O presente projeto se propõe a uma investigação da reescritura de uma obra de constituição dramática retirando-se dela os diálogos ditos pelas personagens e estabelecendo a comunicação por meio da ação física dos atores e atrizes na cena, mantendo-se, contudo, aquilo que a caracteriza como dramática: uma fábula constituída em progressão para que haja tensão, conflito, clímax e desenlace. A esse processo de extração dos diálogos deu-se o nome de \"Dramaturgia do Silêncio\". É importante ressaltar que a cena silenciosa se serve de outros elementos significativos como cenografia, iluminação, figurino, maquiagem etc, mas o recorte deste estudo centra-se no trabalho do texto corporal do ator e da atriz, a partir dele que se estabelece a dramaturgia. Tratase de um estudo teórico-prático realizado parcialmente em sala de ensaio com um grupo de criadores cênicos em câmbio de funções entre dramaturgos, atores e encenadores por meio de jogos e improvisações. O texto base para esse estudo é Phèdre, de Jean Racine, um dos três grandes representantes do classicismo francês. / Le projet que nous présentons ici se propose à une investigation de la réecriture d\'une oeuvre de constitution dramatique, en enlevant les dialogues proférés par les personnages et établissant la communication au moyen de l\'action physique des acteurs et des actrices, mais en maintenant, néanmoins, ce qui la caractérise comme dramatique : une fable constituée en progression pour qu\'il y ait de la tension, du conflit, un climax et un dénouement. A ce processus d\'extraction des dialogues nous avons donné le nom de \" Dramaturgie du Silence\". Il est important de souligner que la scène silencieuse se sert d\'autres éléments significatifs comme la scénographie, l\'éclairage, les costumes, le maquillage, etc. mais le découpage de cette étude se concentre sur le travail corporel des acteurs, à partir duquel s\'établit la dramaturgie. Il s\'agit d\'une étude théorique et pratique élaborée surtout en salle de répétitions avec un groupe de créateurs scéniques sur le mode d\'un échange de fonctions entre dramaturges, acteurs et metteurs en scène au moyen de jeux et d\'improvisations. Le texte de base pour cette étude est la pièce Phèdre de Racine, un des trois grands représentants du classicisme français.

La relation fille-père, dans la littérature québécoise, semble moins présente que la relation qu’entretient le fils avec son père, comme si les auteurs avaient une tendance presque innée à apparier les couples parent-enfant selon leur sexe. Dans l’imaginaire traditionnel on semble plutôt privilégier le couple mère-fille et le couple père-fils, avec une certaine ouverture pour le couple mère-fils, surtout lorsque la figure maternelle empêche le fils de s’épanouir. Nous nous intéresserons ici, à travers un récit de fiction intitulé Mosaïque, au quatrième couple délaissé que forme la fille avec son père, puisqu’il s’agit de la relation la moins bien connue. Nous tenterons de découvrir ce que disent les filles de leur père : plus précisément encore, ce qu’elles disent des pères qu’elles n’ont pas. Suivant la route défrichée par Lori Saint-Martin avec son ouvrage fondateur, Au delà du nom (2010), je me propose de compléter cette création par une étude sur le rapport qui relie la fille au père absent : je voudrais montrer comment cette absence se transcrit dans la littérature québécoise au féminin, principalement à travers trois romans : Maryse de Francine Noël, La danse juive de Lise Tremblay et Blanc dehors de Martine Delvaux.

Ce travail propose de revisiter le concept principal de la philosophie de Bergson : la durée. Premièrement, la durée est un nombre spécial. Jankélévitch et Deleuze pensent que la durée de la conscience a seulement des propriétés qualitatives, mais, en fait, le temps réel pour Bergson n'est pas une forme dépourvue de dimension numérique. Secondement, la signification de la durée est morale. Deleuze et Henri Gouhier pensent que la finalité de la vie, pour Bergson, est l'innovation, la création (amour de la création), mais, en fait, la finalité de la vie est la construction d'une société fraternelle (création de l'amour).

La chronique médiatique contemporaine est indissociable de son contexte de production. Un cadre strictement générique ne suffit donc pas à rendre compte de la forme que revêtent aujourd'hui les chroniques. En étudiant l’écologie de production du genre, caractérisée en aval par le pacte conclu entre le chroniqueur et son éditeur et en amont par un narrataire qu’éclaire le courrier du lecteur, nous proposons ici une explication de certains traits caractéristiques du genre – comme la brièveté du texte, l’aspect fragmentaire du propos et le ton de la conversation privilégié par le chroniqueur. Notre étude de quatre recueils de chroniques explore la relation intime mais conflictuelle qu’entretient la chronique avec le temps. François Mauriac, Bernard-Henri Lévy, Gil Courtemanche et Jacques Brault déploient des stratégies variées pour s’acquitter de leur tâche d’écriture périodique, ainsi qu’afin de concilier deux horizons de lecture, dont l’un est immédiat et l’autre dans la durée. Enfin, nos propres chroniques - les Immédiates -, explorent trois thèmes : l’âge adulte, la ville et l’américanité.

Ma thèse entend considérer l’écriture poétique selon un procès de la relation, avec soi, avec l’autre et avec Dieu, tant dans la pratique que j’en propose dans mon recueil de poèmes, que dans l’étude que j’effectue des poèmes, des lettres et du journal de Saint-Denys Garneau. Le premier chapitre est constitué du recueil de poèmes, lui-même divisé en deux parties. La première, intitulée « Là où la cassure se produit» et séparée en cinq sections, est organisée autour de la thématique d’une cassure intérieure, d’une séparation de soi-même et de l’autre, et donc d’une impossibilité de la relation. La deuxième partie, « Là où va le coeur », elle aussi divisée en cinq sections, comprend des poèmes qui approfondissent cette idée d’un cheminement intérieur, d’un retour vers soi-même et vers l’autre, de la marche vers une unité possible, et ainsi vers la relation. Le second chapitre de ma thèse, « L’impossibilité de la relation chez Saint-Denys Garneau », est constitué d’une analyse divisée en deux parties. La première, « Du regard à la relation», se consacre au départ à une étude de la cassure intérieure chez ce poète, qui se manifeste d’abord à travers son regard, au niveau de l’opposition entre le regard extérieur et le regard intérieur. Par la suite, la relation chez Saint-Denys Garneau est analysée, à travers cette impossibilité qui la caractérise, conséquence de la cassure intérieure. La deuxième partie du chapitre, intitulée « La marche vers l’autre », constitue une réflexion sur l’écriture, faite à travers un retour sur ma création, en ce qui a trait à cette quête de la relation qui la traverse, et qui la rend de ce fait semblable à une quête d’absolu.

Attendue du public et recherchée par les comédiens, la présence de l'acteur sur scène demeure difficile à cerner. L'étude abondante d'Eugenio Barba sur l'énergie de l'acteur a permis d'identifier plusieurs de ses composantes. Ses six principes contribuent à structurer le travail de l'acteur dans sa construction de personnage et participent du même coup à rendre l'acteur plus présent sur scène. Toutefois, ils n'isolent que les résultats de cette énergie sans en préciser l'origine. Expliqués à l'aide des cinq phases de la théorie du processus créateur de Didier Anzieu, les principes d'Eugenio Barba montrent que l'énergie de l'acteur correspond en fait à la pulsion libidinale contenue dans les représentants psychiques transférés de l'inconscient au préconscient. Ces représentants psychiques servent à élaborer un code unificateur que traduisent les choix multiples et complexes d'interprétation de l'acteur à l'aide des six principes en respectant une logique délicate jusqu'à réintégrer le processus. Cette pulsion libidinale, que Barba nomme énergie, alimente à la fois le processus de création tout en dynamisant la présence de l'acteur dans ses représentations publiques, et lui permet souvent de réintégrer le processus créateur dans l'oeuvre. En ce sens, l'énergie de l'acteur et par extension, les principes qui l'expriment, ne s'appliqueraient pas uniquement à l'artiste de scène. Comprise en termes de pulsion libidinale, cette énergie soutient le dramaturge, le metteur en scène et les concepteurs d'un spectacle théâtral au cours de leur processus créateur. Ainsi, les six principes de Barba trouveraient donc une forme d'expression dans l'oeuvre respective de ces artistes du théâtre. Pour faire suite à l'exposé théorique des six principes, la présente recherche propose une analyse pratique des composantes d'un même spectacle (texte, mise en scène, conceptions scénographiques et interprétation du Testament du couturier, production du Théâtre la Catapulte de 2003), afin de repérer l'équivalence de ces principes et d'en définir leurs dynamiques d'expression et d'en vérifier leur concordance aux cinq phases d'Anzieu. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Énergie, Processus créateur, Inspiration, Présence, Talent, Acteur, Auteur dramatique, Metteur en scène, Concepteurs théâtraux.

Les années qui ont suivi immédiatement la fin de la Seconde Guerre mondiale et la libération des camps ont été le lieu de la publication d'une multitude de témoignages. La communauté savante -historiens, anthropologues, sociologues -qui a normalement la tâche ardue et complexe d'historiser les faits ne sait pas comment interpréter cette abondante littérature. Ce sont les psychologues et les littéraires qui s'y intéressent d'abord. À partir de 1948, les survivants font face à un mur du silence: on veut passer à autre chose. Les manuscrits trouvent difficilement une maison d'édition, non pas seulement à cause d'une saturation, mais plutôt par la nature même du sujet traité. Dans ce climat difficile où la vérité historique ne concorde pas toujours avec la vérité racontée, qu'en est-il des oeuvres de fiction? C'est dans cette optique que j'étudie deux ouvrages de Jorge Semprun, survivant du camp de Buchenwald. Le grand voyage (1963) et L'écriture ou la vie (1994) racontent l'expérience marquante vécue dans l'univers concentrationnaire nazi. Contrairement à d'autres témoignages sur les camps, l'auteur transgresse le type conventionnel du compte rendu objectif par un travail de création. Dans ce mémoire, je cherche à montrer comment Semprun utilise le travail de création et l'artifice de l'art pour transmettre l'indicible, c'est-à-dire ce qui ne semblait pas pouvoir être raconté: la vérité essentielle de l'expérience vécue. Ce mémoire se déploie en trois parties. Tout d'abord, afin de bien cerner l'importance de l'acte testimonial, il est important de définir le rôle du témoin dans le contexte particulier de la Seconde Guerre mondiale. Ensuite, puisque le corps est central à l'expérience vécue, il est possible d'observer sa fonction dans la construction de la mémoire. Finalement, il faut dégager les divers mécanismes d'écriture utilisés par l'auteur. De cette manière, à la fin du travail, le rôle prépondérant de la création littéraire dans l'élaboration du témoignage peut être clairement mis en évidence. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Fiction, Témoignage, Camps, Mémoire, Corps.

Ce mémoire de recherche en enseignement des arts porte sur l'identification de méthodes pédagogiques et de stratégies d'intervention qui aident les étudiants à mieux arrimer les savoir-faire liés à la pratique de la sérigraphie à une démarche de création plus ouverte. Le projet de recherche puise aux sources mêmes de mes expériences professionnelles en tant qu'artiste et pédagogue. L'objectif de cette exploration est d'améliorer mon enseignement de la sérigraphie auprès d'étudiants de premier cycle à l'université. Le cadre théorique sur lequel s'appuie la recherche est axé principalement sur deux concepts: d'une part, le paradigme apprentissage, centré sur l'étudiant et sur le rôle respectif des partenaires, l'enseignant et l'étudiant, dans la formation artistique, d'autre part, la création, concept priorisé dans mon enseignement de l'estampe. La recherche qualitative et l'approche heuristique sont les méthodes d'investigation utilisées pour effectuer ma recherche. Le cours de sérigraphie sert de terrain de recherche et la population ciblée est le groupe d'étudiants du cours de sérigraphie. Les outils de cueillette de données sont le journal de bord, la bande vidéographique, la photographie et les textes des étudiants. Les données recueillies ont été analysées qualitativement et la construction d'un arbre thématique a permis de retenir trois thèmes récurrents: l'engagement de l'étudiant, les besoins des étudiants et l'attitude de l'enseignant. Ces thèmes sont analysés de façon descriptive puis interprétative, accompagnés de citations provenant du journal de bord, des textes des étudiants ou de documents photographiques. En conclusion, ce mémoire identifie des modes d'intervention qui pourraient améliorer ma pratique de l'enseignement d'une discipline de l'estampe. Dans un plus large créneau, les résultats de cette recherche visent hypothétiquement l'amélioration de l'enseignement des arts au niveau universitaire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Paradigme apprentissage, Création, Estampe, Étudiant, Enseignement, Artiste et enseignant universitaire.

Cette recherche interroge la possibilité de générer un espace de création interculturel au théâtre à l'aide du processus des cycles Repère. Nous proposons ici d'étudier l'interculturalité du point de vue des acteurs et du metteur en scène pour générer un espace interculturel de création avec pour but de présenter un spectacle théâtral avec des jeunes d'origine latino-américaine et québécoise. Notre hypothèse est qu'il est possible de créer un espace de création interculturel au théâtre en utilisant le processus de création des cycles Repère. Cet espace de création se construit de l'individuel au collectif dans le processus de création. Il s'agit d'un système complexe de relations et de liens qui s'établissent entre les participants. Le spectacle se construit non seulement à partir des caractéristiques de l'espace, mais également grâce à l'imaginaire de chaque participant. Ce faisant, les valeurs culturelles et visions du monde de chacun viennent investir l'espace de création et peuvent se refléter à travers les personnages, situations et histoires qui composeront le spectacle final. Dans le premier chapitre nous étudions la définition de culture et la façon dont celle-ci a été façonnée dans le temps. Il s'agit de voir son évolution jusqu'à l'avènement de l'interculturalité. Nous voyons ensuite comment les valeurs culturelles sont au centre de la culture et façonnent notre interprétation de la réalité et notre relation avec les autres. Puis, nous présentons un bilan de l'interculturalité au théâtre. Le deuxième chapitre présente les principes du processus de création Repère et examine comment celui-ci nous permet de générer un espace interculturel de création à travers une expérience de création avec des jeunes Québécois et Latino-américains. Enfin, nous examinons une scène, tirée de notre création Taraca, qui a été modélisée à travers les valeurs culturelles des participants et par la génération de plusieurs espaces interculturels, d'espaces où les valeurs se rencontrent, s'harmonisent ou entrent en conflit. Après avoir présenté notre exemple nous terminons en expliquant les trois espaces que nous avons développés pour réaliser notre création. Il s'agit des espace ludique, scénique et dramatique. Cette démarche cherche à indiquer clairement comment un spectacle interculturel se construit à partir des valeurs culturelles des participants et dans un espace interculturel de création qui s'organise à trois niveaux: ludique, scénique et dramatique. À cet égard cette recherche nous apprend comment le processus de création Repère est un outil pour la création interculturelle à condition qu'il soit complété par d'autres approches de l'art dramatique telles que celle de Stanislavski pour l'analyse du texte. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Interculturalité, Valeurs culturelles, Le processus de création Repère, Espace interculturel et théâtre.

Ce mémoire présente une recherche exploratoire du processus créatif en pratique artistique multidisciplinaire. Il s'appuie principalement sur l'expérience personnelle de l'artiste chercheur engagé dans le processus créatif d'une oeuvre intitulée Poesia y Flamenco. Toutefois, la recherche s'insère dans un a priori théorique relié à l'interrogation d'un lien existant entre le geste créateur et les fonctions psychologiques de l'être humain. Ainsi les chemins de la création s'inscrivent dans ce cadre précis. A l'origine des motivations de cette recherche se trouve le sentiment qu'il existe des outils privilégiés à développer permettant une certaine poïétique appliquée et comme l'être humain a la capacité de créer des oeuvres artistiques, il semble opportun d'observer les composantes psychiques de l'être humain afin de comprendre le processus créatif. La typologie développée par Carl Gustav Jung en 1920 éclaire d'une certaine manière mon questionnement. Par sa description des types psychologiques, il a mis en exergue quatre dimensions: la pensée, le sentiment, la sensation et l'intuition. En effet, l'être humain est le seul capable à la fois de raisonner, de ressentir, de sentir et d'être doué d'intuition. L'objet de la création s'est construit avec cette notion en arrière-plan. L'artiste chercheur reconnaît dans cette typologie, un moyen d'aborder la création en l'optimisant par cette structure précise, mais ouverte. L'architectonique de Poesia y Flamenco s'est construite avec les matériaux métissés du flamenco, de la poésie et de la musique; principalement la guitare et les palmas. Ces choix ont été faits en fonction de mes motivations profondes de créer dont, entre autres, celui de communiquer et de toucher. Ce projet de recherche m'a permis d'observer attentivement et en profondeur la relation existante entre le créateur et le processus dans une situation réelle, celle de créer une oeuvre artistique multidisciplinaire. De ce rapport étroit, il en ressort manifestement une facilité à créer. En dépit des noeuds, des périodes de chaos toujours angoissantes pour le créateur, le travail est demeuré stimulant et inspirant. La prise de notes systématiques de la situation observée a été la principale forme de cueillette de données. Les résultats ouvrent la voie à des pistes vérificatives qui, par exemple, pourraient prendre la forme d'ateliers interactifs en création chorégraphique dans le cadre d'études universitaires. Les résultats de la recherche pourraient servir de cadre de référence pour les jeunes créateurs qui témoigneraient s'il y a lieu de l'apport constructif d'une connaissance des fonctions psychologiques. Cette source spécifique sur laquelle s'appuient mes réflexions peut possiblement conduire à un modèle personnel pragmatique de compréhension du processus créatif. Sans prétendre par cet éclairage nouveau, à la naissance d'une théorie générale explicative du processus créatif, cette recherche nous convie surtout à une compréhension approfondie du vécu d'un créateur chercheur explorant les éléments signifiants de la création. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Poésie, Flamenco, Processus créatif, Sensation, Sentiment, Pensée, Intuition.