Made available in DSpace on 2017-07-10T18:55:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Salete Sirino.pdf: 9472916 bytes, checksum: 3bb77d4a4827ddee86eedc70e792ab61 (MD5) Previous issue date: 2014-04-04 / This study which is analytical and bibliographic aimed to explore the reality materialization on the novels S. Bernardo (1934), Vidas Secas (1938) and Memórias do Cárcere (1953), by Graciliano Ramos, as well as the filmic translations of these to the cinema by Leon Hirszman São Bernardo in 1972 and Nelson Pereira dos Santos Vidas Secas in 1963 and Memórias do Cárcere in 1984. It has been intended to comprehend how images of reality were turned into literary and filmic narratives on these works considering the Critic Realism context, and it was done by analyzing compositional aspects of literary structure: narrator, plot, characters, time and space, and the filmic image production aspects which were part of the work of the directing, art and photography staff at the filming stage. Therefore, studies of André Bazin, Antonio Candido, Frances Yates, Georg Lukács, Glauber Rocha, Mikhail Bakhtin and Terry Eagleton articulated the analysis of the relationship between Text and Context form and content for the materiality composition in such works. These analyses also provided a reflection about the intrinsic relation of the tripod author-text-reader poesies, aesthesis and catharsis considering that at the moment the reader/spectator meet these narratives the content is supreme over the form. Having in mind that contemporary art when it appropriates historical times evocates the past and illuminates the present, and also that in art there is no such thing as a pure reality, once in fiction everything is imitation, accordingly to Aristotle‟s reflections about mimesis, it is conceived that Graciliano Ramos when writing his novels appropriated social facts from his own experiences and social context and turned them into literary contents that were the structure for his literary writing which were translated to the filmic language by the movie makers Leon Hirszman and Nelson Pereira dos Santos. Last but not least, it is considered that these novels and movies are firstly fiction works and the materialization of content Critic Realism passes necessarily by the artificiality of artistic composition, nevertheless, they are conceived by their creators as instruments of denunciation, consciousness and transformation of the Brazilian reality / Nesta pesquisa, de caráter analítico e bibliográfico, objetiva-se o estudo da materialização do real nos romances S. Bernardo (1934), Vidas Secas (1938) e Memórias do Cárcere (1953), de Graciliano Ramos, bem como nas traduções destes romances ao cinema por Leon Hirszman São Bernardo, em 1972 e Nelson Pereira dos Santos Vidas Secas, em 1963 e Memórias do Cárcere, em 1984. No contexto do Realismo Crítico, por meio de análises de aspectos inerentes à composição da estrutura literária narrador, enredo, personagens, tempo e espaço e dos artifícios da produção da imagem fílmica relacionados aos trabalhos das equipes de direção, arte e fotografia, durante a etapa de filmagem , pretende-se compreender como imagens do real são materializadas em narrativas literária e fílmica nas referidas obras. Para tanto, dentre outros, estudos de André Bazin, Antonio Candido, Frances Yates, Georg Lukács, Glauber Rocha, Mikhail Bakhtin e Terry Eagleton ancoram a articulação da análise da relação Texto e Contexto forma e conteúdo , na composição da materialidade de tais obras. Nestas análises, reflete-se, também, sobre a relação intrínseca da tríade autor-texto-leitor poiesis, aisthesis e catarsis , tendo em vista que, no momento de encontro destas narrativas com o leitor/espectador, o conteúdo tem supremacia sobre a forma. Considerando o fato de que a arte contemporânea, ao se apropriar de tempos históricos, evoca o passado e ilumina as vivências do presente, como também o pressuposto de que, em arte, não existe uma realidade pura, uma vez que, em ficção, tudo é imitação conforme postulados de Aristóteles sobre mimesis , parte-se do pressuposto de que o escritor alagoano, Graciliano Ramos, na composição de seus romances, se apropria de fatos sociais do meio em que vive e os transforma em conteúdos que estruturam o seu fazer literário, os quais são traduzidos em outra linguagem pelos cineastas Leon Hirszman e Nelson Pereira dos Santos. Por fim, argumenta-se que estes romances e filmes sendo, antes de tudo, obras ficcionais , têm a materialização do seu conteúdo Realismo Crítico transpassado, necessariamente, pela artificialidade da composição artística, ainda que tenham sido concebidos por seus criadores como um instrumento de denúncia, de conscientização e de transformação da realidade vivenciada pelo povo brasileiro

Neste trabalho, estudaremos os filmes da trilogia Matrix do ponto de vista da figuração. A análise do tecido narrativo dos filmes objeto desse estudo revela uma série de falhas e inconsistências. Essas falhas expõem alguns dilemas da experiência sob o domínio do capitalismo tardio. As zonas de ambigüidade e indefinição que identificamos em Matrix nos orientaram a pensar essa obra cinematográfica como um esforço cognitivo mal resolvido. Essa é a epistemologia travada de Matrix, que será estudada não como uma simples falha de diagnóstico resultante da falta de lucidez cognitiva dos criadores da série, mas sim como um exemplar significativo da exposição de limites da figuração histórica. / In this work, we are going to study the Matrix trilogy from the perspective of figuration. The analysis of the narrative fabric of these movies reveals many failures and inconsistencies. Such failures expose some dilemmas of the experience under the domain of late capitalism. The ambiguity and indetermination zones which we identified in Matrix have led us to think these movies to be an unsolved cognitive effort. This is the jammed epistemology of Matrix, which is going to be analyzed not as a simple diagnosis failure due to the movies\' creator\'s lack of cognitive lucidity, but as a significant example of the exposition of the limits of historical figuration.

O filme S. Bernardo (Leon Hirszman) e o romance Lavoura arcaica (Raduan Nassar) despontam nos anos da cruel ditadura de direita no país. As duas obras juntamente com o filme Lavoura arcaica (Luís Fernando Carvalho), que veio depois, em 2001 apresentam propostas diferenciadas para a representação do tema do trabalho, em um contexto rural e patriarcal, ambientado nos anos 1930-1940. Sendo esse o recorte adotado aqui, o estudo buscará refletir sobre o modo como a formalização da matéria histórica brasileira se inscreveu nas obras, apontando as posições ideológicas dos seus realizadores diante de uma dinâmica social particular e localizada. O método comparativo que reúne estas três obras examina alguns pontos de convergência entre elas, os quais nos fazem questionar a pretensa desvinculação da realidade atual com a ditadura militar, tida como acabada. / The movie São Bernardo (Leon Hirszman) and the novel Lavoura Arcaica (Raduan Nassar) emerged in the years of ruthless right-wing dictatorship in the country. The two works - along with the movie Lavoura Arcaica (Luis Fernando Carvalho), which came later, in 2001 - present different proposals for the representation of the work theme, in a rural and patriarchal context, set in the years 1930-1940. That being the cut adopted here, the study will seek to reflect on how the formalization of the Brazilian historical matter enrolled in the works, pointing out the ideological positions of its directors before a particular and located social dynamics. The comparative method that gather these three works examines some points of convergence between them, which make us question the desire decoupling of the current reality with the military dictatorship, considered over.

Lançado em 1975, Nashville é uma das últimas produções de um período da cinematografia norte-americana conhecido como Nova Hollywood ou Renascença Hollywoodiana. Tomando a capital da música country nos EUA como objeto de crítica e pano de fundo espacial da narrativa, o filme reflete sobre problemas políticos e sociais de seu tempo. A tese que orienta o presente trabalho é a de que a imagem da História evocada em sua narração só foi possível porque o diretor e seus colaboradores fizeram um esforço consciente para apropriar-se do repertório fílmico industrial de técnicas, formas e até mesmo clichês, refuncionalizando-o de modo a torná-lo adequado à expressão de sua visão crítica. O resultado é, ao mesmo tempo, um retrato dialético dos EUA no início dos anos 1970, uma prova da possibilidade da encenação épica no contexto industrial e um exemplo de resistência cultural a partir da organização produtiva dos trabalhadores do cinema. / Launched in 1975, Nashville is one of the last productions of a period in American cinema known as the New Hollywood or Hollywood Renaissance. Taking the capital of country music in the USA as the object of criticism and spatial backdrop of its narrative, the film reflects upon social and political problems of its time. The thesis that guides the present study is that the image of history evoked by its narration was possible only because the director and his collaborators made a conscious effort to apropriate the repertoire of industrial filmic techniques, forms and even clichés, refunctioning it to make it suitable to the expression of their critical point of view. The result is, all at the same time, a dialectical picture of the USA at the beginning of the 1970s, concrete evidence of the possibility of epic mise-en-scène in the industrial context and an example of cultural resistance built upon the productive organization of cinema workers.

Este projeto de pesquisa tem como objetivo realizar um estudo comparado entre o livro Amar, verbo intransitivo, de Mário de Andrade e os roteiros jamais filmados ou publicados que o professor, roteirista e crítico de cinema Paulo Emilio Salles Gomes fez a partir do livro. A proposta da dissertação é comparar roteiros e livro, tendo como base um estudo da problemática da focalização, de modo que se busque um sentido para o conjunto de diferenças verificadas na passagem do livro aos roteiros. É central, neste projeto, tentar entender a que tipo de leitura do romance as modificações promovidas pelos roteiros servem, sobretudo no que diz respeito à construção da voz narrativa. Com isso, esperamos contribuir para os estudos da obra de Paulo Emilio Salles Gomes, bem como esmiuçar a específica leitura que os roteiros fazem do texto (e do contexto) de Mário de Andrade. / The aim of this work is to analyze the screenplays written by film critic Paulo Emilio Salles Gomes which were based on the book Fräulein, by Mário de Andrade (New York: The Macaulay Company, 1933). These screenplays were never published nor made into film. This thesis compares both the screenplays and the book, and it is based on the The Theory of Point of View in fiction. In addition, the objective is to find meaning in the differences between the book and screenplays. This will enable us to understand how these changes can offer an alternate interpretation of Andrade\'s book.

Made available in DSpace on 2015-04-14T14:41:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 422615.pdf: 1542256 bytes, checksum: 06bb5beaf97d63ace83eb4ebe1ad70ae (MD5) Previous issue date: 2010-03-18 / A pesquisa se concentra no processo de adapta??o de contos de Caio Fernando Abreu para o roteiro de um filme de longa-metragem. Tendo como objetivo a elabora??o de um roteiro a partir do livro Morangos mofados (ABREU, 1982), a tese segue uma metodologia elaborada em seu percurso: a abordagem da obra do autor sob o ponto de vista cinematogr?fico, o exame das adapta??es de seus escritos para o cinema, e a reflex?o sobre filmes com narrativas multifacetadas. Os estudos ancorados na an?lise de obras liter?rias e audiovisuais s?o um pre?mbulo para a apresenta??o do processo criativo, dividido em tr?s inst?ncias: os primeiros embates com o material a ser adaptado, o roteiro em si, e a reflex?o sobre sua cria??o. CAIO FERNADO ABREU E O CINEMA: O PROCESSO DE ADAPTA??O DE MORANGOS MOFADOS mescla teoria e pr?tica, oferecendo um vi?s particular sobre a quest?o da transposi??o da literatura para o cinema, mais especificamente sobre a adapta??o de contos para o formato de longa metragem.

A presente dissertação visa estudar os processos imbricados no percurso da atividade leitora diante da tessitura das produções artísticas contemporâneas. Para isso, primeiramente apresentaremos aspectos históricos e sociais relacionados às transformações ocorridas no mundo da linguagem e seus suportes, a fim de que possamos conceber a leitura como uma prática cultural que, há tempos, extrapola os limites do verbal. Em seguida, aprofundaremos o estudo compreendendo a leitura em seu caráter perceptivo e cognitivo, tomando como fio condutor o sentido humano da visão e observando como, a partir deste último, a leitura concretiza-se em uma labiríntica ação de olhar, em um complexo movimento interno, mental e cognitivo de busca e produção de sentidos. Procuraremos observar ainda a leitura enquanto atividade individual e única, no que se refere a cada leitura e cada leitor, apresentando reflexões sobre a construção do olhar, ou seja, do ponto de vista de que lança mão o leitor para a leitura dos textos, dos seres, enfim, do mundo que o rodeia. Por fim, analisaremos o filme O Labirinto do Fauno (2006), de Guillermo Del Toro, focalizando as relações estabelecidas entre literatura e cinema e demonstrando como os recursos próprios do cinema, bem como sua inter-relação de códigos e linguagens, concorrem para a construção de sentidos. Concomitantemente, a análise evidenciará desafios impostos ao leitor relacionados às linguagens empregadas mas que as extrapolam. Identificando as especificidades de cada forma narrativa (literária e cinematográfica) e seu entrelaçamento, observaremos em que medida a compreensão ampla do filme requer por parte do leitor a reconstrução das relações da obra com a sociedade e com outros textos, épocas, lugares e discursos; o desvendamento do texto enquanto forma esteticamente elaborada; e a procura de uma possível interpretação que conceba a obra como um objeto de simbolização do mundo. Assim, por meio da análise, buscaremos identificar modos que parecem marcar o percurso da atividade leitora e o lugar do leitor tendo em vista as formas expressivas de nossa atualidade. / This dissertation aims to study the processes imbricated in the course of the reading activity before the tessitura of contemporary artistic productions. For such, we will firstly present historical and social aspects related to the changes in the world of language and its supports, so that we are able to conceive reading as a cultural practice that, for a long time, has been extrapolating the limits of the verbal. Then, we will perform a profound study comprehending reading in its perceptive and cognitive nature, taking as guiding principle the human sense of vision and observing how, from the latter, the reading manifests itself in a labyrinthine action of looking, in a complex internal, mental and cognitive movement of search and production of senses. We will seek to further observe reading as a peculiar and unique activity, with respect to each reading and each reader, presenting reflections on the construction of the look, that is, from the point of view that the reader makes use of to read texts, the beings, in short, the world around him. Finally, we will analyze the film Pan\'s Labyrinth (2006), by Guillermo Del Toro, focusing on the relations established between literature and cinema and showing how the own cinema resources, as well as their inter-relationship of codes and languages, lead to construction of senses. Concomitantly, the analysis will show the challenges to the reader related to the languages employed, but that go beyond them. Identifying the specificities of each narrative form (literary and cinematographic) and its interlacement, we will observe to what extent the ample understanding of the film requires, by the reader, the reconstruction of the work relations with society and with other texts, times, places and speeches; the unveiling of the text as aesthetically developed form; and the search for a possible interpretation that sees the work as an object symbolizing the world. Thus, through analysis, we will seek to identify ways that seem to mark the course of the reading activity and the readers place considering the expressive forms of our present.

A análise comparativa entre o romance de Franz Kafka, O processo, e o filme homônimo de Orson Welles pretende compreender de que maneira a obra cinematográfica transcria o universo kafkiano, levando à tela cinematográfica o tempo, o espaço e o protagonista, a partir do hipotexto literário. As estratégias narrativas empregadas na produção da película problematizam a posição do narrador, onisciente no romance, mas que, no filme, salvo as evidentes diferenças narratológicas inerentes aos códigos, é produzido através de um “jogo de vozes”, partindo da parábola “Diante da Lei”, utilizada no incipit fílmico. O tempo e o espaço são configurados mantendo os traços “expressionistas” de Kafka, produzindo zonas de indeterminação temporais e topológicas que corroboram a inação do protagonista. O conceito de “estado de exceção”, esboçado por Giorgio Agamben, permite pensar que a origem do processo movido contra Josef K., de desconhecidas motivações, reside num poder de domínio e controle que antecede a própria lei. A aproximação do protagonista de Kafka e de Welles à figura do homo sacer é possível tanto pelo estatuto da ação que ele exerce em função da necessidade de defesa (o que caracteriza a sua inação, uma vez que não há “progressão”, a despeito das suas tentativas de produzir uma primeira petição de defesa), quanto das “deformidades” que o caracterizam, incorporando-o ao bando das personagens “monstruosamente” híbridas de Kafka. Porém, a “deformidade” que marca K. e o exclui da comunidade regida pelo ordenamento legal não está aparente, mas age biologicamente, estabelecendo um secreto mecanismo de controle cujo poder de decisão age sobre a orgânica morte, a extirpação de uma vida simplesmente “matável e insacrificável”. / The comparative analysis between the novel of Franz Kafka, The Trial, and the homonym movie of Orson Welles intends to understand how the cinematographic workmanship used to transcribe the kafkian universe, taking to the cinematographic screen the time, the space and the protagonist from literary hipotext. The narrative strategies used in the production of the film problematize the position of the narrator, omniscient in the romance, but that, in the film (except for the evident narratological differences inherent to the codes), it is produced through a “game of voices”, coming from the parabola “Before the Law”, used in the filmic incipit. The time and the space are configured keeping “the expressionists” traces of Kafka, producing secular and topological zones of indetermination that corroborate the inaction of the protagonist. The concept of “exception state”, sketched for Giorgio Agamben, allows us to think that the origin of the process moved against Josef K, of unknown motivations, inhabits in a power of domain and control that precedes the proper law. The approach of the protagonist of Kafka and Welles to the figure of homo sacer is possible as much for the statute of the action that it exerts in function of the defense necessity (which characterizes its inaction, a time that does not have “progression”, in the spite of its attempts to produce a first petition of defense), how much of the “deformities” that characterize it, incorporating it to the flock of the “monstrously” hybrid personages “of Kafka. However, the “deformity” that marks K. and excludes it from the community conducted for the legal order is not apparent, but it acts biologically, establishing a private mechanism of control which power of decision falls again on the organic death, the extirpation of a simply “killable and unsacrifiable” life.

A análise comparativa entre o romance de Franz Kafka, O processo, e o filme homônimo de Orson Welles pretende compreender de que maneira a obra cinematográfica transcria o universo kafkiano, levando à tela cinematográfica o tempo, o espaço e o protagonista, a partir do hipotexto literário. As estratégias narrativas empregadas na produção da película problematizam a posição do narrador, onisciente no romance, mas que, no filme, salvo as evidentes diferenças narratológicas inerentes aos códigos, é produzido através de um “jogo de vozes”, partindo da parábola “Diante da Lei”, utilizada no incipit fílmico. O tempo e o espaço são configurados mantendo os traços “expressionistas” de Kafka, produzindo zonas de indeterminação temporais e topológicas que corroboram a inação do protagonista. O conceito de “estado de exceção”, esboçado por Giorgio Agamben, permite pensar que a origem do processo movido contra Josef K., de desconhecidas motivações, reside num poder de domínio e controle que antecede a própria lei. A aproximação do protagonista de Kafka e de Welles à figura do homo sacer é possível tanto pelo estatuto da ação que ele exerce em função da necessidade de defesa (o que caracteriza a sua inação, uma vez que não há “progressão”, a despeito das suas tentativas de produzir uma primeira petição de defesa), quanto das “deformidades” que o caracterizam, incorporando-o ao bando das personagens “monstruosamente” híbridas de Kafka. Porém, a “deformidade” que marca K. e o exclui da comunidade regida pelo ordenamento legal não está aparente, mas age biologicamente, estabelecendo um secreto mecanismo de controle cujo poder de decisão age sobre a orgânica morte, a extirpação de uma vida simplesmente “matável e insacrificável”. / The comparative analysis between the novel of Franz Kafka, The Trial, and the homonym movie of Orson Welles intends to understand how the cinematographic workmanship used to transcribe the kafkian universe, taking to the cinematographic screen the time, the space and the protagonist from literary hipotext. The narrative strategies used in the production of the film problematize the position of the narrator, omniscient in the romance, but that, in the film (except for the evident narratological differences inherent to the codes), it is produced through a “game of voices”, coming from the parabola “Before the Law”, used in the filmic incipit. The time and the space are configured keeping “the expressionists” traces of Kafka, producing secular and topological zones of indetermination that corroborate the inaction of the protagonist. The concept of “exception state”, sketched for Giorgio Agamben, allows us to think that the origin of the process moved against Josef K, of unknown motivations, inhabits in a power of domain and control that precedes the proper law. The approach of the protagonist of Kafka and Welles to the figure of homo sacer is possible as much for the statute of the action that it exerts in function of the defense necessity (which characterizes its inaction, a time that does not have “progression”, in the spite of its attempts to produce a first petition of defense), how much of the “deformities” that characterize it, incorporating it to the flock of the “monstrously” hybrid personages “of Kafka. However, the “deformity” that marks K. and excludes it from the community conducted for the legal order is not apparent, but it acts biologically, establishing a private mechanism of control which power of decision falls again on the organic death, the extirpation of a simply “killable and unsacrifiable” life.

Este ensaio pretende, de um lado, identificar e descrever os traços dominantes da literatura e das demais poéticas contemporâneas, e, de outro, relatar o processo de transposição de um texto literário – o romance O Quieto Animal da Esquina, de João Gilberto Noll – para um texto de cinema, o roteiro cinematográfico homônimo, de minha autoria. Menos uma tese acadêmica do que uma tentativa de se constituir como um objeto artístico em si mesmo – tanto em sua condição de roteiro, quanto na de uma aproximação eminentemente subjetiva, não “científica”, de um modo de expressão – este ensaio é uma proposta de discussão sobre a rarefação de limites, sobre o diálogo e a interdependência das artes.