Léon Bonnat (1833-1922) reçoit sa formation artistique en Espagne, puis dans l’atelier parisien du peintre Léon Cogniet, enfin à Rome. Ses premières grandes compositions religieuses lui apportent très tôt le succès, la renommée, les commandes de l’État, et ses scènes de genre italiennes ou orientalistes sont achetées par la clientèle privée. Vers le milieu des années 1870, il se tourne définitivement vers la peinture de portrait dans laquelle il remporte un immense succès faisant de lui, selon ses contemporains, l’un des plus grands portraitistes de son époque. Il peint les portraits des représentants de la classe dirigeante et fortunée française ou étrangère, en particulier américaine, jusqu’à la Première Guerre mondiale. Il pratique ce genre jusqu’à la fin de ses jours, laissant derrière lui, au-delà des portraits d’amis artistes ou de membres de sa famille, une exceptionnelle « galerie » des personnalités du moment, aristocrates, hommes politiques, grands bourgeois français et étrangers, dont quelques œuvres « iconiques » qui marquent la mémoire collective. / Léon Bonnat (1833-1922) received artistic training in Spain, then in the Parisian studio of the painter Léon Cogniet, and finally in Rome. His early large religious pictures quickly brought him success, fame, and State commissions, while his Italian and Orientalist genres scenes were purchased by private patrons. Around the middle of the 1870s he made a definitive turn toward portrait painting that became immensely successful and made him, according to his contemporaries, one of the greatest portraitists of the wealthy and ruling class in France or abroad, particularly in the United States, before the First World War. He practiced in this genre until the end of his life, leaving behind - except for the portraits of his artist friends and members of his family - an exceptional gallery of personalities of the time, primarily aristocrats, politicians, and French and foreign grands bourgeois, including several iconic works that mark the collective memory.

Apparu vers le milieu du XIXe siècle comme jargon dans les cercles artistiques munichois désignant une image de piètre qualité, bon marché, le mot kitsch s’utilise aujourd’hui non seulement dans le monde de l’art mais aussi dans la vie quotidienne toujours avec un sens fortement péjoratif. Considéré en général comme « mauvais goût », « art sans valeur », « camelote artistique », ou « art vulgaire », le kitsch n’est pourtant pas un concept qui demeure seulement dans une dimension esthétique ou artistique. Les divers phénomènes historiques du kitsch, émergés dans le contexte de la modernité, comme « la bib[e]lotomanie », « le roman-feuilleton », « l’art pompier » en France au XIXe siècle, ou encore « la peinture de salon de coiffure » en Corée au XXe siècle, trahissent tous que le kitsch est en effet une attitude que l’homme adopte vis-à-vis de son existence et du monde dans la réalité. L’essentiel de ce concept réside donc dans sa négation ou mieux dans sa fuite de la réalité. Voilà pourquoi la photographie se présente comme un médium qui mérite d’être étudié en rapport avec le kitsch. Médium qui a un lien spécifique par excellence avec le réel, elle ne cesse de faire ontologiquement le va-et-vient entre le présent et le passé, l’instantanéité et l’éternel, l’ici et l’ailleurs, le sujet et l’objet, la vie et la mort, etc. C’est en effet à cause de cette ontologie paradoxale que la photo peut devenir, selon « l’acte photographique », non seulement de l’art mais aussi du kitsch. Ainsi, l’attitude envers ce dernier que les artistes laissent apercevoir à travers leur œuvre photographique s’avère extrêmement variée, et ambiguë, voire même contradictoire tout comme chez Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado et Oliviero Toscani. / Appeared in the mid-nineteenth century as a jargon in the artistic circles of Munich designating a cheap image of poor quality, the term “kitsch” is used today not only in the art world, but also in everyday life, always with strongly pejorative sense. Generally considered as “bad taste”, “worthless art”, “artistic junk” or “vulgar art”, kitsch, however, is not a concept that remains only in aesthetic or artistic field ?. Various historical phenomena of kitsch which had been all emerged in the context of modernity, such as “bib[e]lotomanie”, “serialized novel”, “academic art” in France in the nineteenth century, or “barbershop’s painting” in Korea in the twentieth century, show that kitsch is indeed an attitude of human being toward his own existence and the world. The essence of this concept lies therefore in his negation of reality, or better in his escape from reality. That’s why photography deserves to be studied in relation with the kitsch. Having a specific link with the reality, the medium oscillate ontologically between the present and the past, the instant and the eternity, the here and the elsewhere, the subject and the object, the life and the death, etc. It is indeed because of this paradoxical ontology that the photography can become, according to the “acte photographique” not just art but also kitsch. Thus, the attitude to the latter the artists let reveal through their photographic work turn out extremely varied and ambiguous, even contradictory such as it does in the work of Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado and Oliviero Toscani.

Al-Ḥaǧǧāǧ b. Yūsuf al-Ṯaqafī est considéré par l’historiographie médiévale musulmane comme l’archétype de l’homme de pouvoir tyrannique. Ayant fait face avec succès à de nombreuses révoltes, il a posé un problème moral aux historiens musulmans, dans la mesure où il est mort de mort naturelle, sans avoir été puni par Dieu. Comment donc rendre compte de sa période mouvementée, de ses actions, de sa défiance vis-à-vis des symboles religieux, des massacres qu’il a commis ? Nous tentons de démontrer qu’en recourant entre autres à la satire et à l’ironie, les historiens et les hommes de lettres qui ont écrit sur lui ont répondu, chacun à sa manière, à cette question épineuse, en dressant de lui un portrait noir, qui touche à tous les aspects de sa personne. En nous appuyant sur les projets de Paul Ricœur et surtout de Hayden White, nous démontrons également que les historiens musulmans intervenaient de façon notable dans la composition de leurs œuvres pour orienter leurs récits selon leur conception morale et « idéologique » propre, offrant ainsi des portraits différents d’al-Ḥaǧǧāǧ. Le résultat en est des lectures sceptiques (al-Ṭabarī), ironiques (al-Balāḏurī) ou satiriques et très pro-‘alide (al-Mas‘ūdī). Le contre-point offert par l’étude de trois textes non historiques permet d’élargir cette vision et de prouver si besoin est la proximité entre histoire et adab à l’époque médiévale. Par la même occasion, nous pensons avoir trouvé de nombreux exemples réfutant la thèse d’une histoire canonique écrite sous le califat ‘abbaside. / Al-Ḥaǧǧāǧ b. Yūsuf al-Ṯaqafī is considered by Islamic medieval historiography as the archetypal man of tyrannical power. Having successfully dealt with many revolts, he posed a moral problem to Muslim historians, to the extent that he died of natural causes, without being punished by God. How then to account for his turbulent times, his actions, his distrust vis-à-vis religious symbols, massacres he committed? We are trying to demonstrate that by using satire and irony, historians and writers who have written about him have responded, each in its own way, this thorny issue by drawing a black portrait of him, touching on all aspects of the person. Building on the accomplishments of Paul Ricœur and especially Hayden White, we also show that Muslim historians intervened significantly in the composition of their works to guide their narratives according to their moral conception and “ideological” own, offering portraits various al-Ḥaǧǧāǧ. The result is skeptical (al-Ṭabarī), ironic (al-Balāḏurī) or satirical and very pro-‘alide (al-Mas‘ūdī) readings. The study of three non-historical texts broadens the vision and demonstrate if necessary proximity between history and adab in medieval times. At the same time, we believe we have found many examples refuting the thesis that a canonical history was written under the Caliphate Abbasid.

L’essor de la cartographie locale en Occident à la fin du Moyen Âge est marqué par l’association de deux manières de voir et de montrer le monde : la peinture et la cartographie. Cette association a favorisé la diffusion d’une multitude de nouvelles pratiques de représentation de l’espace entre le XIVe siècle et le début du XVIe siècle à des échelles, locales ou régionales, peu usitées auparavant. Ces nouvelles pratiques cherchaient à reproduire l’expérience de la vue. Le corpus des représentations d’espaces locaux du début du XIVe siècle au début du XVIe siècle est aussi riche que méconnu. Il comprend des cartes territoriales, des figures schématiques, des plans, des vues paysagères ou encore des portraits élaborés par des auteurs de formations et de natures variées, notamment des hommes de loi et des peintres. L’expression « vue figurée » a progressivement été employée dans les textes pour désigner cette documentation. Les vues figurées s’appuyaient moins sur des savoirs géographiques que sur la visite et sur l’observation de lieux en discussion par un agent de l’autorité. Elles exposaient des territoires ou des localités afin de répondre à des préoccupations pratiques telles que des projets d’aménagement, des litiges ou des entreprises d’appropriation.À partir d'un corpus de représentations de l'espace issues de l’art et du droit, la thèse propose d’analyser les pratiques juridiques, sociales et culturelles ainsi que les logiques de perception de l’espace qui sont en œuvre dans la production de documents cartographiques à cette échelle. / The rise of local cartography at the end of the Middle Ages was shaped by the association of two ways of seeing and showing the world : painting and cartography. This association promoted the spreading of numerous new practices of spatial representation between the 14th century and the beginning of the 16th century at some local and regional scales rarely used before. Those practices attempted to reproduce the experience of sight. This kind of document is mostly often called « figures » or « portraits » by their authors. But archivists and scholars use another vocabulary according to formal criteria : sketches, plans, local maps, descriptions or views. The expression « vue figurée » (pictured view) used since the 16th century characterizes this documentation by stating the very nature of this kind of representation. The « vues figurées » do not belong to any geographical categorizations and were directly drawn by some agents of authorities to discuss territories or places. The thesis analyses juridical, social and cultural practices along with particular perceptions this kind of document refers to.

The master thesis is devoted to the linguopragmatic description of speech behavior of one of the most authoritative TV hosts of the Russian media space - Vladimir Vladimirovich Pozner. The research is based on the concept of confrontational communication, connected with the idea of speech conflict, and the concept of cooperative communication, connected with the idea of harmonization. Two key strategies were singled out in speech behavior of V.V. Posner in the framework of the portrait interview: presentation strategy of the program's guest and self-presentation strategy of the host. A registry of basic tactics were compiled and they implement these strategies in a conflict or cooperative dialogue. Typical speech moves manifesting tactics were described. / Магистерская диссертация посвящена лингвопрагматическому описанию речевого поведения одного из самых авторитетных телеведущих российского медийного пространства – Владимира Владимировича Познера. Исследование опирается на понятие конфронтационного общения, связанное с идеей речевого конфликта, и понятие кооперативного общения, связанное с идеей гармонизации. В речевом поведении В.В. Познера в рамках портретное интервью были выделены две ключевые стратегии: стратегия презентация героя программы и стратегия самопрезентации ведущего. Составлен реестр базовых тактик, реализующих данные стратегии в рамках конфликтного или кооперативного диалога, описаны типичные речевые ходы, манифестирующие тактики.

This thesis presents a new approach to the royal female portrait in the Hellenistic world. Until now, it has been studied for its feminine or royal characteristics. There is, therefore, no complete definition because of the division of information. An intersectional approach fills this gap by bringing together the two constituent characteristics of these portraits. Moreover, this research enriches the field of study concerning Hellenistic queens because the iconographic aspect remains mostly absent given the scattering of sources and the need for archaeological studies on this type of sculpture. This dissertation will study the sculptural portraits of five Hellenistic queens: Eurydice of Macedonia, Apollonis of Cyzic, Arsinoe II Philadelphus, Laodike III, and Cleopatra VII Philopator. These statues are of different materials, dimensions, and regional styles. This work focuses mainly on the Macedonian, Lagid, Seleukid, and Attalid kingdoms because they have enough sources to conduct a study. The contact with the Egyptian world led to an interaction between the Greek and Pharaonic cultures that will be included in this research. This research is based on three objectives. The first is to intersectionally define the royal female carved portrait using the erection decrees and scientific literature. Inspired by existing catalogs, the second objective is to group the portraits of the five queens in their own catalog, with a classification appropriate to their characteristics. The last is to create a chronological framework through a stylistic and contextual analysis of her portraits. / Ce mémoire présente une nouvelle approche concernant le portrait royal féminin sculpté dans le monde hellénistique. En effet, celui-ci n’a jusqu’à maintenant été étudié que pour ses caractéristiques féminines ou royales séparément. Il n’y a donc pas de définition complète vu la division des informations. Une approche intersectionnelle vient pallier ce manque en regroupant les deux caractéristiques constituantes de ces portraits. De plus, cette recherche vient enrichir le domaine d’études concernant les reines hellénistiques puisque l’aspect iconographique est trop souvent absent, vu l’éparpillement des sources et le manque d’études intersectionnelles archéologiques à ce sujet. Dans ce mémoire seront donc étudiés les portraits en sculpture de cinq reines hellénistiques: Eurydice de Macédoine, Apollonis de Cyzique, Arsinoé II Philadelphe, Laodicé III et Cléopâtre VII Philopator. Ces statues varient grandement en matériau, dimension, de plus qu’en style régional. L’étude se concentre principalement sur les royaumes macédoniens, lagides, attalides et séleucides. Ils sont ceux ayant assez de sources pour conduire une étude. Le contact avec le monde égyptien entraîne une interaction entre la culture grecque et pharaonique qui sera définitivement incluse dans cette recherche. Cette recherche repose sur trois objectifs. Le premier est de définir intersectionnellement le portrait royal féminin sculpté en utilisant les décrets d’érections et la littérature scientifique. En s'inspirant de catalogues déjà existants, le deuxième objectif est de regrouper les portraits des cinq reines dans leur propre catalogue avec une classification appropriée à leurs caractéristiques. Le dernier est de créer un cadre chronologique par une analyse stylistique et contextuelle de ces portraits.

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Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de certains documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée à la Division de la gestion des documents et des archives. / Mihri Rasim (1885-1954) est la plus importante peintre turque et une pionnière féministe. L’idée reçue à son sujet est qu’elle a été une artiste marginale, inclassable et qu'elle est décédée dans la désuétude aux États-Unis, amère d’avoir choisi une carrière artistique. À défaut d’information, auteurs et historiens de l’art ont masqué leur ignorance en élaborant un récit à partir de la personnalité fascinante de Rasim. La présente étude, qui est la première thèse de doctorat et aussi la première monographie extensive sur Rasim, déconstruit ce mythe. Rasim était une ambitieuse peintre et une Jeune-Turque arriviste qui avait une stratégie pour atteindre l’objet de son ambition. Elle a poursuivi deux objectifs tout au long de sa vie : élargir le spectre des possibilités des femmes et être considérée elle-même, selon ses propres termes, « parmi les gens de talents ». À Istanbul, à une époque où les femmes pouvaient difficilement sortir de leur harem, elle a instauré une première école de beaux-arts pour les femmes. Pendant qu’elle y était la directrice, elle a mis en place les premiers cours de nus féminins de l’histoire de l’art turc. Elle a permis aux femmes de recevoir une éducation artistique comparable aux standards artistiques européens et leur a donné accès à un nouveau métier. Elle a créé une bourse pour ses étudiantes à l’Académie et elle a essayé de constituer une association d’entraides pour les peintres-femmes. Elle a aussi fait les portraits des dirigeants Jeunes-Turcs et ceux de leur entourage. Elle a développé son plan artistique en conservant les mêmes objectifs et en s’appuyant toujours sur la même stratégie. Elle s’est servie de ses relations politiques et sociales à Istanbul, ou s’est efforcée d’en former de nouvelles lorsqu’elle se trouvait en Europe ou aux États-Unis. Elle a ainsi construit un réseau au service de sa carrière. Pour ce faire, elle a portraituré de grands hommes modernistes, même controversés, du vingtième siècle – Alphonse XIII, Benito Mussolini, Mustafa Kemal Atatürk, Franklin Delano Roosevelt, Thomas Edison. Dans une perspective féministe, mon étude établit l’importance de cette artiste cosmopolite du vingtième siècle. Je mets au jour les détails de la vie et de l’art de Rasim qui jusqu’à présent étaient méconnus. Au moyen de documents d’archives inédits, ses données élémentaires biographiques sont clarifiées. Une datation et une identification de ses sujets de portraits sont offertes. Je propose une approche innovatrice pour examiner l’art de Rasim que j’analyse par rapport à la scène artistique et culturelle turque, et mondiale. J’évalue l’impact, pour son époque et la nôtre, des gestes posés par Mihri Rasim. Ma thèse témoigne du rôle essentiel des femmes culturelles et politiques majeures, ainsi que des limites qui leur étaient, et qui leur sont encore, imposées par le système en place. / Mihri Rasim (1885-1954) is Turkey’s most important painter and feminist pioneer. The widely shared assumption about her is that she was a marginal, unclassifiable artist, who died in misery and resentful for having dedicated her life to art. Without any real information, authors and art historians obscured their ignorance by elaborating her life story out of her fascinating personality. My dissertation, which is also the first exhaustive art historical study on the artist, is dismantling this myth. Rasim was an ambitious artist and an upstart, Young Turk, who had a strategy to achieve her ambition. From the beginning of her career and for the rest of her life she pursued two goals: she expanded women’s horizon of possibilities and she aspired to be considered, in her own words, “among the talented people”. In Istanbul at a time when Turkish women could barely leave their harem, she set up the first fine arts school for women. While she was the head of women’s Academy, she introduced the first female nude classes in the history of Turkish arts. She allowed women to receive an art education comparable to European artistic standards and provided them access to a new profession. She created a scholarship for her students at the academy and tried to constitute an association of mutual help for female painters. She also made the portraits of Young-Turk leaders and of their entourage. She used her political connections in Istanbul, and, as she moved from Turkey to Europe to the United-States, she developed her artistic project with new interlocutors and in different contexts but always with the same purposes. She built a network to support her career. In order to achieve this she portrayed great modernist men of the first half of the twentieth century, even controversial ones – Alphonse XIII, Benito Mussolini, Mustafa Kemal Atatürk, Franklin Delano Roosevelt, Thomas Edison. With a feminist approach my dissertation establishes the importance of this cosmopolitan artist of the twentieth century. I am uncovering the details of her life and art, which were disregarded until today. Using original and unpublished archival materials, her elementary biographical facts are clarified. Dates for her works are submitted and identifications of her sitters are made. I propose an innovative approach to examine the painter and her artistic production not only in relation to Turkish plastic arts but also in relation to a more global artistic context. I assess the impact of her actions in her time and ours. My dissertation stands as a testament to the importance of major cultural and political women, and the limits that were and are once again placed upon them.

This thesis examines the use of irony in Joyce’s Portrait, claiming that it has the effect of deconstructing common notions of maturity that are engrained within the Bildungsroman tradition, and that this was Joyce’s intention. In Portrait, irony plays the role of psychological reality, undercutting Stephen’s unrealistic expectation to see his life follow a traditional path of teleological progression. This essay proceeds by looking at the novel’s symbolic, thematic and literary cues, as well as through an analysis of its structure, and Stephen’s psychological and behavioral tendencies throughout the novel. This interpretation of the irony as bearing deconstructive meaning comes from the essay adopting a static, as opposed to a kinetic, apprehension of Stephen in Portrait.

Thesis (MPhil)–Stellenbosch University, 2014. / ENGLISH ABSTRACT: A suitable South African literary text is translated from English to Afrikaans to investigate the possibility of enriching the target culture, although literary translations from English have a limited readership in Afrikaans. The choice of Portrait with Keys by Ivan Vladislavić as source text is motivated in a discussion of its relevance to the target culture, and of its intrinsic literary merit. Enrichment of the target culture is defined within the context of the hermeneutic approach in translation studies. The interpretation of the source text and the role of the translator is emphasised, as seen in Steiner’s account of the hermeneutic motion and Venuti’s views on the visibility of the translator and cultural filtering. Lewis’s concept of abusive fidelity is considered, and ultimately Bandia’s proposed aim of achieving balance, or a middle course between foreignising and domesticating offers an attainable strategy. The annotation of the practical translation of a selection of texts from Portrait with Keys shows that a strategy of foreignisation, of rendering the characteristics of the source texts as closely as possible in the target text, is continually balanced by the translator with a strategy of domestication, in other words creating an idiomatic, accessible target text. / AFRIKAANSE OPSOMMING: ’n Geskikte Suid-Afrikaanse literêre teks word uit Engels in Afrikaans vertaal om die moontlikheid te ondersoek dat die doeltaal daardeur verryk kan word, hoewel literêre vertalings uit Engels ’n beperkte leserstal het. Die keuse van Portrait with Keys deur Ivan Vladislavić word gemotiveer deur ’n bespreking van die toepaslikheid daarvan binne die doelkultuur, en die intrinsieke literêre meriete van die teks. Die verryking van die doelkultuur word binne die konteks van die hermeneutiese benadering in vertaalstudies bespreek. Die interpretasie van die bronteks en die rol van die vertaler word voorop gestel, soos blyk uit Steiner se uiteensetting van die hermeneutiese handeling en Venuti se beskouings oor die sigbaarheid van die vertaler en kulturele filtering. Lewis se konsep van weerstandige getrouheid, abusive fidelity, word oorweeg en uiteindelik bied Bandia se klem op die bereiking van balans, of ’n middeweg tussen veruitheemsing, of foreignisation, en verinheemsing, of domestication, ’n uitvoerbare strategie. Die annotasie van die praktiese vertaling van ’n seleksie van tekste uit Portrait with Keys toon dat ’n strategie van veruitheemsing, deur die kenmerke van die bronteks so getrou moontlik in die doelteks weer te gee, deurgaans deur die vertaler opgeweeg word teen ’n strategie van verinheemsing, dit wil sê die daarstelling van ’n idiomatiese, toeganklike doelteks.