La televisión es parte fundamental del día a día y esta presenta diversas visiones de la realidad. En este medio abundan las series animadas, las que con el pasar del tiempo transforman sus narrativas y mensajes.  El objetivo principal de esta investigación es conocer las diferencias en la representación de la heroína, a partir del visionado de dos series que comparten el mismo protagonista: She-ra, la princesa del poder'' (1985) y “She-ra y las princesas del poder''(2018). Dentro de ellas se analizarán las similitudes y diferencias en diseño y construcción del personaje y arcos narrativos. Esta investigación es de carácter cualitativo y se analizan ambas producciones mediante el análisis de contenido. Con esta investigación se pretende comprender como, con el pasar de los años, una misma idea base puede tener diversas perspectivas. / Television is a fundamental part of everyday life and shows a variety of visions of reality. Animated series abound in this medium, which over time transform their narratives and messages. The main objective of this research is to know the differences between the representation of the heroine of two series shared by the same protagonist: She-ra, the princess of power '' (1985) and “She-ra and the princesses of power'' (2018). Within them, the similarities and differences in design and construction of the character and storylines will be analyzed. This research is qualitative in nature and both productions are analyzed through content analysis. This research aims to understand how, over the years, the same basic idea can have different perspectives. / Trabajo de investigación

El presente trabajo surgió a partir de las investigaciones relacionadas a las transformaciones y/o cambios que presenta el género de las telenovelas en relación a los personajes femeninos. Específicamente, se tiene como propósito investigar acerca de la percepción de la audiencia femenina con respecto a estas transformaciones que presentan los personajes femeninos en las telenovelas peruanas contemporáneas. Para ello, se retoman las discusiones sobre la representación de la mujer en el género de las telenovelas asociado a la construcción de los personajes. Como estrategia metodológica, se propone un estudio cualitativo basado en entrevistas a mujeres peruanas que hayan visto las telenovelas “En la piel de Alicia” o “Leonela, muriendo de amor”. A partir de ello se espera comprender en qué medida la audiencia percibe los cambios en la representación de la mujer, específicamente, cuáles son las transformaciones o permanencia que la audiencia femenina reconoce con respecto a las dimensiones físicas, psicológicas y sociales en la representación de la mujer en las telenovelas escogidas. / The present work arose from the investigations related to the transformations and/or changes that soap operas have presented in relation to female characters. Specifically, it is orientated to investigate the perception of female audience regarding the transformations that female characters display in contemporary Peruvian soap operas. In this sense, discussion on the representation of women in the genre of soap operas associated with the construction of the characters is reopened. As a methodological strategy, a qualitative study based on interview with Peruvian women who have seen the soap operas “En la piel de Alicia” or “Leonela, muriendo de amor” is proposed. The expected outcome is to understand to what extent the audience perceives the changes in the representation of women, specifically, what are the transformations or permanence that the female audience recognizes in physical, psychological and social dimensions in the representation of women in selected soap operas. / Trabajo de investigación

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Mit dem Beitrag der Preisträgerin Teresa Ende, „Von Maiden, Monstern und Mythen: Weiblichkeitsentwürfe plastischer Frauendarstellungen auf der Großen Deutschen Kunstausstellung und der Ausstellung Entartete Kunst 1937 in München“, liegt eine kunstwissenschaftlicher Artikel vor. Die Verfasserin geht zentral der Frage nach, inwiefern und mit welchen inszenatorischen, bildstrategischen und rhetorischen Mitteln die in den beiden einflussreichen Ausstellungen von 1937 gezeigten und kommentierten plastischen Frauenfiguren zur Aufwertung der nationalsozialistisch propagierten ʻneuen Deutschen Kunst‘ und zur Diffamierung moderner Kunst eingesetzt wurden. Sie erörtert zum einen, inwiefern diese zu Mustern einer nationalsozialistisch propagierten Weiblichkeit beziehungsweise zu abschreckenden Figurationen negativer Weiblichkeit und des ʻAnderen‘ werden konnten und revidiert zugleich die kunsthistorische Meinung, dass sich das dargestellte Frauenideal der Nationalsozialisten mit den Schlagworten Ehe, Mutterschaft und ʻvolksgemeinschaftliche‘ Bestimmung hinreichend fassen lasse. Zum anderen beleuchtet sie den Prozess wechselseitiger Codifizierung von genderspezifischen und kunstästhetischen Visualisierungen und Diskursen, mit der die nationalsozialistische Kunst- und Kulturpolitik der ideologischen Totalisierung des Macht- und Staatsgefüges zugearbeitet hat. Mit Konzentration auf Arno Breker wird überdies der bildhauerische Traditionsfundus an Darstellungskonventionen, Sujets, Stilmitteln, Bildsymbolen, Allegorik und mythologischen Figuren sichtbar gemacht, auf den nationalsozialistische beziehungsweise nationalsozialistisch affine Werke und zum Teil verfemte Werke figürlicher Plastik aus den 1910er und 1920er Jahren gemeinsam rekurrieren. Gerade mittels seines genderkritischen Blicks enthüllt der Beitrag so in frappanter Weise die Kontinuitäten der Kunst in Deutschland aus der NS-Zeit zu der vor 1933 wie nach 1945.

L’art symboliste pictural ou théâtral qui s’est développé à la fin du dix-neuvième siècle est habité par le sacré, que celui-ci se manifeste sous la forme du spirituel, du religieux ou sous toute autre forme (spiritisme, occultisme, mysticisme). Quelle que soit sa forme, le sacré est pour tous les symbolistes lié à l’art. Leurs recherches formelles, multiples et variées, tendent toutes à faire surgir l’invisible du visible. Or toutes voient l’émergence, dans les œuvres, de la représentation de la femme, qui dès lors devient intimement liée au «symbolisme». En véhiculant le sacré, la femme devient le symbole des idées des artistes sur leur art, voire le symbole du rapport de l’artiste à son art. Ainsi la thèse étudie la femme dans son rapport aux idées et à l’esthétique propres à chaque artiste, dans son interrelation avec l’art et le sacré et les études détaillées des œuvres dramatiques et picturales visent à montrer la variété et la complexité de ses représentations. En même temps, cette recherche est une étude d’ensemble concernant les relations entre le théâtre et la peinture dans la période fin-de-siècle, abordées non pas de l’extérieur, mais de l’intérieur (c’est-à-dire par les caractéristiques propres des œuvres), dans le cadre de la théorie de l’image ouverte, telle qu’elle a été développée par Georges Didi-Huberman. Finalement, que la forme d’expression artistique soit celle de l’art dramatique ou celle de l’art pictural, la femme n’est dans les œuvres que la manifestation d’une réflexion esthétique qui est aussi une réflexion philosophique, elle est le lieu de rencontre entre le Moi et l’Autre à partir duquel s’origine l’œuvre. / Symbolist art, be it pictorial or theatrical, which developed in the late nineteenth century was filled with sacredness, whatever its form: spiritual, religious or any other (spiritualism, occultism, mysticism). However in all its forms, sacredness is for all symbolists linked to Art. Formal research by symbolists, which is numerous and diverse, all tends to make the invisible visible. However all symbolists formal research saw in the works the emergence of the representation of women, which therefore becomes intimately linked to the "symbolism". By conveying sacredness, woman becomes the symbol of the ideas of the artists on their Art; even the symbol of the relationship of the artist to his Art. Thus this thesis studies woman in its relationship to the ideas and aesthetics of each artist, in its interrelationship with Art and the sacredness. The detailed studies of drama and paintings aim to show the variety and complexity of its representations. At the same time, this research is a global study on the relationship between theatre and painting in the end-of-century period, approached not from outside but from within (i.e. by the characteristics of works), as part of the theory of the open image developed by Georges Didi-Huberman. Finally, whatever the form of artistic expression – drama or painting – woman is only in the works, the manifestation of aesthetic reflection that is also a philosophical reflection, situated at the crossroads between the Ego and the Other, from which the work originates.

L’art symboliste pictural ou théâtral qui s’est développé à la fin du dix-neuvième siècle est habité par le sacré, que celui-ci se manifeste sous la forme du spirituel, du religieux ou sous toute autre forme (spiritisme, occultisme, mysticisme). Quelle que soit sa forme, le sacré est pour tous les symbolistes lié à l’art. Leurs recherches formelles, multiples et variées, tendent toutes à faire surgir l’invisible du visible. Or toutes voient l’émergence, dans les œuvres, de la représentation de la femme, qui dès lors devient intimement liée au «symbolisme». En véhiculant le sacré, la femme devient le symbole des idées des artistes sur leur art, voire le symbole du rapport de l’artiste à son art. Ainsi la thèse étudie la femme dans son rapport aux idées et à l’esthétique propres à chaque artiste, dans son interrelation avec l’art et le sacré et les études détaillées des œuvres dramatiques et picturales visent à montrer la variété et la complexité de ses représentations. En même temps, cette recherche est une étude d’ensemble concernant les relations entre le théâtre et la peinture dans la période fin-de-siècle, abordées non pas de l’extérieur, mais de l’intérieur (c’est-à-dire par les caractéristiques propres des œuvres), dans le cadre de la théorie de l’image ouverte, telle qu’elle a été développée par Georges Didi-Huberman. Finalement, que la forme d’expression artistique soit celle de l’art dramatique ou celle de l’art pictural, la femme n’est dans les œuvres que la manifestation d’une réflexion esthétique qui est aussi une réflexion philosophique, elle est le lieu de rencontre entre le Moi et l’Autre à partir duquel s’origine l’œuvre. / Symbolist art, be it pictorial or theatrical, which developed in the late nineteenth century was filled with sacredness, whatever its form: spiritual, religious or any other (spiritualism, occultism, mysticism). However in all its forms, sacredness is for all symbolists linked to Art. Formal research by symbolists, which is numerous and diverse, all tends to make the invisible visible. However all symbolists formal research saw in the works the emergence of the representation of women, which therefore becomes intimately linked to the "symbolism". By conveying sacredness, woman becomes the symbol of the ideas of the artists on their Art; even the symbol of the relationship of the artist to his Art. Thus this thesis studies woman in its relationship to the ideas and aesthetics of each artist, in its interrelationship with Art and the sacredness. The detailed studies of drama and paintings aim to show the variety and complexity of its representations. At the same time, this research is a global study on the relationship between theatre and painting in the end-of-century period, approached not from outside but from within (i.e. by the characteristics of works), as part of the theory of the open image developed by Georges Didi-Huberman. Finally, whatever the form of artistic expression – drama or painting – woman is only in the works, the manifestation of aesthetic reflection that is also a philosophical reflection, situated at the crossroads between the Ego and the Other, from which the work originates.

The purpose of this essay was to analyse the way two Swedish parties, The Swedish Democrats and the Nordic Resistance Movement, represent women in articles written for members of their parties. The qualitative analysis was done on a small number of articles using Norman Faircloughs Critical Discourse Analysis and with the theoretical framework of mainly Frank Ankersmits aesthetic representation, but also metapolitics and red and blue pill. The main questions that has been answered are how women are represented in the articles, i.e. what roles they are given, and how this is motivated, including also how women can be attracted to these discourses. The result of this essay has shown that the discourses uses by the two parties are connected in a way, to support each other, instead of putting forth other arguments. The role of the woman as mother and wife works because as a part of it, her role is also to support men. Without that he cannot be the man he is supposed to be, and the woman cannot either, because feminism is destroying that possibility.

Cette étude littéraire examine la transgression sexuelle par l’adultère, dans l’ouvrage Des contes et nouvelles en vers écrit par La Fontaine entre 1665 et 1671, publié par Claude Barbin jusqu’en 1671. Ces contes érotiques décrivent à travers le caractère satirique de l’auteur, les relations extra-conjugales des deux sexes dans un ton grivois et moralisateur. La Fontaine s’est minutieusement inspiré des parties de la littérature du Décameron de Boccace et de l’Arioste en réécrivant ces contes. Après la dernière publication Des contes et nouvelles en vers l’oeuvre est saisie puis interdite en 1675 par La Reynie considérée comme trop provocatrice. L’oeuvre de La Fontaine s’oppose par son contenu aux convenances de l’époque. En cela le texte de l’auteur pourrait être considéré comme libertin. Les personnages représentent différents corps sociaux et font l’objet de railleries et de caricatures. Ici l’étude décrit par exemple comment les textes présentent des sujets scandaleux de manière cachée. L’opposition entre le rôle, le statut, la condition sociale et le souhait du désir de chaque personnage des contes se présentent dans les personnages aussi bien masculins que féminins. Notre analyse explore la représentation des personnages féminins et leurs relations à l’adultère à travers les regards des personnages masculins et celui de l’auteur. L’étude prend appuie sur des recherches historiques et prend en compte le système hiérarchique des personnages et la condition sociale de la femme dans le rôle d’épouse. Le style satirique de La Fontaine se caractérise par la volonté de critiquer les moeurs sociales d’une période spécifique de l’histoire, celle du XVIIe siècle. L’analyse étudie deux aspects celle de la transgression sexuelle de la femme et celui du regard d’objectification porté sur elle. L’étude examine si cette transgression peut être mise en corrélation avec un débat sociétal sur la définition du mariage de l’époque. / This literary study examines sexual transgression through adultery, in the work Des contes et nouvelles en vers written by La Fontaine between 1665 and 1671, published by Claude Barbin until 1671. These erotic tales describe through the satirical character of the author, the extra-marital relations of both sexes in a grizzly and moralizing tone. La Fontaine was meticulously inspired by the parts of the literature of Boccaccio's Decameron and Ariosta in rewriting these tales. After the last publication Of Tales and News in Verse the work is seized and then banned in 1675 by La Reynie considered too provocative. The work of La Fontaine is opposed by its content to the conveniences of the time. In this the author's text could be considered libertine. The characters represent different social bodies and are the subject of taunts and caricatures. Here the study describes, for example, how the texts present scandalous subjects in a hidden way. The opposition between the role, the status, the social condition and the desire of the desire of each character of the tales are presented in the characters both male and female. Our analysis explores the representation of female characters and their relationship to adultery through the eyes of male characters and that of the author. The study is based on historical research and takes into account the hierarchical system of the characters and the social status of the woman in the role of wife. The satirical style of La Fontaine is characterized by the desire to criticize the social mores of a specific period of history, that of the seventeenth century. The analysis studies two aspects: that of the sexual transgression of the woman and that of the objectification look on her. The study examines whether this transgression can be correlated with a societal debate over the definition of marriage at the time.

En este trabajo se analizan las representaciónes de dos categorías sociales, las mujeres y los indígenas en dos novelas latinoamericanas cuyas tramas acontecen en la primera mitad del siglo XX en Perú y México, respectivamente: La casa verde (1965) del escritor peruano Mario Vargas Llosa y Oficio de tinieblas (1962) de la escritora mexicana Rosario Castellanos. Nos proponemos analizar cómo diferentes formas de discriminación (referidas a clase social, género sexual y etnicidad) se entrecruzan en las novelas. Para ello vamos a realizar un análisis cuantitativo y cualitativo de una selección de diálogos de ambas novelas. Para llevar a cabo el análisis cuantitativo vamos a valernos del test de Bechdel. Mediante el cual podremos comprobar si hay una escasa cantidad de diálogos entre mujeres e indígenas en comparación con otros grupos sociales, lo cual nos permitirá visualizar posibles desigualdades en las representaciones de ambos grupos sociales en las novelas. En nuestra parte cualitativa, a través de un análisis crítico del discurso y utilizando una perspectiva interseccional, analizamos los diálogos directos en los que se habla sobre estos dos grupos sociales, las mujeres y los indígenas, para poder estudiar su representación en las novelas y para ver si encontramos elementos que puedan considerarse discriminatorios con respecto a estos grupos sociales. Finalmente, se compara el resultado cuantitativo con el resultado cualitativo para así poder también probar la conveniencia del test de Bechdel para analizar desigualdades en los medios de ficción. / The aim of this paper is to analyse the representation of two social categories, women and natives, in two Latin American novels, whose plot takes place in the first half of the twentieth century in Peru and Mexico, respectively: The green house/La casa verde (1965) by Peruvian author Mario Vargas Llosa and The book of lamentation/Oficio de tinieblas (1962) by Mexican author Rosario Castellanos. In this study, we will analyse how different forms of discrimination (regarding social class, gender and ethnicity) intersect in both novels. We will use a quantitative and qualitative analysis of selected dialogues of both novels. To perform the quantitative analysis, we will make use of the Bechdeltest. Through this test we can study a small amount of dialogues between women and natives compared to other social groups, allowing us to visualize possible inequalities in the representation of both social groups in the novels. In our qualitative part we will study the dialogues in which the interlocutors talk about these two social groups, women and natives, to interpret their representation in the novels and to find out if there are elements that may be considered discriminatory with respect to these social groups, through a critical discourse analysis and an intersectional perspective. Finally, the quantitative result is compared with the qualitative results so that we can test the suitability of Bechdel test to analyse inequalities in the media fiction.

La tenture de la 'Dame à la licorne' est le plus souvent interprétée comme une allégorie des sens physiques, mais son iconographie se distingue par le registre héraldique. Chaque composition s’organise tel un emblème héraldique de sorte que les personnages principaux remplacent l’écu tant du point de vue visuel que fonctionnel. Si cette tenture est fréquemment citée comme un monument à la réussite socioprofessionnel du commanditaire, on n’a jamais cherché à comprendre comment le registre scénique contribue à la représentation du commanditaire. Autre lacune dans le corpus de littérature, l’importance de la figure féminine dans cette image est restée jusqu’alors ignorée. La présente étude propose donc d’étudier la 'Dame à la licorne' et sa fonction représentative en analysant les traditions culturelles, littéraires et iconographiques, ainsi que les réalités sociohistoriques, qui sous-tendent l’image d’excellence sociale que le commanditaire souhaite rattacher à sa personne et à sa famille. / The 'Lady and the Unicorn' tapestries are most often interpreted as an allegory of the physical senses, but their iconography is remarkable for its integration of armorial elements. Each composition is organized like a heraldic emblem, such that the main figures replace the coat-of-arms in its position and its function. Though this work is frequently identified as a monument to the patron’s socio-professional success, no effort has been made to understand how the scenes contribute to his personal representation. The lack of interest for the decidedly female character of this iconographic programme is another weakness in previous studies of these tapestries. This doctoral dissertation proposes to examine the 'Lady and the Unicorn' and its representative function by analysing the cultural, literary and iconographic traditions, as well as the socio-historic realities, that shape the image of social excellence the patron constructs in order to represent himself and his family.