A pesquisa parte da investigação sobre as relações entre música, sonoridade e artes visuais presentes numa produção plástica que lança mão de linguagens e meios distintos, envolvendo aparelhos sonoros e composições em vídeo e em performance. A tese propõe a existência de um lugar do fazer artístico situado entre esses diversos meios, onde o trânsito e as trocas entre eles se tornam possíveis, permitindo um olhar que parte tanto da especificidade de cada um como das questões que estão situadas entre eles ou, ainda, além deles. É nestas condições que ocorrem os desdobramentos entre o fazer material e imaterialidade das ideias ou considerações intelectuais ligadas a eles, possibilitando passagens das operações técnicas para as operações conceituais. O texto segue a ordem cronológica de criação dos trabalhos para ordenar e analisar a complexidade e a multiplicidade presentes no entrecruzamento de noções e práticas da música, das artes visuais, da imagem em movimento, do objeto, da escultura, do vídeo e da performance. Para tanto, fez-se igualmente necessário trazer abordagens próprias de cada uma destas áreas, aproximado-as e comparando-as, na medida em que a produção plástica pertencente ao corpo da pesquisa demandava. / The research initiates from investigation on the relationship between music, sound and visual arts present in plastic production that makes use of different languages and media involving sound devices, video compositions and performance. The thesis proposes the existence of a place of artistic making situated between these various medias, where traffic and trade between them become possible, enabling a look that both starts of the specificity of each one of the issues as are situated between them or, moreover, beyond them. It is under these conditions that occur developments between material acting and immaterial ideas or intellectual considerations linked to them, allowing passages of technical operations for conceptual operations. The text follows the chronological order of creation of the work to sort and analyze the complexity and multiplicity present in the intersection of notions and practices of music, the visual arts, the moving image, object, sculpture, video and performance. To this end, it was also necessary to bring approaches of each of these areas approximate them and comparing them to the extent that production plastic belonging to the body of research demanded.

A partir do estudo de um caso específico – a performance Porquê Choras?, de Rogério Nazari e Telmo Lanes, ocorrida em 14 de agosto de 1985, em Porto Alegre, e que contou com a participação do grupo de rock Defalla – este trabalho busca narrar uma História (Roqueira) da Arte, apontando momentos no século XX em que o campo das artes visuais foi cruzado com o da cultura popular massiva representada pelo rock. Em paralelo, esta pesquisa também propõe reflexões acerca do fazer da própria história da arte e das maneiras de produção da chamada pós-crítica. / From the study of a specific case – the performance Porquê Choras?, by Rogerio Nazari and Telmo Lanes, which occurred on August 14, 1985, in Porto Alegre, and had the participation of the rock group Defalla – this paper seeks to narrate a Rock My Art Story, pointing moments in the twentieth century that the field of visual arts has crossed with pop culture represented by rock’n’roll. In parallel, this research also proposes reflections on the making of the history of art and on the ways of production of the so called post-criticism.

Orientador: Antonio Rafael Carvalho dos Santos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T10:35:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Albrecht_CintiaCostaMacedo_D.pdf: 44175720 bytes, checksum: 9801bce13d41818413cd0f5794b907d5 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Com o intuito de contribuir para uma bibliografia ainda escassa de trabalhos sobre a performance de obras de compositores brasileiros, este trabalho tem como objetivo principal a performance e a gravação das Sonatinas n.1, n.2 e n.3 para piano de Almeida Prado, por meio do estudo individual, aulas com o compositor e a aplicação de diferentes técnicas de análise musical. As obras foram submetidas a um processo de etapas de estudo divididas em duas grandes fases 1: a primeira com comparações entre os resultados obtidos antes e depois do contato com o compositor e a segunda com técnicas de análise musical baseadas na Teoria dos Conjuntos de Sons. Gravações foram realizadas nas etapas 1, 3 e 5, possibilitando a escuta das modificações ocorridas durante o estudo. Anexos ao trabalho estão um glossário com traduções e definições de termos usados nas análises musicais da segunda fase, partituras das Sonatinas digitalizadas após as revisões e um compact disc com as gravações / Abstract: Seeking to contribute to a scarce bibliography of works about the performance of Brazilian music, this work targets the performance and recording of Almeida Prado's Sonatinas n.1, n.2 and n.3 for piano through studies alone, classes with the composer, and the application of different music analytical tools. The pieces went 7 Almeida Prado, Jose Antonio R. de (Jose Antonio Resende de).through a process of study stages, divided in two larger phases2: the first, with comparisons between the obtained results before and after the contact with the composer and the second, with the music analytical tools based on the Pitch Set Class Theory. Recordings were made during stages 1, 3 and 5 with the modified results. In addition to this work is a glossary with translations and definition of terms from the second phase's musical analysis, edited scores of the Sonatinas after their revision and a compact disc with the recordings / Doutorado / Doutor em Música

Orientadores: Renato Ferracini, Fernando Antonio Pinheiro Villar de Queiroz / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T21:43:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rabelo_AntonioFlavioAlves_M.pdf: 36129903 bytes, checksum: b5234e414478336fc8d9c66965cf758f (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Nesta dissertação, desenvolvemos uma pesquisa prática-conceitual sobre os paradoxos dos processos criativos do corpo-em-arte. Esta corporeidade é experimentada no terreno da performance artística em espaços alternativos públicos e privados. O processo da pesquisa está relacionado à criação, execução, documentação, reflexão e análise da série de performances intitulada ",Corpoestranho,". Sua base conceitual está associada ao conceito de Corpo Subjétil em Ferracini (2006), a partir das noções de rizoma, CsO, devir e acontecimento em Deleuze (1995, 2007). Nesta pesquisa, problematizamos a busca por procedimentos para o corpo-em-arte (corpo subjétil) articulados pelos encontros da "Rede de Afetos" do nosso processo criativo, assumindo os aspectos coletivos inerentes a ação criativa e a processualidade enquanto obra (Cohen, 2004). Dessa forma, o ",corpoestranho," se configura como um corpo em processo, corpo fronteira e paradoxal. Um corpo rizomático, virtualizado e atualizado (Lévy, 1996) na trama dessa "Rede de Afetos", a partir da relação dos micro-elementos internos e externos que o compõe. Corpo entre o "eu" e o "outro", corpo em transbordamento, posto em relação com o espaço, o tempo e os outros corpos. / Abstract: In this dissertation, we have developed a conceptual-practical research about the paradoxes of the creative processes of the body in art. This corporeity is experimented in the subject of artistic performance in public and private alternative spaces. The research process is related to creation, execution, documentation, reflection and analysis of the series of performances named ",Corpoestranho,". Its conceptual basis is associated with the concept of Corpo Subjétil in Ferracini (2006), from the notions of rhizome, CsO, deviance and event in Deleuze (1995, 2007). In this research, we have problemized the search for procedures for the body in art (corpo subjétil) articulated by the meetings of "Rede de Afetos" of our creative process, admitting the collective aspects inherent to the creative action and the processuality as work (Cohen, 2004). In this way, the ",corpoestranho," is configurated as a body in process, boundary and paradoxal body. A rhizomatous body, virtualized and up-to-date (Lévy, 1996) in the scheme of this "Rede de Afetos", from the relation of the internal and external micro-elements that forms it. Body between "me" and "other", body in overflow, put in relation to space, time and other bodies. / Mestrado / Artes Cenicas / Mestre em Artes

Orientador: Suzi Frankl Sperber / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T10:19:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vieira_ElisaMartinsBelem_D.pdf: 3916824 bytes, checksum: 1b1ed7ffc82cb16e0d9cd783654fae74 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Defende-se uma possível relação entre performance, autoria e cura. Para tanto, apresenta-se a trajetória e a análise de algumas obras dos criadores, respectivamente, das artes visuais, da dança, do teatro: Lygia Clark (BH, MG), Dudude Herrmann (BH, MG) e Enrique Diaz (RJ, RJ). A pesquisa mostrou que os trabalhos desses artistas apresentam um pensamento sobre a transformação da imagem corporal. A recriação de si, por meio da ação criativa, pode ser considerada em sua dimensão curativa. O conceito pulsão de ficção, de Sperber, pode auxiliar na verificação da hipótese. Sperber defende a existência dos chamados "universais" ou "saberes básicos": "Simbolização, efabulação e imaginário pertenceriam ao elemento comum ao ser humano de todas as culturas, em todos os tempos" (SPERBER, 2009, p. 98). Aquilo que está à "disposição de todo e qualquer ser humano"(SPERBER, 2009, p. 98) deve também ser despertado. Pois, como a autora mostra, desde tenra idade a criança tem necessidade de criar, a fim de elaborar emoções profundas e eventos vividos. A criação se dá por meio dos recursos que a criança tem, sejam a linguagem falada ou a encenação corporal. Essa inclinação ou necessidade de elaborar o evento vivido, por meio de uma criação ficcional, se repete em todas as idades do ser humano. Como uma ação de resistência e de procura pela transformação, seria preciso estimular, de forma irrestrita, a pulsão de ficção, por meio da autoria. Os trabalhos de Herrmann, Diaz e Clark, apresentam nas diferentes linguagens artísticas, aspectos autorais, além da valorização do potencial individual para a criação. Por meio das análises, são mostrados os aspectos singulares nas obras desses criadores e em seus trabalhos como pedagogos ou diretores. Mostram-se relações de similaridade e influência entre as obras daqueles artistas brasileiros com os princípios de trabalho do grupo Judson Dance Theater, da década de 1960, em Nova York, bem como seus desdobramentos como o sistema Viewpoints e Six Viewpoints / Abstract: I point out a possible relationship among performance, authorship and healing. For such a reason, I present the career and the analyses of works of art selected from creators of the art fields, respectively, from the visual arts, dance and theatre: Lygia Clark (BH, MG), Dudude Herrmann (BH, MG) e Enrique Diaz (RJ, RJ). The research showed that the works of those artists concerns about a transformation in the body¿s image. The act of recreating yourself, by the creative action, can be considered in its healing dimension. The concept pulse of fiction, by Sperber, can help to verify the hypothesis. Sperber points out the existence of the "universals" or the "basic knowledges": simbolization, efabulation and imagination. Those aspects that are "available to all and any human being" (SPERBER, 2009, p. 98) should be also awakened. As Sperber shows, since an early age the child feels that is necessary to create, in order to elaborate deep emotions and events experienced.The child evocates his or her own resources, such as the spoken language or body's performance, in the process of creation.This aptitude or necessity to elaborate the event experienced, by means of the fictional creation, is repeated in all ages of the human being. As an action to resist and looking for transformation, it would be necessary to stimulate, in an unrestricted way, the pulse of fiction, practicing authorship. The works of Herrmann, Diaz and Clark, shows in different artistic languages, authorial aspects, and also the value of the individual potential to creation. By means of analyses, some singular aspects of the works of those creators and theirs practices as teachers or directors are shown. The thesis shows relations of similarity and influence among the works of those Brazilian artists with some principles of work from the group Judson Dance Theater, of the 1960¿s, in New York, as well as other practices stimulated by this group such as Viewpoints and Six Viewpoints / Doutorado / Artes da Cena / Doutora em Artes da Cena

Orientador: Márcia Maria Strazzacappa Hernandez / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-25T20:19:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Martins_MariaJuliaStella_M.pdf: 4238422 bytes, checksum: 239f06144d6634fae4123ab1442765e2 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: O que se produziu nesta pesquisa foi uma reflexão poética e acadêmica sobre possíveis relações entre processo criativo e produção de conhecimento tendo o corpo como foco. O caminho percorrido partiu do pensamento do filósofo holandês Benedito Espinoza (1632-1677). De sua obra foram destacados três elementos: o corpo, os encontros entre corpos e os três gêneros de conhecimento. O pensamento de Espinoza pode ser entendido como a agulha, que abre o caminho para a linha passar e conectar os pedaços de tecidos criando uma colcha de retalhos. O campo poético e teórico entrecruzam temas relacionados ao corpo através da Performance Art, do Butoh, do Yoga e do processo de criação. É como o barbante, uma linha grossa composta de diversas linhas, que conecta os pedaços de tecidos, dando-lhes forma. Os processos envolvidos na performance Antúrio são os pedaços de tecido. Deste modo, busca-se tecer uma colcha de retalhos na qual se possa ver, ao final, a composição entre corpo, processo criativo e produção de conhecimento / Abstract: The research brings an academic and poetic reflection on possible links between the creative process and production of knowledge, with focus on the human body. The path started with the thinking of Dutch philosopher Benedito Espinoza (1632-1677), whose work featured three elements: the body, the encounters between bodies, and three genres of knowledge. His thought can be understood as a sewing needle that opens the way for the thread and assembles the pieces of fabric, creating a quilt. The poetic and theoretical fields intertwine themes related to the body through Performance Art, Butoh, Yoga and creation process. These are like a string, or strands of fiber twisted together that connects the pieces of cloth, giving it shape. The processes involved in the performance Antúrio are the fabrics themselves. Thus, we seek to create a patchwork in which is seen, in the end, a composition between body, creative process and production of knowledge / Mestrado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Mestra em Educação

Orientador: Renato Ferracini / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T21:39:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rabelo_AntonioFlavioAlves_D.pdf: 197057913 bytes, checksum: de52fee585dd1dcfe1402ccdc9b14085 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Esta pesquisa cartográfica se propõe a realizar uma investigação estética-conceitual sobre as relações entre visibilidade e invisibilidade no processo criativo do corpo-em-arte. Do ponto de vista conceitual e metodológico, a pesquisa se insere num Projeto Temático desenvolvido pelo LUME ¿ Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais ¿ UNICAMP sob a coordenação do Prof. Dr. Renato Ferracini e Profa. Dra. Suzi Frankl Sperber, chamado Memória(s) e pequenas percepções. Em sua articulação vertical e estreita com o projeto temático, essa cartografia trabalha o conceito de invisibilidade e sua relação intrínseca com processos práticos de criação artística. A pergunta e pressuposto básico dessa cartografia é tentar problematizar este conceito de invisibilidade, derivada aos conceitos chaves do temático: memória e micropercepção. Em nosso desenho, o conceito de invisibilidade tem nos conceitos de Corpo Vibrátil (Suely Rolnik); Virtual (Pierre Lévy e Gilles Deleuze), Zona de Turbulência e Corpo-Subjétil (Renato Ferracini) a potência inicial de trabalho. Este primeiro traçado conceitual levou a cartografia ao conceito de Espelhamento de Forças (José Gil) e a Teoria do Afetos (Espinosa). Tal problematização se desenha atravessada pelo processo de criação e apresentações do Projeto Hotel Medea através de suas Residências Artísticas (entre 2007 e 2012). Uma cartografia da jornada vivenciada como artista integrante de tal projeto, pontuado por uma abordagem que deriva entre alguns paradoxos das experiências limítrofes a ele atrelados. A abordagem processual e intensiva do Projeto Hotel Medea articula, assim, do ponto de vista prático, os conceitos e questões desta pesquisa de doutorado: a invisibilidade experimentada como uma potência, força ou campo de vibração agenciadora de ações que possam sustentar a presença/organicidade do corpo dos atores/performers / Abstract: This cartographic research aims to realize an aesthetic and conceptual research on the relationship between visibility and invisibility in the creative process of the body in art. Conceptually and methodologically, the research is part of a Thematic Project developed by LUME - Interdisciplinary Center for Theatrical Research - UNICAMP, under the coordination of Prof. Dr. Renato Ferracini and Dr. Frankl Suzi Sperber, called Memória(s) e pequenas percepções. In its vertical and close coordination with the Thematic Project, this cartography works with the concept of invisibility and its intrinsic relationship to practical processes of artistic creation. The question and basic assumption of this cartography is trying to problematize this concept of invisibility, derivative to key concepts of the Thematic Project: Memory and Microperception. In our drawing, the concept of invisibility has the concepts of Vibrating Body (Suely Rolnik ); Virtual (Pierre Lévy and Gilles Deleuze), Turbulence Zone and Subjétil Body (Renato Ferracini ) within the initial power of the work. This first conceptual route led the cartografy to the concept of Mirroring of Forces (José Gil) and the Theory of Affections (Espinosa). Such questioning has been drawn from and traversed by the creation process and presentation of the Hotel Medea Project through its Artist Residency process (between 2007 and 2012). A cartography of the journey experienced as a member of Hotel Medea, punctuated by an approach that drifts between some paradoxes of borderline experiences linked to that Project. So, the processual and intensive approach of the Hotel Medea Project articulates from a practical point of view the concepts and questions of this doctoral research: the invisibility experienced as a power, force or field vibration of actions that can sustain the presence/organicity of the body of the actors/performers / Doutorado / Teatro, Dança e Performance / Doutor em Artes da Cena

Orientador: Francirosy Campos Barbosa Ferreira / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-19T05:09:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pessuto_Kelen_M.pdf: 3175741 bytes, checksum: 12122eeb3b192b833dfc0faebb26d576 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta dissertação analisa as performances dos "não" atores no cinema de arte iraniano, a partir das obras Close-up (Nema-ye Nazdik, 1990, Abbas Kiarostami), Salve o cinema (Salam cinema, 1995, Mohsen Makhmalbaf), Tartarugas podem voar (Lakposhtha parvaz mikonand, 2004, Bahman Ghobadi) e O espelho (Ayneh, 1997, Jafar Panahi). Com base na antropologia da performance, busca-se responder às seguintes perguntas: Quem são os "não" atores? Por que são usados esse tipo de ator em vez de atores profissionais? Quais os métodos empregados em sua direção? Qual a relação que se estabelece entre o ator e o personagem? Para tanto, utiliza-se além da bibliografia pertinente a essa disciplina, ao teatro e ao cinema, o método comparativo, com filmes do mesmo diretor, assim como de outras cinematografias. Conclui-se que não há necessidade do ator ter uma técnica préestabelecida, sendo que a direção proposta por esses cineastas requer o mínimo de atuação. O ator-performer vivencia as situações que lhes são impostas e, a partir disso, cria personagens, algumas vezes baseados em sua própria experiência de vida, como em uma grande brincadeira de faz de conta / Abstract: This thesis analyzes the performance of the "non" actors in the Iranian art cinema, in movies Close-up (Nema-ye Nazdik, 1990, Abbas Kiarostami), Salam cinema (1995, Mohsen Makhmalbaf), Turtles can fly (Lakposhtha parvaz mikonand, 2004, Bahman Ghobadi) and The Mirror (Ayneh, 1997, Jafar Panahi). Based on the anthropology of performance, we seek to answer the following questions: Who are these "non" actors? Why they used that kind of actor instead of professional actors? What are the methods employed in its direction? and What is the relationship established between the actor and character? For this, we use the comparative method, with films from these directors, as well movies by other cinematographies. The conclusion reached is that there is no need for the actor to have a pre-established technique, because the direction proposed by these filmmakers requires minimal action. The actor-performer experience situations that are imposed for them and they create characters, sometimes based on their own experience of life, as in a grand game of make-believe / Mestrado / Artes Cenicas / Mestre em Artes

Orientador: Mauricy Matos Marin / O manuscrito das peças e a edição revisada do ciclo para piano "Marinas" não serão disponibilizados por motivos de direitos autorais. / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-19T12:42:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pozzi_LuizGuilherme_M.pdf: 4667691 bytes, checksum: c4e978d496c1d7e95a74f6449d118339 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: O presente trabalho trata sobre a vida e obra do compositor Harry Crowl, criando um catálogo de sua produção musical e traçando um levantamento panorâmico de execuções de suas obras, evidenciando assim o valor de sua produção musical. Propõe-se aqui um estudo que leve diretamente à performance através da descrição das escolhas interpretativas e demais agentes que constroem a interpretação e execução musical em três peças de "Marinas", para piano, sendo elas 'Guaratuba e Antonina', 'Cabo da Roca' e 'Piran e Portoro¿'. Dentre os aspectos descritos nesse estudo encontram-se a reflexão sobre alguns toques pianísticos, os critérios para a escolha de dedilhado, a discussão sobre problemas de ordem técnica e de execução pianística sugerindo algumas de suas possíveis soluções e também se faz uma reflexão sobre o uso consciente dos pedais, salientando sua atuação valiosa para a interpretação pianística / Abstract: This dissertation deals with the life and work of the composer Harry Crowl, presenting a catalog of his musical production and an overview of performances of his works, thus demonstrating the value of his music production. Here we propose a study which leads directly to the performance of three pieces from "Marinas" for piano, by describing the interpretative choices and other factors present in the construction of a musical performance and interpretation. These pieces are 'Guaratuba and Antonina', 'Cabo da Roca' and 'Piran and Portoro¿'. Among the aspects described in this study are: a reflection about tone production (touch) on the piano, the criteria for the choice of fingering and the discussion of technical problems, suggesting some of its possible solutions, along with the reflections on the use of the pedals, emphasizing their valuable role in musical interpretation / Mestrado / Praticas Interpretativas / Mestre em Música

Orientador: Cassiano Sydow Quilici / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-20T00:34:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Manzini_YaskaraDonizeti_D.pdf: 9142129 bytes, checksum: 8262a2279644ee0b7884d8f49a3770ed (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: O presente trabalho investiga as aproximações, diálogos e estranhamentos que se estabelecem entre os processos de criação nas artes da cena e os processos de criação dos desfiles das escolas de samba. Na escola de samba os espaços entre componente, família, comunidade, cultura, arte, festa e cena são muito tênues. Desta maneira, optou-se por abarcar este trabalho por meio dos Estudos da Performance, território conceitual multidisciplinar, onde, neste caso, os relevos da antropologia e artes cênicas se destacam. As encenações criadas, pela autora, para a Comissão de Frente da Associação Cultural e Social Escola de Samba Mocidade Camisa Verde e Branco, durante onze carnavais, configuram-se como o mote para a discussão destes processos. Assim, as próprias encenações podem ser consideradas como uma espécie de resultado: a cena. Todavia, o trabalho aponta para as possibilidades de pensar questões como tratamento do tempo/espaço e qualidade de " presença " e, consequentemente, " co-presença " a partir das relações que este tipo de criação, cênico carnavalesca, estabelece / Abstract: This study investigates the approaches, dialogues and estrangements that are established between the processes of creation in the scene arts and the processes of creation in the samba school parades. In samba schools the spaces between members, family, community, culture, art, party and scene are very thin. Thus, we chose to cover this work through the Performance Studies, a multidisciplinary conceptual territory, and, in this case, the relief of the anthropology and the performing arts stand out. The created staging, by the author, to the Front Commission of Cultural and Social Association Samba School "Mocidade Camisa Verde e Branco", for eleven carnivals, appears as the theme for the discussion of these processes. Thus, the stagings themselves can be considered as a kind of result: the scene. However, the work points to possibilities of thinking about issues such as the treatment of time/space and quality of "presence" and therefore "co-presence" from the relations that these types de creation, scenic and carnival, provide / Doutorado / Artes Cenicas / Doutor em Artes