O presente estudo trata da linguagem pictórica do artista plástico Mario Zanini (1907-1971), tomando como referência suas leituras dedicadas à temática da paisagem. Norteia os esforços desta investigação a seguinte questão: será possível reconhecer os paralelos entre a produção pictórica de Zanini e as discussões sobre a questão da paisagem apresentada em sua biblioteca particular? Na busca por uma resposta, foram selecionados três livros (Paul Cézanne, Vincent Van Gogh e André Lhote) que compõem a Biblioteca particular de Mario Zanini, formada entre as décadas de 1930 e 1970, e posteriormente doada ao MAC USP, em conjunto com obras produzidas pelo artista. Este estudo também apresenta dois críticos que escolheram Mario Zanini como foco de suas pesquisas: Alice Brill e Walter Zanini. Ao final, o leitor encontrará a listagem com os títulos dos 226 livros da Biblioteca de Mario Zanini, ordenados pela data de publicação. / The research deals with the pictorial language and the landscape paintings of the Brazilian artist Mario Zanini (1907-1971), and the connections with his private Library, constituted between 1930 and 1970, and later donated by his family to MAC USP, along with his artworks. The study traces the parallels between his artworks and his pictorial language, through three books of his Library (Paul Cézanne, Vincent Van Gogh and André Lhote). The study is also based on the analysis of the art critics Walter Zanini and Alice Brill. Nevertheless, the total set of 226 books of his personal Library and their identifications are listed at the end of the thesis, sorted by date of publication.

Esta dissertação acompanha o movimento de Beatrix. Figura guia e atriz, eternamente grávida do porvir. Enuncia um processo de criação de uma atriz que pulsa sob a interferência da filosofia da diferença, da literatura e das aprendizagens da cena. Num teatro para deseducar, e num deseducar para teatrar. Um movimento contínuo de começar e não começar. A eterna espiral ganha a cena e apresenta a vida. Explora técnicas de corte, e improviso, em especial as que se referem ao pós-dramático e outras manifestações das artes cênicas contemporâneas, articulando conceitos e práxis teatral. Procurando pontuar, sem determinismos, elementos que facilitem tanto o improviso quanto o cut up envolvido no processo de criação, seja de personagens como em imagens e cenas. As considerações sobre o sentido trágico de Nietzsche, a concepção de plano de composição das artes de Deleuze e Guattari, junto com outros autores contemporâneos, são evocadas a fim de, ao se explorar pontos de vista, cortes e montagens, pensar os sentidos e os não sentidos dos textos, no palco e fora dele. / This paper follows the movement of Beatrix. Figure, guide and actress, eternally pregnant with the future. It outlines a process for creating a star that pulses under the influence of difference of philosophy, literature and learning. A theater for to educate, and to contradict the theater. A continuous movement to begin and shall not begin. The eternal spiral won the scene and presents the life.. Explore cutting techniques, and improvisation, in particular those relating to post-dramatic and other manifestations of contemporary performing arts, articulating concepts and practice of theater. Looking to score, without determinism, elements that facilitate both improvisation as the cutup involved in the creation process, either as characters in scenes and images. The findings of the tragic sense of Nietzsche, the concept plan of composition in the arts of Deleuze and Guattari, along with other contemporary authors, are evoked in order, to explore views, cuts and montages, the senses and think no sense of texts, onstage and off.

A presente pesquisa analisa o emprego de narrativas verbais como construtos ficcionais utilizados por artistas do campo visual através de seus trabalhos e documentações. Particularmente enfocam-se três aspectos desses escritos: quando se apresentam em forma autobiográfica; quando esta biografia é associada ao mundo histórico; e quando o artista torna-se autor de uma historiografia particular. Nesta investigação elegemos escritos considerados representativos dessas ocorrências enfocadas – entre eles os dos artistas Sophie Calle, Lucas Samaras, Ad Reinhardt, Joseph Beuys, Robert Morris e Jannis Kounellis. Através dessa análise, visa-se explanar algumas particularidades do gênero, tais como o que determina com que um escrito ficcional seja um trabalho do campo dito visual e não do literário; o porquê da escolha por parte dos artistas desse suporte como meio para suas significações; e por quais traços o meio verbal contagia um campo já usual à arte, o ficcional. / This research analyses the use of verbal narratives as fictional constructs by artists from the visual field, through the work of these artists and their documentation, particularly focusing in three aspects of these artist’s writings: as autobiographical, as biographical in relation to the historical world, and when the artist becomes the author of a particular art history. For investigating the subject it was selected a group of artists and artworks that could be considered representatives of these occurrences – as seen in writings from Sophie Calle, Lucas Samaras, Ad Reinhardt, Joseph Beuys, Robert Morris and Jannis Kounellis. The analysis explore questions as what would classifies a work of fiction within from the visual arts field instead of literary; why these artists chose this form of expression as medium for their significations; and how the verbal field influences the fictional in visual art.

Esta dissertação tem como campo empírico uma determinada escola da rede privada de Porto Alegre, RS (Escola Projeto), que contempla a arte contemporânea em seu currículo e que convida artistas a construírem esse trabalho em parceria. Como proposta de investigação, busca olhar para os movimentos que esse modo de pensar a arte provoca em professoras e artistas visuais que se aventuram para, juntos, viverem a escola e a educação, produzindo pensamento e estranhando práticas naturalizadas e acomodadas pelo tempo e pelo uso. Pensar o estranhamento nas práticas docentes, instigadas pelas provocações da arte contemporânea, sugere uma aproximação à noção de discurso, tendo em Michel Foucault o principal referencial teórico. Discurso que emerge a partir de conversas e entrevistas com os sujeitos de pesquisa e que são analisadas dentro do campo discursivo que as envolve, neste caso, arte e educação. Movimentos e discursos interessam a esta pesquisa, pois atuam no sentido de olhar para as práticas tidas como mínimas ou basiquinhas, termo usado por um dos sujeitos de pesquisa, e contribuem para pensar na contramão da acomodação e da generalização, tão presentes no modo como a escola vem se constituindo historicamente. Por tratar da arte e da docência, encontrando pontos de encontro e de conflitos entre os fazeres artísticos e pedagógicos, termos como rigor, criação e participação são analisados desde esses dois pontos de vista. Ao olhar para esses encontros, apostando na possibilidade de exercícios de modificação, criação e compartilhamento, ganha força o conceito de docência artista, apresentado por Luciana Loponte, na relação com uma formação docente artista, termo que nasce nesta pesquisa e que se refere a uma formação contaminada, acompanhada e encharcada pelo contato próximo com a arte contemporânea, capaz de rever as relações mais seguras sobre ensinar e aprender, nas artes e para além delas. Desse modo, mais do que buscar resultados ou apontar soluções, esta dissertação busca realizar apostas: na docência, com suas dúvidas e estranhamentos; na escola, com sua possibilidade de educar sem consolação; na arte contemporânea, com sua abertura para provocar rupturas e para desestabilizar o pensamento. É, portanto, nos encontros entre docência, escola e arte contemporânea que esta escrita desenvolve-se, adquire intensidade e potência. / This thesis has as an empirical study a certain private school in Porto Alegre, RS (School Project), which includes contemporary art into its curriculum as well as invites artists to build this partnership work. The bulk of this thesis is devoted to looking at what the moves that this way of thinking art instigate teachers and visual artists who venture to jointly live school and education, reasoning and wondering practices which are naturalized and accommodated by time and use. Thinking strangeness in teaching practices, instigated by contemporary art provocations, suggests an approach to the notion of discourse, having Michel Foucault as the main theoretical framework. Discourse that emerges from conversations and interviews with research subjects that are analyzed within the discursive field that these conversations involve, namely, art and education. Moves and discourses are subjects of interest to this research as they act in order to look at the practices taken as minimal or rough (basiquinhas), a term used by one of the research subjects, and contribute to think against of the grain of accommodation and generalization, as present in the way school has historically constituted. As this thesis discusses art and teaching, finding junction and conflict points between artistic and pedagogical doings, terms such as strictness, creation and participation are analyzed from these two standpoints. When looking at these junctions, focusing on the possibility of modification, creation and sharing exercises, gains strength the concept of artist teaching profession (docência artista), presented by Luciana Loponte, in relation to an artist teacher training (formação docente artista), a term born in this research which refers to an infected training, soaked and accompanied by close contact with contemporary art, able to review the most secure relationships on teaching and learning in the arts and beyond. Thus, more than seeking results or pointing solutions, this thesis aims at investing: in teaching, with its inquiries and strangeness; in school, with its ability to educate without consolation; in contemporary art, with its opening to cause disruptions and to destabilize the thought. It is, therefore, matches between teaching, school and contemporary art that this thesis develops, acquires intensity and power.

Orientador: Anna Paula da Silva Gouveia / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T16:29:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_HelioAparecidoLima_M.pdf: 4772014 bytes, checksum: 7d1caaa49f85dcfd639e267be07f6939 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: A pesquisa intitulada Livro brinquedo de artista: uma biblioteca inventada teve por objetivo criar e pensar o livro de artista como objeto lúdico. Nesta trajetória a pesquisa fundamenta-se nos conceitos de livro de artista e brinquedo, estabelecendo um diálogo entre eles. Na conclusão desta proposta os livros brinquedos de artista desdobram-se em uma Biblioteca inventada, espaço criativo para os processos de novas criações em Arte / Abstract: The research named toy artist¿s book ¿ invented library, has as main objective create and descuss the artist¿s book as a ludic object. In this process, the research were structured in the concepts of the artist¿s book and the toy, resulting in a dialog between them. The conclusion shows that the toy artist¿s books becomes as an invented library, creative space for the new creating process in art / Mestrado / Mestre em Artes

Donas da Beleza discute a representação do feminino na cultura ocidental, presente na produção das artistas plásticas do século XX. O estudo foi desenvolvido para examinar, a partir de uma perspectiva estética e sóciocultural, os diferentes modelos de Beleza, a forma como são propostos, como coexistem, e ainda, como se remetem mutuamente através de diferentes períodos, sem perder o foco estabelecido o olhar feminino. Este parâmetro implicou um estudo comparativo que identifica semelhanças e diferenças no modo de representação de arquétipos dominantes no imaginário de homens e mulheres. Sob o título Configurações da Beleza Feminina comparecem as categorias: Divindade, Maternidade, Inocência, Maturidade, Sensualidade e Ideal. Constitui um quadro visual de referência em que artistas e obras estão alinhados a partir da diversidade quanto ao tratamento dos temas, técnicas e contextos de produção, localizando, numa linha de tempo que compreende o século XX e suas fases de transição, uma maior abertura, sugerindo outras leituras, ou seja; outros modos de ver a imagem da mulher, a mulher artista, a história da arte. / In Owners of the Beauty I have studied the representation of feminine in the occidental culture in the production of the plastic female artists of 20th century. The study was developed to examine, from an aesthetic and socio-cultural perspective, the different models of Beauty, as they are considered, as they coexist, and still, as they relate through different periods, without losing the established focus - the feminine look. This parameter implied a comparative study that identifies similarities and differences in the way of representation of dominant archetypes in men and women imaginary. Under the heading Configurations of the Feminine Beauty these categories appear: Deity, Maternity, Innocence, Maturity, Sensuality and Ideal. It is a visual picture of reference where artists and workmanships are lined up by the diversity of treatment of subjects, techniques and contexts of production, in a time line that comprehends 20th century and its phases of transition and which imply other readings, other ways to see the image of the woman, the woman artist, the history of the art.

Submitted by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2018-05-29T12:30:50Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) TESE VERSAO FINAL-revisada.pdf: 22711749 bytes, checksum: a68c336cabc7eab0311eef5ee66f99fc (MD5) / Approved for entry into archive by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2018-05-29T12:31:07Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) TESE VERSAO FINAL-revisada.pdf: 22711749 bytes, checksum: a68c336cabc7eab0311eef5ee66f99fc (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-29T12:31:08Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) TESE VERSAO FINAL-revisada.pdf: 22711749 bytes, checksum: a68c336cabc7eab0311eef5ee66f99fc (MD5) Previous issue date: 2018-04-27 / This thesis deals with the studies of the socio-artistic processes in the art style of the Amazonian artist Moacir Andrade, from the analysis of his drawings and paintings. Nevertheless, the literary production of Moacir Andrade is taken as support for the analyzes. It starts from the semiospheric point of view, taking the semiosphere concept of Iuri Lomtan (1996), for the study of the style and its socio-artistic processes, based on a three-dimensional category of style, namely: the formal dimension, the dimension of history and the sociocultural dimension, understanding as constituents of a space of relations in the work of work. Thus, the figure of the artist is taken as "intellectual artisan", meaning the multiple qualities of Moacir Andrade, being the concept of style, the guiding thread of research. The research universe was based on the artistic-visual work of Moacir Andrade, thus, the visual production was delimited as a corpus from the 1930s. The data collection was based on bibliographical and documentary sources, as well as collections from institutions public and private. This thesis was structured in three chapters. The first chapter presents the personal, academic, professional and artistic trajectory of Moacir Andrade, his work in this field in the city of Manaus, as well as his national and international trajectory in the field of art in order to qualify the object of study. In the second chapter, the problematic of the concept of style existing in studies of works of art is approached, for this, it is based on a survey of the historical changes that occurred with the word "style" and its use in the field of art, reaching a theoretical proposal. Finally, in the third chapter, we deal with the socio-artistic processes in Moacir Andrade's art, analyzing the artist's work, his drawings and paintings, from the formal point of view. It is proposed a discussion on the socio-artistic processes in the artist's work, seeking to understand the representation of the Amazon in his work, especially his relation with the city of Manaus, aiming to understand the relations established between the work, the artist and the city of Manaus, for that, it takes as background of the figure flâneur and of the narrator. / Moacir Andrade, a partir da análise de seus desenhos e pinturas. No entanto, toma-se a produção literária de Moacir Andrade como suporte para as análises. Parte-se do ponto de vista semiosférico, tomando o conceito de semiosfera de Iuri Lotman (1996), para o estudo do estilo e seus processos socioartísticos, baseado numa categoria tridimensional do estilo, a saber: a dimensão formal, a dimensão história e a dimensão sociocultural, entendendo como constituintes de um espaço de relações na obra de obra. Assim, toma-se a figura do artista como "artesão intelectual", significando as qualidades múltiplas de Moacir Andrade, sendo o conceito de estilo, o fio condutor da pesquisa. O universo da pesquisa se situou sobre a obra artístico-visual de Moacir Andrade, assim, delimita-se como corpus a produção visual a partir da década de 1930. A coleta dos dados se baseou em fontes bibliográficas e documentais, além de acervos de instituições públicas e privadas. Estruturou-se esta tese em três capítulos. No primeiro capítulo é apresentado a trajetória pessoal, acadêmica, profissional e artística de Moacir Andrade, a sua atuação nesse campo na cidade de Manaus, bem como a sua trajetória nacional e internacional no campo da arte com o intuito de qualificar o objeto de estudo. No segundo capítulo, aborda-se a problemática do conceito de estilo existente nos estudos de obras de arte, para isso, parte-se de um levantamento das mudanças históricas ocorridas com a palavra “estilo” e seu emprego no campo da arte, chegando a uma proposta teórica. Por fim, no terceiro capítulo, tratamos dos processos socioartísticos na arte de Moacir Andrade, analisa-se a obra do artista, os seus desenhos e pinturas, a partir do ponto de vista formal. Propõe-se uma discussão sobre os processos socioartísticos na obra do artista, buscando entender a representação da Amazônia em sua obra, em especial, a sua relação com a cidade de Manaus, objetivando compreender as relações estabelecidas entre a obra, o artista e a cidade de Manaus, para isso, toma-se como plano de fundo a figura flâneur e do narrador.

Esta pesquisa analisa o papel da nipobrasileira a partir da perspectiva de artista do corpo, tendo como contexto a cena artística paulistana: uma realidade brasileira de imigração e diáspora, num viés praticoteórico. Partimos de processos de contaminação entre ocidente e oriente, representados aqui por Brasil e Japão, respectivamente, e a partir de experiências singulares que resultam dessa relação, trazendo o relato de seis artistas mulheres nikkeis. Levamos em consideração a mestiçagem (PINHEIRO, 2013; LAPLANTINE & NOUSS, 2016; GRUZINSKI, 2001) decorrente desse encontro utilizando, inclusive, termos da cultura japonesa, Ma (?) e D? (?), devidamente deslocados em seus sentidos e ressignificados no contexto mencionado. A Teoria Corpomídia de Greiner e Katz (2001) é importante para a compreensão de co-relação e co-evolução inestanque e mútua de corpo e ambiente. Os estudos de Hashiguti (2008) e Takeuchi (2016), que tratam especificamente do corpo nipobrasileiro, também compõem as referências teóricas deste estudo. / This research analysis the roll of the Brazilian Japanese descendant from the perspective of an artist of the body, with the scenic arts of the city of São Paulo as context: a Brazilian reality of immigration and diaspora, in a practicaltheoretical bias. Our start points are the processes of contamina-tion between West and East, represented here by Brazil and Japan, respectively, and the singular experiences that result from this relation, which are represented by the conversation with six Brazilian nikkei artists. We are considering the Miscegenation (mestiçagem) (PINHEIRO, 2013; LAPLANTINE & NOUSS, 2016; GRUZINSKI, 2001) that occurs from this rendez-vous, using terms from the Japanese culture, inclusive, Ma (?) and D? (?), properly displaced from its meaning and resignified in the context that we mentioned before. The Corpomídia Theory from Greiner and Katz (2001) is important for the comprehension of the co-relation and co-evolution of body and environment which is mutual and non-stagnant. The studies of Hashiguti (2008) and Takeuchi (2016) that reflect specifi-cally the Japanese descendant body also compose the theorical refer-ences of this study.

Caminhar na cidade Experiência e representação nos caminhares de Richard Long e Francis Alÿs; Depoimentos de uma pesquisa poética é constituído de reflexões e depoimentos sobre a poética do caminhar na cidade hoje. Parte-se de um entendimento do caminhar como uma prática artística, tal como se desenvolveu no decorrer do século XX no campo das artes visuais. Procura-se compreender as práticas de artistas-caminhantes contemporâneos, suas formas de inscrição e intervenção no espaço urbano, com foco nas dimensões da experiência e da representação. Apresentam-se: 1) o campo poético do artista inglês Richard Long, artista-caminhante em paisagens naturais remotas, abordando especialmente a relação entre a obra e o lugar; 2) o campo poético do artista belga Francis Alÿs, artista-caminhante urbano, com um aprofundamento sobre a especificidade da inscrição artística no contexto urbano e o processo de criação das situações metafóricas e proliferação das fábulas no imaginário urbano. 3) depoimentos da pesquisa poética da própria autora, suas experiências na cidade como artista-caminhante. A partir destas três práticas artísticas, concluem¬-se quais os procedimentos utilizados por artistas-caminhantes. / Walking in the City Experience and representation on Richard Long and Francis Alÿs walking-works; a poetic research testimony consists on reflections and testimonies on city walking poetics today. Arising from an understanding of walking as an artistic practice, as it was developed in the course of the 20th century in the field of visual arts. There is a search for an understanding of contemporary artists-walkers practices, their forms of inscription and intervention on the urban spaces, deepening the experience and representation aspects. Presenting: 1) the poetic field of the English artist Richard Long, walker in remote natural landscapes, tackling the relation between work and place; 2) the poetic field of the Belgian artist Francis Alÿs, urban walker, with a focus on the artistic inscription on the urban space specificity, and the creative process of metaphoric situation and the proliferation of fables in the urban imaginary; 3) the authors own poetic research testimonies, her city experiences as an artist-walker. Based on these three artistic practices, the artistic procedures taken by the contemporary artists walkers shall be concluded.

A ampliação gradativa de instituições culturais privadas criou uma demanda de mão de obra qualificada para seus mais variados programas. Surgiram nos últimos 20 anos em todo o país cursos profissionalizantes e diversas graduações e pós-graduações em artes visuais reconfigurando assim um novo panorama daquilo que vem sendo, nos últimos anos, a formação do artista plástico (ou visual) no circuito artístico. A dissertação teve por objetivo discutir a posição do artista brasileiro contemporâneo através da análise do seminário Longitudes, realizado na cidade de São Paulo em março de 2014. Três temas centrais nortearam a configuração do seminário e posterior análise: o primeiro abordou a identidade do artista; o segundo tratou da expansão dos espaços alternativos e do escopo de trabalho do artista; o terceiro dedicou-se aos locais de formação e à proliferação de faculdades e cursos livres que têm suprido a demanda do mercado de trabalho recém desenvolvido. A partir dos depoimentos coletados no seminário, discutiremos as relações de trabalho no meio e a profissionalização do artista contemporâneo no Brasil / The gradual expansion of private cultural institutions created a hand demand for skilled labor for its various sectors. Emerged in the last 20 years throughout the country training courses and several graduate and post-graduate courses in visual arts as well reconfiguring a new panorama of what has been, in recent years, the formation of the artist (or visual) on the art circuit. The dissertation aims to discuss the position of the Brazilian contemporary artist by an analysis of the Longitudes seminar, held in São Paulo in March 2014. Three central themes guided the seminar configuration and its further analysis: the first dealt with the artist\'s identity; the second dealt with the expansion of the alternative space and the artist\'s scope of work; the third topic turned to the training sites and the proliferation of colleges and other courses to come meet the demand of the newly developed labor market. From the testimonies collected in the workshop, we will discuss the labor relations in the milieu and the professionalization of the contemporary artist in Brazil