La notion d’orphisme est née à la veille de la Première Guerre mondiale. Forgée par Guillaume Apollinaire, elle lui sert à désigner l’art nouveau et audacieux de ses amis-peintres, notamment ceux réunis autour de Robert Delaunay. Cependant, dès cette époque, le terme, utilisé de manière imprécise par le poète, pose problème. Depuis, les controverses se multiplient et durant le siècle qui nous sépare de l’invention de ce nom tout ce qui touche à l’orphisme a été remis en cause, jusqu’à son existence même. Prenant position contre cette attitude, nous proposons dans cette thèse d’envisager la production et les conceptions artistiques de l’époque sous un angle nouveau. En nous défaisant des étiquettes traditionnelles de nombreux « -ismes », nous prenons – selon la suggestion d’Apollinaire – le mythe d’Orphée comme un outil permettant de réanalyser l’art du début du XXème siècle. Cette relecture (des parcours des artistes, de leurs sources d’inspiration, des rapports entre différents centres artistiques et acteurs de la scène artistique), ainsi qu’une analyse comparative des œuvres ont pour but de démontrer que ce que nous appelons l’« orphisme » ne fut pas un concept artificiel, appliqué de manière parfaitement arbitraire à la somme des trajectoires – quelques peu accidentelles et indépendantes les unes des autres – de différents artistes, mais plutôt une évolution logique et cohérente, dont l’ampleur et l’impact sur la postérité ne furent jamais appréciés à leur juste valeur. En utilisant le mythe d’Orphée comme fil conducteur structurant notre analyse, nous mettons donc en évidence les grandes lignes de l’évolution du phénomène auquel Apollinaire a donné le nom d’orphisme : les origines et l’interprétation du terme et de la conception mêmes, le contexte historique et artistique de l’apparition et de l’évolution du mouvement, les rapports entre ses différents acteurs, les sources d’inspiration des artistes et enfin une évolution stylistico-chronologique de cette tendance. / The notion of Orphism was born on the eve of the World War II. Forged by Guillaume Apollinaire, it served him to describe a new and bold art of his friends, especially those concentrated around Robert Delaunay. However, the notion was already troublesome back then: ill-defined and unclear, it was used by the poet in a vague way. Since then, the controversies continue to mount and in a century that elapsed since the invention of the notion, everything concerning Orphism is questioned, even its very existence. Contesting this negationist approach, we propose in this thesis to analyze the artistic production and conceptions of this period under a new light. We are distancing ourselves from the traditional labels of “-isms” and we are using the Orpheus myth – as suggested by Apollinaire – as a tool which allows us to reanalyze the art from the beginning of the 20th century. This new analysis – of artists’ career paths, their fascinations, relationships between different artistic centers and between people involved in this avant-garde – and the comparative analysis of artworks serves to prove that what we call Orphism is not an artificial concept, applied in an arbitrary manner to the somewhat accidental and independent career paths of different artists. On the contrary, Orphism is a logical and consistent evolution, whose true importance and impact was never fully appreciated. By using the Orpheus myth as a guiding thread, we are bringing to light the main lines of the evolution of Orphism: the origins and interpretation of the notion and the conception, the historical and artistic context in which the movement was born and was evolving, the relationships between its actors, artists’ inspirations and, last but not least, the stylistic evolution of Orphism over the time.

Mon travail consiste à étudier des éléments du “ fonds populaire ” dans l’œuvre théâtrale et dans les textes de fiction en prose d’Apollinaire ; à restituer leur contexte temporel et géographique. Je considère la façon dont il les utilise et enfin je tente d’élucider la façon dont s’élabore la signification multiple de ces éléments. Qu’il s’agisse des mots, qu’il s’agisse des mœurs, chaque élément du fonds populaire est chargé d’un double, voire d’un triple sens imprévu et qui se fonde sur un système de signes collectif et personnel. Chaque œuvre du poète crée un univers nouveau avec ses lois propres et avec l’implication particulière d’éléments du fonds populaire. Mon étude montre combien Apollinaire fait appel à ce fonds populaire sur le plan non seulement de la matière, mais aussi de la structure. / This work is the study of the inherent elements of folk culture in Apollinaire's theatrical works and fictional prose, placing their context in time and geographical location. I examine the way he uses these elements and I try to clarify the ways in which their multiple meanings can be developped. Whether concerning words or way of life, each element from folk culture is loaded with an unexpected double or even triple meaning based on a system of collective and personal signs. Each of the poet's works creates a new universe with its own laws and particular emphasis on elements fron folk culture. My study shows the extent to which Apollinaire draws on this popular culture not only in subject matter but also in structure.

La rencontre de Guillaume Apollinaire avec Paris a été déterminante dans la vie du poète, tant sur le plan intellectuel qu'existentiel. Dans son œuvre où elle occupe une place de choix, la capitale française ne représente pas seulement un lieu de vie mais une source d'inspiration et d'écriture extrêmement féconde. Bien qu’héritée de toute une tradition littéraire de la ville qui s’est développée au XIXe siècle, la poésie apollinarienne de Paris est conçue sur le mode de l’« esprit nouveau » qui accompagne la naissance d’une ère placée sous le signe de la découverte et du progrès, et s’intègre aux recherches esthétiques des avant-gardes artistiques et littéraires caractérisées par l’audace et le goût de l’aventure. Entre tradition et invention, le Paris d’Apollinaire n’est pas seulement celui du « Pont Mirabeau » et de « Lettre-Océan » qui, d’Alcools à Calligrammes, témoigne d’une volonté de s’affranchir de certains « modèles » et de créer une poésie libre de toutes contraintes qui dit le « réel » en empruntant les voies de l’imaginaire, c’est aussi la capitale fascinée de l’infatigable « flâneur des deux rives », ou insolite et secrète du guide passionné ; c’est encore la ville subjective et mentale du « guetteur mélancolique » confronté à son passé douloureux, ou aux prises avec le monde moderne ; c’est, enfin, la ville rêvée et phantasmée de « l’enchanteur » des ponts et des noms de Paris. / Guillaume Apollinaire's encounter with Paris was a decisive event in the poet's life, both intellectually and existentially. In his artwork where Paris occupies a place of choice, the French capital does not only represent a place of life but a source of inspiration and extremely fertile writing. Although inherited from an entire literary tradition of the city that developed in the nineteenth century, Parisian apollinarian poetry is conceived on the mode of the "new spirit" that accompanies the birth of an era under the sign discovery and progress, and integrates with the aesthetic research of artistic and literary avant-gardes characterized by daring and the taste of adventure. Between tradition and invention, the Paris of Apollinaire is not only that of the "Mirabeau Bridge" and "Letter-Ocean" which, from Alcools to Calligrammes, demonstrates a desire to get rid of certain "models" and to create a poetry free of all constraints that says the "real" by borrowing the ways of the imaginary. Paris is moreover the fascinating capital of the tireless "stroller of both banks", or of the unusual, surreptitious and passionate guide; It is also the biased and cerebral city of the "melancholy watchman" confronted with his painful past, or grappling with the modern world. Paris is, finally, the dreamed and phantasmatized city of the "charmer" of the bridges and of the names of Paris.

Cette thèse s’attache à interroger et essaie de définir l’évolution stylistique de l’écriture d’Apollinaire, en l’articulant aux manifestations syntaxiques du continu et du discontinu au sein du discours poétique. Nous y observons comment le discontinu s’inscrit dans la pensée et l’écriture apollinarienne, tant sous la forme d’un motif obsédant, celui du morcellement et de la dissolution du corps, que comme principe de construction du discours, par les figures de juxtaposition et de raccourci syntaxiques. Nous essayons d’étudier les spécificités et l’évolution diachronique de la syntaxe poétique d’Apollinaire, grâce aux apports méthodologique de la textométrie (en particulier du logiciel de statistique textuelle : TXM).Nous analysons plusieurs dispositifs textuels représentatifs de l’articulation apollinarienne du continu et du discontinu : la proposition subordonnée relative, les effets de mise en liste et d’émiettement syntaxique (énumérations, accumulations, juxtapositions), ainsi que le cas particulier que constitue les calligrammes (espace de synthèse poétique, à l’image du renouvellement des régimes de visibilité). Ce type de structures et d’organisations du discours poétique permet en effet d’interroger les enjeux de la plasticité de l’écriture apollinarienne. / This thesis aims to examine and define the stylistic evolution of Apollinaire's writing in light of the syntactic continuity and discontinuity in poetic discourse. It studies the place of discontinuity in his work, both as a haunting motif of the fragmentation and the dissolution of the poet's body through space, as well as a principle of discursive construction, by instances of juxtaposition and shortened syntax. It attempts to study the specificities and the diachronic evolution of Apollinaire by using textometry as a methodological tool (specifically the software for textual statistics: TXM). This thesis analyses several textual structures that represent Apollinaire's articulation of continuity and discontinuity: the relative subordinate clause, the effects of listing and syntactical splitting (enumerations, accumulations, juxtapositions), as well as the particular example of caligramms (a space of poetical synthesis, for instance the extension of regimes of visibility). This type of structure and organization of poetic discourse allows us to analyze the question of the plasticity of Apollinaire's writing.

Les poètes du début du vingtième siècle sont inquiets : hésitant entre idéalisme et matérialisme, liberté et déterminisme, création et évolution, ils errent dans une « zone » idéologique. Dans les premiers textes de Guillaume Apollinaire (1880-1918), Blaise Cendrars (1887-1961), T.S. Eliot (1888-1965), Federico García Lorca (1898-1936) et Hart Crane (1899-1932), le désarroi est permanent. Il s’incarne sous différentes formes, du dédoublement de personnalité à l’extrême lassitude, tandis que l’ombre et un vent de fin du monde envahissent les poèmes. Les positions des poètes varient entre nihilisme, incertaines tentatives de syncrétisme et ironie mordante. Pourtant, passé leur première jeunesse, ils reconnaissent que leur inquiétude n’est pas une donnée personnelle mais un fait d’époque, peut-être même le fait essentiel, sur le plan de la pensée, de l’époque dite moderne : c’est « l’âge de la comparaison », selon les mots de Nietzsche. Ils renoncent alors à exprimer la singularité d’une vision individuelle, originale, voire bizarre, pour « rentrer dans le monde ». Rompant nettement avec les objectifs littéraires du symbolisme, ils entendent désormais devenir « la conscience de l’époque », exposer les idéologies incompatibles qui s’y côtoient, faire l’inventaire de ses contrastes. Dans le premier tiers du vingtième siècle, l’inquiétude idéologique est le mobile qui engage les poètes à redéfinir leur fonction dans la cité et l’un des grands moteurs de l’innovation esthétique : cubisme, simultanéisme, dialogisme et lyrisme épique. C’est ce parcours dont nous espérons dégager la cohérence et les principales étapes. / At the beginning of the XXth century poets were unsettled : hesitating between idealism and materialism, freedom and determinism, creation and evolution, they wandered in an ideological « waste land ». In the early works of Guillaume Apollinaire (1880-1918), Blaise Cendrars (1887-1961), T.S. Eliot (1888-1965), Federico García Lorca (1898-1936) and Hart Crane (1899-1932), distress assumed different forms: from split personality to extreme weariness. The poets’ positions bounced between nihilism, half-hearted attempts at syncretism and bitter irony. As they matured, they recognized however that their restlessness was not a personal matter but a product of the times, perhaps even the main feature, on the level of thought, of the so-called modern times : “the age of comparison”, in Nietzsche’s words. They then renounced to express the singularity of an individual, original, even bizarre vision, and chose to “go back to the world”. Breaking with the literary goals of symbolism, they aimed at becoming the “conscience of the times”, at exposing their conflicting ideologies, and at listing their contrasts. In the first third of the twentieth century, this ideological restlessness pushed poets to redefine their role in the city. It was one of the most powerful forces behind aesthetic innovation: cubism, simultaneism, dialogism and epic lyricism. In this study, we will examine the coherence and main stages of this process.

<p>This dissertation addresses the lack of an identifiable group of World War I soldier-poets within the French literary and cultural canon. Through a study of archival matter from the period, including a survey of trench newspapers, contemporary print media, first editions, and material objects, the author concludes that one possible factor is the phenomenon of the democratization of the figure of the poet in the French trenches. The dissertation describes the groundbreaking rejection of the romantic definition of poetry as a sacred activity in favor of the view that poetry could be written by anyone, particularly those who served as witnesses on the front lines of experience. During the First World War, these common soldier-poets, later known broadly as témoins, were validated and encouraged from diverse places in French society: from the trenches where the soldiers' newspapers actively mobilized enlisted men to pick up a pen and write, to venerable institutions such as the Académie Française and Académie Goncourt which continually validated works by soldier-writers during the war years. </p><p>However, the democratization of the poet was not always openly received by established poets. Guillaume Apollinaire, who served as a soldier during First World War, struggled with how to redefine his role once he enlisted. Through close readings of a wide variety of his wartime writings, with a particular emphasis on Calligrammes (1918), the dissertation shows how this struggle dogged him until his death on November 9, 1918. </p><p>A second case is examined in the figure of Blaise Cendrars, who served in the French Foreign Legion during the war until he was seriously wounded. Through close readings of several fundamental postwar texts like La Guerre au Luxembourg (1916) and J'ai tué (1918) as well an examination of the film J'Accuse (1919), one sees how this poet resisted the idea that soldiers should become writers and how his renunciation of this double role became a crucial part of his personal mythology, helping to explain his mythologized disappearance from poetry in 1917 following the amputation of his right hand. </p><p>Through comparing the poetic careers of Apollinaire and Cendrars, two distinct responses to the question of how to witness the war emerge. Furthermore, the social phenomenon of the democratization of the poet in the trenches provides an essential backdrop to approaching wartime texts of witness, from both Apollinaire and Cendrars, as well as lesser-known writers such as René Dalize, Lucien Linais, Marc de Larreguy de Civrieux and Pierre Reverdy.</p> / Dissertation

Thesis (doctoral)--Westfälische Wilhelms-Universität, Münster, 2001. / Includes bibliographical references (p. 253-272).

Thesis (doctoral)--Westfälische Wilhelms-Universität, Münster, 2001. / Includes bibliographical references (p. 253-272).

Resumo não disponível

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-03-05Bitstream added on 2014-06-13T19:12:05Z : No. of bitstreams: 1 jacometti_nf_me_arafcl.pdf: 2816440 bytes, checksum: 4625c64ea58f2bf747fab7cc7a0c7f6b (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Le sujet de cette étude est la comparaison entre la poétique de l’écrivain français Guillaume Apollinaire (1880-1918) et du poète brésilien Murilo Mendes (1901-1975). Le but de l’investigation c’est la vérification, à travers un recueil poétique des auteurs, la présence de traces qui caractérisent la modernité, depuis les innovations de Baudelaire, les yeux visionnaires d’Arthur Rimbaud et les reflexions linguistiques de Stéphane Mallarmé; jusqu’à la naissance des avants gardes au début du vingtième siècle. Parmi elles, celles qui ont plus de points de contact avec les poètes de cette étude, et qui y seront étudiées sont le Cubisme, le Futurisme et le Surréalisme. La recherche exprime la manière dont les deux auteurs établissent les images poétiques chez leurs oeuvres, et a l´intention de vérifier quelques thèmes et quelques techniques qu’ils utilisent. Les caractéristiques qui les approchent sont exemplifiées à travers les poèmes choisis parmi plusieurs oeuvres des deux poètes. Ainsi, la sphère interpretative peut être élargie. / O presente estudo tem por objeto a comparação entre a poética do autor francês Guillaume Apollinaire (1880-1918) e do poeta brasileiro Murilo Mendes (1901-1975). O objetivo da pesquisa é verificar, por meio de uma coletânea poética de ambos, a presença de traços característicos da modernidade, desde as inovações baudelairianas, passando pelo olhar visionário de Arthur Rimbaud e pela reflexão lingüística de Stéphane Mallarmé, até o surgimento das vanguardas artísticas do início do século XX. Entre estas, as que possuem ligação mais estreita com os poetas aqui estudados e que, por isso, serão mais aprofundadas são o Cubismo, o Futurismo, e o Surrealismo. O estudo reflete sobre o modo como os autores constroem as imagens poéticas em seus textos, além de verificar alguns temas e técnicas comuns a ambos. Exemplificamos as características que os aproximam por meio de poemas de diversas obras dos poetas, para, dessa forma, ampliar o escopo interpretativo.