominada design experiencial, que privilegia aspectos afetivos, funções simbólicas e componentes subjetivos, no sentido de delinear apropriações de linguagens artísticas praticadas pelo Design. Nosso trajeto é permeado pela apresentação do conceito de experiência estética e conduz articulações atravessadas por questões relativas à estetização do cotidiano, à reprodutibilidade, à fetichização de objetos e marcas e alguns dos paradoxos que perpassam a moda, tais como padronização e diferenciação.

Submitted by Alberto Vieira (martins_vieira@ibest.com.br) on 2018-03-21T22:02:42Z No. of bitstreams: 1 750916.pdf: 78101985 bytes, checksum: 66000b84ab5f6ca2add333c88eb41bc8 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-21T22:02:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 750916.pdf: 78101985 bytes, checksum: 66000b84ab5f6ca2add333c88eb41bc8 (MD5) Previous issue date: 2001 / A obra de talha religiosa do artista carioca Ignácio Ferreira Pinto constitui o objeto central de estudo deste trabalho. A partir de uma reflexão sobre os aspectos técnicos, históricos e estilísticos da talha luso-brasileira, chegou-se ao âmbito da talha fluminense, universo onde se insere a produção artística de Mestre Inácio, na segunda metade do século XVIII. Neste recorte, buscou-se situar os principais modelos de retábulos, analisando suas características formais e estilísticas, a fim de se reunir dados e estabelecer parâmetros comparativos posteriores com a obra de Mestre Inácio. Foi observada no período a ocorrência de uma tipologia peculiar de retábulo rococó, cujos modelos mais importantes foram executados pelos Mestres Inácio e Valentim. Os dados pessoais e produção artística de Mestre Inácio basearam-se em informações documentais coletadas em fontes primárias encontradas em arquivos, irmandades e acervo particular, assim como consultas bibliográficas. Seus trabalhos de talha religiosa, desenvolvidos ao longo de dez anos aproximadamente, foram submetidos a leitura formal e estilística. A análise dos ornatos e estilo decorativo dos grandes mestres da época – Inácio e Valentim – possibilita o reconhecimento da grafia peculiar de cada artista e promove um confronto do qual emergem o contributo pessoal e a real dimensão da obra de Ignacio Ferreira Pinto em relação ao contexto da época: contribuiu para imprimir à talha carioca caracteres de uma tipologia singular, e conferiu ao rococó aspecto solene e monumental. Apesar de aspectos conservadores vigentes na arte do período, é em Mestre Inácio que vamos encontrar maior desapego ao passado. / This study is based on the carioca artist Ignacio Ferreira Pinto's religious wood carvings. From a reflection on the technical, historical and stylistic aspects of the Portuguese-Brazilian wood carving, we came to the “fluminense” wood carving where the artistic production of Mestre Inacio is inserted – the second half of the 18th century. In this particular aspect, there is an effort to place the main models of retábulos (altar pieces), analyzing their formal and stylistic characteristics in order to put all data together and to establish subsequently comparative parameters with Mestre Inacio's work. The occurrence of a peculiar typology of rococo retabulo was observed in this period where the most important models were made by Mestre Inacio and Mestre Valentim. Mestre Inacio's personal data and artistic production were gathered based on the information of documents collected in primary sources found in files, fraternities and private collection, as well as on bibliographical research. His religious wood carvings performed along ten years approximately were submitted to a formal and stylistic approach. The analysis of the ornaments and the decorative style of the greatest masters of that time – Inacio and Valentim – makes it possible to recognize each artist's peculiar carving and it introduces a confront from which the personal contribution and the real dimension of Ignacio Ferreira Pinto's work, related to the context of the period, emerge. His work contributed to give to the carioca wood carving characteristics of a singular typology and it granted the rococo a solemn and monumental aspect. In spite of the conservative aspects in the art of the period, we find a larger detachment from the past in Mestre Inacio's work.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 123968.pdf: 3025300 bytes, checksum: 723d1fae5b757524249b2744356f4fec (MD5) Previous issue date: 2015-07-06 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / La musique et la scène théâtrale sont présentes dans cette thèse à la manière de lignes mouvantes qui, ensemble, tracent des chemins chevauchés autour de ce que je nomme musique esquiza : non pas un concept que j invente, mais un mode de fonctionnement qui a lieu dans la rencontre de la musique et de la scène théâtrale. Pour cette composition, je fais des alliances avec la philosophie de Gilles Deleuze et Félix Guattari et avec la parole de Stela do Patrocínio, diagnostiquée schizophrène et renfermée pendant trente ans dans un hôpital psychiatrique au Rio de Janeiro. À partir de cette alliance, je vacille en des pas qui suivent en expédition à travers : les expressions devenir-musique, ritournelle et corps sans organes ; une trans-histoire de la musique occidentale ; et le spectacle Entretien avec Stela do Patrocínio, mis en scène par l actrice et directrice Georgette Fadel et par le musicien et directeur musical Lincoln Antonio, paulistas tous les deux. Au cours des trajets, je trace des contrepoints avec les lignes qui m amènent à composer, décomposer et recomposer une partition de thèse, dans laquelle l écriture jette des indices qui se dessinent comme des pentagrammes. J ai choisi la méthode cartographique pour tracer la mappe du flux de cette expédition, le long de laquelle j éprouve la musique en tant que matière expressive autonome, musique qu on peut nommer esquiza pour rendre compte de la puissance de ses rencontres avec la scène théâtrale. / A música e a cena teatral estão presentes nesta tese como linhas movediças que, juntas, traçam caminhos imbricados em torno do que denomino de música esquiza, e que tomo não como um conceito que invento, mas como um modo de funcionamento no encontro da música com a cena teatral. Para esta composição, faço alianças com a filosofia de Gilles Deleuze e Félix Guattari e com as falas de Stela do Patrocínio, diagnosticada esquizofrênica, internada durante trinta anos em um hospital psiquiátrico, no Rio de Janeiro. A partir dessa aliança, vacilo em passadas que seguem em expedição pelos termos devir-música, ritornelo e corpo sem órgãos; por uma trans-história da música ocidental; e pelo espetáculo Entrevista com Stela do Patrocínio, encenado pela atriz e diretora Georgette Fadel e pelo músico e diretor musical Lincoln Antonio, ambos paulistas. Ao longo dos trajetos, traço contrapontos com as linhas que me levam a compor, decompor e recompor uma partitura de tese, na qual a escrita lança pistas que se desenham como pentagramas. Escolhi o método cartográfico para traçar o mapa do fluxo dessa expedição, na qual experimento a música como matéria autônoma expressiva que se pode nomear música esquiza pela potência dos encontros que faz com a cena teatral.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 cleverson.pdf: 15854268 bytes, checksum: e5aa0667d8d002b4e6a9c84be379bff6 (MD5) Previous issue date: 2010-11-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research aims to reflect on various aspects of the concept art circuit, based on the author's own artistic production. More specifically, we addressed four different papers treated in independent hapters, interdependent, traversing the finding of shares comprised in the field of art and its implications beyond the sensory relations. Present as much as history, affinities in the field of social relations and cohabitation by the proximity afforded by the environment, institutional control and movement (works and artists), drive and cross the spaces, the very idea of the circuit is filled with many others, leaving it more malleable, permeable. The narrative has been widely used, giving more personality to the speech, which also addresses the precariousness verified in these cases. Current processes, present in these works are based from some experiences with relationships developed in Brazil since the 1960s, especially by Meireles and Artur Barrio, establishing connections between different procedures / Esta pesquisa busca refletir sobre aspectos diversos da noção de circuito em arte, partindo da produção artística do próprio autor. Para tanto, são abordados quatro diferentes trabalhos tratados em capítulos autônomos, interdependentes, perpassando a constatação de ações compreendidas no campo da arte e suas implicações além das relações sensoriais. Presente tanto como trajetória, afinidades no campo de relações sociais e convivências pela proximidade proporcionada pelo meio, controle e circulação institucional (de obras e artistas), acionamento e atravessamento de espaços, a própria ideia de circuito é permeada por outras tantas, deixando-a mais maleável, permeável. A narrativa foi amplamente utilizada, conferindo mais pessoalidade ao discurso, que aborda também a precariedade verificada nos casos apresentados. Os processos atuais, presentes nesses trabalhos, são fundamentados a partir de algumas relações com experiências desenvolvidas no Brasil desde a década de 1960, especialmente por Cildo Meireles e Artur Barrio, estabelecendo conexões entre diversos procedimentos

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 nicole.pdf: 12727692 bytes, checksum: e36794f65ee16fc927b752fb26ffb459 (MD5) Previous issue date: 2011-11-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The photograph as body, movement, change, subtraction, repetition. What vertices tense this net haved by image, viewer, space, and time? From a phenomenological analysis of the process of artists who use photography as a means and support for their work in parallel to my own work process, I sought to gather them in a logical ensemble of effects and discontinuities, which resulted in three groups or paradigms. In Chapter 1: "The body of the image: occupations," establishes that the image wavers between seeing and being seen, at times becoming the object of its viewer, others making it its own object, caught in its trap. This I called the body of image. To support this asertion, I walk the length of my body in the space of photography, revisiting the process of two works: Gravitation and In_verses: Now I feel so fragile, followed by the analysis of works by Vito Acconci and Gabriel Orozco. In Chapter 2, "Movement: otherness", I observe the construction of the image in full flight, photographs that are formed by the interest to access and be accessed by the Other, be it moving towards him or rising back from the trauma of the collision. This chapter also presents the process of two other works: Hi, Nicole Lima? and Over, followed by an analysis of photographs by Cindy Sherman and Diane Arbus. In the third and last chapter, entitled "The real thing: laterality and displacement", I describe the development process of one of my most recent works, 100 importances, alongside works by artists such as Nan Goldin, Ivars Gravlejs, Elina Brotherus and Rosângela Rennó, whose works present photographs rearranged from files, be them from their personal lives or those of others pictures of the world" restated "in the world" through na operation that seems to confirm: images are not created, but repeated. What we are able to change is their infinite combinations. At the end of each chapter, I make a brief pause between analysis and theories to present a short and new series of images entitled Geographies, which I offer the reader of this text as a form of reflection (not a conclusion) on the processes presented / A fotografia enquanto corpo, movimento, alteração, subtração, repetição. Quais vértices tensionam essa trama formada entre imagem, espectador, espaço e tempo? A partir de uma análise fenomenológica do processo de artistas que utilizam a fotografia como meio e suporte para suas obras, paralelamente ao meu processo de trabalho, busquei tecer uma lógica de efeitos e descontinuidades, a partir da qual formei três grupos ou paradigmas. No capítulo 1: O corpo da imagem: ocupações , estabeleço que a fotografia oscila entre ver e ser vista, ora fazendo-se objeto de seu espectador, ora fazendo dele seu próprio objeto, capturado em sua armadilha. A isso chamo corpo da imagem. Para sustentar essa afirmação, percorro a extensão do meu corpo na fotografia enquanto espaço, revisitando o processo de construção de dois trabalhos: Gravitação e In_versos:Tão frágil me sinto agora, seguidos da análise de obras de Vito Acconci e Gabriel Orozco. No capítulo 2: O movimento: alteridades , observo a construção da imagem em pleno vôo, uma fotografia que existe em função do interesse em acessar e se deixar alterar pelo Outro, seja partindo em direção a ele ou ressurgindo do trauma da colisão. Neste capítulo também apresento o processo de construção de dois trabalhos: Oi Nicole Lima e Sobre, seguidos de uma análise de fotografias de Cindy Sherman e Diane Arbus. No terceiro capítulo, intitulado A coisa real: lateralidade e deslocamento , descrevo o processo de elaboração de um de meus trabalhos mais recentes, a obra 100 importâncias, paralelamente a trabalhos de artistas como Nan Goldin, Ivars Gravlejs, Elina Brotherus e Rosângela Rennó, que apresentam fotografias apropriadas e deslocadas de arquivos, pessoais ou alheios fotografias do mundo reapresentadas ao mundo numa operação que parece confirmar: imagens não são criadas, mas repetidas. O que podemos alterar são suas combinações. Ao final de cada capítulo, faço uma breve pausa entre análises e teorias, para apresentar uma pequena e nova série de imagens intitulada Geografias, que ofereço ao leitor deste texto como uma forma de reflexão (um reflexo, não uma conclusão) sobre os processos apresentados

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 SilviaTeske.pdf: 2006816 bytes, checksum: 1f1bb3d3bb116a89534c2b99a5546f2d (MD5) Previous issue date: 2012-06-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research reflects my developed artistic procedures with the goal of bringing the fiction concept as a presence on the road relevant to the act of writing the life, here I propose dislocating from the real focus to the imagined one. I tried to reflect a fiction concept that takes place by means of selection, subtraction, filtering or extraction of photographic material related to my life story, adding the use of the word as artistic material that by touching the images brings a discursive practice where at the same time it reveals, reinvents the official story. I use as procedure the idea of writing out as an act of revision of what has been lived, searching for autonomy in the choice of what I write about life, of which fiction I want to keep, modify or invent. Dealing with authors such as Michel Foucault and the concept of heterotopias, Michel Leiris about the tangency, and Walter Benjamin about the allegories, I tried to reflect issues of contemporary photography and its potential as a material of appropriation, also making use of specific theorists, such as Philippe Dubois, Rosalind Krauss and Andre Rouille. Having also as company artists working with autobiographical issues it was possible to revisit the obvious to look at it with distrust and suspicion throwing myself into the boundless abyss, the unofficial draft of life / Esta pesquisa reflete meus procedimentos artísticos desenvolvidos com o objetivo de trazer o conceito de ficção como uma presença em trânsito pertinente ao ato de escrever a vida, que aqui proponho deslocar do foco do real para o imaginado. Busquei refletir um conceito de ficção que se dá por meio da seleção, subtração, filtragem ou extração de material fotográfico referente à minha história de vida, acrescido da utilização da palavra como material artístico que, ao tangenciar as imagens, traz uma prática discursiva que, do mesmo modo que revela, reinventa a história oficial. Utilizo como procedimento a ideia de passar-a-limpo , vendo-o como um ato de revisão do vivido, procurando uma autonomia nas escolhas do que quero escrever sobre a vida, de qual ficção desejo manter, modificar ou inventar. Lidando com autores como Michel Foucault e o conceito de heterotopias, Michel Leiris acerca da tangência, e Walter Benjamin sobre as alegorias, busquei refletir questões da fotografia contemporânea e seu potencial enquanto material de apropriação, recorrendo também a teóricos específicos dessa área, tais como Phillipe Dubois, Rosalind Krauss e André Rouillé. Tendo, ainda, como companhia artistas que trabalham com questões autobiográficas foi possível revisitar o óbvio para olhá-lo com desconfiança e suspeita e atirar-se ao abismo dos sem fronteiras, ao rascunho da vida não oficial

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 andre rigatti.pdf: 47955430 bytes, checksum: 73be02b11d5f935f733245d284ea6b8d (MD5) Previous issue date: 2012-09-02 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation consists of a reflection on my process of creation, from some early artworks and exhibitions I have done, taking as a basis the question of the study of space as a common thread of the whole process. The identification of groups of artworks presented here is intended to bring them as a process, set, relation and projection of a subjective desire. To this end, the analysis rests on the concepts of the research process in contemporary art as a proposal for reading and organizing this process. It mentions the dynamics of spatial structure and its consequent transformation present in the thought of Michel de Certeau, and the notion of site as a context in training proposed by Miwon Kwon. Divided into three parts or chapters, I present to start with the first series of my process, and the two subsequent parts of some developments that are linked to the relational proposal and different ways of look¬ing at an artistic operation as a context that incorporates and relates proposition, physical space and the viewer / Esta dissertação consiste em uma reflexão sobre o meu processo de criação, a partir de alguns primeiros trabalhos e exposições que realizei, fundamentando-se na questão do estudo do espaço como fio condutor de todo o processo. A identificação de conjuntos de trabalhos presentes neste estudo tem o propósito de trazê-los como processo, jogo, relação subjetiva e projeção de um desejo. Para tanto, a análise apóia-se nas concepções da linha de pesquisa em processos artísticos contemporâneos como proposta de leitura e organização deste processo. Traz referência às dinâmicas de estruturação espacial e sua consequente transformação presentes no pensamento de Michel de Certeau, bem como da noção do site como um contexto em formação proposto por Miwon Kwon. Distribuídos em três partes ou capítulos, apresento de início as primeiras séries de meu processo, e nas duas partes subsequentes alguns desdobramentos que vinculam-se à propostas relacionais e modos possíveis de se encarar uma operação artística como um contexto que incorpora e relaciona, proposição, espaço físico e espectador

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113558.pdf: 574737 bytes, checksum: 515c2b0f66a9c377b61049e4fa8331d2 (MD5) Previous issue date: 2013-07-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The goal of this research has been to encircle the term literarture with a number of possible definitions. The idea was less to coin a new term than to apply in writing what I perceived to surface already in various texts cited in this research in order to produce the literartistic piece Site Specific, a Romance. Its production consisted of delving into pieces I believe to be examples of literarture, and from the cross-referential dialogue established between them within the textual tissue of Site Specific, a Romance, I trust to have insinuated a definition to the term. Site Specific, a Romance is a text that fuses art praxis and academic dissertation in one single body. Always suspicious that the act of defining is foreign to any practice in the field of art especially to an artist the will of defining literarture was nevertheless satisfied in producing a text where I could experiment with it: it is my belief that every work of art (re) defines in itself the genre(s) to which it belongs. As such, Site Specific, a Romance is my experimentation and the only possible means I have to express what I think to be, or feel to be, literarture. / O objetivo desta pesquisa de mestrado foi cercar de possíveis definições o termo ¿literartura¿ - um termo que, mais que querer cunhar, percebo na leitura de vários textos citados na pesquisa - e, a partir dele, produzir a obra literartística Site Specific, um Romance. Para isso, foram pesquisadas obras que creio serem exemplos de literartura e, através desses exemplos, penso ter se insinuado uma definição. Estas obras formam um diálogo entrecruzado no próprio tecido textual de Site Specific, um Romance, texto que funde obra prática e dissertação de mestrado num só corpo. Sempre desconfiando de que definir seja estranho a qualquer prática no campo da arte, sobretudo para um artista, esta vontade de definir o termo ¿literartura¿ me foi satisfeita ao produzir um texto onde pude experimentá-la: é minha crença de que cada obra (re) define em si o(s) gênero(s) a que pertence. Assim, Site Specific, um Romance é minha experimentação e meu único modo possível de expressar o que penso, e sinto, ser literartura.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113559.pdf: 142323 bytes, checksum: 61a42313e795ee00ff15bb007c2ea94d (MD5) Previous issue date: 2013-07-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Em três capítulos o presente estudo sugere a transposição das fronteiras entre arte e design em prol de uma criação mais significativa, como propõe o trabalho do designer gráfico brasileiro Rico Lins. Para que isso seja possível, é preciso saber que fronteiras são essas, como se formaram e como elas estão sendo encaradas atualmente. Assim, no primeiro capítulo, realiza-se um levantamento histórico comparativo, procurando mostrar as antigas relações entre arte e design, que inicialmente eram de proximidade, mas que com o passar do tempo foram se transformando em distanciamento, principalmente depois da Revolução Industrial e da valorização da razão e da ciência. No segundo capítulo, analisam-se teorias e práticas contemporâneas que questionaram a racionalidade moderna com autores, artistas e designers que se concentraram em questões como a descontinuidade, a ruptura na linearidade do tempo, a montagem, a apropriação e a autoria. Nesse ponto percebe-se uma reaproximação entre arte e design, e chega-se ao trabalho de Rico Lins. No terceiro capítulo estuda-se então sua obra por meio de trabalhos apresentados em três exposições realizadas entre 2009 e 2012: a premiada individual ¿Rico Lins: uma gráfica de fronteira¿, e outras duas coletivas ¿Design brasileiro hoje: fronteiras¿ e ¿From the margin to the edge: brazilian art and design in the 21st century¿. Assim, percebe-se que mesmo diferindo-se entre si, arte e design podem compartilhar recursos e linguagens. Depois de pensar sobre o passado e o presente, sobre o que se fez e o que se faz em arte e design, finalmente, estudiosos, artistas e designers, podem então repensar os possíveis caminhos futuros para suas práticas e teorias com base em fundamentos das suas próprias experiências, suas histórias, suas memórias, seu repertório.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113560.pdf: 1116282 bytes, checksum: ec773f2f618c7a64bc472639ce3aaab7 (MD5) Previous issue date: 2013-06-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research developed in the Art Education Line of Research, at the Master s Program in Visual Arts of UDESC is part of the Observatory of Teacher Education in Visual Arts: comparative studies between Brazil and Argentina. It was based on a qualitative approach and methodological process of content analysis proposed by Bardin (2009) and characterized as a state of the art type study. The main objective was to investigate how to characterize the contradictions that emerge from research on teacher training in visual arts. The collection of information occurred between March 2012 and March 2013 based on the theses cataloged on the website of CAPES and developed from 2000 with exclusive focus on visual arts teachers degree. Thirteen surveys were tracked: nine dissertations and four theses. Document analysis was given by its division into two groups: researches developed in education master´s programs and researches developed in visual arts master´s programs. The theoretical referential was anchored on dialectical materialism, with emphasis on the philosophical thought of Antonio Gramsci (1891-1937), to the extent that it emphasizes the role of common sense in social struggles, in this case, the initial training of visual arts teachers. Mapped the initial assumptions of researchers seeking the characterization of research, understanding how they are constituted. The information collected shows that most of the studies were developed in the programs of education, presenting proposals for a degree in visual arts focused on the construction of teacher knowledge in the training process. The research of graduate programs in visual arts stressed the importance of conceptual rigor during the training. The confrontation of all the research pointed out contradictions in relation to three categories: concept of art, roles of the teacher / trainer and referrals of undergraduate curriculum. Based on the contradictions the need for increasing spaces of dialogue between researchers has been highlighted in order to make progress possible in overcoming the initial premises and promote qualitative changes in undergraduate courses in visual arts through a critical look at the proposals suggested / Esta investigação desenvolvida na Linha de Pesquisa Ensino de Arte do Programa de Pós-Graduação de Artes Visuais da UDESC é parte integrante do Observatório da Formação de Professores de Artes Visuais: estudos comparados entre Brasil e Argentina. Fundamentou-se na abordagem qualitativa, tendo como processo metodológico a análise de conteúdo proposta por Bardin (2009) e caracterizando-se como estudo do tipo estado da arte. O objetivo principal foi indagar como se caracterizam as contradições que emergem das pesquisas sobre formação de professores de artes visuais. A coleta dos dados ocorreu entre março de 2012 e março de 2013 tendo por base as dissertações e teses catalogadas no site da CAPES e desenvolvidas a partir do ano 2000 com foco exclusivo na licenciatura de professores de artes visuais. Foram rastreadas 13 pesquisas: nove dissertações e quatro teses. A análise documental se deu através da divisão em dois grupos: pesquisas desenvolvidas nos programas de pós-graduação em educação e pesquisas desenvolvidas nos programas de pós-graduação em artes visuais. O referencial teórico condutor ancorou-se no materialismo dialético, com ênfase no pensamento filosófico de Antonio Gramsci (1891-1937), na medida em que este ressalta o papel do senso comum nos embates sociais, neste caso, na formação inicial de professores de artes visuais. Foram mapeadas as premissas iniciais dos pesquisadores buscando, na caracterização das pesquisas, compreender como as mesmas se constituem. Os dados levantados mostram que a maior parte dos estudos foi desenvolvida nos programas de pós-graduação em educação, apresentando propostas para a licenciatura em artes visuais voltadas para a construção dos saberes docentes no processo de formação. As pesquisas dos programas de pós-graduação em artes visuais ressaltaram a importância do rigor conceitual no decorrer da formação. O confrontamento do conjunto das pesquisas apontou contradições em relação a três categorias: conceito de arte, papel do professor/formador e encaminhamentos curriculares da licenciatura. Com base nas contradições evidenciou-se a necessidade de ampliação de espaços de diálogos entre os pesquisadores para que se possa avançar na superação das premissas iniciais e promover mudanças qualitativas nos cursos de licenciatura em artes visuais através de um olhar crítico para as propostas sugeridas.