Les théories de la culture de masse sont durant vingt ans un enjeu essentiel pour les intellectuels américains, qui cherchent à construire un modèle rendant compte des dangers esthétiques mais aussi sociaux des contenus culturels diffusés par les médias de masse. Influencés par les théories de l'Ecole de Francfort mais développant une pensée indépendante, les intellectuels américains et en particulier le groupe des New York intellectuals se livrent par revues interposées à un long dialogue, qui prend fin brusquement au début des années soixante. Cette recherche reconstitue l'histoire de cette pensée aux Etats-Unis, depuis sa formulation condensée par le journaliste Dwight Macdonald dés 1944, dans un article retentissant ("A Theory of Popular Culture"), jusqu'à sa disparition deux décennies plus tard, consacrée par la publication simultanée du Understanding Media de Marshall McLuhan et des "Notes on Camp" de Susan Sontag. Il s'agit également de tester le domaine de validité de ces théories en les confrontant à un objet culture supposé de masse, les comic books. Deux ambitions sous-tendent cette recherche : reconstituer le débat dans sa complexité en interrogeant les textes clés, mais aussi identifier les facteurs endogènes et exogènes ayant mené à la désaffection rapide pour cette idée. Une attention particulière est accordée à deux passerelles entre l'activité intellectuelle et le grand public, d'une part l'influent recueil Mass Culture, the Popular Arts in America, publié en 1957, et de l'autre son pendant Culture for the Millions?, publié quatre ans plus tard.

De nos jours, les avatars et les réécritures du mythe du Graal puisent leur source d'inspiration dans la Littérature puisque la première mention littéraire de ce schème apparaît à la fin du XIIeme siècle dans Perceval ou le conte du Graal de Chrétien de Troyes. De par des origines ambivalentes (païennes et chrétiennes), le Graal s'est ancré dans l'imaginaire collectif comme un mythe rédempteur ou tout du moins, étant un idéal à atteindre. Si la quête médiévale chevaleresque demande une rigueur incomparable et une pureté d'âme et de corps pour mériter la révélation des mystères du Saint Calice aujourd'hui, les héros de la littérature populaire et de la culture de masse accèdent à ses secrets par le vecteur d'en-quêtes simplifiées. La dévaluation du mythe s'effectue à mesure des transferts qui s'opèrent dans différents genres, supports et médias mais également dans la réception que la société a du mythe du Graal. De Saint Graal à Graal, de Littérature à paralittérature, de la Bible à la télévision, ce travail cherche à mettre en évidence les différents aspects de ces transferts et tente de prouver qu'il existe des résonances et des points d'articulation entre ces domaines par l'interface du Graal. Dans ce sens, le motif sert aussi de porte-à-faux à une culture et à une littérature dites " mineures " qui peuvent toutefois, sous l'effet du Graal, devenir scientifiques et apporter de nouvelles pistes de réflexion sur le mythe, la société et la Littérature.

Dans cette thèse, nous proposons des pistes pour une théorie visuelle de la bande dessinée à travers l’analyse de l’œuvre transpositive du dessinateur argentin Alberto Breccia. Étudier cet aspect de son œuvre constitue à notre sens le meilleur point de départ pour une étude focalisé sur la vertu plastique de la bande dessinée, le plastique dans l’image étant associé avec les matériaux et les procédés de celle-ci. La bande dessinée transpositive, regroupant les bandes dessinées qui adaptent des textes littéraires ou autres objets culturels, existe au moins depuis la naissance de cet art. Dans la pratique de la transposition l’œuvre transposée se réclame d’un lien direct et explicite avec un ou plusieurs textes ou récits antécédents. Toutefois, la transposition est un phénomène plus large que le simple passage d’une histoire d’un texte- source à une mise en image linéaire par une bande dessinée. Il existe, en effet, toute une dimension d’analyses qui concernent la dimension thématique et narrative ainsi que la dimension formelle, plastique, visuelle des procédés et modes de représentation. C’est ce dernier aspect qui nous occupe dans nos analyses car il nous semble que Breccia est l’un des premiers dessinateurs à explorer à l’occasion de ses transpositions littéraires toute une gamme de moyens nouveaux en bande dessinée. Cela n’est pas un hasard, car les transpositions que Breccia sélectionne l’amènent justement à explore les limites entre figuratif et informel. Il est l’un des premiers à ouvrir la bande dessinée sur des préoccupations plastiques nouvelles, qui sortent du cadre de la lisibilité et de la reconnaissance immédiate de ses premières planches plus illustratives. / In this thesis some clues for a visual theory of comics is proposed relying on the analysis of Argentinian transpositive comics artist’s work, Alberto Breccia. The transpositive aspect of his work is an excellent starting point for an investigation focused on the plastic virtue of comics, which is associated to its materials and processes. Transpositive comics adapt literary texts or other cultural objects, and they have been around at least since the beginning of the art form itself. In the practice of transposition, the transposed work claims a direct and explicit link with one or more background texts or stories. However, transposition is a broader phenomenon than the mere passage from a story, or a source-text, to a linear image set up in the form of comics. There is, indeed, a whole dimension of analysis that concerns the thematic and narrative dimension, as well as the formal, plastic and visual dimensions, processes and modes of representation. The latter aspect will be the focus of the present analysis, because Breccia seems to be one of the first comic artists to explore a range of new ways of representation in comics, using literary transpositions. This is no coincidence, since the transpositions selected by Breccia lead him to explore precisely the boundaries between figurative and informal. He is one of the first artists to open comics to new plastic concerns, which go beyond the readability and the immediate recognition of his first more illustrative comics.

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Cette thèse de doctorat a pour but d’étudier l’image d’Ernesto Che Guevara construite par le Neuvième art révélant ainsi les perceptions des auteurs, mais aussi celle de leur société. Notre corpus principal se compose de neuf œuvres provenant de divers horizons, Vida del Che de H. G. Oesterheld, A. et E. Breccia (1968) ; la trilogie de P. Muriana : CHE – Génesis, CHE – Cenit (1977) et CHE – Ocaso (1978) ; ABChé de Rius (1978) ; Libertad ! Che Guevara (2006) de M., J. F. Charles et Wozniak ; CHE de K. Yong-Hwe (2006) ; LE CHE – Une icône révolutionnaire de S. Rodriguez (2008) et EL CHE – La victoire ou la mort de G. Ramella et S. Cattaneo (2012). Notre travail d’analyse se divise en trois parties et postule que les bandes dessinées contribuent à l’élaboration d’un imaginaire guévariste en partageant plusieurs similitudes narratives et visuelles. Une première partie est consacrée à la présentation du corpus large et du sous-corpus afin de saisir les spécificités de chaque bande dessinée. Nous nous attachons ensuite à l’étude de la première phase ascendante du schéma actantiel héroïque de la naissance du guérillero à l’épiphanie héroïque. Enfin, notre dernière partie revient sur la phase descendante du schéma actantiel depuis la rupture jusqu’au devenir post mortem d’Ernesto Che Guevara. Les spécificités de chaque album apparaissent dans l’analyse du langage bédéïque qui modernise, de par son hybridité iconique et linguistique, la représentation d’Ernesto Che Guevara. Le Neuvième art s’inscrit ainsi dans la tradition de l’écriture de la vie du héros héritée de l’Antiquité et de la chrétienté, mais il interroge également l’écriture de l’Histoire. / This dissertation considers the representation of Ernesto Che Guevara as constructed by the Ninth Art, thus revealing the perceptions of the authors and the perception of their respective societies. Our main corpus is composed of nine works originating from diverse backgrounds, Vida del Che by H. G. Oesterheld, A. and E. Breccia (1968); P. Muriana’s trilogy : CHE – Génesis, CHE – Cenit (1977) and CHE – Ocaso (1978) ; ABChé by Rius (1978) ; Libertad ! Che Guevara (2006) by M., J. F. Charles and Wozniak ; CHE by K. Yong-Hwe (2006) ; LE CHE – Une icône révolutionnaire by S. Rodriguez (2008) and EL CHE – La victoire ou la mort by G. Ramella and S. Cattaneo (2012). Our analysis is divided into three parts and postulates that graphic novels contribute to the elaboration of a Guevarist imaginary by sharing several narrative and visual similarities. A first part is dedicated to the presentation of the large corpus and the secondary corpus in order to grasp the specificities of each graphic novel. Then we address the first phase of the upward heroic actantial model from the birth of the guerrillero to the heroic epiphany. To finish with, our last part tackles the downward phase of the actantial model from the break up to the post mortem process of becoming of Ernesto Che Guevara. Each album’s specificities appear in an analysis of the specific language at stake in the graphic novel, a language which, through its iconic and linguistic hybridity, modernizes the representation of Ernesto Che Guevara. Therefore, the Ninth Art is in line with the tradition of the writing of heroic lives, inherited from Antiquity and Christianity; the Ninth Art also delves into the writing of History.

De 1954 à 1976, l'œuvre de Quino paraît essentiellement dans la presse argentine. Très vite, l'humoriste est reconnu de la profession et rejoint les pages de quelques-uns des plus grands périodiques d'humour et d'actualité de l'époque. S'adaptant à différentes lignes éditoriales, il explore plusieurs courants comiques, du burlesque à l'absurde, en passant par la satire d'une société en crise. Le rythme de publication soutenu et la variété des formes employées par l'humoriste – strip, planche et dessin unique – sont propices à l'élaboration d'une poétique de la brièveté. L'œuvre de Quino se construit dans une dynamique de répétition et de variation qui revisite la tradition du dessin humoristique de presse et thématise les conditions de sa création / From 1954 to 1976, Quino's work is essentially published in argentinian press. The humorist is very soon acknowledged by his profession and joins the pages of some of the most important journals and magazines of humor and information at this time. Adapting his creation to different editorial lines, he explores several forms of comic, from slapstick to absurdity, and even the satirizing of a society in crisis. His intense rhythm of publication and the diversity of forms used by the humorist – strip, page and cartoon – are favorable to elaborate a poetics of briefness. Quino's work is elaborated in a dynamics of repetition and variation which revisits graphic humor tradition and thematizes the conditions of his creation. / De 1954 a 1976, la obra de Quino se publica principalmente en la prensa argentina. Muy pronto, el humorista recibe el reconocimiento de los profesionales del humor y accede a las páginas de algunos de los periódicos y revistas de humor y de actualidad más importantes de la época. Al adaptarse a diversas líneas editoriales, explora varias formas de comicidad, del burlesco al absurdo, pasando por la sátira de una sociedad en crisis. El ritmo de publicación intenso y la diversidad de formas empleadas por el humorista – tira, página y dibujo único – son propicios para elaborar una poética de la brevedad. La obra de Quino se construye en una dinámica de repetición y variación que revisita la tradición del humor gráfico y tematiza las condiciones de su creación.

Cette thèse porte sur le principe même de séquentialité d’images fixes, pour comprendre la différence entre la Bande Dessinée et les différentes formes de narration par images fixes, même les autres arts. Cela nous aide à comprendre pourquoi la Bande Dessinée est devenue un art autonome, pourquoi la Bande Dessinée s’est plus developpée que d'autres formes de narration par images, et quelles sont plus précisément les origines de la Bande Dessinée.Analyser la naissance de la Bande Dessinée signifie donc tracer un parcours à travers des oeuvres, des auteurs ou des mouvements fondamentaux, et considérer les thèmes, les poétiques, les technologies qui l'ont définie à telle ou telle époque. Ce travail vise donc à identifier les oeuvres qui forment une ligne de partage entre le Moyen Âge et l'Âge Moderne. Une analyse historique, mais également paradigmatique, aidera à mieux comprendre comment la Bande Dessinée a évolué, quelles influences ont eu les autres formes d'art (comme la peinture, la littérature, la caricature ou le théâtre) mais surtout, quelles techniques et stratégies ont été mises en place et ont fait évoluer la Bande Dessinée vers un système narratif à base iconique. / This thesis focuses to question the very principle of sequentiality of still images, that is to understand how in Sequential Art this dynamic takes different forms, but at the same time, how Sequential Art can be differentiated from other Arts. This help us to understand why it became an autonomous art, why it has developed more than any other sequential art, how and when the Comic was actually created.Analyze the rise of the Comics means tracing a path through the works, authors and the basic movements, considering the new poetics, themes, techonologies, that have defined this. This work aims to identify works which form a connection between the Middle Ages and the Modern Age. A historical analysis, but also paradigmatic one, will help to better understand how Comics evolved, what influences have had other forms of art (such as painting, literature, theater or caricature) but, above all, which techniques and strategies have been implemented and have changed Comics toward a narrative system based on images.

Il y a quelque chose à prendre au sérieux à la lecture des bandes dessinées de Winsor McCay. C’est sur ce postulat, qu’après avoir décidé que mon corpus se limiterait à son œuvre en songes (toutes les planches qui finissent par une case où le personnage se réveille et réalise qu’il vient de rêver), j’ai envisagé de découvrir ce que l’on pouvait apprendre de la modernité new-yorkaise à lecture de Little Nemo in Slumberland (publié de 1905 à 1927) et de Dreams of the Rarebit Fiend (Les cauchemars de l’amateur de fondue au chester, publié de 1904 à1914). Cette thèse débute par une réflexion sur le concept esthétique et philosophique de la Modernité, et l’établissement méthodologique d’une sociologie de l’œuvre ouverte à la singularité de l’auteur. Elle détaille la construction de son matériel d’analyse et les limites qui se sont révélées à l’usage. Mon analyse de l’œuvre en songes de McCay se divise en deux étapes : l’une s’astreint à une étude différenciée de la case, de l’entre-case et de la planche, afin d’organiser le regard ;l’autre retient de l’œuvre quelques grandes trajectoires. Ce dernier développement permet de mettre l’accent sur la passion moderne du mouvement, le devenir de la fin de l’histoire à l’ère du sériel et le recours à la notion d’infini dans le processus de narration. Cette étude est aussi l’occasion de développer des concepts comme la saute, la création machinale, la rationalité baudelairienne ou le récit d’élection. / There is something serious about reading Winsor McCay's comics. It is based on this basic premise that, after I had decided that I would restrict my corpus to his sleepy stories (all the storyboard in which in the last panel the character wakes up and realizes that he wasdreaming), I intend to seek for what could be taught of new yorker modernity through the reading of Little Nemo in Slumberland (published from 1905 to 1929) and of Dreams of the Rarebit Fiend (published from 1904 to 1914). This thesis begins with a thought on a estheticand philosophical concept of Modernity and goes on with a methodic establishment of sociology of the work of art that encompasses the singularity of the author.I divided my analysis of the sleepy stories of McCay in two steps : one whose aims is toorganize the look provides a differentiated study of the panel, the gutters and the page ; the other one focus on main paths of the work. This last development allows to emphasize the modern passion of movement, the outcome of the end of the story in the age of seria lproduction and the concept of infinity in narrative process. This study also gives the opportunity to develop concepts such as tellings of the chosen one, mechanical creation,baudelerian rationality or the concept of skip.

En France, la bande dessinée est exposée dans des musées et des bibliothèques, ses dessins originaux sont vendus dans des galeries dédiées et par de prestigieuses maisons de ventes, mais est-elle pour autant réellement légitimée en tant qu'art au sein de ces champs ? Qui a initié et participe aujourd'hui à ce processus, et selon quelles stratégies ? Cette thèse s'attache à répondre à ces questions en mobilisant les concepts de champs et de légitimité développés par Pierre Bourdieu mais aussi par des emprunts théoriques et méthodologiques à différents sociologues de l'art comme Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, ou Alain Quemin. En venant questionner les trois pôles que sont les artistes, les institutions et le marché, nous établissons un corpus d'évènements et de dessinateurs valorisés par ceux-ci, mais aussi des producteurs de ces évènements. En étudiant leurs déclarations et en allant à leur rencontre lors d'entretiens, nous analysons leurs motivations. Nous parvenons finalement à établir la relativité de la légitimation de la bande dessinée, tant en qualité qu'en nombre d'individus concernés. Malgré la mise en valeur d'un phénomène générationnel dans l'évolution du statut de la bande dessinée et de sa reconnaissance, nous concluons que l'acquisition d'une semi-légitimité (pour reprendre le mot de Jean-Louis Fabiani) du neuvième art est davantage d'un état de fait que d'un processus dynamique en cours d'évolution. / In France, museums and libraries exhibit comics, galleries devoted to them sell their original drawings and renowed art auction houses do too, but does it mean thereby that comics are truly legitimated as art within these fields ? Who initiated the process and today who keeps participating in it, and in doing so, according to which strategies ? This thesis seeks to answer these questions by gathering together the concepts of fields and legitimacy developed by Pierre Bourdieu but also by borrowing theories and methodologies from art socioloists such as Howard Becker, Serge Chaumier, Jean-Louis Fabiani, Nathalie Heinich, Bernard Lahire, Eric Maigret, Raymonde Moulin, or Alain Quemin. By questioning the three poles formed by the artists, the institutions and the art market, we have established a corpus of events, of strip cartoonists highlighted by these events and of the producers of these same events. By studying their declarations and by meeting them to interview them, we have analysed their motivations. We have finally come to establish the relativity of the legitimation of comics both for their quality and the number of the individuals concerned. Despite the fact that a generational phenomenon has been given prominence in the evolution of the status and the recognition of comics, we can conclude that the acquisition of a semi-legitimacy (to employ Jean-Louis Fabiani’s own word) by the ninth art is more of a fact than a dynamic process in development.

Les romans graphiques contemporains abordent des thématiques intimistes telles que l’autobiographie et le récit de la vie quotidienne. Ils se confrontent aux problématiques de représentation de l’indicible, de l’intériorité qui résiste à la monstration directe face auxquelles ils doivent inventer des modalités de dévoilement qui ne risquent pas de dénaturer l’intime. Pour ce faire, les artistes ont fréquemment recours à des procédés propres à d’autres médias, ou à des références à ceux-ci, qui créent une brèche dans la narration et la figuration, et permettent de laisser entrevoir l’intime. Le théâtre, la photographie, le carnet de voyage et de croquis, la danse et le cinéma font fréquemment irruption au détour d’une case et vont même jusqu’à modifier en profondeur la forme des roman graphiques. Il s’agira, à travers un corpus d’une quarantaine d’œuvres espagnoles contemporaines, intimistes et intermédiales, d’analyser les modalités de représentation de l’intime, de redéfinir ses enjeux au XXIème siècle, et de démontrer que les références intermédiales permettent de réarticuler le texte et l’image dans le roman graphique pour le suggérer. La Critique des dispositifs et l’approche intermédiale constituent des outils pertinents pour examiner les différents niveaux d’imbrication entre les différents médias, et leurs incidences sur la figuration de l’intime. La porosité intermédiale du roman graphique interroge également son statut médiatique et sa place dans le panorama éditorial et culturel contemporain. Ses rapports avec la bande dessinée et le roman s’avèrent en effet ambigus, puisqu’ils oscillent entre rapprochement et différenciation, tantôt affirmant, tantôt remettant en question l’indépendance médiatique du roman graphique. Il s’agira donc de déterminer, au terme de ce travail, si ce dernier s’est établi en tant que série culturelle séparée de la bande dessinée, ou s’il s’inscrit encore dans une phase d’émergence. / Contemporary graphic novels address intimate themes such as autobiography and everyday life. They try to represent the unspeakable, the interiority that resists direct figuration, and they have to create modalities of disclosure that do not imply the distortion of intimacy. To do so, graphic novel artists often resort to strategies used by other media. They can also refer to them in order to cause a breach in the narrative and the figuration through which the reader can catch a glimpse of intimacy. Theater, photography, sketches or travelbooks, dance or cinema often break into the panel. They can even deeply modify the form of graphic novels. Analysing nearly forty intimate and intermedial contemporary Spanish graphic novels, this thesis studies the modalities of representation of intimacy. Moreover, it aims at defining its challenges in the 21st century. It also shows that intermedial references allow the artist to articulate the text and the image in a different way to suggest intimacy. Apparatus and intermediality theories turn out to be relevant tools to examine interconnection levels between different media, as well as their impact on the figuration of intimacy. The intermedial porosity of the graphic novel also questions its media status and its position in the contemporary editorial and cultural context. Its relations with the comic and the novel are ambiguous, since they oscillate between distancing and approaching. Moreover, on the one hand, they corroborate the mediatic independence of the graphic novel, while, on the other hand, they invalidate it. This thesis aims at finding out if the contemporary Spanish graphic novel is already established as a cultural series differentiated from the comic, or if it is still in an emerging stage. / Las novelas gráficas contemporáneas tratan temáticas intimistas, por ejemplo la autobiografía o el relato del día a día. Plantean cómo representar lo indecible, la interioridad que resiste a la figuración directa, y tienen que inventar modalidades de desvelamiento que no impliquen la desvirtuación de lo íntimo. Entonces, los artistas recurren con frecuencia a estrategias propias de otros medios, o se refieren a ellos para crear brechas en la narración y en la imagen a través de las cuáles lo íntimo se deja entrever. El teatro, la fotografía, el libro de bocetos y de viaje, la danza o el cine irrumpen a menudo en las viñetas, y hasta pueden modificar en profundidad la forma de las novelas gráficas. Este trabajo observa, en unas cuarenta obras españolas contemporáneas, intimistas e intermédiales, las modalidades de representación de lo íntimo, y define sus retos en el siglo XXI. Demuestra también que las referencias intermediales permiten articular de una manera distinta el texto y la imagen en la novela gráfica para sugerirlo. La Crítica de los dispositivos y las teorías intermediales resultan ser herramientas pertinentes para examinar los niveles de interconexión entre los distintos medios, y sus incidencias en la figuración de lo íntimo. La porosidad intermedial de la novela gráfica también pone en tela de juicio su estatuto mediático y su ubicación en el panorama editorial y cultural contemporáneo. Sus relaciones con el cómic y la novela son ambiguas, puesto que oscilan entre distanciamiento y acercamiento, y que, por un lado, corroboran la independencia mediática de la novela gráfica, y, por otro lado, la invalidan. Esta tesis intenta averiguar si la novela gráfica española contemporánea ya está asentada como serie cultural diferenciada del cómic, o si sigue involucrada en una fase de emergencia.