En 1976, le phénomène punk surgit à Londres, semble remettre en cause certains des codes sociaux et des normes culturelles la société britannique, et est le sujet d’une « panique morale ». La même année, en Irlande du Nord, 297 personnes sont tuées à cause du conflit. Les Sex Pistols invoquent l’anarchie dans leurs textes, mais pour les nord-irlandais, « Anarchy in the UK » est bien plus qu’une chanson : il s’agit de leur quotidien. Pourtant, alors que le conflit fait rage, alors que protestants et catholiques restent cantonnés dans leurs quartiers respectifs, des centaines de jeunes issus de deux communautés que tout semble opposer se retrouvent semaine après semaine dans les mêmes lieux pour partager une passion commune : celle du punk rock. Quelles sont les spécificités que présentent le punk en Irlande du Nord ? Quel impact ce phénomène de culture populaire a-t-il sur les pratiques des jeunes Nord-Irlandais qui participent à cette scène et à cette subculture alors que le conflit bat son plein ? Quels mécanismes permettent aux punks d’imaginer et d’incarner une « Alternative Ulster » ? Afin d’apporter des réponses à ces questions, le présent travail s’attache à retracer l’émergence de la scène punk nord-irlandaise (1976-1983), à analyser les manières dont sont « pratiqués » les lieux sur lesquels elle repose, à interroger l’importance de la tenue et du corps punk et, finalement, à mettre en lumière les thématiques qui traversent la chanson punk. / In 1976, punk took the United Kingdom by surprise, and for one brief moment, challenged some of the cultural and social assumptions of British society, shocking public opinion and causing an outbreak of moral panic in its wake. The Sex Pistols could sing about it, but for people living in Northern Ireland, “Anarchy in the UK” was more than just a song, it was what they experienced in their everyday lives. Yet, while the conflict raged on, and at a time when cross-community contact had become uncommon, a minority of the North’s youth turned to punk. These young Catholics and Protestants ignored their political and religious differences and met up in streets and record shops during the day, and at night crowded into the few bars and pubs that allowed punk bands to play. What specific features did Northern Ireland punk display? What impact did this popular culture phenomenon have on the practices of the young participants who took part in this scene and subculture in the midst of the “Troubles”? What mechanisms enabled punks to imagine and embody an “Alternative Ulster”? In order to find answers to these questions, we will provide an account of the emergence of the punk scene in Northern Ireland (1976-1983), analyse the ways in which its spaces were “practiced”, examine the importance of punk dress and, finally, explore the themes which appear in punk rock songs.

Dans la lignée des « romans de l’actrice » de la fin du XIXe siècle, plusieurs romanciers français et américains prolongent la fortune littéraire de cette figure au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, dans un siècle marqué par l’essor du cinéma et plus largement de la culture populaire. Il s’agit d’analyser comment la littérature perçoit et raconte ces changements à travers la figure de l’actrice, que celle-ci soit inventée ou inspirée de personnes réelles. Les romans de l’actrice du second XXe siècle se caractérisent par une forte homogénéité des enjeux narratifs et empruntent à d’autres genres, tels que le roman de l’artiste et le conte de fées. La sémiologie du personnage central est marquée par un métier qui sème le trouble dans son identité, entre le moi, les rôles et la persona et par l’importance d’un corps portant les marques hyperboliques du genre et de la beauté. Les actrices romanesques illustrent la domination masculine et bien rares sont celles qui trouvent une capacité d’agir et se font « actrices » de leur devenir. L’écriture romanesque opère ainsi une « défiguration » de la figure qui expose la déchéance derrière les images splendides, ou exacerbe ces images pour faire de la merveille un monstre. L’enjeu de ces textes est également intermédial : il s’agit, pour le roman, de se mesurer au cinéma qui l’a remplacé dans son statut de récit populaire, en imitant ses procédés mais aussi en racontant ses modes de réception dans une vision parfois iconoclaste. S’opère ainsi une réflexion sur la littérature et la culture à travers la figure de l’actrice, artiste sans œuvre propre, parfois double de l’auteur dans des jeux entre référence et fiction. / Following in the footsteps of late-19th-century “actress novels”, a number of French and American novelists prolonged the literary fortunes of the actress-protagonist in the years immediately following the Second World War, in the broader context of a century heavily influenced by the rise of the cinema and, more largely, of popular culture. This dissertation analyzes how literature perceives and recounts these changes through the character of the actress, be she fictional or based on a real-life person. Actress novels of the second half of the 20th century are characterized by their predominantly homogenous narrative aims and borrow from other genres, such as the artist novel and the fairytale. The semiology of the main character is marked by a profession that confuses her identity between her own ego, her characters and her persona, and by the importance placed on her body that bears the hyperbolic markers of gender and beauty. Novelistic actresses illustrate male domination and few of them are capable of autonomous action, of becoming independent “actors” of their own destinies. Novelistic writing thereby causes a “disfiguration” of the very figure that exposes the degradation behind the splendid images, or exacerbates those images in order to transform the marvel into a monster. The goal of these texts is also intermedial: the novel is intended to be compared to cinema, which recently supplanted it in its status of popular tale, by imitating its techniques but also by recounting its modes of reception through a sometimes-iconoclastic lens. This leads to a reflection on literature and on culture via the figure of the actress, an artist without her own work, sometimes a clone of the author in a game between referentiality and fiction.

Ce travail porte sur la construction idéologique de la culture populaire dans les comédies brésiliennes, musicales ou pas, et dans le cinéma novo de la période 1950-1975.Il analyse la façon dont ces comédies (la chanchada), influencées par l’idéal d’une nation hétéroclite mais unique instauré par Getúlio Vargas ont représenté la culture populaire comme une idéologie des classes subalternes. Utilisant le concept de carnavalisation, ces films populaires, influencés par la radio, le théâtre de revue et le cirque, mettaient le monde à l’envers en essayant de corriger les injustices sociales dont étaient victimes les pauvres. Souvent décriées et considérées comme légères et aliénées, elles étaient beaucoup plus critiques que l’on ne disait, ainsi que le démontre cette recherche.En partant du principe que le cinéma novo est le corollaire des débats sur la quête d’une identité pour le cinéma brésilien tenus au cours des années 1950, période très influencée par le Parti Communiste Brésilien, ce travail analyse les trois phases différentes du mouvement. Durant la première, la culture populaire fut construite comme l’opium du peuple et les cinéastes ayant utilisé leur propre monde comme modèle de représentation de la culture populaire. Les films, très autoréflexifs, cherchaient à éveiller la conscience critique des pauvres et à les aider à sortir de l’aliénation. La deuxième, survenue après le putsch militaire de 1964, plongea les cinéastes dans le passé afin de comprendre les erreurs de la gauche et les raisons de sa défaite. Ensuite, la recherche analyse la troisième phase du mouvement quand les cinéastes furent amenés, par un gouvernement libéral qui considérait le cinéma comme un produit marchand qui devait s! e réaliser sur le marché, à changer de voie et à réaliser des films tournés vers le grand public. A ce titre, les films de cette phase, aux formes plus simples, dialoguèrent avec les chanchadas afin de finalement atteindre le peuple, sans jamais renoncer au cinéma d’auteur / This research focuses on the ideological construction of popular culture in Brazil in comedy films, musical or not, and cinema novo over the 1950-1975 period. It analyzes how these comedies (called chanchadas), which were influenced by the ideal of a varied but unique nation established by Getúlio Vargas represented the popular culture as an ideology of the subordinate classes. Using the concept of carnivalization, these popular films, influenced by radio, revue theater and circus, put the world upside down trying to correct social injustices suffered by the poor. Often criticized and considered as superficial and alienated, they were much more crítical than they were said to be at the time. Assuming that cinema novo is the corollary of the discussion on the identity quest for the Brazilian cinema that took place during the 1950s, a period heavily influenced by the Brazilian Communist Party, the research analyzes the three phases of the mo! vement. During the first one, popular culture was built as the people's opium and filmmakers used their own world as a model of representation for popular culture. The films, which were very self-reflexive, sought to arouse the crítical consciousness of the poor and help them pull out of alienation. During the second phase, which occurred after the military coup of 1964, filmmakers were immersed in the past in order to understand the mistakes of the left and the reasons for its defeat. During the third phase of the movement, led by a liberal government that perceived cinema as a commodity that should be sold to the market, filmmakers changed their way forward and made films directed to the general public. As such, the films of this phase, characterized by simpler forms, engaged in dialogue with the chanchadas to finally reach the people, while never giving up auteur cinema

Mon travail consiste à étudier des éléments du “ fonds populaire ” dans l’œuvre théâtrale et dans les textes de fiction en prose d’Apollinaire ; à restituer leur contexte temporel et géographique. Je considère la façon dont il les utilise et enfin je tente d’élucider la façon dont s’élabore la signification multiple de ces éléments. Qu’il s’agisse des mots, qu’il s’agisse des mœurs, chaque élément du fonds populaire est chargé d’un double, voire d’un triple sens imprévu et qui se fonde sur un système de signes collectif et personnel. Chaque œuvre du poète crée un univers nouveau avec ses lois propres et avec l’implication particulière d’éléments du fonds populaire. Mon étude montre combien Apollinaire fait appel à ce fonds populaire sur le plan non seulement de la matière, mais aussi de la structure. / This work is the study of the inherent elements of folk culture in Apollinaire's theatrical works and fictional prose, placing their context in time and geographical location. I examine the way he uses these elements and I try to clarify the ways in which their multiple meanings can be developped. Whether concerning words or way of life, each element from folk culture is loaded with an unexpected double or even triple meaning based on a system of collective and personal signs. Each of the poet's works creates a new universe with its own laws and particular emphasis on elements fron folk culture. My study shows the extent to which Apollinaire draws on this popular culture not only in subject matter but also in structure.

Si le genre théâtral de la farce médiévale est un sujet exploré depuis longtemps par la recherche théâtrale, l’étude de sa postérité au XVIIème siècle en est encore à ses balbutiements. En particulier, il n’a pas encore été élaboré de système conceptuel global qui permette de rendre compte des spécificités de la « forme moderne » de ce genre marginal basé sur les traditions culturelles populaires, dont restent de nombreux témoignages polymédiatiques, attestations littéraires ou représentations visuelles. Ce travail se propose donc de fournir une codification structurelle du genre, appuyée sur une base documentaire cohérente, qui permette de rendre compte à la fois de ses spécificités de construction dramaturgique et des modalités concrètes de sa pratique. Dans ce but, il sera procédé à une analyse des éléments constitutifs de cette forme scénique à l’aide de l’outillage développé dans le champ de l’anthropologie des médias populaires afin d’aboutir à la mise en place d’une typologie articulée sur les rapports fonctionnels des personnages récurrents ou « Masques » créés par les farceurs, interprètes polyvalents spécialisés dans cette forme théâtrale. Ce découpage typologique en sept personnages-fonctions sera précisé par la constitution d’un inventaire détaillé des interprètes de « Masques » actifs sur la scène parisienne depuis l’organisation des groupements de farceurs au sein des troupes de théâtre de la capitale dans les années 1610, à la fin du genre sur les théâtres officiels durant les années 1680. Ce catalogage systématique des farceurs en lien avec leur fonctionnalité scénique permettra ensuite de reconstituer la chronologie de l’activité de ces praticiens au sein des différentes troupes de la capitale en resituant précisément leur production dans le contexte plus large de l’évolution de l’ensemble des pratiques théâtrales de l’époque, donnant ainsi l’occasion de mesurer précisément l’influence qu’exerce tout au long du siècle la farce sur les formes théâtrales régulières. / Whereas the theatrical genre of medieval farce has been an area explored since a long time, the study of its successors in the 17th century is at its very beginning. In particular, a comprehensive conceptual system that could account for the specific features of the modern form of a marginal genre based on popular cultural traditions has yet to be developed, despite a great numbers of polymediatic records of this theatrical practice, in visual or written form. This work propose a structural codification of the genre, based on a coherent and consistent documentary base, in order to account for the specifics in the construction of its dramaturgy as well as of the practicalities of its practice. To this end, we will conduct a thorough analysis of the structural components of this theatrical form with the help of the methodological tools used in anthropological studies of popular media in order to establish a typology based on the functional relations of the stock characters (or “Masks”) created by the actors specialized in this particular theatrical genre. The typological division into seven character types will be exemplified through the creation of a detailed inventory of the performers in “Masks” on the Parisian stage, from the emergence of farces players in theatre troupes in the 1610s to the end of this theatre form in the official theatres in the 1680s. This systematic approach linking the farce players to a specific dramaturgic functionality will allow reconstructing a chronology of this practice in the different Parisian troupes. This will give the opportunity to replace the activity of the farce performers in the global evolution of the theatrical practices during the century, in order to the show the influence of the farce on the contemporary regular theatre forms.

Marc Levy et Guillaume Musso sont deux écrivains populaires contemporains se distinguant à la fois par de nombreuses références à l’insolite dans leurs romans et par une image très étudiée, construite à travers une forte présence dans les médias à chaque sortie de leur nouveau roman. L’objectif de cette thèse est d’analyser la relation volontairement tissée entre l’univers des fictions de Levy et Musso et leur personnage public coproduit par les médias, le public et ces écrivains eux-mêmes, ainsi que leur entourage professionnel. Dans le cadre d’une recherche interdisciplinaire, l’enjeu est de comprendre par quelles méthodes des écrivains peuvent bâtir aujourd’hui leur popularité, au sens plein du terme.Mots / Marc Levy and Guillaume Musso are two French contemporary authors of popular fiction who are noted for their numerous references to the concept of the uncanny in their novels and for their image created by their regular appearance in the media any time their new works are published. The aim of this dissertation is an analysis of the continually built up relationship between the world in Levy’s and Musso’s fiction and their public image, which is co-created by the media, the readers, by the authors themselves and also by the publishers cooperating with the authors. The present interdisciplinary study attempts to check what methods contemporary writers use in order to gain popularity, in the full sense of the word.Key words:

L’innovation sociale résiste mal à l'épreuve du temps. Quand la plupart des expériences s’épuisent et disparaissent rapidement, certaines parviennent à se pérenniser. Le cas des réseaux de formation entre pairs pose encore d’autres questions. Qu’il s’agisse de réseaux d'apprentissage, de communautés de pratiques, de dispositifs collaboratifs, de Massives Open Online Courses (MOOCs), de groupes d'entraide mutuelle ou de formations par les pairs, ils sont particulièrement soumis à des transformations en fonction des besoins, des actualisations de contenu ou des engagements : quelles sont les caractéristiques particulières de ces dispositifs ? Quelles logiques les acteurs mettent-ils en oeuvre pour les inscrire dans la durée ? Peut-on dégager de leur analyse des facteurs de pérennisation ?C'est principalement à ces questions que cette thèse apporte des éléments de réponse, en prenant appuis sur le cas des Réseaux d’Echanges Réciproques de Savoirs (RERS). Elle présente successivement : une approche sociohistorique des différentes formes de coformation depuis le 19ème siècle ; une revue de la littérature dans le domaine ; un cadre théorique principalement appuyé sur la sociologie des organisations et l’approche sociotechnique ; la méthodologie principalement inspirée de la théorie ancrée ; les résultats les plus pertinents.Ce que cette recherche montre est l’importance des convergences de valeurs, conceptions, récits, aspirations, types d'organisation et outils qui fondent identité du collectif d’acteur engagés qui combinent ces éléments dans des formes locales d’appropriation qui permettent une réinvention du sens des actions et des pratiques. / Social innovation stands up with difficulty to the test of time. While most experiments run down and disappear quickly, some of them perpetuate. The case of knowledge exchanges networks between peers raises other questions. Whether in the case of learning networks, of communities of practice, of collaborative devices, of Massive Open Online Courses (MOOCs), of mutual help groups or fo training by peers, these networks are particularly subject to change according to needs, according to content updating or to commitments. How are these devices characterized? What are their actors’ logics in order to make them perpetuate? Can we bring to light, from their analysis, some factors of perpetuation? Our doctoral thesis tries to provides some answers to these questions, through the example of knowledge exchanges networks. We present research studies about peer training after having described their different forms since the 19th century, in a socio-historical perspective. Based on a methodology inspired from grounded theory, this thesis articulates research studies from the organisational sociology with the socio-technical approach of training. The case of knowledge exchanges networks brings to light the role of shared values, of conceptions, of narratives, of expectations, of types of organisation and of tools that forge a national identity, combined with local forms of appropriation of these components that allow to reinvent the sense of actions and practices.

Cette thèse vise à revenir sur l’histoire d’une grève qui a déjà fait l’objet d’une recherche de terrain, minutieusement documentée, il y a trente ans de cela dans l’ouvrage Une communauté en colère : La grève contre Amoco Fabrics à Hawkesbury en 1980. Notre étude cherchera à démontrer que la grève d’Amoco de 1980 représente un cas de figure permettant d’analyser les rapports entre le social et le national à travers les modalités d’intervention de trois intellectuels durant et après cette grève: la publication scientifique et militante : Serge Denis, politologue ; l’animation sociale : Richard Hudon, animateur social ; et l’art théâtral : Jean-Marc Dalpé, poète, dramaturge, écrivain, comédien. Fondée sur l’analyse des entretiens effectués avec ces trois acteurs et la recherche socio-historique, cette thèse propose de réfléchir au besoin de transmettre aux générations futures l’histoire ouvrière populaire propre aux Franco-Ontarien(ne)s à laquelle se rattache l’évènement que fut la grève d’Amoco.

Originaire de la République dominicaine, Junot Díaz est un écrivain dominico-américain, qui a émigré aux États-Unis à l’âge de 7 ans avec sa mère et son frère aîné, venus rejoindre le père qui les avait précédés cinq ans auparavant. Fort du succès de son roman, The Brief Wondrous Life of Oscar Wao, qui lui a mérité le prix Pulitzer en 2008, et de ses deux recueils, Drown (1996) et This How You Loose Her (2012), l’auteur occupe une place importante dans la sphère littéraire américaine, comme le montre la thèse. Deux de ses nouvelles, "The Sun, the Stars, the Moon" et "Wildwood" sont analysées et traduites dans la présente thèse, de même que leur traduction en français est commentée. La thèse montre en outre comment la nouvelle est un genre littéraire qui sert bien le texte diazien, sa poétique et son esthétique. "The Sun, the Moon, the Stars" et "Wildwood" sont de bons exemples du style inimitable de l’auteur, dont les principales caractéristiques sont le rythme syncopé de sa phrase et l’usage du spanglish. Le persillage textuel qui résulte de la présence de l’espagnol dans des textes rédigés en anglais perturbe et interrompt le lien narratif. Il représente aussi pour l’auteur une stratégie linguistique au service de son projet politique, qui est d’affirmer sa dominicanité et de s’adresser directement à ses compatriotes dominicano-américains afin d’avoir un dialogue avec eux, mais aussi avec son lectorat blanc pour lui rappeler que l’anglais et l’espagnol s’influencent mutuellement aux États-Unis. La langue de Diaz est sonore, imagée, son ton est oral et informel, le registre est tantôt populaire, voire grossier, tantôt relevé. Vecteur d’identité et de culture, les expressions grossières ou vulgaires ponctuent les propos de Yunior, le narrateur de "The Sun, the Moon the Stars", comme s’il s’agissait d’un tic langagier. Dans "Wildwood", la formule juratoire se retrouve davantage dans la bouche de la mère colérique de Lola, la narratrice, que chez la jeune fille en quête d’une autre vie loin de sa mère, du New Jersey, de Paterson, de l’espagnol. Traduire en français la langue de Diaz qui mêle l’anglais à une sorte d’argot dominicano-américain relève d’une gageure, d’autant plus que le traducteur canadien doit choisir entre une variété de français trop hexagonale et une variété de français trop québécoise. Dominican-born writer Junot Díaz emigrated to the United States at age 7, with his mother and older brother, to join his father, who had emigrated five years earlier. The success of Díaz’s 2008 Pulitzer Prize–winning novel, The Brief Wondrous Life of Oscar Wao, and two short story collections, Drown (1996) and This Is How You Lose Her (2012), has made him an important figure in the U.S. literary world, as will be shown in this thesis. This thesis includes an analysis and commented French translation of two of his short stories, namely “The Sun, the Moon, the Stars” and “Wildwood.” It also discusses the ways in which the short story is a literary genre that suits Díaz’s text, poetics and aesthetics. “The Sun, the Moon, the Stars” and “Wildwood” are good examples of the author’s inimitable style, which is characterized by syncopated sentence rhythms and the use of Spanglish. English sentences are peppered with Spanish, which interferes with and breaks up the narration. Díaz uses Spanglish also as a language strategy that serves his political agenda, namely to affirm his Dominican roots and engage his fellow Dominican-Americans in a direct dialogue, and to remind white readers that English and Spanish influence each other in the U.S. Díaz’s language is musical and vivid, his tone, informal and conversational, and his register, sometimes colloquial—or even vulgar—and sometimes literary. Coarse and vulgar expressions are conveyors of identity and culture that punctuate the statements of Yunior, the narrator in “The Sun, the Moon, the Stars,” like a verbal tic. In “Wildwood” the cursing and swearing come more from the mouth of the furious mother of Lola, the narrator, than from the young woman herself, who seeks a life far from her mother, her home town Paterson, New Jersey, and Spanish. Translating Díaz’s language, a combination of English and a kind of Dominican-American slang, into French is challenging, especially since translators in Canada are faced with choosing between varieties of French that are either too Parisian or too Québécois.

Les campagnes du nord de l’Artois, autour des villes d’Aire et de Saint-Omer, sont conquises par les armées de Louis XIV en 1676 et 1677. Le déplacement de frontière qui en découle a d’abord des conséquences économiques, avec la coupure des anciens débouchés que fournissaient les Pays-Bas méridionaux. La région est profondément attachée à ses anciens souverains bourguignons sous lesquels elle jouissait d’une liberté tout autant politique qu’économique. Le rattachement au royaume de France se fait au prix dune lecture nouvelle de l’histoire. L’appropriation de l’espace se traduit d’abord par l’adaptation à l’environnement, mais aussi par la manière de le représenter, sous forme de cartes ou dans le récit des voyageurs, et par la toponymie. Sur le plan administratif, la période est également marquée par de profonds changements. Elle voit la genèse et le développement de l’administration moderne. La seigneurie se défait de ses atours féodaux pour devenir une structure économique la plus rentable possible. La vieille noblesse entre en concurrence avec une noblesse récente, de robe ou financière. Les officiers seigneuriaux au village, les gros laboureurs et les fermiers, qui sont généralement les plus gros propriétaires fonciers, occupent les places les plus importantes dans la gestion de la fabrique paroissiale, qui gère les finances locales. Ils dominent aussi la communauté d’habitants, institution qui apparaît comme moins importante que la fabrique, mais dont les procès-verbaux témoignent des rapports de force au village. / Northern Artois countries, near Aire and Saint-Omer, are subdued by Louis XIV armies in 1676 and 1677. The movement of the border had economic consequences with the stoppage of ancient southern Low Countries channels. The population are deeply attached to her old burgundian sovereigns under those they take advantage of political and economical liberties. The annexation to the kingdom of France is in the beginning of a new reading of the history. The appropriation of space is first interpreted by the adaptation to the environment, but also by the way to represent it, in the form of maps or in voyagers narrations, and by toponymy. The period is a like marked by administrative transformations, with genesis and development of modern administration. Seigniory leave its feudal clothes to became a profit-earning economic structure. Old nobility is in rivalry with the new legal or financial one. Seigniorial officers in the village got a real power, more especially as the lord and his agents usually don’t live on the spot. In the village, laboureurs and fermiers, that are among the most important ground-landlords, filled the principal posts in the administration of parochial fabrique, that ruled local resources. They also ruled the communauté d’habitants, institution that appeared as less important than the fabrique