À l’heure où l’industrie de l’enregistrement sonore connait un certain nombre de bouleversements, Internet apparait à la fois comme un responsable d’une crise du disque et comme une plate-forme de diffusion et de promotion de la musique enregistrée. C’est dans ce contexte de mutations des industries culturelles que sont les industries de la musique que les labels indépendants voient les possibilités liées à la promotion se multiplier. Notamment par le biais des sites internet que j’envisage ici comme discours encodé et diffusé. Ce mémoire explore deux sites internet officiels de labels indépendants de rap québécois à l’aide de la proposition de la présence du mythe dans le discours de promotion. S’appuyant sur la théorie de Barthes, mon analyse s’articule autour de l’étude de la signification afin de mettre en lumière la façon dont le mythe fonctionne dans le discours. En m’intéressant principalement à l’image et au texte, je mets notamment en valeur le traitement de l’artiste, de la création musicale et du label dans le discours. / At a time when the music recording industry is going through some shake ups, Internet is seen both as a responsible for a disc crisis and as a plateform for diffusion and promotion of recorded music. This cultural industries' mutations context is now revealing multiple promotion opportunities for independant labels, as part of the music industries. This can be seen through websites which I consider to be a broadcasted, encoded and decoded discourse. This master thesis explore two independant record companys’ websites, both producing rap music in Québec, with the proposal of the presence of the myth in the promotionnal discourse. Based on Barthes' theory, my analysis is built around the study of the signification in order to outline the way the myth works in the discourse. While focusing on images and text, I mainly emphasize the treatment of the artist, the musical creation and the record label in the discourse.

Cette habilitation revient sur 25 ans de luttes relatives au régime de l'intermittence. Elle souligne la place centrale que ce régime occupe dans l'espace de la production artistique administrée. Les transformations de ce régime d'emploi donne lieu à une série de mobilisations qui mobilisent différents groupes d'agents. Les professionnels du théâtre public y occupent une place décisive, notamment du fait que leur inscription dans cette production artistique exige et les conduit à concentrer une série de capitaux et de dispositions aux exigences de la politisation de la mobilisation à l'occasion de laquelle ils passent une série d'alliances (parfois improbables) avec différentes catégories d'employeurs, des organisations et responsables politiques divers, etc. Cette mobilisation est néanmoins traversée par une série de clivages entre champs d'appartenance, professionnels. Une des divisions les plus profondes repose sur le rapport au salariat. Le régime relève de la convention régissant l'assurance chômage des salariés du secteur privé. Certains groupes d'intermittents, organisés par la CGT et d'autres organisations syndicales défendent les principes, normes et règles de la société salariale. D'autres, autour de certaines coordinations, sont portés à s'extraire de ces dernières et entretiennent un rapport instrumental au salariat.

Cette thèse étudie les différents types d'artistes-curateurs qui se manifestent depuis plus de deux siècles au moment où les artistes organisateurs d'expositions sont de plus en plus présents sur la scène artistique contemporaine. Par-delà le phénomène de mode, une vue d'ensemble des artistes-curateurs est dressée, une typologie de ceux-ci proposée. L'ensemble des réflexions et des recherches porte sur les liens entre art et réception de l'art à travers l'étude de la french theory (Gilles Deleuze, Félix Guattari, Jean-François Lyotard, Jacques Rancière, Jacques Derrida), du réalisme spéculatif (Quentin Meillassoux, Graham Harman) et de l'heccéité (Jean Duns Scot). En s'appuyant sur une étude épistémologique, les différents caractères existants de la position d'artiste-curateur sont analysés. À travers des expériences artistiques et curatoriales subjectives, la visibilité des fondements véritables de cette double pratique, assumée comme telle, est pensée. L'objectif est de rendre compte de la définition possible de l'artiste-curateur comme avant tout un créateur de lieu, de dispositifs, et d'espace d'exposition au service des autres. Les rapports qu'entretiennent les artistes avec les commissaires d'expositions sont rendus visibles, tant dans leurs relations harmonieuses que conflictuelles. Des pistes pour l'avenir se conçoivent dans le prolongement de la poétique de la relation développée par Édouard Glissant. / This thesis shows that, under various guises, the artist-curator model has been operating for more two centuries when the artists who curate exhibitions are ever more visible on the artistic scene. Across the fashion phenomenon, an overview of the more prominent artist-curators is erected, a typology of these practitioners is proposed. He particularly focuses his reflections and researches on the links between art and theory, the study of the reception of French Theory (Gilles Deleuze, Félix Guattari, Jean-François Lyotard, Jacques Rancière, Jacques Derrida), speculative realism (Quentin Meillassoux, Graham Harman) and haecceity (Jean Duns Scot). Using epistemological methodology and analyzing the state of variables, he details the various characteristics which co­exist in the artist-curator position. The author uses his own artistic and curatorial experience : he founded and curates the artist-run space Immanence. He aims to bring to life the real foundations of this double practice. The thesis posits the possible definition of the artist­curator both as the author of a creative act in place visibility and display, and simultaneously as a creator at the service of the others. At the heart, are the relationships between curated artists and artist-curator : the cooperation, consensus and correspondence, as well as the dissent and conflicts. Finally, the author looks to the possible futures drawing from the poetics of relation developed by Édouard Glissant.

La position de l’artiste dans l’écosystème du marché de l’art contemporain n’est pas satisfaisante à l’heure actuelle en raison de la mutation du milieu socio-économique de l’art. Son statut reste flou, il se voit infantilisé et instrumentalisé par son environnement proche. Aussi, l’interrogation cruciale tourne autour de savoir si l’artiste réussira à trouver d’autres voies pour se positionner différemment et y gagner en autonomie. Mes propres expériences m’ont conduit à penser que l’entreprise-artiste, concept porté par l’équipe de recherches Art&Flux depuis 2006, peut apporter une solution intéressante à cette question. Il s’agit alors d’un positionnement ancré dans la réalité qui permet une posture critique. Ma réflexion s’articule autour des concepts développés par Edouard Glissant sur la créolisation, de Gilles Deleuze et Felix Guattari sur le rhizome, de Michel Bauwens sur le peer-to-peer (pair-à-pair) et de Jeremy Rifkin sur l’économie du partage. En m’appuyant sur mon étude du terrain auprès des acteurs de l’art, j’analyse l’évolution des comportements des collectionneurs, plus enclins à devenir des amateurs ou des usagers. Cela me permet d’en arriver à la création d’une entreprise-artiste qui prend l’aspect d’une plateforme d’oeuvres participatives régie par la rencontre entre des artistes et leurs publics. Le but est de rendre visible et de développer toutes les richesses humaines au-delà de la seule richesse économique ou financière, pour développer le lien dans la relation aux autres, la créativité et le partage. / The art market has completely shifted, and as such, the artist’s role within its ecosystem appears impaired. Artists’ status has become blurred; they are infantilized and used by the art world and market. Crucial questioning thus emerges: Will artists reposition themselves in such a way as to gain autonomy? My own experience has led me to think that creating artist enterprises, with the project of artist-run businesses, could provide an interesting response to the current situation. This approach is anchored in reality and also leaves room for critical thinking in link with research team Art & Flux (a CNRS research team who is working on art, economy & society). My research furthermore combines thoughts and is structured by the ideas developed by Édouard Glissant concerning «Creolization», Gilles Deleuze and FelixGuattari’s «Rhizome», Michel Bauwens thinking about peer-to-peer methods, and Jeremy Rifkin’s research regarding the economics of sharing. My surveys and in-depth conversations with a selection of art world stakeholders have allowed me to carry out a worthwhile analysis of collectors’ changing habits. They appear ever more likely to gradually become connoisseurs, active contributors and users. Thanks to these consistent efforts, the stage of developing a platform of participatory artworks has been reached. This platform is a gateway for artists to gain direct access to their audience. This project’s overarching objective is to render all human riches accessible - beyond purely economic or financial preoccupations - to reinforce connections between people, through sharing and creativity.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:26:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Alexandre Augusto Bellei.pdf: 710329 bytes, checksum: d314819c6e25af613a4a700cd683e338 (MD5) Previous issue date: 2007-06-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / On examine l oeuvre du jeune Nietzsche, spécialement La naissance de la tragédie, à la recherche de la compréhension de ses fondements critiques en relation à la pensée occidentale, marquée, fondamentalement, par l influx du platonisme. Pour la collecte de données, on utilise la recherche dans les oeuvres de la jeunesse nietzschienne et aussi dans les oeuvres de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer et Platon. On indique comme résultats principaux : a) les influences de Schopenhauer et Wagner dans la théorie esthétique de Nietzsche, basée sur les impulsions apolliniennes e dionysiaques des arts; b) la théorisation esthétique de Nietzsche comme consolation métaphysique de la vie; c) la relation antipodique entre la métaphysique esthétique de Nietzsche et la critique des arts selon Platon; d) le platonisme, vu à partir de la survalorisation de la pensée logico-scientifique, au détriment des expériences émotives de l art; e) la relativisation de la vérité dans l esthétique nietzschienne / Investiga a obra filosófica do jovem Nietzsche, especialmente O nascimento da tragédia, na busca da compreensão de seus fundamentos críticos em relação ao pensamento ocidental, marcado, fundamentalmente, pelo influxo do platonismo. Para a coleta de dados, utiliza-se pesquisa nas obras da juventude nietzschiana como também nas obras de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer e Platão. Aponta como principais resultados: a) as influências de Schopenhauer e Wagner na teoria estética de Nietzsche, baseada nos impulsos apolíneo e dionisíaco das artes; b) a teorização estética de Nietzsche enquanto consolo metafísico para a vida; c) a relação antipódica entre a metafísica estética de Nietzsche e a crítica das artes segundo Platão; d) o platonismo, visto a partir da sobrevalorização do pensamento lógico-científico, em detrimento das vivências emotivas da arte; c) a relativização da verdade dentro da estética nietzschiana

Gérard Gasiorowski, artiste français dont l'opus polymorphe, mais essentiellement pictural, s'est déroulé sur deux décennies seulement, a oscillé d'un photoréalisme austère et raffiné à un expressionnisme tourmenté et parfois lyrique. Mais si cette œuvre use indéniablement des moyens de la peinture, elle se veut avant tout, par son dispositif global, une réflexion critique sur la production esthétique de son temps et les différentes instances de l'art. Après une ascension fulgurante de peintre distingué, ayant épuisé les vertus de l'image, cet enfant terrible brise ses jouets pour se retrancher en un long cycle de travaux dit régressifs, avant de revenir à une interprétation grave et majestueuse de son histoire intime de l'art. Si ces trois temps de l'œuvre peuvent être lus comme des phases, ils peuvent être également considérés comme les chapitres d'un récit où l'auteur serait aussi le ou les personnages. Car, et de façon délibérée, c'est sur le registre de la fiction que l'ouvrage pictural s'est élaboré. Dérision et autodérision auront conduit Gasiorowski, pour échapper aux classifications d'usage, aux académismes, à inventer l'artiste qui saurait au mieux servir la peinture sans se servir. Car «Peinture» était pour lui corps et langage, soit une entité complexe et non un simple produit. S'appuyant sur une documentation augmentée et en partie inédite (exhumations des archives et de certaines œuvres) ainsi que sur une enquête portant sur les sources iconographiques utilisées par l'auteur, ce travail a, entre autres, permis d'établir que cette stratégie était présente, à l'œuvre, dès le début. / Gérard Gasiorowski was a French artist whose polymorphic, though essentially pictorial work, was developed over two decades only, and oscillated from an austere and sophisticated photorealism to a tormented and occasionally lyrical expressionism. But if his work undeniably uses the painting medium, it claims to be, before everything and as a whole, a critical thought of the aesthetic production of his time and the different art authorities. After a dazzling ascension as a eminent painter, this terrible child, having exhausted all the properties of the image, breaks his toys to take refuge in a long cycle of so-called regressive works, before returning to a serious and majestic interpretation of his persona! history of art. If these three moments can be seen as phases of his work, they can be considered as chapters of a novel as well, in which the author would also be the character(s), for his pictorial work has been based on fiction, in a deliberate way. Mockery and self-mockery finally led Gasiorowski to invent the artist who would know how to serve painting without serving himself, in order to escape usual classifications and academicism. Because « Painting » was a body, a language, i complex entity to him, and not just a product. Based on an extended and partly new documentation (exhumation of archives and some previously unseen works) and a survey on the iconographic sources used by the artist, this dissertation has, among other things, enabled to establish that this strategy was present in Gasiorowski's work since the beginning.

En 1977, Philippe Thomas (1951-1995) débute un travail qui se situe entre l’art et la littérature et qui conservera cette double dimension d’une œuvre procédant tant du voir que du lire. Il l’élabore en lui donnant une dimension narrative dont l’intermédialité, le réseau de ramifications intertextuelles et l’accumulation de travaux qui relèvent du dispositif construisent un récit à la forme discontinue. Participant d’une écriture des événements et s’appuyant sur une mise en parallèle de la présentation artistique et de l’énonciation, le projet de Thomas est celui d’une fiction du faire qui cherche à éprouver la frontière entre les mondes réel et fictionnel. Notre étude souhaite répondre aux objectifs d’une première monographie d’artiste et s’attache à décrire l’ensemble de l’œuvre de Thomas afin d’en reconstruire le parcours à l’aide d’un certain nombre de notions clés. Elle prend sa source dans la bibliothèque de cet artiste qui définit l’art comme un processus de recherche, comme une expérimentation du langage. C’est l’œuvre en train de se faire que nous observons, en nous intéressant à sa genèse et à ses conditions de réalisation. Et ce, afin de définir la posture d’auteur qui se dessine dans la spécificité d’une pratique artistique demandant la prise en compte tant de l’œuvre que de ses marges. Si le projet de Thomas met en place la disparition de l’auteur par le biais d’un protocole de signature de ses ready-mades, notre thèse rappelle qu’il s’agit d’une absence toute paradoxale : l’artiste caché par ses personnages demeure omniprésent et par là, participe de la redéfinition de l’auteur malgré la déclaration de sa mort une décennie plus tôt. / In 1977, Philippe Thomas (1951-1995) begins a practice situated between art and literature, and his works will conserve this dual dimension by proceeding both from the act of seeing and from the act of reading. Through intermediality, a network of intertextual offshoots, and an apparatus formed by the accumulation of works, he constructs a discontinuous narrative. Participating in event-based writing and relying on parallels between artistic presentation and enunciation, Thomas’ project is a fiction of making that seeks to test the frontier between real and fictional worlds. This study seeks to fulfill the need of a first monograph on the artist, and it describes the entirety of Thomas’ oeuvre so as to reconstruct his artistic career with the aid of a certain number of key notions. My first source is the library of this artist, who defines art as a research process like an experimentation of language. I observe the oeuvre as it is being constructed, by focusing on its genesis and on the conditions of its production. I do this in order to define an authorial posture shaped by the specificity of an artistic practice which requires consideration of both the works it produces and its margins. If Thomas’ project carries out the death of the author through a protocol of signatures of his readymades, my dissertation emphasizes that this is a paradoxical absence: the artist hidden by his personas remains omnipotent, participating in the redefinition of the author in spite of the declaration of his death a decade earlier.

Cette thèse relate la conception d'une entreprise artiste créée par l'auteur, artiste entrepreneuse, dans l'intention de témoigner des mutations des villes et des choix effectués en matière de conservation ou de destruction. Urban Memory, entreprise de« rechargement en contenu mnémonique », a vu le jour en 2012 à Dresde, capitale saxonne, bombardée en 1945. Située à l'est de l'Allemagne, cette ville est en constant chantier depuis des décennies. C'est par l'intermédiaire d'une pratique artistique mêlant la peinture et la sérigraphie avec des moyens de communication mis en scène dans l'urbain qu'Urban Memory entend rendre compte des transformations du paysage architectural et accompagner les débats autour de l'identité et la mémoire de la ville. Dans une première partie, l'auteur retrace son parcours de découverte et de réflexion sur Dresde au travers de premiers travaux ; présente le contexte historique, politique et économique des mutations ; puis nous livre une analyse des entreprises artistes à partir de laquelle elle a conçu Urban Memory, son mode de fonctionnement et ses stratégies. Dans une seconde partie, l'auteur nous guide dans le centre historique de Dresde, le long de ses monuments et mémoriaux, afin de souligner tantôt l'éloquence, tantôt le silence dont sont capables de tels édifices et installations dans la ville ; puis se tourne vers la scène artistique contemporaine et ses moyens de création d'une mémoire « vivante ». Enfin, après avoir mis en lien ses propres outils artistiques et le contexte de sa recherche, l'auteur nous révèle les premières réalisations et les projets d'installation in situ de son entreprise. / This thesis examines the author's conceptualization and establishment of an artist company with the objective of tracing urban transformations and of assessing decisions to conserve or destroy parts of the city. Urban Memory, a company that has as its goal the "recharging of mnemonic content," was founded in Saxony's capital city Dresden in 2012. Located in the east of Germany, this city, bombarded in 1945, has constantly been under construction in the past decades. Urban Memory takes account of the architectural landscape's transformations and accompanies debates about the identity and memory of the city. It does so by means of é hybrid form of artistic practices-painting and serigraphy-and communication media placed in the urban context. The first section of this thesis explores the artist's discovery and initial reflections on Dresden in the context of her first works; it explores the historical, political and economic context of the city's transformations; and it analyzes artist companies based on which Urban Memory has been conceived as well as its basic functional framework and strategic outlook. The second part zooms in on the historical center of Dresden, its monuments and memorial sites, so as to expose both the eloquence and silence with which the built environment of the city treats its past. Moreover, this part turns to the milieu of contemporary artists and their means of creating a 'living' memory. Finally, after having discussed and related the artistic dimension of her project, the author presents the company's first projects and in situ installations.

Du Bauhaus à De Stijl, du Constructivisme au Style international ou au Mouvement moderne, le modernisme historique n’aura pas seulement occupé les historiens de l’architecture et du design. Il est en effet devenu, depuis une vingtaine d’années, un objet d’investissement à part entière d'un grand nombre d'artistes de toutes provenances. Au tournant des années 2000, ce phénomène de références, d'évocations, de déplacements, de réappropriations, de mises à distance ou de célébrations, a pris une ampleur telle que de nombreuses expositions en Europe et en Amérique du Nord l'ont interrogé, en le réduisant toutefois le plus souvent à une mouvance ruiniste, empreinte de nostalgie, qui n'est pas confirmée par une étude attentive des œuvres. Loin de toute vaine prétention à l’exhaustivité, notre recherche a opté pour une focale centrée sur les œuvres. Au risque d’un peu de myopie où pourrait sembler se perdre une conscience globale du phénomène historique traité, le parti est ici pris d’analyser individuellement les pratiques. L’étude des divers cas retenus conduit à différentes hypothèses et lectures, qu'on espère inédites. Si tous les travaux analysés ont en commun de se référer au modernisme, de prendre celui-ci pour objet à travers telle ou telle de ses réalisations, on verra qu’il est impossible de conférer un sens unitaire à pareil tropisme. L'indispensable proximité avec les œuvres aura ainsi permis de prendre non pas l’unique mais les mesures plurielles d’un phénomène qui aura indéniablement marqué la création artistique des dernières décennies, et continue de la marquer. / From Bauhaus to De Stijl, from Constructivism to the International Style or the Modern Movement, historical modernism has kept more than architecture and design historians busy. In fact, in the last twenty years, it has become a focus of investment in its own right for a large number of artists from all walks of life. At the turn of the century, this phenomenon of references, evocations, displacements, reappropriations, distancing or celebrations took on such a magnitude that many exhibitions in Europe and North America addressed it. However, it was primarily reduced to a ruinist movement, full of nostalgia, which is not discerned by a careful study of the works. Without pretense of being exhaustive, our research has chosen to focus on the works. At the risk of being slightly myopic, where a global consciousness of the historical phenomenon treated might seem lost, we seek to analyze individual practices. The study of the various cases selected leads to different hypotheses and readings, which we hope are novel. If the common thread of all the analyzed works is to refer to modernism, to take it as object through one or other of its achievements, we will see that it is impossible to confer a unitary meaning on such tropism. The indispensable proximity to the works will thus make it possible to take not the exclusive but the plural measures of a phenomenon that will undoubtedly mark the artistic creation of the last decades, and continues to mark it.

Hàm Nghi (1871-1944), empereur patriote selon l’historiographie vietnamienne, victime ou acteur de la résistance anticoloniale selon les historiens français, fut exilé à Alger dans l’espoir de mettre fin au mouvement Cần Vương. Déporté à l’âge de dix-huit ans, pion sur l’échiquier politique de l’Indochine, il était considéré par une partie des autorités françaises comme un homme politique influent. Il fut surveillé toute sa vie et ne fut jamais autorisé à entrer en contact avec l’Indochine. Cependant, celui qui était désormais appelé « prince d’Annam », noua des amitiés avec des élèves vietnamiens au lycée d’Alger, des officiers et des missionnaires français, qui circulaient entre l’Indochine, l’Algérie et la métropole. Ces intermédiaires lui permirent de conserver un lien avec l’Indochine. Hàm Nghi consacra sa vie à l’art. Il devint peintre et sculpteur. Il fut l’élève du peintre orientaliste Marius Reynaud, du sculpteur Auguste Rodin, et fréquenta de nombreux artistes de son époque. Les archives nationales, vietnamiennes et françaises, nous apprennent les aspects administratifs de son exil : seul le point de vue du gouvernement français est alors connu. Les archives privées du fonds Hàm Nghi, récemment découvertes, apportent le regard intime de l’empereur exilé sur sa vie, par l’intermédiaire de sa correspondance. Ces documents permettent d’écrire une biographie et d’établir un catalogue raisonné de son œuvre. / Hàm Nghi (1871-1944), patriotic emperor according to Vietnamese historiography, victim or actor of the resistance against colonisation according to French historians, was sent into exile in Algiers in order to end the movement called Cần Vương. Deported when he was eighteen years old, pawn on the political chessboard of Indochina, he was considered by some French authorities to be an influential political figure. He was kept under surveillance his entire life and was never allowed contact with Indochina. Hàm Nghi, who was henceforth called “prince of Annam”, nevertheless established friendships with Vietnamese students of the Algiers highschool, and with officiers and missionnaries who travelled between Indochina, Algeria and France. These intermediaries helped him to maintain a connection with Indochina. Hàm Nghi dedicated his life to art. He became a painter and a sculptor. He was the student of the orientalist painter Marius Reynaud and of the sculptor Auguste Rodin, and he associated with many artists of his day. Previously the Vietnamese and French national archives informed us of the administrative aspects of the emperor’s exile, revealing only the point of view of the French government. Today the private archives of Hàm Nghi’s collection bring us the personal view of the emperor on his life. These documents enable us to write a biography and a catalogueraisonné.