Cette étude analyse le rôle des négociations westphaliennes (1643-1648) dans le développement du cérémonial diplomatique au XVIIe siècle en s’appuyant sur les correspondances entre les diplomates et leurs princes. La perspective des acteurs a été privilégiée pour mieux comprendre l’importance des différentes querelles et leurs logiques. Sur le plan méthodologique, nous nous interrogeons sur les implications et les limites des concepts utilisés pour appréhender le « cérémonial » en tant que phénomène historique. Une analyse se fondant sur la fonction représentative des diplomates laisse de côté plusieurs problèmes importants. La démonstration du rang princier ne constitue pas l’unique motif des querelles de cérémonial. Les diplomates provoquent en effet de nombreuses altercations non pas pour défendre le statut de leur prince mais plutôt pour asseoir le leur. Le cérémonial utilisé lors des négociations westphaliennes mélange ainsi le statut du représentant et celui du représenté. En outre, la signification des signes utilisés au cœur du cérémonial fait l’objet d’une discussion permanente et permet aux acteurs d’interpréter les incidents de différentes manières. Or, au cours du XVIIe siècle, le cérémonial renvoie de plus en plus à une signification précise, ce qui entraine une multiplication des querelles. Par ce processus, le cérémonial constitue désormais un instrument qui révèle moins la hiérarchie entre les différents princes que leur appartenance au cercle des Souverains. / This dissertation analyses the role of the westphalian negotiations (1643-1648) in the development of the diplomatic ceremonial in the 17th century through the examination of correspondence between diplomatic representatives and their princes. In order to better appreciate the importance of the different conflicts and their inherent logic, the study focuses on the actor’s perspective. Methodologically, the concepts utilized for understanding and describing the historical phenomenon « ceremonial » are critically analysed with respect to their implications and limits. This research suggests that an analysis solely based on the representative role of the diplomats would neglect important aspects given that the demonstration of rank is not the only motive in ceremonial conflicts. As such, the diplomats studied provoked many altercations not to confirm their prince’s status, but rather first and foremost to define and cement their own. Thus, the ceremonial of the westphalian negotiations blends the statuses of representative and represented. Furthermore, as the meanings of the signs used in the context of the ceremonial were not commonly defined, the various actors are able to interpret the events differently. In the course of the 17th century however, the ceremonial significations become more and more fixed and unified, which in turn leads to a multiplication of conflicts. This process lead to a situation where the function of the ceremonial was no longer to reveal the specific hierarchy among prince, but rather to display their adhesion to a group of Sovereigns.

Le dialogue du corps et de la mort chez jan Fabre est fondé sur un corpus de textes théâtraux. En ce qui concerne la démarche de mon travail, elle était principalement axée sur trois volets principaux d’abord les héritages et les inspirations artistiques et culturelles ensuite le rituel et le sacrifice dans sa dimension historique philosophique et artistique et enfin la fabrication du spectacle : de la genèse à la représentation scénique. L’objectif de ma thèse est de démontrer la volonté de l’artiste d’affranchir les limites, de violer les codes de la société et de créer un langage artistique authentique inspiré de toute matière possible pour toucher à la vulnérabilité de l’homme contemporain. Pour ce faire Jan Fabre a élaboré une méthode de travail qui fait redécouvrir un corps brut et instinctif, un corps générant une énergie vitale résultant ainsi à des sensations fortes. Dans ce processus de travail j’ai remarqué que pour Fabre la notion de recherche a une place primordiale en se basant sur une évolution conceptuelle, philosophique et historique. Jan Fabre construit ses spectacles de sorte que tous les composants de la représentation s’entremêlent. Une écriture textuelle et visuelle singulière construit une sorte d’état post-mortem dans le sens où la logique est cédée à l’intuition, une écriture qui offre un univers scénique riche d’images et d’allégories. Une composition scénique où l’espace, le temps et le rythme se basent surtout sur la tension et l’élaboration d’une atmosphère rituelle. Finalement le corps et la mort dans son univers font unité et il manifeste un travail récurant entre l’apparition et la disparation. / Jan Fabre's dialogue of body and death is based on a body of theatrical texts. Regarding to the approach of my work, it was mainly focused on three main aspects, first the inheritances and the artistic and cultural inspirations, then the ritual and the sacrifice in its historical philosophical and artistic dimension, and finally the production of the performance: from genesis to scenic representation. The goal of my thesis is to demonstrate the artist's desire to overcome the limits, to violate the codes of society and to create an authentic artistic language inspired by all possible materials to touch the vulnerability of contemporary man. To do this Jan Fabre has developed a method of work that rediscover a body raw and instinctive, a body generating a vital energy and resulting in strong sensations. In this work process I noticed that for Fabre the notion of research has a primordial place based on a conceptual, philosophical and historical evolution. Jan Fabre builds his performances so that all the components of the performance interweave. A singular textual and visual writing constructs a sort of post-mortem state in the sense that logic is ceded to intuition, a writing that offers a scenic universe rich in images and allegories. A scenic composition where space, time and rhythm are based mainly on tension and the development of a ritual atmosphere. After all, the body and death in his universe are united and he manifests a recurring work between the appearance and the disappearance.

La principale collection d’armes du site de La Tène (armes de poing, d’hast, de jet, boucliers) est étudiée sous l’angle de la tracéologie. Les armes du Laténium sont dans l’ensemble bien préservées du fait de l’anaérobie, parfois recouvertes d’une simple patine. L’approche de cette thèse de doctorat est basée sur un croisement disciplinaire entre l’analyse typo-chronologique, l’archéologie expérimentale, « l’ethno-archéologie » et les sciences forensiques. Est-ce possible, à compter de traces visibles sur les objets de La Tène, mais également sur d’autres sites laténiens, d’interpréter les traces de destructions sur les armes ? Ces dernières sont-elles plutôt imputables à des actes rituels volontaires ou faut-il y voir les résultats accidentels de combats ? Il ne s’agit pas ici de trancher définitivement l’épineuse question de la fonction du site de La Tène, mais d’apporter quelques pistes de réflexion sur l’interprétation de ce « gisement » énigmatique (sanctuaire, trophée militaire,…). / The weapons from the main collection from La Tène (impact and thrusting weapons, lances, projectiles/throwing spears, shields) have been analysed for use-wear. Due to the anaerobic conditions, the pieces at the Laténium are largely well preserved, with many bearing a simple patina. This PhD thesis combines chronotypology, experimental archaeology, «ethnoarchaeology» and forensics to answer the following question : is it possible by examining the traces visible on the objects from La Tène and other sites to as certain whether the weapons were put beyond use deliberately, as part of a ritual, or did it occur during combat ? The objective is not to deduce the function of the enigmatic site (sanctuary, monument to a military victory,…) but to find ways of interpreting it.

Nous allons étudier la manière dont une communauté utilise les spécificités de sa culture et les restes de ses anciennes croyances pour permettre une meilleure adaptation des individus qui la compose à des situations et des contexte variés. Dans cette étude, nous nous sommes penchés sur la diaspora des Philippines de la ville de Montréal et sur le processus migratoire qui les a conduits dans cette métropole. Pour ce faire, nous allons prendre comme exemple le rituel de la Pabasa, mis en place par les Espagnols lors de la colonisation des îles de l’archipel des Philippines, lequel est encore aujourd’hui pratiqué à Montréal et tenter d’analyser comment ce rituel construit une nouvelle tradition ancrée dans la communauté. Nous allons nous interroger sur la façon dont cette pratique contribue au vivre ensemble. Notre mémoire comprendra plusieurs parties consacrées respectivement à : une série de repères sur la Pasyon et la Pabasa, la description de la collecte de nos données, une formulation de nos hypothèses issues de cette collecte sur le terrain, et un exposé de notre cadre théorique. Suivront ensuite dans l’ordre : le premier chapitre, présentant l’histoire de l’archipel et de sa communauté ainsi que le phénomène migratoire de celle-ci. Le second chapitre porte sur notre enquête de terrain et de la Pabasa. Le troisième et dernier chapitre, dans lequel nous confrontons notre cadre théorique à l’analyse des données issues de ce terrain. / Music, adaptation capacity, living together capacity. We hereby observe and analyze how a community may use its own traditions, its archaic beliefs, to engage a process which optimize the individual and general adaptability to present contexts, i.e. the immigration in Montréal. How the Pabasa, a ritual that was created by the Spanish during the colonization of the archipelago was, and still is today in Montréal, the way throughout the tradition transforms itself? And, how does this process contribute to or even achieves a living together ? Our dissertation will include several parts devoted respectively to: a series of benchmarks on the Pasyon and the Pabasa, the description of the collect of our data, a formulation of our hypotheses resulting from this collection in the field, and a presentation of our theoretical framework. Then will follow: the first chapter, presenting the history of the archipelago and its community and the migratory phenomenon of it. The second chapter is about the field and the Pabasa. Inside of the third and last chapter, we confront our theoretical framework to the analysis of data from this field.

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Ce travail porte sur les performances scéniques qui naquirent à Cuba de la rencontre entre l'idéologie marxiste, officiellement adoptée par le gouvernement depuis 1961, et les religions afro-cubaines, pratiquées sur l'île depuis l'arrivée des premiers esclaves africains. D'un côté, le gouver-nement révolutionnaire entreprit de transformer les rituels afro-cubains en folklore national, tout à la fois pour en neutraliser la portée religieuse et pour les intégrer au patrimoine d'une nation en pleine construction. De l'autre, il exigea au fil des années un militantisme croissant de la part des artistes et notamment des dramaturges, auxquels il était demandé de produire un théâtre social, au service d'une cause politique résolument athée. Ces deux univers, celui des rituels afro-cubains et celui du théâtre engagé, étaient donc a priori bien distincts. Certains dramaturges entreprirent cependant de les mettre en contact : Carlos Felipe (Réquiem por Yarini, 1960/1965), José Ramón Brene (Santa Camila de la Habana Vieja, 1962), José Triana (Medea en el espejo, 1960 et La muerte del Ñeque, 1964), Eugenio Hernández Espinosa (María Antonia, 1964/1967) et José Milián (Mamico Omi Omo, 1965). Leurs approches et leurs objectifs sont très variés mais d'une manière ou d'une autre tous en vinrent, par le détour théâtral, à restituer au langage rituel l'efficacité qu'il avait perdue sur les scènes folkloriques et à produire, le plus souvent involontairement, un théâtre qui s'apparente à de maints égards au théâtre de la Cruauté théorisé par Antonin Artaud, ce théâtre de « l'invisible rendu visible » - théâtre justement décrié par les autorités révolutionnaires. / This work studies on stage performances created in Cuba as a result of the encounter of Marxist ideology, officially adopted by the government in 1961, and Afro-Cuban religions, practised in the island since the arrival of the first African slaves. On one hand, the revolutionnary government set out to transform Afro-Cuban rituals into a national folklore in order to both neutralize its religious significance and insert it within the heritage of a nation in building; on the other hand, artists, playwrights in particular, were ordered over the years to be the activists of a staunch atheist political cause. Therefore these two worlds, Afro-Cuban rituals and socially engaged theater, were a priori quite distinct. However, some playwrights took on bridging the gap between them : Carlos Felipe (Réquiem por Yarini, 1960/1965), José Ramón Brene (Santa Camila de la Habana Vieja, 1962), José Triana (Medea en el espejo, 1960 and La muerte del Ñeque, 1964), Eugenio Hernández Espinosa (María Antonia, 1964/1967) and José Milián (Mamico Omi Omo, 1965).Their approaches and goals were diverse but, somehow or other, by the detour of theater, they all came to restore the effectiveness of the ritual language, lost in the context of folk scenes, and to create, often unwittingly, a theater similar to the Theater of Cruelty theorised by Antonin Artaud, the theater of « the invisible made visible » – the one precisely criticized by the revolutionary authority.

Ce projet de création-recherche s’inscrit dans une démarche parathéâtrale menée de 2006 à 2012 à travers les ateliers du théâtre de recherche et performance LeTHAL (Le Theatre de l’Homme Actor’s Laboratorium). Le présent mémoire a pour objectif d’approfondir le questionnement sur le potentiel de guérison du théâtre, plus spécifiquement celui de l’image archétypique et des actions rituelles. Il s’agit d’une description des éléments (les universels du mythe, du théâtre et du rituel) qui ont eu le plus grand potentiel de guérison dans mon processus de recherche d’équilibre. Ce mémoire s’articule autour des témoignages que constituent le projet de création Auto-autopsie et certains extraits de mon journal d’expériences avec le maître de théâtre Ryszard Nieoczym. / This creation-research project is a paratheatrical research process experienced through workshops with LeTHAL Theatre (Le Theatre de l’Homme Actor’s Laboratorium) between 2006 and 2012. This Master’s thesis aims at deepening the questioning about the healing potential of theatre, more specifically archetypal images and ritual actions. The following document describes the elements (the universals of myth, theatre and ritual) that have had the greatest healing potential in my process of looking for a state of balance. This thesis includes testimonials : the creation project Auto-autopsie, and selected excerpts from my journal of experiences with the theatre master Ryszard Nieoczym.

Mémoire en recherche-création. / La figure de la sorcière et sa parole envoûtante sont au cœur de ce mémoire de recherche-création. Le roman Filles d’Hécate explore les effets d’une parole sorcière au sein d’une communauté carcérale. Dans un pénitencier pour femmes, la narratrice et terroriste « ratée », Sarah, est témoin de la révolte de ses consœurs, menées par une mère infanticide que toutes appellent ‘Ma. Le récit à la première personne, entrecoupé de rituels à la troisième personne du pluriel, gravite autour de cette femme autrefois docile qui s’est soudainement réclamée sorcière, entraînant toute sa communauté dans une confrontation avec l’ordre établi. Dans un univers hautement surveillé et réglementé, quel est le poids de cette parole de contre-pouvoir, se propageant par les rumeurs et les superstitions ? Quel est le potentiel libérateur de ces discours de la marge pour des femmes autrement privées d’agentivité ? L’essai Contamination et performativité de la parole sorcière dans Les Enfants du sabbat d’Anne Hébert propose, quant à lui, de penser les effets de la parole sorcière dans les structures de pouvoir qui régissent la vie au sein du couvent des Dames du Précieux-Sang. Comment la narratrice, Julie, arrive-t-elle à contaminer à la fois l’ordre établi, s’appropriant jusqu’aux pouvoirs de la mère supérieure et de l’abbé Flageole, mais aussi les discours des autorités religieuses ? Il apparaît que la parole performative mise en scène par Hébert opère un renversement des rôles nécessaire à la prise de pouvoir de Julie, conjurant par la même occasion les violences lui étant adressées. La voix transcendante de la jeune religieuse, qui traverse les lieux et les époques et qui est capable de se travestir, vient ouvrir un espace de doute et de profanité au cœur de l’apparente pureté de l’institution religieuse. La parole de Julie de la Trinité acquiert une puissance quasi divine permettant à la sorcière de revisiter son passé et de surpasser sa mère, sorcière désormais déchue. / The witch and her bewitching speech are at the center of this M.A. thesis combining research and creative writing. The novel Filles d’Hécate explores the effects of the witch speech on a carceral community. In a women’s penitentiary, the narrator and “failed” terrorist, Sarah, witnesses the revolt of her sisters, lead by an infanticidal mother that everyone calls ‘Ma. The story in the first person, punctuated with rituals in the third person, revolves around this once docile woman who suddenly has claimed to be a witch, bringing her whole community into a confrontation with the established order. In a highly supervised and regulated universe, what is the weight of this counter-power speech, mainly propagated by rumours and superstitions ? What is the liberating potential of these discourses of the margin for women otherwise deprived of agency ? The essay Contamination et performativité de la parole sorcière dans Les Enfants du sabbat d’Anne Hébert proposes to think about the effects of the witch speech in the power structures that govern life within the “Dames du Précieux-Sang” convent. How does the narrator, Julie, manages to contaminate both the established order, subverting through appropriation the power of the Superior Mother and Abbot Flageole, but also the very discourses of the religious authorities ? It appears that the performative speech written by Hébert operates a reversal of roles necessary for Julie’s empowerment, at the same time countering the violence directed at her. Her transcendent voice, which crosses places and eras and can disguise itself, opens a space of doubt and profanity within the apparent purity of the religious institution. The speech of Julie of the Trinity acquires a quasi-divine power, allowing the witch to revisit her past and surpass her mother, now a fallen witch.

Ce mémoire a pour ambition d’étudier la démarche revivaliste des musiciens qui font appel à la musique Gnawa avec une vision cosmopolite, en prenant comme cas le maître Gnawi Mustapha Bakbou et la contribution de Marcus Miller. L’objectif de ce mémoire est d’étudier la créativité personnelle puisée des sources de la tradition ancestrale des anciens descendants d’esclaves de l’Afrique subsaharienne. La question de recherche est, par conséquent, en quoi les musiciens revivalistes Gnawa réinterprètent et reproduisent-ils les composantes traditionnelles Gnawa pour perpétuer l’ancestrale tradition dans le présent ? Dans ce contexte, on comprend bien que leur but est d’être des agents qui agissent pour le revivalisme musical de la musique Gnawa, issue d’une pratique traditionnelle, ce faisant, le point d’interrogation est mis sur : De quelle manière procèdent-ils pour se démarquer par leur pratique musicale revivaliste ? Quels sont les éléments utilisés en tant que moyens opérateurs pour faire revivre la tradition et quelles sont leurs motivations personnelles à travers ce revivalisme ? Sur quelle perspective esthétique se basent-ils pour présenter l’art gnawi sur une nouvelle forme particulière et innovante ? Notre étude présente les fondements caractéristiques d’une expression esthétique, exposée par des musiciens d’un groupe typique revivaliste, représentant une culture d’une communauté spécifique, et ce dans un contexte cosmopolite. En exprimant leur propre façon de recréer une tradition à travers la nouvelle stylisation du répertoire traditionnel et en explorant d’autres éléments musicaux tels que les rythmes, les notes, les instruments, et la performance vocale. Pour comprendre la démarche revivaliste de ces musiciens, le concept du cosmopolitisme esthétique élaboré par le sociologue Ulrich Beck a été employé. En effet, celui-ci indique que le cosmopolitisme est une caractéristique déterminante de la modernité réflexive, il suggère qu’il s’agit de la perspective la plus adéquate pour donner, aux réalités et contradictions globales, interconnectées et continuellement floues de l’ère moderne, une perception plus claire (Beck 2006). / This memoir aims to study the revivalist approach of musicians who use Gnawa music, taking as a case the master Gnawi Mustapha Bakbou and the contribution of Marcus Miller. The objective of this essay is to study personal creativity drawn from the sources of the ancestral tradition of the ancient descendants of slaves from sub-Saharan Africa. The research question is therefore the following: How do Gnawa revival musicians reinterpret and reproduce the traditional Gnawa components to perpetuate the ancestral tradition in the present? In this context, we understand that their goal is to be agents who act for the musical revivalism of Gnawa music from a traditional practice, in doing so, the question mark is put on what way do they proceed to stand out by their revivalist musical practice? What are the elements used as operative means to revive the tradition and what are their personal motivations through this revivalism? What aesthetic perspective are they using to present Gnawi art on a new, creative, and innovative form? Therefore, our study presents the characteristic foundations of an aesthetic expression exhibited by musicians from a typical revivalist group representing a culture of a specific community. By expressing their own way of recreating a tradition through the new stylization of the traditional repertoire by exploring other musical elements such as rhythms, notes, instruments, vocal performance. To understand the revivalist approach of these musicians, the concept of aesthetic cosmopolitanism developed by sociologist Ulrich Beck was used. Indeed, this indicates that cosmopolitanism is a defining characteristic of reflective modernity, it suggests that it is the most adequate outlook to give to the global, interconnected and continually blurred realities and contradictions of the modern era a clearer perception (Beck 2006).

Cette recherche vise à appréhender un certain culte de la beauté féminine, caractéristique de la société québécoise actuelle, dans sa dimension socio-religieuse. Pour ce faire, les symboles, les figures culturelles, les mythes et les rituels de beauté féminine seront décrits à la lumière d’une approche anthropologique du phénomène religieux. En plus de faire une analyse des altérations esthétiques courantes, nous porterons une attention particulière à la signification religieuse des pratiques esthétiques à risque (comme les chirurgies invasives), qui ont souvent une efficacité symbolique à l’égard d’un certain sentiment de féminité. Les « cultes et les spiritualités de la beauté féminine » seront donc considérés dans cette recherche comme des croyances, des pratiques, mais aussi des dispositions et des attitudes génératrices d’une prise de risques significative dont le corps est l’objet par excellence.