L’appellation « genre frénétique », créée par Charles Nodier en 1821, fait aujourd’hui partie intégrante du vocabulaire des études sur le romantisme. Le genre qu’elle désigne donne cependant lieu à des définitions divergentes, tant au niveau des auteurs qui l’exemplifient qu’au niveau des caractéristiques qui le décrivent. Cette thèse retrace l’histoire du genre frénétique tel qu’il a été défini par la critique, de 1821 à 2010, à partir d’une étude des emplois de l’appellation générique dans un corpus de près de 630 textes critiques. Dans les années 1820 et 1830, la notion du frénétique revêt une visée polémique dans le cadre du débat sur le romantisme. Alors que Nodier inventait le genre frénétique pour le distinguer du romantisme, de nombreux critiques assimilent au contraire, totalement ou partiellement, les deux notions, l’appellation permettant de décrire le romantisme dans ses dimensions violente et excessive. Après plusieurs décennies où le genre disparaît des lectures du romantisme, le genre « frénétique » est à nouveau convoqué au début du XXe siècle et connaît un succès croissant, qui a pour corollaire une complexification des définitions. Manifestation d’une révolte métaphysique ou transposition littéraire d’un èthos, le « frénétique », qu’il soit jugé favorablement ou non, permet aussi généralement de rendre compte de la vogue, à l’époque romantique, d’un genre horrifique et outrancier, héritier du roman gothique anglais. Ce dernier genre, formé par les romans de Radcliffe, Lewis et Maturin, constitue cependant un corpus hétérogène déterminant deux lignées génériques qui méritent d’être distinguées, le roman noir et le frénétique. / The name of the “Frénétique” genre was created by Charles Nodier in 1821 and is now an integral part of the vocabulary of Romanticism studies. The genre it designates, however, has experienced diverging definitions, both with regards to the authors associated with this genre and the characteristics that describe it. The present thesis traces the history of the genre known as “Frénétique” as defined by critiques from 1821 to 2010, based on a study of the uses of the genre name in a corpus of close to 630 critiques. In the 1820s and 1830s, the notion of “Frénétique” was used in debates on Romanticism with a polemical purpose. While Nodier invented the “Frénétique” genre so as to distinguish it from Romanticism, numerous critics instead assimilated the two notions in part or in whole —using the “Frénétique” appellation to describe the most violent and excessive dimensions of Romanticism. After disappearing from Romanticism readings for several decades, the “Frénétique” genre emerged again in the early 20th century, when its rising success lead to an increasing complexity of its definitions. The “Frénétique” genre can be the manifestation of a metaphysical revolt, the literary transposition of an èthos, or is generally used to describe the Romantic-era craze for a horrific and excessive genre that inherited its key characteristics from the Gothic Novel. The latter, constituted by the novels of Radcliffe, Lewis and Maturin, spurred two genres that should be distinguished: the French Gothic Novel and the “Frénétique” genre.

Comment s’articulent, autour des rapports entre l’homme et la nature, les pratiques scientifiques du naturaliste et du géographe, une pensée politique s’étendant du libéralisme à l’anarchisme et un style d’écrivain ? C’est la question que posent, singulièrement à la forme de l’essai, les œuvres d’Alexander von Humboldt (1769-1859), de Henry David Thoreau (1817-1862) et d’Élisée Reclus (1830-1905). Dans un large XIXème siècle à envisager comme période révolutionnaire marquée par l’effacement des terræ incognitæ, le recul de la nature « sauvage » et les soubresauts économiques et politiques (Révolution Industrielle et révolutions politiques faisant se succéder les régimes), ces figures qu’il faut relire comme d’authentiques écrivains allient au sein d’une politique de la nature la géographie de la Terre à celle de l’Homme, et leurs expériences personnelles de la nature (du voyage d’exploration à l’habitat) à une pensée de la communauté allant et venant de l’individu à l’humanité, du micro- au macrocosme. Héritiers des Lumières luttant contre l’esclavage, le despotisme et le colonialisme, qu’ils documentent, ces essayistes qui refusent de laisser la science aux mains d’une caste positiviste et ethnocentriste sont les vulgarisateurs et les prophètes d’une démocratie littéraire en construction. Ils sont les pionniers d’une exploration moderne des rapports entre écriture et connaissance, les témoins essentiels d’une différenciation des savoirs que leur pratique littéraire universaliste entend conjurer. Tout l’enjeu consiste à perpétuer une approche de la nature comme un ensemble (cosmos) au moment même où elle se trouve, en tant qu’objet, divisée entre création littéraire et savoir savant. A l’aube de l’écologie littéraire et dans cette description d’un monde où chaque chose dépend de chacune des autres, la pratique de l’essayiste semble être la seule à pouvoir porter ce discours complexe, à la fois politique, scientifique et littéraire. / How can the naturalist’s and the geographer’s scientific enquiries, a political thought ranging from liberalism to anarchism, and a writer’s style all revolve around the relationship between Man and Nature ? Such is a question raised —especially with regards to the Essay genre— by the works of Alexander von Humboldt (1769-1859), Henry David Thoreau (1817-1862) and Élisée Reclus (1830-1905). Within the bounds of a longer 19th century, which can be seen as an age of revolutions marked by the fading off of terræ incognitæ, the dwindling of the Wilderness, and a series of economical and political fits (Industrial and Political revolutions triggering the succession of strings of regimes), it appears critical to reconsider these names as those of genuine authors. From the heart of a politics of nature, they bind together the geographies of Man and the Earth, and their personal experience of Nature (as explored or inhabited) with a thought of community ceaselessly shifting from the Individual to the Human Kind, from the Microcosm to the Macrocosm. These Essay writers are the heirs of the Enlightenment in their struggle against slavery, despotism and colonialism (which they document); they object to leaving science in the hand of a positivistic, ethnocentric caste —they are the authors of popular sciences and the prophets of a literary democracy in the making. They are the pioneers of a modern exploration of the relationship between writing and knowledge, the crucial witnesses of a gradual differentiation of sciences that their universalistic literary paradigm sets out to avert. The ultimate point is to carry on approaching Nature as a whole (cosmos) in an era bringing about its division, as an object, into two separate categories of literary creation and scholarly knowledge. In the dawning light of literary ecology, and in this world description in which all things depend on all things, the work of the Essay-writer seems to be the only one able to voice this complex speech, made of politics, science and literature all together.

Cet ouvrage est basé sur l’analyse les quatre premiers romans de l’écrivain brésilien Machado de Assis (1839-1908) – Ressurreição (1872), A mão e a luva (1874), Helena (1876) et Iaiá Garcia (1978) – avec l’intention de comprendre la relation de ces livres avec le mouvement romantique brésilien. Bien qu’ils aient été écrits à une époque où le romantisme au Brésil touchait à sa fin, ces livres ont été considérés par les critiques du début du XXe siècle comme étant des romans romantiques étant donné la récurrence d’éléments narratifs qui ont structuré ce mouvement lequel a vu le jour au Brésil en 1836. Pourtant, bien que la présence de tels éléments dans l’œuvre de la jeunesse de Machado de Assis puisse être constatée, ils n’obéissent pas la démarche technique de ce mouvement littéraire. Il est donc nécessaire de discuter dans quelle mesure et sous quelle forme ces éléments sont présents dans les premiers romans de l’écrivain. Pour cela, la discussion sur le processus de création du mouvement romantique brésilien, directement lié à l’affirmation d’une identité nationale propre à l’Empire brésilien (1822-1889), représente un thème clé pour comprendre l’importance de la couleur locale, et plus particulièrement du paysage brésilien, dans le noyau esthétique du mouvement romantique dans ce pays. À partir des grandes lignes de ces éléments structurants du romantisme brésilien, l’analyse des premiers romans de Machado de Assis met au jour une révision critique de la tradition romantique par l’auteur, dans son projet de développer une littérature originale, créative, indépendante et universelle. / This work analyzes the first four novels of the Brazilian writer Machado de Assis (1839-1908) – Ressurreição (1872), A mão e a luva (1874), Helena (1876), and Iaiá Garcia (1978) – aiming to understand the link between these books and the Brazilian romantic movement. Although the novels were written at a time when Romanticism in Brazil was coming to an end, they were classified by critics of the early 20th century as romantic works because they contained recurrent narrative elements based on that movement which began in Brazil in 1836. Nevertheless, although such elements can be observed in the early work of Machado de Assis, they do not meet the technical procedure of the overall romanticist literary movement. It is thus necessary to discuss the extent to which these elements are deployed in the writer's initial novels. In order to do that, this work analyzes the process of creation of the Brazilian romantic movement, which is directly associated with the Empire of Brazil (1822-1889). This is important to understand the role of the local color, and more specifically of the Brazilian landscape, in the aesthetic basis of the Brazilian romanticism. From the outline of this basic structure of Brazilian romanticism, the analysis of the early novels of Machado de Assis shows that the author critically reviewed the romantic tradition to develop an original, creative, independent and universal literature. / Este trabalho analisa os quatro primeiros romances do escritor brasileiro Machado de Assis (1839-1908) – Ressurreição (1872), A mão e a luva (1874), Helena (1876) e Iaiá Garcia (1978) – com a intenção de compreender a relação destes livros com o movimento romântico brasileiro. Apesar de terem sido escritos na época em que o romantismo no Brasil chegava ao seu fim, esses livros foram classificados pela crítica do início do século XX como obras românticas dada a recorrência de elementos narrativos aparentados a este movimento que, no Brasil, teve início em 1836. No entanto, ainda que se possa observar a presença de tais elementos nas obras de juventude de Machado de Assis, eles não obedecem ao proceder técnico desse movimento literário. Então, cumpre-se discutir em que medida e de que maneira esses elementos estão presentes nos romances iniciais do escritor. Para tanto, a discussão sobre o processo de criação do movimento romântico brasileiro, diretamente associado à afirmação da identidade nacional e do Império brasileiro (1822-1889), consiste numa questão relevante a fim de se compreender a importância da cor local, e mais especificamente da paisagem brasileira, no cerne estético do romantismo nacional. A partir do delineamento desse elemento estrutural do romantismo no Brasil, a análise dos primeiros romances de Machado de Assis permite constatar de fato o seu intuito de revisitar de forma crítica a tradição romântica no intento de desenvolver uma literatura original, criativa, independente e universal.

Made available in DSpace on 2017-07-21T14:53:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Barbara Marcal Celestino.pdf: 1208933 bytes, checksum: b3b7c4dc7e03a2e3aa450d022808ff99 (MD5) Previous issue date: 2016-03-31 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / L’objectif de cette rechercheestd’analyser le roman portugais L'année de la mort de Ricardo Reis, de José Saramago, à partir de l'autoréflexion. On parle de cette procédure quand l'œuvre littéraire raconte, avec la trame, les engendrements de sa composition. De cette manière, l'autoréflexiondevient une des étoiles principales du spectacle mis en scène dans le roman saramaguien.Le terme a été étudié par Jonathan Culler et trouveses racines dans l'ironie romantique. Celle-ci, à son tour, gagne les projecteurs littéraires à la fin du XVIIIe siècle, mais c'est pendant le XIXe, grâce à l'ascension du roman, que l'ironie romantique commence à être perçue avec ampleur dans les œuvres littéraires. Étant donnél’importance du sujet et le rapprochement observé entre ce roman et la manière d'écriture développée par les romantiques, ce travail se penchera sur les dialogues théoriques et littéraires dans différents moments de l’analyse. / Este trabalho tem como objetivo analisar o romance português O ano da morte de Ricardo Reis, de José Saramago, a partir da autorreflexão. Essa ocorre quando a obra literária narra, junto ao enredo, os engendramentos de sua composição. Desse modo, a autorreflexão se torna uma das estrelas principais do espetáculo encenado no romance saramaguiano. O termo aqui empregado foi estudado por Jonathan Culler e tem suas raízes na ironia romântica. Essa, por sua vez, ganha os holofotes literários no fim do século XVIII, mas é no decorrer do XIX, graças à ascensão do romance, que a ironia romântica começa a ser percebida com vastidão nas obras literárias. Dada a relevância do assunto e a aproximação, no que tange ao modo de escrita desenvolvido pelos chamados românticos, com o romance em questão, este trabalho se voltará aos diálogos teóricos e literários em diferentes momentos durante esta análise.

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Dans ses dernières pièces pour piano, Franz Liszt tend à déstabiliser les codes normatifs des procédures cadentielles, en cherchant à éviter la configuration générale de la consonance, de la détente et de l’apaisement. Plusieurs catégories sémantiques peuvent être déterminées, ayant chacune ses propres caractéristiques stylistiques : la figure féminine, le passé, le sinistre, le macabre, même si la mort semble constituer le principe esthétique essentiel. À partir de ces catégories, il s’agit alors de proposer une réflexion sur les significations de ces fins d’œuvres, en convoquant les stratégies poïétiques du compositeur, les attentes esthésiques et la collaboration de l’auditeur. La première partie se consacre pleinement au processus de dépouillement et à la notion de seuil, tandis que la deuxième interroge le principe d’accroissement sonore en lien avec les topoï méphistophéliques, sinistres et tzigano-hongrois. Enfin, la troisième partie s’articule autour de plusieurs axes : la fin ouverte, la forme expérimentale, l’attente, l’inattendu, l’improvisation, la notion de fragment romantique. Ces pistes de réflexions visent à cerner un paradoxe de la fin d’œuvre chez le dernier Liszt, entre structure fermée et principe de seuil. / In his late piano pieces, Franz Liszt tends to destabilize the traditional codes of the cadential procedures. He aims to avoid the general configuration of consonance, relaxation and quiescence. Several semantic categories can be defined, each of them having its own stylistic characteristics: female, past, sinister, macabre, even if death seems to be the most efficient principle, from a point of view of aesthetics. It is to propose a reflection into the meanings of these endings. To do this, we resort to poïtic intentions of the composer with the esthesic expectations and interpretive collaboration of the listener. The first part of this thesis is devoted to process of denudation and threshold notion, whereas the second part raises questions about the principle of increase, related to mephistophelian, sinister and gypsy-Hungarian topoï. At last, the third part focuses on several topics: open ending, experimental form, expectation, the unexpected and romantic fragment. These avenues of reflection attempt to identify a paradox of the ending in Liszt’s late piano pieces, between closed structure and threshold principle.

Ce projet de thèse en création littéraire, divisé en trois parties, vise à poursuivre dans la veine entomologique et littéraire présente dans L’Insecte, de l’historien Jules Michelet, et dans La Vie des Abeilles, La Vie des Fourmis et La Vie des Termites, du poète symboliste Maurice Maeterlinck. Dans un premier temps, nous analyserons la teneur du discours scientifique de ces deux écrivains reconnus par l’institution littéraire en adoptant une approche épistémocritique. Nous chercherons à comprendre comment les connaissances entomologiques au sujet de l’abeille, de la fourmi et du termite servent les textes de notre corpus et à quel point elles diffèrent d’un écrivain à l’autre. Nous examinerons également leur utilisation des références scientifiques, de la terminologie, des figures et des représentations abstraites afin de mieux nous outiller pour la création. Dans un deuxième temps, nous présenterons la trilogie de nouvelles Antennes qui traite des mêmes connaissances entomologiques que Michelet et Maeterlinck, mais d’une façon imagée et à une échelle différente, car nous y transposons les qualités animales aux humains. L’ensemble est construit en fonction de la hiérarchie établie par Maeterlinck au sujet des espèces qu’il a étudiées pour déterminer si cet ordre tient toujours, un siècle plus tard. Nous retrouvons ainsi les qualités de l’indestructible fourmi (L’Organe) qui, par son altruisme, serait supérieure à l’abeille asservie et à la santé fragile (L’Extrudeuse), qui elle-même serait supérieure à l’impitoyable termite (La Termitière). En changeant les proportions et les acteurs, nous expérimentons avec la fiction pour tenter de comprendre ce que signifient la nature, l’intelligence, l’altruisme et la mort pour l’être humain au XXIe siècle. Dans la dernière partie, forte de notre analyse et de notre création, nous aborderons dans L’Excès le comportement de l’espèce humaine et la place qu’elle se croit en droit d’occuper au sein de la nature.

L'épistolaire est un médium favorable à l'émergence d'une conscience de soi et à l'expression du moi du sujet épistolier. Par définition, la lettre est une forme instable qui se fonde sur un système oscillatoire entre les pronoms « je » et « tu », entre l'ici et l'ailleurs et entre la présence et l'absence. Or, qu'en est-il dans un contexte d'exclusion et d'occultation du droit à la parole? La période insurrectionnelle bas-canadienne de 1830-1840, dont les Rébellions de 1837-1838 constituent l'acmé, rend manifestes les rapports de pouvoir entre le gouvernement colonial et les Canadiens français ainsi que ceux entre les hommes et les femmes. Pour les individus en position de dominé, l'écriture de la lettre constitue parfois l'unique façon de se créer une place dans le monde, d'inscrire sa parole dans le cours des événements historiques. L'aller-retour de la lettre révèle à la fois la pression exercée par le discours hégémonique et son renversement par le déploiement de stratégies de résistance. Dans l'espace épistolaire, cette dualité se médiatise principalement dans la construction de l'image de l'autre, l'anti-ethos, dans l'autoreprésentation et dans l'adresse. Il s'agit donc d'observer comment l'événement sert d'instigateur à la prise de conscience de soi et comment il devient un pré-texte à l'écriture du moi, révélant ainsi une pratique discursive déjà en rupture avec la tradition classique. En réponse à l'assignation à une identité imposée, Chevalier de Lorimier et Julie Bruneau-Papineau se servent de la lettre pour se faire reconnaître, pour rendre compte de l'écart entre les catégories généralisatrices auxquelles ils sont identifiés et leurs aspirations individuelles. Dans ces conditions, l'écriture de la lettre constitue non seulement un acte de résistance à l'oppression, mais elle crée aussi un espace de liberté. Une approche féministe de ce corpus montre que, bien que le genre sexué du sujet écrivant ait une influence sur le discours, l'identité des stratégies énonciatives déployées dans ces correspondances indique que le colonialisme et le patriarcat ne sont que la face et l'envers d'un même système d'oppression. En convoquant les théories de l'analyse du discours et celles de l'énonciation, l'étude des stratégies rhétoriques dévoile les conditions de l'individuation du sujet. Dans ces correspondances, l'autoreprésentation se décline par la construction d'une image de soi, laquelle tend à éloigner l'écriture épistolaire de ses finalités communicationnelles et utilitaires afin de servir l'expression d'une sensibilité de nature romantique. En plus de coïncider avec les idéaux révolutionnaires des épistoliers, l'esthétique romantique engendre une rupture au niveau du code épistolaire en vigueur. La contestation de l'ordre établi ne peut s'envisager dans le respect des normes de la correspondance fondées sur l'idéal classique. Le témoignage de l'expérience de l'oppression ne peut s'écrire en fonction du principe selon lequel la lettre n'a d'autre destinée que celle de plaire à son destinataire, d'assouvir ses passions et ses intérêts. C'est pourquoi, les Rébellions de 1837-1838 apparaissent comme un contexte favorable à l'expression de voix dissidentes dont l'écriture est le support privilégié. Les écrits entourant ces événements agissent comme des précurseurs de littérarité et nous renseignent sur les pratiques d'écriture bas-canadiennes. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Épistolaire, Correspondance, Rébellions, Stratégies, Résistance, Oppression, Chevalier de Lorimier, Julie Bruneau-Papineau, Littérature québécoise, XIXe siècle, Romantisme, Écriture des femmes.

Notre thèse est consacrée à l’étude des Mystères de Paris (1842-1843) d’Eugène Sue et des romans qui ont cherché à profiter de son succès. Ces « mystères urbains » font du ressassement une stratégie narrative fort développée : ils tentent de se différencier en répétant. Notre thèse met en lumière les modifications et les recontextualisations de clichés et de scénarios convenus pour fictionnaliser la grande ville en fonction d’une prise de conscience aiguë des nouvelles réalités, au premier rang desquelles la découverte du prolétariat, la fascination de la modernité et la peur de la criminalité urbaine. Notre thèse offre un panorama des horizons culturels convoqués par les mystères urbains, une typologie de leur personnel romanesque criminel et l’examen de la construction du lecteur par l’œuvre – et de l’œuvre par le lecteur. Elle révèle une poétique des mystères urbains issue et ancrée dans un moment sociohistorique précis mais dotée d’une vaste portée et d’une pérennité surprenante. / Our thesis studies Eugène Sue’s “Mystères de Paris” (1842-1843) and the “romans-feuilletons” that have tried to gain profit out of its success. The “urban mysteries” make use of repetition as a much-developed narrative strategy: they intend to differentiate themselves while repeating. Our thesis shines light on the manners in which clichés and agreed scenarios are used and modified to fictionalize the big city, according to an acute awareness to new realities, first of which are the discovery of the proletariat, the fascination with modernity, and the fear of urban criminality. Our thesis presents a panoramic shot of the cultural horizons convened by the urban mysteries, a typology of the criminal characters, and the scrutiny of the construction of the reader by the novel – and of the novel by the reader. This thesis reveals a poetics of the urban mysteries stemming from and anchored within a precise sociohistorical moment, yet endowed with considerable reach and surprising endurance. / La thèse a été réalisée dans le cadre d'une cotutelle entre l'Université de Montréal et l'Université Stendhal - Grenoble 3.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.